Por circunstancias y por temporadas, con una menor o una mayor extensión, desde la gaceta mínima hasta la página entera e ilustrada, este espacio ha ostentado la cualidad de transfigurarse una y otra vez en crónica, crítica, ensayo, reportaje, invitación informativa, reflexión filosófica, entrevista e inclusive texto experimental, lejos de los cánones de un periodismo rancio y poco propositivo. Debo agradecer, muy particularmente, que también desde un principio esta columna ha contado con el más irrestricto respeto de los editores de Prensa Libre en cuanto al modo en que se han abordado su temática general y sus contenidos. Ha sido de lo más gratificante no haber enfrentado nunca la censura ni la reprobación por lo aquí expresado, aun en el caso de tener que destacar realidades duras e incómodas.

A la vez, es esta la oportunidad de agradecer a todas y a todos los que me han acompañado en este viaje durante más de 27 años… Sus múltiples y continuos intercambios, así como sus observaciones y sugerencias han alimentado este espacio y lo han enriquecido de muchas maneras. Gracias a quienes me invitaron a formar parte del diario; a quienes no han dudado en defender la relevancia de estos aportes; a quienes alguna vez me confiaron haber identificado el valor instructivo de estos textos. Ahora yo igualmente declaro haberme instruido con sus acotaciones y ampliaciones en torno a lo que me he permitido compartirles. Siempre con entusiasmo, a ratos con mucha vehemencia, siempre con la intención de contribuir a conocer y a mejorar las condiciones del arte en el contexto de la sociedad guatemalteca.

Si en este momento hago estas aclaraciones, es pensando en quienes han tenido la paciencia de favorecerme con su lectura, domingo a domingo, a lo largo de tantos años, y para quienes el título de esta nota quizá se habrá antojado muy escueto y hermético. Sin embargo, a veces conviene apurar el paso cuando las perspectivas que se presentan a futuro son de otra magnitud y conllevan otras implicaciones. Por eso, informo que me retiro como columnista de este medio de comunicación en consideración de las normativas internas de esta empresa, en relación con mi adhesión a la propuesta de un partido político durante el próximo proceso electoral y con la intención, ciertamente, de obviar cualquier tipo de conflicto de intereses.

Así pues, en lo que se traduce esta breve despedida no es un adiós definitivo ni una desbandada sin probabilidades de volvernos a encontrar, sino un hasta luego. Mientras llega el tiempo de que concurramos nuevamente, deseo de todo corazón que este vacío se pueble de nuevas proposiciones para las lectoras y los lectores. Que vengan nuevas plumas y que sean capaces de transmitir la misma fascinación que en nosotros han producido la investigación, el estudio, la promoción y la divulgación de las artes y de la cultura artística, en especial las de Guatemala, diversas, profundas, valiosas, importantes, decididamente celebratorias de la vida.

Situaciones como esas son proverbiales cuando el mundo de la contabilidad burocrática se entrecruza con el del arte escénico y los insumos que necesita para el montaje de una obra. Es entendible. En el mejor de los casos, si aquel oficinista buscó una definición de diccionario, se topó con que gelatina es una sustancia cuyo estado varía entre lo sólido y lo líquido, incolora y transparente, que procede de la transformación del colágeno del tejido conjuntivo y… eso que ¡él pensaba que era un postre! La confusión aumenta cuando se le informa que la gelatina que solicita el luminotécnico es un sistema coloidal en fase continua… un filtro plástico para modificar el color de la luz que emiten los reflectores utilizados en la iluminación de un escenario. Anteriormente fabricados con una base gelatinosa hasta hace unas décadas, hoy día estas láminas translúcidas son de policarbonato y poliéster, pero permanece el nombre que hace referencia a su origen.

La anécdota se puede emparentar con la del vestuarista que requiere el pago de una docena de ballenas… o del escenógrafo que cobra por seis piernas… o el maestro restaurador que pasa factura por el diablo que adquirió para colocarle el alma a unos instrumentos musicales… El uso de jerga técnica —como en cualquier oficio— siempre ha dado lugar a muchos chistes. De ahí, también, la denominación “cian” en vez de azul-verdoso, o “magenta” en vez de rojo tirando a morado, que pueden tener una etimología tan antigua como la de la Grecia clásica en el primer caso, o tan reciente como una batalla en Italia a mediados del siglo XIX en el segundo.

Lo que no resulta chistoso es que las instancias administrativas de auditoría y contraloría no conozcan ni entiendan con claridad lo que laboralmente implica la obra de arte, ni la actividad de los elencos, tanto artísticos como técnicos, responsables de la representación de una obra escénica. Si lo que pretenden es la adecuada interpretación y aplicación de leyes y reglamentos, así como la revisión y verificación de presupuestos y cuentas, todos debieran empezar por el sentido común. Desde los más altos funcionarios de gobierno hasta el último perito contador contratado por una empresa privada, todos habrían de comenzar con hacerse unas preguntas. ¿Ostenta lógica que el empleado mandado a montar, auxiliar y desmontar una obra escénica desde las 14 hasta las 22 horas (ocho horas de una jornada laboral) se presente a marcar tarjeta a las nueve de la mañana del día siguiente, cuando no hay función? ¿Será de levantar acta y proceder judicialmente contra un artista porque “no está en su puesto” a la hora que nadie puede irlo a ver y escuchar? ¿Qué porcentaje de una población económicamente activa podría acudir, tan siquiera una vez a la semana a la proyección de una película —no digamos a un espectáculo teatral, un concierto o una función de danza, que involucran a actores, músicos y bailarines en escena– en los horarios de trabajo de la mayoría?
Es evidente que a los trabajadores del arte y otros quehaceres no puede encasillárseles, así sin más, en un horario de ocho a cuatro. La indagación en este tema amerita seguimiento.

Nomás que… cuando se trata de apoyar económicamente a quien busca dedicarse al arte como medio de vida, los elogios se visten de escepticismo. A los primeros a quienes asalta la duda es a los cercanos; ¿será que el muchacho de veras podrá sobrevivir pintando cuadros? Más adelante sale a relucir la altanería de los encopetados que le compran uno de sus cuadros sólo porque aquel pintor se ha puesto de moda. Claro, a esos compradores les sirve ostentar una supuesta generosidad, un mecenazgo de ocasión, un auspicio que no es desinteresado, porque esperan algo sustancioso a cambio. Y esto, en el ámbito de las artes visuales tradicionales, debido a que los pintores y los escultores crean artículos tangibles, que un adquiriente puede usar como un complemento para la sala de su casa, para el lobby de su oficina, para su pinacoteca personal, más o menos accesible.

El asunto se torna todavía más dificultoso en el ámbito de lo escénico. ¿Pagar por una grabación de un concierto, o de una función de danza, o de una obra de teatro? La venta al menudeo, de un disco por aquí, de un video por allá, es poca cosa cuando se compara con el costo de un óleo, de la prueba de autor de un grabado, de un mármol, de un bronce.

Sin embargo, molestar la paciencia del lector no es para nada la intención de estas líneas. Sencillamente quisiéramos contribuir a empujar los hechos hacia realidades más felices, en las que muchos autores, muchas autoras, de composiciones musicales, dramas literarios, coreografías, películas, poemarios, novelas y toda suerte de trabajos pictóricos y de la plástica, recibieran el reconocimiento material adecuado a la alta calidad de su producción. Por eso caemos en la reiteración de lo mencionado una y otra vez en este espacio, en cuanto a la comprensión tan por completo ausente del imaginario nacional, que consiste en valorar la prolífera y meritoria producción simbólica de una Guatemala ignorada y, por desgracia, asaz menospreciada. O, ¿es que nos viene tan incómodo e imposible concebir que esta nación podría mover utilidades formales muy apreciables si considerara el arte y los artefactos culturales desde puntos de vista muy diferentes? Verdaderos productos de una verdadera cultura económica y, a la vez, impulsores de un desarrollo que se pueda tasar en términos de un bienestar material palpable.

Como siempre, en la actual coyuntura nacional, en que gradualmente se hacen evidentes las campañas propagandísticas –subliminales o abiertas– para puestos de elección pública, no se ven propuestas orientadas a transformar el sustento físico del arte guatemalteco. Como siempre, las disciplinas de expresión estética son las últimas en recibir la atención de los políticos. Como siempre también son las primeras en desaparecer de los presupuestos y las previsiones sociales cuando se invocan razones tales como prioridad, urgencia, austeridad, eficiencia y honestidad en el gasto público. ¿Es la de nunca acabar? Queremos creer que no. Pero esta fe tiene que estar respaldada y alimentada por los hechos concretos. De poco servirán las quejas y las protestas si no hay programas políticos en serio para darle vuelta al panorama del arte en el país.

A cambio, si el desastre consiste en 56 niñas que se queman en el incendio de un hospicio, la mayoría de las cuales mueren en ese momento o poco después, el asunto no pasa de causar revuelo e indignación temporal entre quienes se rasgan las vestiduras ante el siniestro. Transcurridos dos años de aquello, ¿a quién le interesa hacer algo al respecto, aparte de algunos familiares que todavía buscan justicia e incluso tienen que soportar señalamientos ofensivos e intimidatorios? Y es que… intencionalmente hacer arder en llamas a un grupo de chiquillas en un “hogar seguro” que se supone debe acogerlas y protegerlas… en definitiva eso no es un desastre natural. Es un absurdo, una vergüenza, un crimen, atroz e incalificable.

No duele solamente la actitud de indiferencia de las autoridades, que evidencia su responsabilidad y su complicidad en la inmolación de las jovencitas. Lo que hiere profundamente la humanidad es la abierta hostilidad de quienes se atreven a atribuir semejante desgracia a las propias víctimas y a sus parientes. Es el inveterado descaro de aquéllos y aquéllas que ponen el grito en el cielo cuando ven perjudicados sus intereses mezquinos y sus privilegios mal habidos, pero parecen incapaces de entender el origen de sus prejuicios contra quienes no les merecen el menor respeto. Claro, el problema comienza con la condición de mujer, objeto de sorna hasta por parte de otras mujeres. Sin posibilidades económicas, obviamente. De origen indígena, para terminar de amolarla.

Encima, se acogen a la pretendida caridad estatal, qué desperdicio de recursos. De seguro esas niñas eran delincuentes, como las que han sido violadas y asesinadas so pretexto de que eran guerrilleras, prostitutas o, simplemente, por tontas y haraganas. Que dejen de valerse de instituciones de beneficencia, que se pongan a trabajar —en labores “propias de su sexo” naturalmente—, que se regresen a sus pueblos, que no perturben la paz de quienes por derecho divino han heredado una mejor suerte. Inverosímil, pero cierto.

Lo acontecido en el proclamado Día Internacional de la Mujer, oh ironía, un 8 de marzo de 2017 en el Hogar Seguro Virgen de la Asunción, no es como para que sigamos asombrados, ni atolondrados, ni inertes — que todos ésos son adjetivos equivalentes de… pasmados—. Exige acción concreta. Esa acción se inicia con la toma de conciencia, sin hipocresías y, ciertamente, sin más crueldad ni más estupidez. Aquí es donde es necesario que alce su voz el arte, en permanencia y en todas sus expresiones. Las consignas son claras: no perder la memoria, no acomodarse, no desesperar, no imaginar que las soluciones vendrán de una instancia intangible y superior. No participar únicamente porque es moda y visibilidad. No desestimar el potencial de los artistas.

Si a lo anterior agregamos la ponderación de lo social veremos que, al igual que la música, la arquitectura rebasa el simple cometido de funcionar para un momento o para un selecto de personas nada más. El siglo XX es abundante en reflexiones y propuestas urbanísticas y, en el caso de un movimiento como el que inició la escuela Bauhaus, la obra de arte “total”. Constituida en 1919, la Bauhaus duró escasamente un decenio y medio en su nativa Alemania pero, a un siglo de su fundación, continúa influyendo y definiendo profundamente la manera de concebir el diseño gráfico, de interiores e industrial, la educación arquitectónica y la arquitectura propiamente dicha. Llevado todo esto al diseño social, la Bauhaus planteó la simplificación y la racionalidad de un arte que intenta conciliar la producción en masa con la creación individual, así como el sentido de lo bello con lo útil, filosofía de un arte nuevo, que se resume en la famosa frase que había sido acuñada a fines del siglo XIX, “la forma sigue a la función”.

Como todas las grandes innovaciones, la Bauhaus y su propuesta se han visto demeritadas por quienes se resisten al cambio, desde la multitud que con ligereza califica a la arquitectura moderna cual creación sin gracia, hasta el asustadizo partido nacional-socialista que forzó el cierre de la escuela en 1933 so pretexto de que se trataba de un enclave de pensamiento comunista.

Hoy, en nuestro país, ¿por dónde podremos acercarnos a los lineamientos de una arquitectura y de un urbanismo orientados a la solución eficaz de los problemas torales que aquejan a la ciudad de Guatemala y, por extensión, al resto de las urbes guatemaltecas? Una propuesta digna de consideración se ha denominado Metrópolis XXI. En estos días se ofrece un ciclo de conferencias, que se inició el viernes pasado con La Ciudad Ideal, una primera plática a cargo del arquitecto Álvaro Véliz. Continuará este viernes 1 de marzo, con La Ciudad y El Agua, por el licenciado Juan Carlos Godoy. La última será el jueves 7 de marzo, La Ciudad y El Transporte Público, a cargo del doctor Eduardo Velásquez. Todas, en el edificio de los Colegios Profesionales, a partir de las 18 horas. La invitación va más allá de los especialistas; son temas de absoluta relevancia en el tiempo y en las circunstancias actuales.

De la producción y la publicación del compacto, que se denominó El repertorio de San Miguel Acatán, se cumple un cuarto de siglo este año. Fue la afortunada colaboración artística que ya hemos reseñado anteriormente en este espacio, de La Cantoría de Tomás Pascual y el Cuarteto Contemporáneo. Cuatro años después, en un siguiente disco, el cuarteto abarcaría por su cuenta un período mucho más extenso en la creación nacional, Música guatemalteca 1582-1990. Un proyecto similar se concretaba década y media más tarde, con Música guatemalteca 1820-2003, precedido por la banda sonora de la película Qak’Aslemal; y, a fines del año pasado, Exorcismo, con siete piezas de cámara de Joaquín Orellana. Tal como se puede apreciar, en estilos muy variados.

El cambio de milenio se vio plasmado en otras tres placas muy diferentes. La primera, una colección de Canciones para Días de Lluvia; otra, con música barroca de El Quiché, El Repertorio de San Sebastián Lemoa; una tercera, con un CD doble que contiene la música para 18 obras de teatro y danza, El Actor etéreo. Las temporadas siguientes verían, por aparte, la realización de El Repertorio de Catedral, Viaje musical por Guatemala, Una nueva Marimba, El Clarinete guatemalteco, El Violonchelo guatemalteco y Diálogo introspectivo. Estos seis títulos equivalen a un disco adicional cada dos años, a partir de mediados de la década anterior. Para el actual 2019 está contemplado el lanzamiento de una antología de música coral, además de la banda sonora de una nueva coreografía aún sin estrenar. Hablamos de una quincena de producciones en el formato de disco compacto, todo muy diverso, pero siempre con música de Guatemala.

La inquietud que me ha movido a compartir este listado con quienes nos encontramos acá domingo a domingo, surgió a causa de una interrogante que me han planteado en diversas oportunidades. ¿Por qué registrar y promover exclusivamente música guatemalteca en CD? Tras 25 años como productor musical de estos artefactos culturales –aparentemente condenados a la desaparición por la tendencia actual a recurrir a plataformas virtuales– evoco las palabras del violonchelista del Cuarteto Ysaÿe de Francia, cuando esa prestigiosa agrupación aceptó que les ofreciéramos una audición de obras nacionales, durante la única visita que efectuaron a nuestro país. “Todo mundo, incluso el Cuarteto Ysaÿe, interpreta y graba música europea y estándares aceptados por el público”, nos dijo. “Pero, ustedes, por esa misma razón, deben continuar con la labor de estudiar y difundir la música guatemalteca.”

Evidentemente, no es cuestión de grabar cualquier producto por el mero hecho de haber sido creado localmente. Aunque la relevancia histórica y contextual es importante, no es suficiente; el parámetro decisivo habrá de ser siempre el valor estético. En ese sentido es donde pesa un cuarto de siglo de andar en la tarea de producción. No es únicamente hacer que cobre existencia el disco, sino escuchar y aprender. Escuchar atentamente de quienes puedan guiarnos y aprender de quienes representen de mejor manera la expresión nacional en el ámbito del arte. ¿Otros 25 años más de producción? Hacia eso vamos.

Su trabajo lo llevó incluso a la reflexión sobre los cambios climáticos provocados por el ser humano, una anticipación notable para su época y tema urgente hoy día, cuando ciertos sectores económicos se empeñan en minimizar la necesidad de frenar el daño ambiental inducido por la emisión de gases provenientes de la industria automotriz, la producción de cemento y la ganadería. La extraordinaria amplitud y el rigor metodológico de los estudios que abarcó von Humboldt, junto con su denuncia de las condiciones de explotación de las poblaciones indígenas y negras, lo convierten a la vez en una figura profundamente respetada, como en una antítesis al dogma, a la exagerada especialización que impera actualmente en círculos académicos y a quienes pretenden que la ciencia sirva como herramienta para justificar y mantener inequidades sociales y políticas.

Para nuestras latitudes, su relevancia se deriva del extenso viaje que emprendió por Venezuela, Cuba, los Andes y México entre 1799 y 1804 —inicialmente detallado en un diario personal de cuatro mil páginas—, que luego convirtió en numerosas publicaciones a lo largo de su vida, merced a su afán por dar continuamente a conocer los frutos de su indagación. Es de resaltar que siempre se preocupó por elaborar textos dirigidos no solo a otros especialistas, sino al público en general, por medio de un lenguaje accesible, gráficas comprensibles y múltiples ilustraciones.

En homenaje al aniversario de tan destacado personaje, la Universidad Rafael Landívar toma la delantera para Guatemala, como sede del congreso interdisciplinario denominado “Todo está entretejido: vulnerabilidad y perspectivas socioambientales”, con el apoyo de la Embajada de la República Federal de Alemania, el Servicio Alemán de Intercambio Académico, la Asociación Von Humboldt, el Instituto de Idioma Alemán y el Club Alemán. El encuentro contará con la participación de dos especialistas invitados, los doctores Michael Zeuske y Werner Mackenbach, así como otros estudiosos alemanes y guatemaltecos, en sendas conferencias y mesas de discusión. Además, la temática viene bien al momento en que la capital guatemalteca ha recibido una distinción como Capital Verde Iberoamericana, título que sería mejor visualizar como un incentivo que como un premio, a fin de mejorar pronto la suerte del cinturón ecológico de la ciudad, la protección de la biodiversidad, la salud y el uso del suelo.

La invitación está abierta a todos. Lunes 18 y martes 19 de este mes, en el campus de la Universidad Landívar, a partir de las 9 horas. Los días 20, 21 y 22 en el Paraninfo, el Club Alemán y la Cooperación Española en Antigua, respectivamente, a partir de las 18 horas.

Por supuesto, la raíz del problema viene de muy atrás, desde que la educación institucional se visualiza como el cumplimiento de disposiciones convenientes al mantenimiento de un statu quo, permanente e incuestionable, independientemente de la represión que se ejerce sobre los educandos. Disfrazadas esas conveniencias como “valores”, “fundamentos morales”, “normas de buena conducta”, “éxito” o “liderazgo”, la vida escolar no está orientada ni al individuo ni a la colectividad. Salvando el caso de programas aislados y maestros preclaros que siempre se constituyen en excepciones, la intención de la instrucción pública y privada no es que los jóvenes se descubran a sí mismos, que puedan crear su propio significado personal y que alcancen la autonomía para trazar su propio camino. Tampoco es crear una conciencia solidaria, que busque abolir prejuicios de clase y, cuando menos, aprender a actuar en equipo.

Sobre esto —y aquí se pone espinudo el tema—, ¿cuáles son esas asignaturas que, de pronto, le interesó abarcar al plantel en cuestión, y por qué? Idioma kaqchikel, por una parte; Productividad, por la otra. El Ministerio de Educación indica que deben impartirse, pero no por avanzar el pensamiento y la integralidad de una nación multiétnica en el primer caso; mucho menos por avanzar la capacidad creativo-productiva de los estudiantes, en el segundo. Aprender otro idioma es comprender a profundidad la sabiduría y la visión del mundo que no puede reducirse a frases hechas y un vocabulario mínimo. Aprender a ser productivos es desarrollar nuestra inventiva y nuestra capacidad para compartir, lejos de añadirnos a una masa informe de asalariados.

Así, nuestra afligida madre de familia acudió al plan de fin de semana del Conservatorio para compensar de alguna forma la mal encaminada resolución del colegio de su hijo. Aunque fuera solo una vez a la semana, en sábado o en domingo, esto le permitiría continuar su preparación musical. Ahora resulta que corre el rumor de que el Ministerio de Cultura anda contemplando forzar el cierre de ese plan, dejando en la calle no solamente al jovencito, sino a cientos más —muchos de los cuales vienen del interior, donde las opciones son todavía más escasas. O… ¿no es un rumor nada más, sino otro designio macabro? ¿Por qué mandarían suspender clases precisamente en el Conservatorio ayer sábado y hoy domingo, bajo el fortuito pretexto de efectuar una evaluación por supuestos daños a causa de un sismo leve?

1719. Nace Leopoldo Mozart. Recordado principalmente en tanto padre y mentor de Wolfgang Amadeus, es el principal responsable de que a su chiquillo se le reconozca como uno de los genios universales de la música y, junto con su hermana Nannerl, lo impulsó decididamente. Su dedicación a la educación de sus hijos probablemente le costó nunca ascender a una mejor posición laboral y que sus esfuerzos se orientaran a la pedagogía antes que a la creación. Su principal legado es su tratado sobre la técnica del violín, hasta hoy día un referente fundamental para músicos comprometidos con la interpretación históricamente apropiada de este instrumento.

1819. Nacen Franz Von Suppé, Jacques Offenbach y Clara Schumann. Al primero de ellos podría considerársele como padre de la opereta austríaca, en tanto al segundo podría aplicársele un mote similar, en cuanto a la ópera ligera francesa. Está ya desgastado que para los estirados propugnadores de una música supuestamente “seria”, a ninguno de los dos se le puede tomar en serio… pese a lo prolífico de su producción y los múltiples obstáculos que hubieron de superar durante sus vidas. La continuada nombradía y presencia de sus temas más memorables —empleados frecuentemente en películas, caricaturas, anuncios y conciertos populares, tal el caso de Von Suppé— y la extensa influencia en otros autores, tanto de su tiempo como posteriores —en el caso de Offenbach— son los mejores testigos de su autoridad en el campo musical. Sobre esto, no se puede pasar por alto el dominio de la orquestación del primero, ni es atinado olvidar el virtuosismo de Offenbach como violonchelista, entre otros rasgos que saldría demasiado minucioso detallar en este espacio.

La historia de Clara Schumann es muy diferente. Pianista distinguida y compositora, Wieck es su apellido de familia, pero se esconde tras el del célebre Robert Schumann, cuando este se convierte en su marido, tras conocerla y haber abandonado sus estudios de derecho para eventualmente casarse con ella. Esta extraordinaria mujer fue fundamental para avanzar la interpretación y la pedagogía del piano en el siglo XIX, además de estrenar obras de Schumann y Brahms, organizar y llevar a cabo múltiples giras en varios países y, todo esto… ¡aparte de sobrellevar la temprana muerte de su esposo, mentalmente perturbado, criar y mantener a los siete de sus ocho hijos que llegaron a adultos, e incluso a sus nietos! Bien valdría la pena, en su bicentenario natal, que quienes tratan temas de género abordaran a profundidad su biografía.

1919. Nace Wladziu Valentino Liberace. Mr. Showmanship (el Señor Teatralidad) llegó a simbolizar todo lo que significa el arte del espectáculo durante el siglo XX. Desde un principio sabía lo que quería ser y lo resumió perfectamente en la frase “yo no doy conciertos, yo monto un espectáculo”. Objeto de asombro por sus excentricidades, sus atuendos extravagantes, a la vez que blanco de burlas por su forma de tocar el piano y su preferencia sexual, Liberace encarna a la estrella de la música, el cine y la televisión, pleno de energía, inventivo, impaciente con la mediocridad de los medios, materialmente muy exitoso —y, al mismo tiempo, cercano a su público—. Apenas unos meses antes de morir y ya enfermo, a la edad de 67 años todavía presentaba, imparable, una serie de 56 conciertos, taquilleros, espectaculares, originales, personales…

Por dicha, la calidez del repertorio y la entregada actuación de los músicos compensaron ampliamente la incomodidad de la ubicación espacial. El programa deleitó a los escuchas y, en verdad, no es de sorprenderse. De entrada, el Trío Op. 49 de Felix Mendelssohn (1809-1847), una obra que sienta las bases del romanticismo musical germano en la mitad inicial del siglo XIX. Luego, una de las piezas más encantadoras que se haya escrito para viola y orquesta, la Romanza Op. 85 del también alemán Max Bruch (1838-1920), en su versión acompañada por piano, representa el romanticismo tardío. Para concluir, el Cuarteto Op. 67 del español Joaquín Turina (1882-1949), que amalgama la herencia arábiga del autor con el impresionismo francés del incipiente siglo XX.

Todo ese catálogo de datos resultaría árido, sin embargo, de no ser por el muy buen trabajo de los intérpretes. Alfonso Hernández nuevamente demostró ser uno de los mejores pianistas guatemaltecos de hoy, gracias a la combinación de energía, precisión y delicadeza que le caracteriza y que sabe emplear según lo van requiriendo las exigentes partituras que convierten al piano en el elemento unificador de un recital de cámara como el del pasado miércoles. Por su parte, el violinista brasileño Tiago Ellwanger, así como los guatemaltecos Ángel Pérez en la viola y Elisa Irene Aquino en el violonchelo, completaron un formidable elenco. Aunque podrían haberse refinado ciertos detalles de las intervenciones individuales y colectivas —en cuanto trío o dúo o cuarteto—, los cuatro supieron compenetrarse entre sí, sin perder la personalidad de cada cual. Una merecida felicitación por una velada musical muy agradable.

Aquí es interesante mencionar que tanto Alfonso como Elisa actualmente perfeccionan su técnica en los Estados Unidos, mientras que Ángel se prepara para continuar su formación en Costa Rica a partir de febrero. Su presentación hace unos días obedece a su buen talante y su capacidad para colaborar con el Programa Permanente de Arte en el Palacio Nacional y ofrecer el concierto inaugural de 2019. Además, si mantienen este ritmo de estudio, junto con la influencia positiva y la experiencia profesional de artistas como el maestro Ellwanger, el futuro que les espera no puede ser otra cosa que promisorio y exitoso. Hemos de suponer, de este modo, que hay en camino un sueño. No es solamente la combinación de unos instrumentistas para una eventual presentación artística. Es el sueño de muchas y muchos jovencitos que necesitan apoyos concretos, institucionales y comprometidos para poner a Guatemala en otro nivel, cabalmente el nivel donde mejor podemos destacarnos como país.

Esta supuesta simplificación de la carga académica acarreaba una pauperización aún mayor de una formación de por sí escasa. A la vez, la ventaja laboral de las instituciones privadas convenientemente derivaba en despedir a los profesores de música. Sobre eso, no se puede obviar que el Mineduc lleva una década sin abrir una convocatoria formal a nuevos maestros de arte, de manera que aun cuando hay muchos candidatos, apenas se cubre una tercera parte de las plazas en las escuelas nacionales. En suma, y tal como lo identifica una esforzada pedagoga, se le propinaba el último y mortal golpe al episteme de la enseñanza musical: estrangular el conocimiento exacto de la instrucción en música, mutilar la vocación docente y negar la prerrogativa de los escolares.

Ante tal panorama, vale la pena agradecer que en el último día del año recién finalizado apareciera publicado el acuerdo ministerial 3764-2018, cuyo artículo 10 dice que, “Para la implementación del área de Educación Artística se deberá trabajar con docentes especialistas. Los docentes trabajarán su especialidad de formación. El Sistema de Registros Educativos deberá reflejar los lenguajes artísticos desarrollados a lo largo del ciclo escolar.” La formulación del artículo es demasiado escueta y poco clara como para establecer un decidido compromiso por parte del Ejecutivo, aparte de que no constituye una innovación, sino la recuperación de un derecho. Pero esa aparente marcha atrás, aunque no implique el reconocimiento de un error, es importante. Ahora viene la tarea de explicar, hasta para el último director de escuela en la aldea más alejada, en qué consiste la implementación del acuerdo. En el diálogo que ha sostenido el Foro Latinoamericano de Educación Musical con el Mineduc se solicita una notificación oficial dirigida a la Dirección General de Currículo, de donde habrán de emanar los lineamientos a las direcciones departamentales, para llegar hasta los supervisores y, finalmente, a los centros educativos. Se trata de precisar a partir de cuándo entra en efecto la asignación de los dos períodos específicos que le corresponden a la enseñanza de la música en básicos. Además, no puede dejarse de lado que mientras se siga justificando la existencia de entidades privadas que ofrezcan educación primaria y secundaria, y según el artículo 73 de la Constitución, las mismas funcionarán bajo la inspección del Estado y están obligadas a llenar, por lo menos, los planes y programas oficiales de estudio, pues gozan de la exención de toda clase de impuestos y arbitrios.

Una felicitación y un encomio a los maestros que velan por la vigencia de la educación en música, en particular a los incansables integrantes de la sección guatemalteca del FLADEM.

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Es habitual, cuando se le acaban las hojas al calendario, que nos lancemos a formular votos por la felicidad y la prosperidad durante el ciclo que viene. Abundan las buenas intenciones, las buenas resoluciones, los buenos ánimos para superar lo logrado en los últimos doce meses, dejar atrás lo que no ha salido como esperábamos y encarar nuevos retos. Solemos llenarnos el espíritu con una esperanza, más o menos difusa: las cosas van a cambiar.

Pero, ¿qué significa cambiar? Si nos auxiliamos de la filosofía, veremos que el cambio es propio de todo objeto y de todo fenómeno, y es la forma en que generalmente existe todo, tanto en cantidad como en calidad; es decir, en transformación constante. Incluso aquello que parece estable e inmutable no es sino el resultado de cambios y no representa más que un momento o un caso particular de cualquier cosa. Por lo tanto, si andamos esperando que las cosas cambien, estamos cayendo en una redundancia, pues eso ocurre todo el tiempo y ocurre independientemente de nuestros deseos y de nuestras acciones. Deviene ocioso predicar la permanencia y la perpetuidad de ciertas circunstancias o de ciertos entes —reales o imaginarios— para aferrarnos a ellos con tal de no caer en la desesperación. La noción de seres o situaciones con características definitivas e invariables es una ilusión.

Ante la constatación de lo anterior, podríamos dejarnos arrastrar por la comodidad. Podríamos concluir que si el cambio es incesante e inevitable, para qué vamos a preocuparnos de ello. Podríamos dejar que el mundo siga su curso; al fin, nuestra presencia es efímera y nuestro poder, limitado. Sin embargo, olvidaríamos así que cada quien también es agente de cambio. Vale decir, cada cual tiene capacidad de obrar y su actuación —o su falta de actuación— tiene efectos. Encima, hay tantos, tantísimos asuntos que están urgidos de renovación, de modificación, de evolución. Si estamos conscientes de esto, no nos asustará la metamorfosis. Antes bien, la abrazaremos y seremos elementos activos en ese proceso, en ese cambio de una cosa que se convierte en otra diferente. Esto implica aceptar lo que tenemos, aunque no nos hallemos a gusto con ello, porque no es posible pasar a otro estado que anhelamos si no partimos del actual.

En ese sentido, este espacio periodístico no pretende perderse en la disquisición abstracta, por un lado, ni puede escapar a la contradicción entre lo poco que es factible transformar en la realidad cuando se compara con lo mucho que falta hacer, por el otro. Simplemente buscaremos, como siempre, que se constituya en un aporte para construir una sociedad digna de llamarse humana. En ese sentido, igualmente, es que el arte de Guatemala —materia principal de esta columna— provee un paradigma excelente. En verdad, la cultura artística guatemalteca, aun desprovista de los sustentáculos que merece y plagada como está de tanta precariedad, es paradigmática de lo que es viable hacer para el desarrollo social y económico de la nación. Un paradigma, no sólo en su acepción como ejemplo, sino como el conjunto de las potencias con las que cuenta el arte y las numerosas variantes que de él se derivan.

Invito, pues, a quienes semana tras semana me favorecen con su lectura, y como en muchas otras ocasiones, a que apoyemos resueltamente toda manifestación artística nacional de alto nivel. Reclamemos, claro, que permanezca lo bueno. Exijamos, asimismo, que cambie para mejor lo que no es tan bueno. Sobre todo, no esperemos para ver qué sucede. Actuemos para que suceda.

presto_non_troppo@yahoo.com

Huésped frecuente de este espacio, el compositor Joaquín Orellana ha conocido venturas y aventuras que a lo largo de los últimos años han sido objeto de atenciones a cuales más variadas y que durante estos últimos meses, en particular, han dado lugar a una prolífica reflexión. Es una reflexión específica sobre un artista que acaso se identificaba a sí mismo cuando dijo que “jugaba, como un poseído mago, con un viento cuajado de pregones”. Pero, además, es una reflexión, en general, sobre el derrotero de los grandes generadores de la producción simbólica en esta tierra llamada Guatemala.

Indudablemente, lo más sonado fue la emisión del decreto 22-2018, el 11 de octubre, con el cual el Congreso de la República declaraba a Orellana como “guatemalteco ilustre por su aporte extraordinario” a esta nación y le otorgaba una pensión por Q7 mil mensuales. Eso sí, al momento de redactar esta nota, aún no ha recibido nada de lo ofrecido… tal vez, para febrero, dicen…

Una quincena antes, el estreno guatemalteco de su Sinfonía desde el Tercer Mundo lograba acaparar la atención de suficientes personas como para llenar la Gran Sala del Centro Cultural y suscitar nuevas muestras de entusiasmo por su obra. Las de sus amigos incondicionales, genuinas, constantes, concretas. Las de sus admiradores de ocasión… lejanas, eventuales.

Por su parte, en abril de este año, el doctor en artes y maestro costarricense Gerardo Meza Sandoval publicaba Del Paisaje Sonoro a la Marimba Fantástica, un libro importante para examinar y valorar el trabajo de Orellana desde una perspectiva estética, sociológica y política. No es el primero en el que el doctor Meza se ocupa de este autor guatemalteco. Pero, ¿podría ser el primero que se conociera como es debido si se le diera difusión como es debido…?

Este 2018 comenzó bien, tras el nombramiento como Personaje del Año que Prensa Libre le adjudicara justo el último día del año pasado. Queremos pensar que un augurio igual de positivo se cristalice en actos tangibles este año que viene, porque los motivos para ello sobran. De la labor archivística que ha realizado el licenciado Jonathan van der Henst, por ejemplo, se ha desprendido el redescubrimiento de dos piezas de música de cámara que se daban por perdidas: el Cuarteto I (1957) y el Trío de Cuerdas (1962). Ahora, recién transcritas y digitalizadas por primera vez, contamos con una demostración de la capacidad del maestro como polifonista en una etapa relativamente temprana de su creación. Igualmente, se ha puesto al día una obra aún anterior, el Exorcismo Scherzante (de 1955), que aguarda la interpretación de ejecutantes dispuestos a explorar una alternativa al mismo repertorio de siempre para piano.

Encima, a partir de este diciembre y gracias a un aporte del Ministerio de Cultura y Deportes, contamos con un novísimo disco de música para cuarteto de cuerdas, cuyo lanzamiento oficial está programado para 2019. En esta producción figuran siete obras, pertenecientes a distintas etapas en la tarea creativa de Joaquín, que ponen en evidencia al maestro como una fuente inagotable de ideas y propuestas artísticas. Si a esto aunamos el permanente impulso que le lleva a continuar componiendo —en este mismo momento que Ustedes, apreciados amigos y amigas, le dan lectura a esta columna—, aparte de un nuevo proyecto de catalogación de la obra que ya tiene anotada, así como el reestreno de otras piezas que habían quedado relegadas… es incuestionable que Joaquín Orellana sigue viendo al futuro.

Nuestros mejores deseos en esta navidad, queridas amigas, queridos amigos.

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La historia inmediata comienza en un restaurante de comida rápida, hace una década, con los convivios de fin de año que sostenían Jorge Godínez, Arturo Palomo y Hugo Monteagudo, rockeros guatemaltecos de vieja guardia.  Pasadas tres temporadas, la reunión se amplió para incluir a más colegas cada vez, y así se fueron sumando figuras como Maco Luna, Edgar Solís, Manlio Montenegro, Manuel Santizo, Rico Molina, Erwin Solórzano, Guillermo Antillón, Tito Henkle, Mario Palomo, Édgar González, Romeo Rodríguez, Aníbal Córdova, Emilio Alvarado, Carlos Moreno…

Pero aquello se remonta bastante más atrás, a la década de 1960, hasta los principios mismos del rock en todo el mundo. Guatemala se inscribió, desde temprana hora, en un movimiento que no sólo revolucionó profundamente la forma de concebir y hacer música, sino que se constituyó en todo un modo de ver y llevar la vida. Hoy día puede ser que esos nombres no sean conocidos para los lectores –ni siquiera para quienes se desenvuelven en el campo del arte, inclusive en el reducido circuito de quienes tengan un interés especial en la trayectoria del rock nacional. Posiblemente no tengan idea de quiénes fueron los Marauders, los Jets, Módulo 5, Teisco Stars, Psicópatas, Ciclones, Chaquetas Negras, SOS, Apple Pie, Los Traviesos, La Compañía… y muchas agrupaciones más. Luego, en la década de 1970, Caballo Loco, Opus 3, Cuerpo y Alma, Siglo XX, Pastel de Fresa, Grupo María, Plástico Pesado, Santa Fe, Terracota, Xibalbá, Azúcar, Banda Solar, Caoba, Quetzalumán… entre tantos otros. Incluso en el interior de la república, donde se puede nombrar a Fénix (en el Petén), Los Way (en Jutiapa), Diablos Blancos (Chiquimula), Los Terribles (Quezaltenango)… por enumerar a unos cuantos. Hablamos de un centenar de conjuntos guatemaltecos cuya propuesta cabe debajo de la gran sombrilla del rocanrol en su primer florecimiento, aunque en ese camino oscilen de la balada pop y la música tropical hasta el jazz, el fusion y el rock propiamente dicho.

Es el “Orejitas” Godínez quien ha recogido muy buena parte de esta historia en dos novelas referenciales, Rockstalgia, de 1996, y Rockfilia, de 2007. Es él, también, quien tras darle vida al convivio anual de los old rockers guatemaltecos, ahora convoca a la celebración de su décimo aniversario, en que se reunirán siete propuestas, en vivo, en un mismo concierto –La Máquina del Tiempo, Cuerpo y Alma, Pululo’s Band, Blues King, Laberinto, Meme Santi y Óscar Corletto– para interpretar éxitos de antaño, de artistas británicos y norteamericanos. Es él quien propone, “regresar a las raíces, evocar cómo comenzó el rock en Guatemala y sensibilizarse a una música que provino de los barrios, cuando todavía no se había comercializado como un producto ligero y digerible”.

Por supuesto, la lógica de estos old rockers guatemaltecos es debatible: más vale un cover bueno que un original malo. Debatible, porque puede criticárseles la preferencia por material extranjero y la relativa irrelevancia de una producción propia. Pero es razonable, en la medida en que no podemos olvidar que incluso los más grandes músicos siempre han interpretado música de otros autores en alguna etapa de su carrera. “Es como lo que sucede con una sinfónica, que normalmente no compone su propia música, sino que toca clásicos del repertorio. Tocar covers te garantiza música buena”, acota Jorge Godínez.

La ocasión para considerar tales afirmaciones es este miércoles 19, a partir de las 14.30 horas, en Trovajazz, zona 4, sin costo de admisión. ¡Un convivio y un encuentro musical sui géneris!

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O, para ser más exactos: cuatro violonchelistas guatemaltecos en el “Primer Congreso Mundial del Violonchelo”, que se llevó a cabo en los alrededores de la capital de los Estados Unidos, hace seis meses… y 30 años. El evento se inauguró el 7 de junio de 1988 y durante varios días convirtió a la Universidad de Maryland —que funcionó como sede del evento— en el centro de atención de los chelistas de todo el mundo.

Aun cuando no pudieron asistir algunos de los notables del instrumento, aquello fue ocasión de un encuentro espectacular: Paul Tortelier, Zara Nelsova, Bernard Greenhouse, Miloš Sadlo, Gary Hoffman, Steven Isserlis, Maria Klingel, Maurice Baquet, Siegfried Palm, Arto Noras… y ¡400 ejecutantes más! que proveníamos de todo el planeta. Y todos, todas, guiados por uno de los artistas más importantes del siglo XX, violonchelista él también, Mstislav Rostropovich. Mi honor y mi privilegio fue formar parte de la delegación guatemalteca, al lado de los maestros Eduardo Ortiz Lara, Alfonso Alvarado Coronado —en aquel entonces respectivamente principal y asistente de la sección de chelos de la Sinfónica Nacional— y mi padre, Manuel Alvarado Coronado.

El acontecimiento se constituyó en un escaparate para una gran variedad de conciertos, conversatorios, conferencias, exposiciones, demostraciones, venta de instrumentos acústicos y eléctricos, partituras y grabaciones, e inició una serie de otros simposios “chelísticos” internacionales que se siguen verificando hasta la fecha. Sobre eso, en lo personal, una serie de experiencias muy enriquecedoras. Presenciar recitales orientados específicamente a la interpretación de obra contemporánea para violonchelo, alejada del acartonamiento y los condicionamientos escolásticos. Ensayos espontáneos con músicos que nunca antes había visto en mi vida. Pláticas inquietantes, con temáticas relevantes a la actuación escénica, a la exploración de nuevos repertorios y técnicas, a la instrucción musical. Preguntas, muchas preguntas. ¿Estudiar únicamente si se puede dar la talla como profesional internacional del instrumento? ¿Disuadir a quienes no correspondan con la inversión realizada por las instituciones educativas? ¿Competencias, certámenes, títulos, trayectoria académica como elementos de juicio para calificar a un músico? Intercambios con una profesora escocesa, un solista yugoslavo, un administrativo portorriqueño, un lutier norteamericano. Tomar parte en una entrevista que salió esa misma semana en el Washington Post. Un momento singular, cuando el maestro Tortelier me brindó, sin mayor ceremonia, una clase individual en uno de los salones universitarios durante un receso en el atiborrado programa de actividades. Ni qué decir de las tertulias y las charlas informales con chelistas jóvenes que se hacían las mismas preguntas que yo, aunque viniéramos de países y ámbitos muy diferentes.

En última instancia, al rememorar aquellos instantes que vivimos juntos con don Guayo, don Poncho y don Meme, y compartirlos con mis estimados lectores, no puedo dejar de pensar en la camaradería que logró impregnar en nosotros la preparación del último punto en la agenda de esa intensa semana: el concierto de clausura, bajo la batuta de Rostropovich. Doscientos de los chelistas participantes acordamos interpretar conjuntamente, entre otras composiciones para ensamble de violonchelos, La Gran Bandera de Tortelier; Cellos, de Morton Gould, y la Sardana de Pablo Casals. Una hermosa aventura musical que no puedo imaginar exclusiva para músicos, sino como un símbolo para todos los seres humanos.

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Último concierto de la Orquesta Sinfónica Nacional en su presente ciclo, el pasado jueves 29. El auditorio del Conservatorio Nacional, con una buena asistencia de público. El público, ávido de escuchar un repertorio innovador e interesante. El repertorio, valioso; ciertamente justifica la denominación “temporada extraordinaria” cuando nuestra principal orquesta sinfónica brinda lo que se debe calificar como su cometido fundamental: la difusión de la música de Guatemala. Una música muy bienvenida, aunque todavía pendiente de un estudio a profundidad, de una ejecución frecuente y de una asimilación y divulgación mucho más amplias.

Entre los comentarios del folleto de mano apuntó el joven compositor Xavier Beteta que el programa de la noche trataba de reencontrarnos con Ricardo Castillo y Manuel Martínez Sobral y, de cierta forma, entablar un proceso de recuperación de su música. Fue así como durante la función se escucharon piezas de estos tres autores. A modo de obertura, “Guatemala I” de Castillo, para concluir con “Acuarelas chapinas” de Martínez Sobral. En la parte central y en estreno absoluto, el “Concierto N° 1 para piano y orquesta” de Beteta. El propio autor fue el solista. Como director de orquesta actuó el maestro Ernesto Calderón.

Es evidente que cuando procuran retratar lo guatemalteco, siempre se trasluce y resulta determinante la admiración que Castillo y Martínez Sobral sienten por los compositores europeos que inspiran su manejo musical de motivos y estímulos locales, tanto en lo conceptual como en lo técnico. Acertadamente indica el maestro Rodrigo Asturias –actor clave para el conocimiento y la puesta en valor de estos dos autores guatemaltecos– que ambas piezas, de 1934 y 1907 respectivamente, buscan trasladar lo visual a lo auditivo. De este modo es que los dos hacen alusión a los ambientes que formarían parte de sus vivencias y, a su vez, observan y reflejan el desfase histórico de una Guatemala que permanece en pugna con siglos de inmovilidad social. En franco contraste, la obra de Beteta también se vincula en cuanto a lo visual, desde su título “Tomás de Merlo” y los encabezados de sus movimientos, pero se libera en cuanto a su deuda artística. Este concierto para piano se refiere a tres de los seis cuadros del célebre pintor del siglo XVIII, que fueron sospechosa e impunemente sustraídas del Calvario de Antigua hace casi siete años (confróntese el artículo que a la sazón publicamos en este mismo medio, el 9 de febrero de 2014). Su lenguaje musical, empero, es personal: la construcción textural antes que melódica, ciertos tonos que funcionan como ejes alrededor de los cuales ocurren las intervenciones de la orquesta, el piano que repetidamente deviene un elemento obligado antes que protagonista y, en general, una solidez contenida, vigilante, alejada del malabarismo, que no es facilista pero tampoco se extralimita.

Felicitaciones a la Sinfónica Nacional y un saludo muy efusivo a Xavier, por habernos compartido la primera exposición pública de esta composición, no solo como autor, sino como ejecutante al piano, instrumento que domina de manera muy completa. Igualmente va un reconocimiento para Ernesto, al frente de la orquesta, cuyo desafío primordial sigue siendo la falta de costumbre para abordar música nueva. Esto se tradujo en interpretaciones que fueron adecuadas a las obras, pero cuya falta de soltura y de transparencia únicamente podrán superarse cuando esta clase de repertorio se convierta en parte habitual de la programación. Ya vendrá el momento en que su ejecución se acometa con naturalidad y un entusiasmo comprometido con el arte contemporáneo.

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Nació en 1926, en Glasgow, Escocia. Murió en 1993, en Long Island, Nueva York. A juzgar por sus efemérides, no parecería que pasó la mitad de su vida lejos de su tierra natal. Sin embargo, ya casada con Manuel Alvarado Coronado, decidió trasladarse en 1958 a Guatemala y en adelante vivió aquí. Un 30 de noviembre, hará un cuarto de siglo, emprendió el último de sus viajes. Había nacido en una isla, falleció en otra.

De carácter e inclinación racionalista, por herencia y por formación, fue pianista y docente por elección. Así, entre otras cosas, ocuparse de tareas domésticas nunca le impidió intervenir en numerosos recitales de música de cámara y música sinfónica, ya como solista, ya como acompañante, desde la primera temporada en su país de adopción. Cocinar, limpiar la casa, lavar la ropa, criar hijos, todo aquello que tan convenientemente se reduce al “rol” y a la “obligación” de la mujer, tampoco fue obstáculo para que durante muchos años impartiera clases de piano a una buena cantidad de jóvenes, varios de ellos muy talentosos y activos a la fecha. Esta profesora de piano, que naturalmente un día también había sido alumna, contó entre sus maestros a los virtuosos Iso Elinson y Frederic Lamond – a su vez herederos musicales de Franz Liszt, Anton Rubinstein y Aleksandr Glazunov, como quien no dice gran cosa. En su familia materna y, más adelante en su matrimonio tanto como en su familia descendiente, la música siempre fue factor común. En casa no sólo la escuchábamos; todos compartíamos y disfrutábamos haciendo música.

Estaban dadas, pues, las condiciones y las bases para que los hijos de doña Rosalind y don Meme recibiéramos una cultura artística y una educación musical de características excepcionales. Era muy frecuente que a fin de agasajar a amigos y familiares, el espacio principal de nuestra vivienda se transformara en un salón de conciertos. Muchos ensayos precedían el montaje de obras a cuales más diversas. El lugar igualmente funcionó como escuela de violín, viola y violonchelo; como sala para la proyección de películas en formato de 16 milímetros y fotografías diapositivas; como punto de reunión de parientes, vecinos y amistades; como amable hospicio de visitantes extranjeros; como centro, en fin, de una intensa vida cultural y social. Y todo esto se apoyó siempre en la fructífera combinación de entusiasmo y generosidad junto con el sentido práctico y la acusada serenidad que identificaron a Rosalind Browning durante su vida.

Pido licencia e indulgencia, entonces, a las lectoras y a los lectores. Agradezco la paciencia que me otorgan porque este aniversario es, sencillamente, ocasión de evocar la relevante presencia que en la vida de todas y todos puede tener alguien que, sin renunciar a sí misma –tal como desafortunadamente les ha sucedido a tantas madres a lo largo y ancho de la historia– define infinidad de rasgos afirmativos en sus hijas e hijos. Juicio crítico, autonomía, respeto irrestricto a la libertad, conciencia social en conjunto con la entrega, la pasión y la dedicación tesonera a los sueños individuales… es fácil salir con un discurso complaciente para pintar un retrato favorable de la madre. Pero estas virtudes no se encuentran reunidas en cualquier persona.

El próximo viernes se cumplen 25 años de la desaparición física de Rosalind Browning. A pesar de ello, la estela que dejó en sus hijos y en el considerable número de vidas que tocó con su cariño, su inteligencia, su alegría, su arte y su música, todo eso permanece y es sobrado motivo de una conmemoración que viene del corazón.

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Esta semana nos ha otorgado el privilegio de interactuar con dos significativas exhibiciones de artes visuales. Las dos tienen en común el vínculo conceptual, el diálogo entre artistas, los sitios en que se verifican los montajes, la reciprocidad entre países. Carlos Mérida, la Ciudad de México, las culturas guatemalteca y mexicana.

Por una parte, la muestra Diálogo Interior, inaugurada el martes 13 en el Museo José Luis Cuevas, una institución que ha logrado poner a conversar a la arquitectura colonial de su edificio en el centro histórico mexicano, con su vocación actual como espacio para el arte moderno. Originada en la presentación que se llevó a cabo durante agosto y septiembre en la sala Carlos Mérida del Banco de Guatemala, esta exposición reúne obra de dos escultores, Pepo Toledo y Rodrigo Santa Cruz Anchissi, bajo la guía curatorial de Guillermo Monsanto. A gentil propuesta de ellos, me vi involucrado como músico en un performance en la que incluimos al coreógrafo y bailarín Josué Barrios para la inauguración de la muestra. De ello se desprendió la posibilidad de llevar el acontecimiento a una segunda fase en México, en el cual ha participado Aiira Mérida, bisnieto del gran maestro, como percusionista invitado. Todo un coloquio entre distintas disciplinas y corrientes de expresión. Esta nueva exhibición permanecerá abierta hasta el 4 de diciembre.

Por otro lado, la impresionante retrospectiva Retrato Escrito 1891-1984, que se inauguró el pasado jueves 15 en el Museo Nacional de Arte y llegará a marzo del 2019. Una colección de casi 300 cuadros y piezas alusivas al trabajo del visionario e incansable pintor quetzalteco, muralista, escultor, escenógrafo, diseñador de vestuario, ilustrador y docente, Carlos Mérida, a un siglo de haber radicado en el vecino país. Heredero del modernismo, del surrealismo y del cubismo, fue contemporáneo y colega de artistas de talla mundial y se decantó por un argumento visual geométrico en un estilo propio, reconocible, altamente personal. Su influencia alcanza a todo el arte del continente latinoamericano.

Es en tales circunstancias donde surge otro diálogo. Es el diálogo cuestionador de la extraordinaria capacidad que Guatemala posee para producir un arte de gran nivel, pero su total incapacidad para valorarlo y extenderlo a toda su sociedad. Un virtuoso creador que nunca renuncia a su nacionalidad ni a su legado cultural, pero cuya trascendencia pasa inadvertida para la mayoría de sus coterráneos y que se hubiera perdido si él no se exilia voluntariamente. El fenómeno se repite —y continúa planteándose como una realidad ineludible— a lo largo de los últimos cien años. Para los guatemaltecos y las guatemaltecas que buscan dejar una impronta como exponentes en literatura, plástica, música, cine y danza, México sigue siendo esa meca que no sólo atrae sino recibe generosamente a los artistas forasteros. Una nación grande, de alma grande.

Este diálogo, que comenzó introspectivo, que ahora es interior, y que más adelante podrá ser íntimo, hasta llegar a lo intrínseco, recupera las esencias de la estética. No obstante, para que eso llegue a todos, a todas, no puede sembrarse en la esterilidad de una tierra arrasada, en la que a cada momento se destinan más recursos a los fusiles y a las balas mientras se ahorca a la educación, al arte, a la ciencia y a la cultura. El enorme arquetipo que traza Carlos Mérida nos habrá de servir como inspiración para no conformarnos con la abulia y la desvergüenza que torpemente guían la codicia estatal y privada, tan obtusa a la hora de fomentar las manifestaciones humanas más nobles.

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Es la de nunca acabar. Guerra tras guerra. De una conflagración a otra – y vaya que esta palabra es imagen de la guerra: inflamar, hacer arder, no solamente los ánimos, sino comunidades, ciudades, naciones enteras; destruirlas con el fuego más oprobioso del proceder humano.

Hoy, hace precisamente cien años, se firmó y entró en vigencia el Armisticio de Noviembre. Una acción que nominalmente puso fin a la Primera Guerra Mundial, en “la undécima hora del undécimo día del undécimo mes” de 1918. Iniciada cuatro años antes cuando el imperio de Alemania optó por respaldar al imperio de Austro-Hungría en su pugna contra Serbia y decidió actuar militarmente en dos frentes simultáneos contra Francia y contra Rusia, la así denominada “guerra para terminar con todas las guerras” resultó en uno de los crímenes colectivos más absurdos y devastadores de la historia. Apenas dos décadas después, con un pronto y nuevo acuerdo para ratificar el armisticio y pretender que se evitara otro conflicto de magnitud semejante –el tratado de Versailles–, estalló una contienda todavía más atroz, la Segunda Guerra Mundial. Una de las causas fue, paradójicamente, la tregua misma, debido a que las condiciones impuestas a Alemania fueron tan severas, que lo que se logró fue alimentar el descontento de ese pueblo y el fanatismo nacionalista. Han transcurrido casi tres cuartos de siglo desde entonces y, sin embargo, aun cuando no se ha declarado una tercera guerra de proporciones globales, las ofensivas bélicas, la destrucción masiva, los genocidios y el luto por millones de civiles que nunca quisieron saber nada de ninguna guerra, todo eso continúa al orden del día en la mayoría del planeta.

La cuestión puede parecer poco relevante para Guatemala, especialmente para las generaciones jóvenes que ni siquiera se interesan en los conflictos armados de su propia tierra – y, esto, a pesar de las maniobras gubernamentales que nos están volviendo a encaminar, de a poco, a un nuevo fratricidio. Pero, a partir del momento en que Estados Unidos comenzó a ver afectados sus intereses y dispuso tardíamente intervenir en aquella guerra europea, en nuestro país también se operaron transformaciones negativas adicionales a las que se habían dado con anterioridad, siempre con la complicidad del gobierno y de los diputados de aquel tiempo. Sobra recordar que sus malos efectos persisten hasta la fecha.

Menos relevante aún podría antojarse la conexión entre la ignominia del militarismo y las manifestaciones del arte y de la cultura. Empero, si la función primordial del arte y de la labor artística es la celebración de la vida, es preciso plantear una pregunta: ¿qué es lo que se está celebrando, cuando se conmemora ese armisticio, ese alto al fuego? De repente no sólo es el fiasco de una guerra para acabar con la guerra, sino la ironía de una paz para acabar con la paz. Es un acertijo cuyo enredo se ve sustantivado por el hecho que el armisticio del 11 de noviembre no se celebra en el país que forzó ese tratado. Hoy día y tras su fracaso militar en Corea, en lugar del armisticio se celebra el día de los veteranos de guerra… es decir una fiesta por quienes han empuñado armas para ir a defender lo indefendible. ¿Puede adscribirse el arte –si es honesto– a la celebración de este supuesto heroísmo, el heroísmo de matar y hacerse matar por razones que no son sino la institucionalización y sacralización de la violencia? ¿Podemos los artistas, en especial quienes nos dedicamos a la música, rendir homenaje a la inverosímil hazaña de alzarnos en armas para quitarle la vida a otro, a otra, si eso es justamente lo que más contradice el espíritu del arte?

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Esta semana nos brinda, entre otras opciones, tres presentaciones que ponen de relieve la nutrida actividad local en el ámbito de la música académica. Por un lado, dos recitales de cámara, con dos dúos de artistas nacionales. Por el otro, un evento que combina cinematografía y música a cargo de un dúo de artistas de familia argentina.

Se trata, en primera instancia, del recital que ofrecen Telma Díaz y Minor Estrada. En su calidad de intérprete del fagot y principal de su registro en la Orquesta Sinfónica Nacional, desde temprana edad la maestra Díaz se ha destacado como la primera guatemalteca que ha obtenido reconocimiento general en la ejecución de un instrumento tradicionalmente reservado a los varones. Su vocación la ha llevado a difundir la música escrita para fagot, en su condición de solista, en su condición de integrante de diversos conjuntos y como conductora del programa radial Díaz de Fagot. Esta vez presentará un programa de piezas guatemaltecas y europeas en mancuerna con el también joven músico Minor Estrada, al piano. El maestro Estrada ha despuntado en temporadas recientes como arreglista en diversos montajes sinfónicos de música popular.

Por su parte, el Dúo Quezada se luce en un recital que igualmente combina obras de los siglos XIX y XX. Este ensamble está compuesto por Alfredo Quezada, violín concertino de la Sinfónica Nacional, y Vinicio Quezada, uno de los pianistas acompañantes más solicitados del país. Juntos representan a una familia de abolengo musical en el medio. Los dos maestros son, además, docentes de amplia experiencia y su trayectoria constituye garantía de calidad sobre el escenario.

Ambas audiciones se llevarán a cabo en el Palacio Nacional, en conmemoración de los tres cuartos de siglo que cumple de haber sido inaugurado, un noviembre de 1943. El edificio es paradigmático de la relación entre poder y cultura en nuestra nación. Mandado a construir por un jefe de gobierno que se entronizó durante 14 años en la administración pública, apenas unos meses después de su inauguración fue testigo de su renuncia como mandatario y pasó a servir de sede presidencial durante el resto del siglo. No se convirtió en un palacio de “La Cultura” (sic) sino hasta principios de este milenio, en el que sigue siendo objeto de consideraciones contradictorias debido al anacronismo de su arquitectura junto con su importancia monumental e histórica; un centro de protocolo y, a la vez, un centro cultural.

En un ambiente muy distinto, el del auditorio Juan Bautista Gutiérrez de la Universidad Francisco Marroquín, tendrá lugar el evento intitulado La Calle de los Pianistas, bajo el valioso auspicio del Festival Internacional Bravissimo. De acuerdo con el comunicado de prensa, se proyectará el filme del argentino Mariano Nante, en el que se retrata la intimidad de una familia de tres generaciones de pianistas que vive en una misma calle de la ciudad de Bruselas. Seguidamente, los asistentes podrán gozar de un concierto a cargo de dos de las protagonistas de la cinta: la argentina Karin Lechner y su hija belga Natasha Binder. Prodigio del piano, a sus 18 años de edad Natasha es digna legataria de una herencia que incluye a su abuela y a su tío, músicos también. El repertorio augura una velada agradable y variada.

Tres invitaciones para una semana. Martes 6, dúo de fagot y piano; viernes 9, dúo de violín y piano. Ambos a las 18 horas, en el Palacio Nacional de la Cultura. Admisión libre. Jueves 8, película y dúo de pianos, a las 19:45 horas, en la UFM. Admisión, desde Q50 hasta Q300.

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