Pero también ha sido testigo del auge de uno nuevo y sorprendente: el zapato de tamaño caricaturesco.

Anticipada por modelos como la “bota de charco” BV de Bottega Veneta (una bota de goma para la lluvia con suela gruesa y punta bulbosa que debutó en 2020) y las Adidas Superstar superrellenas de Kerwin Frost (una colaboración para 2021 en la que la clásica zapatilla Superstar se acolchaba para parecer payasamente grande), el look maximalista se galvanizó en febrero de este año cuando la marca estadounidense y el colectivo artístico MSCHF lanzaron su llamativa “gran bota roja”.

Como si hubieran salido directamente de las páginas de la serie japonesa de manga Astro Boy de los años 90, las gigantescas botas rojas, fabricadas en poliuretano termoplástico y goma EVA, son a la vez nostálgicas, futuristas y totalmente absurdas.

Como MSCHF declaró en su comunicado de prensa, “si pateas a alguien con estas botas, ¡hacen boing!”.

A pesar de su tontera y de sus problemas de succión involuntarios, las botas unisex pronto fueron lucidas por todo el mundo, desde Doja Cat y Lil Nas X hasta Iggy Azalea y Janelle Monáe.

Mientras tanto, el lanzamiento de las colecciones primavera/verano 2023 ofreció una visión más refinada del zapato de dibujos animados, desde los mocasines de napa de Prada, orgullosamente abultados hasta los cómicos zapatos de salón en gomaespuma lacada de Loewe (aparentemente inspirados en los zapatos de tacón extragrandes de Minnie Mouse), pasando por los mules de plataforma Arc de Proenza Schouler.

Y, tanto masculina como femenina, la moda parece no tener visos de detenerse.

Inconformismo y expresión personal

En agosto, al igual que Balenciaga antes que ellos, MSCHF se asoció con Crocs para presentar las “botas amarillas gigantes” -una versión en amarillo girasol de la “Gran Bota Roja”, con los característicos agujeros y la correa del talón de Crocs-, mientras que Marni lanzó sus zapatillas “Bigfoot 2.0” en la semana de la moda de París, una versión más exagerada y decididamente de cómic de la zapatilla de plataforma diseñada por la casa italiana en 2018.

Entonces, ¿qué significa nuestro nuevo interés por el calzado caricaturesco?

“En un sentido, comunica un deseo de inconformismo y expresión personal, que se alinea con los valores contemporáneos de individualidad y confianza en uno mismo”, le dice a BBC Culture Carolyn Mair, psicóloga cognitiva, consultora de negocios de moda y autora de The Psychology of Fashion (“La psicología de la moda” en español).

“Y, al mismo tiempo, subvierte los ideales de belleza más tradicionales en favor de una estética novedosa y poco convencional”, agrega.

La historiadora cultural Annebella Pollen está de acuerdo.

“Me recuerdan en cierto modo a los zapatos diseñados por las feministas de la segunda ola en las décadas de 1970 y 1980″, explica a BBC Culture.

“Consideraban que la moda de los tacones de aguja y puntiagudos era una forma de mantener a las mujeres en su sitio, así que produjeron sus propios estilos hechos a mano, con forma de pie, que se inspiraban en las botas de trabajo de los hombres y eran muy contrarios a la moda”, dice.

Los zapateros británicos, entre los que se encontraban colectivos exclusivamente femeninos como Green Shoes, Orchid Shoes y Made to Last, se anunciaban con frecuencia en la revista feminista Spare Rib, presentando los zapatos sensatos como una forma de resistencia.

“Eso sí, los hacían bastante decorativos, usando cintas para los cordones, por ejemplo, y pieles de colores brillantes como el morado, el rosa y el verde”, continúa Pollen.

“Los zapatos eran resistentes y prácticos, pero también muy llamativos. Permitían a las mujeres ocupar espacio y les daban libertad de movimiento”, explica.

A lo grande o a casa

En términos de funcionalidad, Caroline Stevenson, directora del programa de estudios culturales e históricos del London College of Fashion, ve correlaciones similares en algunos de los otros precedentes históricos del zapato caricaturesco, con su suela elevada y su acolchada protección.

“Tal vez el primer eslabón sean los chapines”, le dice a BBC Culture, refiriéndose a una de las primeras iteraciones de la plataforma usada por las mujeres de la nobleza veneciana entre finales del siglo XV y principios del XVII.

“Originalmente se construyeron con fines prácticos, para proteger los pies de la calle, pero luego se convirtieron en un artículo de moda por derecho propio, adquiriendo un significado simbólico sobre la posición social, porque su altura transmitía el estatus de quien los llevaba. Sin embargo, era muy difícil caminar con ellos: algunos medían 50 centímetros de alto”, añade.

Un predecesor aún más pertinente, en opinión de Stevenson, es la referencia de los años 90 en la que parecen inspirarse muchos de los zapatos de gran tamaño actuales: “las zapatillas grandes al estilo Spice Girls, como las botas Buffalo con plataforma”, afirma.

“Representaban la política cultural de oposición y el empoderamiento femenino, y también tenían un atractivo unisex. Además, tenían que ver con la cultura rave de los 90: eran prácticas para la gente que iba de fiesta hasta altas horas de la madrugada”, sostiene.

Las zapatillas con plataforma se inspiraron en las plataformas de la década de 1970, señala Stevenson, que también se diseñaron para bailar, para estar de pie durante horas y horas, destacándose en medio de la ostentación y el glamour de la época disco.

Y, en el caso de la zapatilla de dibujos animados, destacar es el objetivo.

Como explica Mair, “nuestra visión ha evolucionado para permitirnos procesar automáticamente, sin prestar atención, objetos típicos o representativos de su categoría, de modo que podemos utilizar nuestros limitados recursos cognitivos para prestar atención a objetos inusuales que [en un sentido evolutivo] podrían ser una amenaza”.

“Puede que la estética llamativa de los zapatos de gran tamaño actuales no guste a todo el mundo, pero sin duda llamarán la atención y, como tales, es probable que proyecten una imagen aventurera y divertida”, agrega.

“Ser juguetón y escapista”

Es interesante observar cómo la naturaleza absurda y maximalista del zapato de dibujos animados parece correlacionarse con un movimiento de moda más amplio, el clowncore, una estética inspirada en el circo que ganó tracción en TikTok en 2020, y desde entonces ha hecho su camino en la alta costura, con casas como Dior, Armani Privè o Chanel abrazando la tendencia.

“En los desfiles de alta costura de París de la primavera de 2023 se hicieron muchas referencias a payasos y arlequines, en línea con el movimiento clowncore“, explica Stevenson.

“Se trata de ser juguetón y escapista, lo que tiene sentido porque vivimos tiempos muy confusos, y la moda siempre intenta dar sentido a los tiempos confusos”.

Y tanto si nos recuerdan a payasos como a dibujos animados, a niños robot de los 90 o a estrellas del pop que proclaman el poder femenino, no hay duda de que la moda actual de los zapatos grandes y abultados se nutre de un sentimiento de nostalgia generalizado.

“Nos traen recuerdos de la infancia, evocan una sensación de familiaridad y calidez, tiempos de diversión; chapotear en los charcos y jugar con los amigos en un mundo despreocupado”, observa Mair.

Como dice MSCHF refiriéndose a la “Gran Bota Roja”: “La caricatura es una abstracción que nos libera de las ataduras de la realidad”.

Quizá sea eso lo que más necesitamos ahora.

En un comunicado remitido a la agencia de noticias PA, la familia precisó que Quant murió “en paz esta mañana en su casa de Surrey (Reino Unido)”.

A Quant se le atribuye el mérito de haber popularizado las minifaldas, que terminaron por contribuir a la cultura de los años 1960.

“Era una de las diseñadoras de moda del siglo XX más reconocidas internacionalmente y una innovadora excepcional”, dijo su familia.

“Abrió su primera tienda Bazaar en Kings Road en 1955, y su talento creativo y previsor causó rápidamente una contribución única a la moda británica”, añadió.

Una visionaria

La exeditora de Vogue Alexandra Shulman encabezó los homenajes en las redes sociales. “RIP Dama Mary Quant. Una líder de la moda, pero también del espíritu emprendedor femenino: una visionaria que era mucho más que un gran corte de pelo”.

“Es imposible exagerar la contribución de Quant a la moda. Representó la alegre libertad de la moda de los años 60 y proporcionó un nuevo modelo para las mujeres jóvenes”, dijeron desde el Victoria & Albert Museum. “La moda actual le debe mucho a su visión pionera”.

La directora de moda de la edición Internacional de The New York Times, Vanessa Friedman, tuiteó: “RIP Mary Quant, quien liberó a la pierna femenina. Estamos en deuda contigo”.

Quant fue una de las figuras más influyentes de la moda de los años 1960, se le atribuye el mérito de haber hecho la moda accesible a las masas con sus diseños elegantes, aerodinámicos y vibrantes.

Nacida en el sureste de Londres el 11 de febrero de 1930, Quant era hija de dos profesores galeses.

El diseñador español Paco Rabanne, que introdujo el uso del metal en la moda y que fundó una conocida línea de perfumes, murió el viernes 3 de febrero a los 88 años, informó la casa matriz, Puig.

“Paco Rabanne hizo de la transgresión algo magnético. ¿Quién sino él podía convencer a la mujer parisina para que exigiera vestidos hechos de plástico y metal?”, explicó Puig en su comunicado.

Quién fue Paco Rabanne

El diseñador español Paco Rabanne, bautizado por Coco Chanel como el “metalúrgico” de la moda, se labró un lugar especial en ese selecto mundo, armado simplemente con unas pinzas y planchas de metal.

Adepto al esoterismo, Rabanne también se hizo un nombre a través de sus declaraciones excéntricas.

“Me gusta el esoterismo desde mi más tierna infancia. Mi madre era muy pragmática, pero mi abuela era chamán, me inició muy pronto en el conocimiento del mundo. La moda me permitió ganarme la vida, pero no era realmente mi centro de interés”, explicaba en una entrevista en 2005.

Nacido Francisco Rabaneda-Cuervo el 18 de febrero de 1934 en San Sebastián, su madre trabajó como costurera para Cristóbal Balenciaga.

Su padre, el general Rabaneda-Postigo, estaba a cargo del cuartel militar de Guernica durante la guerra civil española. Fue fusilado por las tropas franquistas en 1936. En 1939, la familia busca refugio en Francia.

Rabanne estudió y se diplomó en Bellas Artes en París (sección arquitectura). Empieza diseñando accesorios, joyas, corbatas y botones para Dior, Saint-Laurent o Cardin. Luego decide lanzarse por su cuenta al mundo de la moda, con la idea de introducir nuevos materiales y técnicas.

En un desfile que causa sensación en 1966 presenta 12 vestidos hechos “con materiales contemporáneos”. El show, provocador, presenta por primera vez en la pasarela modelos negras, que bailan con los pies desnudos. El éxito es fulminante. Pero sus primeros vestidos metálicos pesan más de 30 kg.

La modelo y cantante Françoise Hardy posa ese mismo año para la revista Elle con un traje de baño rectangular, de plástico blanco.

Hablar con Dios

Vestido invariablemente con una bata de color oscuro, pantalón a juego, tanto en invierno como en verano, Paco Rabanne deconstruye materiales como el visón o las colas de zorro, que recorta para hacer flores. Utiliza el acetato, “tricota” el metal para hacer jerséis, o viste a sus modelos con cotas de malla.

En 1968 firma un contrato con la marca de perfumes española Puig y lanza “Calandre”. Tiene éxito, y esa incursión en el mundo de los perfumes no solamente se mantiene, sino que con el tiempo pasa a ser su nueva identidad.

En 1986, Puig, que ya tenía en su haber las marcas Nina Ricci o Carolina Herrera, así como los perfumes de Prada y Comme des Garçons, compra la totalidad de la casa Rabanne.

El costurero trabaja igualmente para el cine. Se encarga del vestuario de películas como “Dos o tres cosas que sé de ella”, de Jean-Luc Godard o “Barbarella” de Roger Vadim.

Paco Rabanne creía en la reencarnación, y aseguraba que había tenido otras vidas en el pasado, entre ellas la de una prostituta amante del rey Luis XV. También aseguraba que había visto a Dios, y que había recibido la visita de extraterrestres.

En 1999 anuncia en uno de sus libros la destrucción de París a causa de la caída de la estación espacial Mir, apoyándose en una lectura muy personal de las profecías de Nostradamus.

Ese mismo año la casa abandona su actividad alta costura para centrarse en el prêt-à-porter, que confía a Rosemary Rodriguez.

Poco a poco Paco Rabanne se aleja del diseño, pero sigue apegado al mundo de la moda al firma parte de jurados de festivales, donde le gustaba dirigirse a las generaciones más jóvenes.

“¡Sean audaciosos como lo fuimos en nuestra época con Pierre Cardin, Saint Laurent o Courrèges! ¡Sean osados! ¡Busquen sin cesar! Para hacerse un nombre e imponerse no puedes copiar”, explicaba.

“Simplemente me sentía aislado. Los otros niños siempre estaban avanzando y yo estaba atrapado escribiendo las mismas líneas una y otra vez”.

El artista callejero Navinder Nangla ha estado causando sensación en el mundo de la moda con su trabajo, que ha llegado hasta los centros de diseño de Londres, París y Seúl.

Aunque ahora ha sido acogido por firmas como Gucci y Converse, el camino hacia el reconocimiento no ha sido fácil, debido a sus problemas con la dislexia.

El joven de 27 años, conocido como Nav, pasó muchos años de su infancia con dislexia no diagnosticada y siente que esto le causó retraso en la escuela.

“Pensaba que era bastante vergonzoso”, dice, mientras recuerda cómo en la escuela tenía que sentarse con un miembro del personal en clase.

“Sentía que no se me permitía participar adecuadamente en la escuela”.

Con sus antecedentes del sur de Asia, Nav cree que la demora en su diagnóstico se debió al estigma que rodea a las dificultades de aprendizaje en su comunidad.

“A los padres de piel oscura no les gusta admitir que su hijo tiene dislexia, por lo que ni siquiera les dejan hacerles la prueba”.

No fue hasta que Nav, de Northamptonshire, Ingalterra, comenzó la escuela secundaria cuando un maestro lo animó a hacer una prueba de dislexia, gracuas a la cual fue diagnosticado.

El Servicio Nacional de Salud (NHS) de Reino Unido describe la dislexia como una dificultad de aprendizaje común que causa principalmente problemas con la lectura, la escritura y la ortografía.

Se estima que hasta 1 de cada 10 personas en el Reino Unido tiene algún grado de dislexia.

Nav dice que convirtió su vulnerabilidad en poder y comenzó a expresarse a través del arte cuando era niño.

“Al crecer, no teníamos mucho. Siempre nos enseñaron a hacer algo de la nada“, cuenta.

“Mi hermano y yo teníamos que ser creativos para que las cosas funcionaran. Usé tiza y pintura en aerosol para hacer porterías de fútbol. Usábamos cartones de la fruta como bates para el críquet”.

“La moda es mi pasión”

Nav describe el arte como una forma de expresión. Cree que no hay limitaciones y por eso ha elegido canalizar su dislexia en su trabajo.

“Solo estaba haciendo arte, sin llegar a ningún lado, sin dinero ni nada por el estilo”.

Su trabajo puede verse, por ejemplo, en el barrio de Soho en Londres, donde Nav ha dejado su huella a través de sus etiquetas de arte callejero.

Pero su obra más notable se volvió global durante la Semana de la Moda de París el año pasado.

Allí dejó estampados artísticos que decían “Fassion is my Pashion” y “Fassion weak”, que rápidamente atrajeron la atención de personas influyentes y celebridades como la actriz Lily Collins y la diseñadora Michèle Lamy.

El éxito de Nav en París lo llevó a ser parte de Create Next de Converse, que presenta 20 talentos creativos emergentes, y fue invitado a Corea del Sur como parte de la campaña.

Más recientemente, Gucci reconoció su “talento rebelde” y presentó a Nav en una campaña colaborativa con la marca de moda urbana contemporánea Hypebeast.

“No puedo creerlo”, dice, y agrega que todo parece un sueño lejano.

La gente ahora incluso ha comenzado a hacerse tatuajes de su obra más característica, cuenta.

“Es una locura hacia dónde va el arte. Estampé las calles, y ahora la gente está estampando su piel con mi arte”.

En cuanto a los objetivos futuros, Nav cree que esto es solo el comienzo.

Quiere seguir abrazando su dislexia en su trabajo. Señala que “solía tratar de ocultarlo, pero ahora lo que pienso es ‘este soy yo'”.

Algún día quisiera abrir talleres creativos para niños con problemas similares a los suyos y ver su trabajo en las galerías de arte más importantes.

Darle una vida mejor a su familia es una de sus prioridades principales, dice, y agrega que “realmente quiero que mi madre deje de trabajar en McDonalds”.

Sin embargo, en última instancia, afirma que no se trata de dinero o marcas, sino de poder hacer lo que amas.

“El mejor tipo de moneda es la felicidad y hacer algo que amas y ser libre”.

“Eso es lo que hace el arte, te deja ser libre”, añade.

Su presunto crimen fue que la vieron vistiendo un kimono. La mujer estaba vestida como un personaje de manga (un cómic japonés). Arrestarla puede parecer dramático, pero aquí hay más en juego que un simple error de moda.

La ropa es un identificador cultural y, para muchos, un símbolo de identidad y orgullo nacional. Cuando piensas en el kimono, puede que pienses en Japón. Sin embargo, la prenda rara vez se usa en Japón hoy en día, excepto en festivales o celebraciones tradicionales.

Como resultado, la industria del kimono, que experimentó un auge en la década de 1980, actualmente está sufriendo una recesión masiva.

Sin embargo, el kimono que se usa en la actualidad no es un invento de los japoneses. Se remonta al siglo VII cuando la Corte Imperial comenzó a usar prendas adaptadas de los estilos chinos.

A pesar de estos orígenes chinos, el kimono es un importante símbolo cultural de Japón a nivel mundial. Y, en muchos países asiáticos, particularmente aquellos que fueron brutalmente colonizados por Japón, el kimono sigue siendo un símbolo de opresión.

De la ropa popular a las obras de arte

Hay una larga historia de similitudes en la vestimenta entre Japón y China.

Los exploradores chinos de las zonas del sur del antiguo Japón, alrededor del siglo III a. C., observaron personas que vestían túnicas simples, prendas tipo poncho y una especie de pantalón y blusa plisados.

El primer antepasado del kimono apareció en Japón en el período Heian (794-1185). Todavía se usaba a menudo con hakama (pantalones plisados ​​o faldas largas) de estilo chino, esta prenda estaba hecha de piezas rectas de tela sujetas con una faja estrecha en las caderas.

En el período Edo (1603-1868), todos usaban una prenda unisex conocida como kosode, hecha de piezas rectas de tela cosidas como el kimono actual.

A principios de 1600, Japón fue unificado por el Shogun Tokugawa en un shogunato feudal (una especie de dictadura militar), con Edo (ahora Tokio) como capital.

La cultura japonesa se desarrolló durante este período casi sin influencia externa, y el kosode, como precursor del kimono, llegó a representar lo que significaba ser japonés.

La ropa folclórica y la ropa de trabajo también se basaban en la envoltura frontal (izquierda sobre derecha), blusas con mangas caídas y sujetas con cuerdas o cordones siguiendo un patrón básico de kimono.

Se desarrolló el papel de la persona que fabricaba los kimonos y el valor de algunos kimonos aumentó como si se tratara de obras de arte invaluables.

Símbolo de la cultura japonesa

Después de épocas anteriores de un Japón “cerrado”, la era Meiji (1868-1912) marcó un período de rápida modernización e influencia extranjera. El kimono, que significa “lo que hay que ponerse”, tenía un nombre propio y nació oficialmente.

Esto fue a pesar de un nuevo edicto imperial que rechazó la vestimenta antigua como “afeminada” y “no japonesa”. Como resultado, se alentó a los hombres, funcionarios gubernamentales y personal militar a usar ropa occidental, yōfuku, en lugar del tradicional wafuku.

Pero como Japón estaba experimentando un cambio fundamental en múltiples niveles, la visión de mujeres vistiendo kimonos era tranquilizadora y un símbolo popular de lo japonés.

Las mujeres comenzaron a usar más ropa de estilo occidental, específicamente ropa interior para mujeres, después del gran terremoto de Kanto en 1923, ya que muchas mujeres sintieron vergüenza al quedar expuestas y esto impidió que saltaran o fueran rescatadas de los pisos altos en los edificios.

La posibilidad de que menos mujeres hubieran perdido la vida en el desastre si hubieran estado usando un yōfuku o al menos ropa interior debajo de sus kimonos fue un catalizador para la occidentalización general.

La “superioridad” del kimono

La era Showa de Japón comenzó en 1926 cuando el emperador Hirohito ascendió al trono. Este período abarcó dos guerras mundiales y el surgimiento de un ultranacionalismo cultural estridente y ha sido descrito como el período más trascendental, calamitoso, exitoso y glamoroso en la historia reciente de Japón.

Para aquellos que creían en la idea de la singularidad japonesa (Nihonjin-ron), que se hizo especialmente popular después de la II Guerra Mundial, el kimono (junto con otros aspectos de la cultura japonesa) se consideraba superior a la alternativa occidental.

Si bien el uso real de la prenda disminuyó, el estatus simbólico del kimono en Japón aumentó.

Para la década de 1930, Japón era una potencia colonial importante, habiéndose transformado de una sociedad feudal débil en una potencia militar industrial moderna en la década de 1890. Como tal, la nación había lanzado conquistas territoriales en los países vecinos.

Entonces, mientras que la gente en Japón se “vestía como corresponde” en un audaz intento de parecer poderoso frente a Occidente, los ocupantes japoneses en Taiwán y Corea animaban activamente a las mujeres locales a usar el kimono para mostrar el papel superior de Japón y ” la gran prosperidad compartida con el este asiático” en la región.

Un estudio de cómo se percibía el kimono en Taiwán y Corea durante el período colonial japonés de 1895 a 1945 mostró que el kimono japonés está claramente relacionado con el control colonial y las responsabilidades de guerra de Japón.

Los peligros del nacionalismo

La utilización de una prenda de vestir tan hermosa y elegante como arma claramente ha dejado su marca.

Como le adivirtieron recientemente a la mujer arrestada en China.

“Si estuvieras usando Hanfu (ropa tradicional china), nunca hubiera dicho esto, pero estás usando un kimono, como china. ¡Usted es china!”, decían los reportes.

El kimono sigue siendo un símbolo de la tradición japonesa y un recordatorio de los peligros del nacionalismo para los países que fueron ocupados en época bélica y que sufrieron atrocidades.

Pero mientras Japón se prepara para duplicar su presupuesto de defensa, lo que genera dudas sobre su identidad pacifista desde el período de posguerra, y China muestra sus músculos en Hong Kong y Taiwán, los funcionarios deberían preocuparse por algo más que una mujer vestida con un kimono.

Un trágico accidente doméstico dejó irreconocible al célebre diseñador de moda francés Olivier Rousteing.

Un año después, el joven director creativo de la casa de moda Balmain compartió la noticia en Instagram con una imagen de sí mismo con heridas faciales y envuelto en vendas.

“Hace exactamente un año, la chimenea de mi casa explotó”, escribió en la red social.

Se despertó al día siguiente en el Hospital Saint Louis de París (Francia) y dice que desde entonces se ha estado recuperando de sus heridas.

Rousteing explicó que sus inseguridades y la “obsesión por la perfección” de la moda le habían impedido revelar antes todo lo sucedido.

“Para ser honesto, no estoy muy seguro de por qué estaba tan avergonzado”, escribió. Mientras se recuperaba, había escondido sus heridas con mangas largas y joyas durante las entrevistas.

“Ahora, un año después, (estoy) recuperado, feliz y saludable”, agregó. Agradeció al personal médico que lo había tratado a pesar de “lidiar con una cantidad increíble de casos de covid al mismo tiempo”, y habló sobre lo afortunado que se siente ahora.

“Después de la tormenta, siempre sale el sol”.

Otros diseñadores de moda, modelos y celebridades le brindaron su apoyo a Rousteing en respuesta a la publicación.

La diseñadora Donatella Versace dijo que estaba “muy contenta” de que esté sano. “Dejemos que el amor gobierne”, escribió el músico Lenny Kravitz.

Rousteing asumió su cargo como director creativo de Balmain en 2011 con tan solo 25 años. Según un perfil de la revista Out Magazine, la marca creció entre un 15% y un 20% entre 2012 y 2015.

Ha abierto boutiques en Londres y Nueva York, las primeras de la compañía fuera de París.

Un documental de Netflix de 2019, Wonder Boy, analizó su carrera y lo acompañó mientras buscaba a su madre biológica.

Los desfiles de delgadas modelos, a las que se conocía como “Angels”, y los anuncios de lencería hipersexualizados han ido perdiendo adeptos y ganando detractores, como si fuera algo de los años 90 o de principios del siglo XXI.

En ese contexto, la empresa se propuso reinventarse y uno de los primeros pasos lo dio hace dos años cuando decidió cancelar su famoso evento anual en el que modelos como Heidi Klum, Gigi Hadid o Alexina Graham desfilaban luciendo las prendas de la marca.

Ahora, ese proceso de lavado de imagen se ha profundizado con la contratación de figuras como la estrella estadounidense del fútbol femenino Megan Rapinoe o la actriz y cantante india Priyanka Chopra.

Ambas formarán parte de The VS Collective, un grupo de mujeres que trabajarán con la empresa en “colaboraciones, acuerdos de negocio e iniciativas para defender o promocionar distintas causas”.

Sin embargo, el mercado de la lencería ha cambiado y en los últimos años han surgido varias empresas capaces de competir con la otrora dominante Victoria’s Secret.

¿Será capaz de reconquistar su corona?

Caras nuevas para un nuevo proyecto

El anuncio del fichaje de la futbolista Megan Rapinoe y la actriz india Priyanka Chopra realizado esta semana refleja ese proceso de renovación de Victoria’s Secret en su esfuerzo por mejorar su imagen.

Rapinoe, de 35 años, que formó parte del equipo femenino de EE.UU. que ganó dos veces la Copa del Mundo de fútbol, también es muy conocida fuera del campo de juego por su activismo político y de defensa de los derechos de la comunidad LGBTQ.

“Estoy ilusionada y lista para asociarme con @VictoriasSecret como parte de #TheVSCollective – mujeres a las que admiro y que son íconos de nuestro tiempo”, escribió Rapinoe en un mensaje en Twitter el pasado jueves.

“Tengo ganas de trabajar con ellas para mostrarles a TODAS las mujeres su belleza y poder individual y colectivo”.

Cambio de perspectiva

La compañía todavía genera miles de millones de dólares en ventas.

Sin embargo, el cambio cultural impulsado por el movimiento #MeToo y una nueva aproximación al cuerpo vio cómo empresas rivales como Savage X Fenty, la marca de ropa interior fundada por la cantante y magnate de productos cosméticos Rihanna, subían en popularidad.

Cada vez más mujeres empezaron a elegir ropa interior más cómoda, inspirada en un concepto que combina el deporte con el ocio.

El anhelo de la empresa por cambiar su imagen lo confirmó su director ejecutivo, Martin Waters, en una llamada sobre la situación económica de la firma el pasado febrero.

“No podría estar más encantado de liderar el trabajo para refrescar el posicionamiento de la marca para hacerla más relevante, más inclusiva, más consistente con la actitud y el estilo de vida de la mujer moderna”, expresó.

Y añadió: “Nos estamos moviendo desde lo que quieren los hombres a lo que quieren las mujeres”.

“Patriarcal, sexista”

La empresa no descarta retomar la idea del desfile anual, aunque en una versión renovada.

Un portavoz de la firma de lencería dijo: “Como marca de entretenimiento, con una gran huella cultural, nos estamos reimaginando cómo será un espectáculo de moda en el futuro”.

Sin embargo, Waters, que es el cuarto director ejecutivo de Victoria’s Secret en cinco años, le dijo al periódico The New York Times que “ahora mismo” no ve que las “Angels” sean “culturalmente relevantes”.

Rapinoe fue más directa al hablar sobre la imagen de la empresa en el pasado, describiéndola como “patriarcal y sexista”, que veía “lo que significa ser sexy a través de la lente de los hombres y de lo que los hombres desean”.

La deportista añadió que “estaba muy dirigida a mujeres más jóvenes”, un mensaje que, en su opinión, era “realmente dañino”.

Amistades peligrosas

Victoria’s Secret fue comprada por Les Wexner en 1982.

Wexner, exdirector ejecutivo de L Brands, la empresa matriz de Victoria’s Secret, anunció recientemente que no se presentará a la reelección como presidente emérito.

En 2019, Wexner fue objeto de críticas por su larga amistad con Jeffrey Epstein, el multimillonario neoyorquino acusado de abuso y tráfico sexual de menores que murió en una celda en 2019.

Wexner contrató a Epstein para que gestionara sus finanzas, pero cortó lazos con él en 2007 y posteriormente dijo que estaba “avergonzado” por su amistad con el financiero.

A la pregunta de por qué Victoria’s Secret lanza ahora su nueva cara, Waters le dijo a The New York Times: “Sabía que necesitábamos cambiar esta marca desde hace tiempo, simplemente no hemos tenido el control de la empresa para hacerlo”.

Waters se unió a L Brands en 2008, como supervisor de su división internacional, antes de asumir como nuevo jefe de Victoria’s Secret el año pasado.

Un nuevo panorama

El nuevo liderazgo de la empresa es consciente del cambio de mentalidad de la sociedad y también de la necesidad de adaptar su negocio al mundo de las redes sociales, en especial Instagram.

Mujeres de todas las edades buscan nuevas marcas con las que se puedan identificar mejor, firmas que les ofrezcan comodidad sin perder atractivo y que amplíen el espectro de tallas.

También demandan que no se cosifique a las mujeres en los anuncios y que las modelos sean más diversas.

En este sentido, en los últimos tiempos han aparecido marcas de lencería como ThirdLove, Negative, Cuup, Skims, Savage X Fenty y Parade, entre otras, a las que en algunos sectores se las conoce como las “anti-Victoria’s Secret”.

Simone Mariposa, influencer de Los Ángeles que se llama a sí misma “supergorda”, dice que, si bien estas marcas van en la dirección correcta, le gustaría ver a mujeres más grandes representadas como “sexy”, no solo con ropa interior básica.

“Tiene que haber más diversidad real de tamaños, no solo en lo que se fabrica sino en lo que se anuncia. Sé que si veo un cuerpo que se parece al mío, sentiré que esa marca entiende de qué se trata”.

Esta rara condición genética provoca una falta de pigmentación que hace que la piel y el pelo de Xueli sean extremadamente pálidos. También hace que la joven sea muy sensible a la luz del sol.

Pero su aspecto diferente fue lo que la llevó a seguir la carrera de modelo. Ahora, a sus 16 años de edad, ha aparecido en la revista Vogue y en numerosas campañas publicitarias de importantes diseñadores.

Xueli Abbing compartió su historia con la periodista de la BBC Jennifer Meierhans.

El personal del orfanato me bautizó Xue Li. Xue significa nieve y Li hermosa. Fui adoptada cuando tenía 3 años y me fui a vivir con mi mamá y mi hermana a los Países Bajos.

Mi madre decía que no había un nombre más perfecto para mí que el que tenía. Pensaba que era importante mantener una referencia a mis raíces chinas.

En la época en que yo nací en China, el gobierno aplicaba la política de un solo niño por familia. Uno era completamente desafortunado si tenía un niño con albinismo.

Algunos, como yo, eran abandonados, otros encerrados o, si los mandaban a la escuela, les teñían el pelo de negro.

Pero en algunos países de África son perseguidos, puede que les corten sus extremidades o que los maten.

Médicos brujos usan sus huesos para hacer medicinas, ya que mucha gente cree que estas pueden curar enfermedades. Pero claro que esto no es cierto. Estas creencias son mitos.

Yo tuve suerte: solo fui abandonada.

Mis padres biológicos no dejaron ninguna información sobre mí, por eso no sé cuándo es mi cumpleaños.

Pero hace un año, me hicieron una radiografía de la mano para tener una idea más precisa de mi edad, y los médicos pensaron que lo más aproximado eran 15 años.

Empecé a modelar por casualidad, cuando tenía 11 años. Mi mamá estaba en contacto con un diseñadora que era originaria Hong Kong.

Ella tiene un hijo con labio leporino y había decidido que quería diseñar ropa muy elegante par él, así la gente no solo le miraría fijamente la boca.

• ¿Por qué hay tantos albinos en Puerto Rico?

Llamó a la campaña “imperfecciones perfectas” y preguntó si yo quería sumarme a su show de moda en Hong Kong. Fue una experiencia increíble.

Después de eso, me invitaron a una serie de sesiones de fotos, una de ellas fue para Brock Elbank en su estudio de fotografía en Londres.

Él publicó mi retrato en Instagram y la agencia de modelos Zebedee Talent se comunicó conmigo y me preguntó si quería unirme a su proyecto para hacer que la gente con discapacidades estuviese representada en la industria de la moda.

Una de las fotos que me tomó Brock apareció en la edición italiana de Vogue en 2019 donde Lana del Rey aparecía en la portada.

En ese momento, no sabía cuán importante era la revista y me llevó un tiempo entender por qué la gente estaba tan emocionada con eso.

En el modelaje, verse diferente es una bendición, no una maldición, y me da una plataforma para crear conciencia sobre el albinismo.

La campaña de Kurt Geiger es un gran ejemplo de cómo me permiten mostrar mis diferencias. Me dejaron crear y dirigir la toma con mi hermana porque debido a las restricciones del coronavirus el fotógrafo no podía estar en el estudio.

Eso significó que me pude expresar como quisiese y estoy muy orgullosa de los resultados.

Todavía hay modelos que miden como dos metros y son muy flacas pero ahora la gente con discapacidades o diferencias aparece más en los medios y eso es genial, pero debería ser normal.

• La cuestionada belleza de los albinos

Los modelos con albinismo suelen ser estereotipados en las fotos para mostrar ángeles o fantasmas y eso me pone triste. Sobretodo porque perpetúa aquellas creencias que ponen en peligro las vidas de niños con albinismo en países como Tanzania y Malawi.

¿Qué es el albinismo?

• El albinismo afecta la producción de melanina el pigmento que le da su color a los ojos, la piel y el pelo.
• Las personas con albinismo tienen una cantidad reducida de melanina o ninguna.
• La prevalencia del albinismo varía en todo el mundo.
• Se prefiere el término “persona con albinismo” en vez de “albino”, que muchas veces se utiliza de forma despectiva

Mi albinismo significa que solo tengo entre un 8% y un 10% de visión y no puedo mirar directamente a la luz porque me duelen los ojos.

A veces si hay demasiada luz en una sesión digo: “¿Puedo cerrar los ojos o puedes suavizar la luz?” O digo: “Ok, puedes tomar tres fotos con flash con mis ojos abiertos y no más”.

Al principio puede que piensen que es difícil, pero cuando toman la primera foto dicen “guau”, y están muy contentos con los resultados.

Mis managers les dicen a los clientes: “Si no puedes hacerlo así, no puedes tener a Xueli”. Para ellos es importante que yo me sienta cómoda.

La gente me dice que mi discapacidad visual me da una perspectiva diferente y que veo detalles que otros no ven. También hace que me importe menos la visión tradicional de la belleza.

Quizás porque no puede ver todo correctamente, me centro más en la voz de la gene y en lo que tienen para decir.

Entonces su belleza interior es más importante para mí.

Me encanta modelar porque me gusta conocer gente nueva, practicar mi inglés y ver que la gente está contenta con mis fotos.

Quiero usar el modelaje para hablar sobre el albinismo y decir que es un desorden genético, no una maldición.

La forma de hablar sobre ello es decir “una persona con albinismo, porque decir “un albino” suena a que eso define quién eres.

La gente me dice que tengo que aceptar cosas de mi pasado, pero creo que ese no es el caso. Creo que tienes que ver qué pasó y entenderlo, pero no aceptarlo. No voy a aceptar que maten a niños por su albinismo. Quiero cambiar el mundo.

Quiero que otros niños con albinismo, o cualquier forma de discapacidad o diferencia, sepan que pueden hacer y ser lo que quieran.

Para mí, soy diferente en algunos aspectos pero igual en otros. Amo el deporte y la escalada y puedo hacerlo tan bien como cualquier otra persona. La gente puede decir que no puedes hacer cosas, pero puedes, solo inténtalo.

Todas las fotos están sujetas a derechos de autor.

Unas medias rotas que la prestigiosa marca Gucci anunció en las redes sociales le están dando la vuelta al mundo. 

Aunque a algunos usuarios le hizo recordar su juventud y agotaron de inmediato el producto en algunas localidades, otros estallaron al conocer los precios: US$190. 

De acuerdo con el sitio filo.news, a la mayoría de internautas les pareció gracioso y lo tomaron con buen humor.

“Tengo muchos de estos pares de medias. Diré que son de Gucci…”, “Rompo medias gratis, puedes llamarme Gucci…”, “Y saber que la cantidad de medias Gucci que me he hecho y las he tirado a la basura…”, son algunos de los comentarios recogidos por el sitio.

“Así como fuimos por las enaguas de la abuela, vayamos por las viejas medias rotas para lucir como Gucci”, dice la publicación.

Yo llorando porque mis medias se rompen y gucci vendiendolas en €140 pic.twitter.com/UjMcR9tfHE

— Mer (@dnkwski) October 22, 2020

El look de los pómulos ultraesculpidos lleva años en boga, pero el auge de los selfies, la moda de los influencers y el crecimiento de las redes sociales le han dado en los últimos años a esta cirugía, conocida y practicada ya desde hace décadas, un impulso sin precedentes.

Hablamos de la bichectomía, o extracción de las bolas de Bichat, unas bolsas de tejido graso que todos tenemos en las mejillas.

“Desde hace unos años está muy de moda entre las jóvenes de 20, 25 años”, le confirmó a BBC Mundo la doctora española Ainhoa Placer, miembro numerario de la Sociedad Española de Cirugía Plástica, Reparadora y Estética (SECPRE).

Es una tendencia que han notado especialistas de numerosos países, aunque es difícil obtener cifras concretas.

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El objetivo estético de este procedimiento es afinar la cara y marcar más los pómulos.

Si bien es una cirugía relativamente sencilla y poco invasiva, algunos expertos advierten que hay una cierta “banalización” en su uso, y que la operación es más compleja de lo que muchas clínicas de medicina estética quieren hacer ver.

Además, muchos especialistas la cuestionan como procedimiento estético si los pacientes no tienen un rostro excesivamente redondeado: a corto plazo puede ser eficaz para marcar más los pómulos, pero a la larga puede provocar un aspecto de envejecimiento prematuro.

“Yo personalmente no soy muy partidaria de realizar esta cirugía”, le dijo a BBC Mundo la doctora Placer.

En este artículo te explicamos por qué, pero antes, ¿sabes para qué tenemos estas bolsas de grasa en las mejillas?

Amortiguadoras

Las bolas de Bichat son unas bolsas de tejido adiposo que se encuentran en una capa profunda de la cara, bajo los pómulos y entre los músculos masetero y buccinador.

Actúan como una especie de almohadilla o amortiguador entre esos músculos faciales que, entre otras cosas, participan en los movimientos de la masticación -y de la amamantación en los recién nacidos.

Estas bolsas llevan el nombre del médico anatomista francés que las identificó a finales del siglo XVII, Xavier Bichat.

Su tamaño y volumen varían de una persona a otra por cuestiones genéticas, y pueden darle a la cara un aspecto redondeado, que no tiene que ver con el sobrepeso.

Aunque no cumplen una función estructural en nuestro rostro, su localización está muy ligada a un área delicada de la cara, cerca de varias terminaciones del nervio facial, del conducto parotídeo, por el que circula la saliva desde la glándula parótida hacia la boca, y de vasos sanguíneos importantes de la cara.

Los especialistas en cirugía reconstructiva y dental llevan décadas utilizando las bolas de Bichat como un recurso más dentro de su repertorio de técnicas quirúrgicas.

Pero el interés de los últimos años por su extirpación es puramente estético, y según la doctora Placer procede en su mayoría de mujeres jóvenes, que no necesariamente tienen mofletes desproporcionadamente grandes ni rostros excesivamente redondeados.

“No es tan simple”

La extirpación se hace a través de una incisión de uno o dos cm de largo dentro de la boca, a la altura de los molares superiores, en una operación que, dependiendo de la pericia del cirujano, puede tomar menos de una hora y que se suele realizar con anestesia local.

Las clínicas de belleza que promueven esta cirugía destacan que es un procedimiento rápido, mínimamente invasivo, con un postoperatorio fácil, resultados permanentes y sin cicatrices externas.

Venden un sueño estético: transformar de una manera fácil y rápida -y relativamente asequible, en torno a los US$1.500 dependiendo del país, una cara redondeada y sin definición en un rostro más fino y estilizado, con pómulos acentuados.

Puede ser muy tentador, pero “no es tan simple como parece“.

Ese es el mensaje de una campaña de información que hizo en las redes sociales la Sociedad Brasileña de Cirugía Plástica en 2019, específicamente para prevenir problemas asociados a las bichectomías.

Más allá de las posibles complicaciones asociadas a cualquier cirugía, como la hemorragia o la infección, los principales riesgos de una bichectomía de mala calidad son la posible lesión del nervio facial o la sección accidental del conducto de la saliva.

Una lesión grave del nervio facial, por ejemplo, puede provocar la pérdida irreversible de movimientos en la cara.

Por eso las asociaciones de profesionales de la Cirugía Plástica, Reparadora y Estética de diversos países insisten en que es fundamental ponerse en manos de un médico especialista cualificado y bien capacitado para realizar estas extracciones.

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Envejecimiento prematuro

Si bien la extirpación de las bolas de Bichat puede ser eficaz para quienes buscan tener unos pómulos y un contorno facial más definido, muchos especialistas advierten que, a largo plazo, puede tener un efecto indeseado sobre otro sueño estético: retrasar el envejecimiento.

En la cara hay muchos compartimentos grasos, situados en distintas capas, unas más superficiales que otras.

Con la edad se produce una pérdida de grasa facial, que es precisamente uno de los principales motivos del envejecimiento, por eso la doctora Placer cree que la bichectomía “a la larga es perjudicial, porque tú misma ya te estás adelantando al proceso de envejecimiento”.

Desde la Sociedad Brasileña de Cirugía Plástica hacen una advertencia similar: “la bichectomía puede generar importantes distorsiones anatómicas que con el envejecimiento se agravarían, dándole a la cara un aspecto más envejecido en comparación con la edad cronológica”.

“Te estás quitando una grasa que en un futuro te va a gustar, porque eso es lo que hacemos contra el envejecimiento: rellenar“, le dijo la doctora Placer a BBC Mundo.

Por eso esta especialista no es muy partidaria de quitar las bolas de Bichat en una cara “normal”, que no sea “súper redonda”.

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