Pareciera ser que todo lo que Bad Bunny toca, se convierte en tendencia. El puertorriqueño de 29 años ha vuelto a sorprender al mundo a finales de 2023, gracias al lanzamiento de su nuevo disco Nadie sabe lo que va a pasar mañana. La más reciente producción del “Conejo Malo” llega después del álbum Un Verano Sin Ti, que fue dado a conocer en 2022.

Tan solo un año después del exitoso disco, el boricua, famoso por canciones como “Titi me preguntó”, había generado bastante expectativa durante los últimos meses dado su nuevo disco. Previo al lanzamiento del nuevo álbum, el cantante ya había compartido los temas “WHERE SHE GOES”, “K-POP” y “Un preview”.

El disco Nadie sabe lo que va a pasar mañana, está compuesto de 22 canciones, un número promedio que Bad Bunny ha acostumbrado en sus últimas producciones de larga producción. Aunque esto no es novedad para los fanáticos del puertorriqueño, lo cierto es que varios de los temas presentan muchas sorpresas.

En la primera canción del álbum, titulada “Nadie sabe”, Bad Bunny se sincera y amplía su experiencia como una figura de renombre, y retoma episodios como la ocasión en que arrojó el celular de una mujer, a inicios de año.

En una de las partes de la canción, Bad Bunny habla sobre su descontento con las personas que creen conocer la vida de los famosos, basándose en lo que ven en Internet o que se mencionan en programas de entretenimiento.

Para referirse a esto, el cantante puertorriqueño menciona en una de las partes de “Nadie sabe” a la presentadora Laura Bozzo.

“Wow, qué cantidad de podcasts, qué cantidad de charlatanes. Hoy me levanté aburrido, al estilo Laura Bozzo”, menciona Bad Bunny en un momento que podría aludir cuando la famosa presentadora estuvo en el show “La Casa de los Famosos”.

A partir de esto, el nombre de la presentadora de televisión se convirtió rápidamente en tendencia en Twitter, generando una variedad de reacciones.

Algunos usuarios expresaron su incredulidad, mientras que otros destacaron la singularidad de que Bad Bunny mencionara a Laura Bozzo en su canción, lo que provocó un debate en línea.

Era 2004 y “Gasolina”, el primer hit internacional de Daddy Yankee, tomaba por asalto las pistas de baile, alcanzando los lugares más altos de las listas de éxitos.

El joven artista puertorriqueño iba en camino a convertirse en un ícono de la música latina con un reguetón, un nuevo estilo dentro del género urbano que por entonces empezaba a ganar popularidad.

A Daddy Yankee le seguirían una cofradía de intérpretes boricuas del mismo estilo musical, como Ivy Queen, Tego Calderón, Don Omar, Nicky Yam o Wisin y Yandel. Todos, al igual que Yankee, con un pasado humilde.

El origen del reguetón como lo conocemos hoy suele situarse en los barrios marginales de Puerto Rico.

Pero como señala Rodney Sebastián Clark Donalds, exproductor y locutor conocido como El Chombo, “el ADN del reguetón puertorriqueño viene de Panamá”.

Famoso por su serie de discos “Los Cuentos de la Cripta”, El Chombo señala que la base rítmica del reguetón que conocemos actualmente proviene del reggae en español panameño.

Ese género se hizo popular en Puerto Rico a principios de la década de los 90, cuando intérprete de Gasolina y los demás artistas experimentaban con el hip hop y el reguetón aún no tenía nombre.

Sin embargo, la historia del reggae en español, la de sus artífices y su contacto con la isla del encanto, comienza décadas antes, con la construcción de la obra de infraestructura más importante de Centroamérica: el Canal de Panamá.

Los diablos rojos

A lo largo de las décadas, a la Zona del Canal de Panamá -un territorio enclavado en el país centroamericano que consistía en el canal y las tierras, aguas y espacio aéreo circundantes que fue controlado por Estados Unidos entre 1903 y 1979- llegaron 100.000 inmigrantes jamaiquinos y de otras islas del Caribe.

En 1979, cuando el Canal y sus tierras pasaron a manos de Panamá, muchos de esos migrantes quedaron sin trabajo, por lo que tuvieron que desplazarse a otras áreas del territorio panameño.

En el barrio de Río Abajo, en Ciudad de Panamá, jóvenes de ascendencia caribeña que habían vivido en la Zona del Canal comenzaron a traducir canciones del dancehall – un género musical jamaiquino que se originó a partir del reggae– al español y el patois, un dialecto de la isla caribeña proveniente del inglés y varias lenguas africanas.

Entre estos había tres artistas que El Chombo considera trascendentales para lo que más tarde fue el reguetón: Leonardo “Renato” Audler (1961), Edgardo “El General” Franco (1969) y Fernando “Nando Boom” Browm (1970).

“La base rítmica del 85% del reguetón, para no decir 100%, porque hay excepciones, deriva de los patrones rítmicos del dancehall“, sostiene.

Con el ánimo de darse a conocer, en un momento en el que no existían las plataformas digitales, a estos panameños se les ocurrió grabar sus creaciones en casetes y venderlos a los conductores de los Diablos Rojos.

De colores pintorescos y repletos de dibujos, los Diablos Rojos eran autobuses de origen estadounidense que se convirtieron en un popular sistema de transporte privado en Panamá en los años 70. Eran conocidos porque sus conductores no tenían una ruta clara y manejaban de forma temeraria.

“Ellos tenían este enorme equipo (de música) en el bus, era como si hubiera una fiesta”, le contó Renato Audler al podcast Loud de Spotify.

“Se volvió tan famosa (la música) porque (los Diablos Rojos) eran como una estación de radio”, agregó.

Los conductores pedían a los artistas canciones personalizadas. Los casetes, con temas que hablaban de la vida en el barrio, también eran adquiridos por los clientes de los autobuses.

Hasta que un día llegó la fama, primero llamando a la puerta de Renato. Luego de grabar varios sencillos que se popularizaron en Panamá, logró un hit: “La chica de los ojos café”.

La canción de 1985, una composición inspirada en una telenovela que se transmitía en Panamá, se convirtió en el primer éxito internacional dereggae en español, siendo versionado por artistas de otros géneros, como el merengue y el rock.

Años después, pero en un lugar lejano a Centroamérica, El General y Nando Boom grabaron canciones que también alcanzarían el éxito.

El dembow

Edgardo Franco, llamado El General por su talento para la improvisación, llegó a Nueva York en 1985 con la idea de realizar estudios de contabilidad.

Un año después, su cuñado Nando Boom lo convenció de entrar nuevamente a la música.

Franco actuaba en los clubs de la ciudad como un pasatiempo, hasta que en 1990 grabó “Tu pun pun”, un sencillo que se convirtió en el primer tema de reggae en español en sonar en la radio estadounidense.

Con otros temas como “Muévelo”, “El caramelo” y “Boriqua Anthem” vendió miles de copias, hasta que se retiró de la música e ingresó a los Testigos de Jehová.

Para ese momento, ninguno había hecho propiamente un “reguetón”.

“El General es muy importante para la historia del género urbano, pero no hacía reguetón”, cuenta Pablito Wilson, periodista argentino radicado en Colombia y autor del libro “Reggaetón: una revolución latina”.

Wilson añade que la base rítmica de estos artistas continuó siendo fiel a la del dancehall jamaiquino, hasta que una canción lo cambió todo.

“La primera persona que se monta en un ritmo de dembow, al estilo reguetonero como lo conocemos hoy, fue el cuñado de El General, Nando Boom”, asegura.

Lo hizo con una canción titulada “Ellos benia (dembow)”, que versiona un tema de letras homófobas titulado precisamente “Dembow”, y que era interpretado por el jamaiquino Shabba Ranks, cuenta El Chombo.

“Yo lo llamo el tumpa, tumpa”, dice El Chombo para ejemplificar el ritmo de la canción de Nando Boom que fue la base de muchos otros temas que incluyeron el ritmo que se conoció como dembow, sobre todo en Puerto Rico, donde los artistas locales la transformaron, dándole el nombre de reguetón.

Una música clandestina

Mientras el reggae en español se movía por el continente, en una discoteca conocida como The Noise, en San Juan de Puerto Rico, se popularizaba el underground, una suerte de hip hop en español con letras hipersexuales que relataba la violencia en las comunidades marginales de la isla.

Recibió ese nombre por su carácter clandestino, pues al principio fue censurado y perseguido por el gobierno y la policía local.

El club, que era propiedad de Félix Rodríguez, mejor conocido como DJ Negro, funcionaba sin tener todos los permisos, por lo que fue cerrado en varias ocasiones.

A principios de la década de los 90, era el único lugar en la isla en donde se celebraban presentaciones de underground. Fue el primer escenario para Daddy Yankee e Ivy Queen.

Y Negro, junto a otros DJs de la época, se convirtió en uno de los primeros productores del género, grabando a quienes se presentaban en su discoteca.

A The Noise llegó la música de los exponentes panameños, y los boricuas comenzaron a cantar sobre ella, pero “con su propio sabor”, según dice El Chombo.

El reguetón “es una sopa de muchos ingredientes”, asegura Patricia Velázquez, codirectora de Hasta Bajo Project, una ONG puertorriqueña que se dedica a preservar la historia del género urbano.

“El dancehall por supuesto que influyó”, añade su compañera codirectora Ashley Oliva.

Los artistas puertorriqueños cantaban sobre las experiencias de sus vidas en zonas marginales, algo que “viene tanto del reggae como del hip hop“, señala Oliva.

“Sucede una simultaneidad en la creación de las diferentes músicas que luego se convierten en reguetón”, dice por su parte Velázquez, quien agrega que, a lo largo de sus tres décadas de existencia el reguetón se destaca por ser un género “transcultural”.

El “tumpa, tumpa”, ese ritmo amado por tantos y odiado por muchos otros que comenzó con la canción del panameño Nando Boom, se transformó en Puerto Rico en reguetón.

Y ahora es un ritmo universal que se combina, de la mano de artistas contemporáneos como Bad Bunny, Rosalía o Peso Pluma, con una infinidad de sonidos y géneros, como la cumbia, el regional mexicano y el flamenco.

En abril de 2022, el músico uruguayo Jorge Drexler regresó a la escena musical luego de cinco años de “calma” y lanzó el álbum Tinta y tiempo, una producción con la que le canta a la energía del amor en todas sus variantes.

Drexler presentó en ese momento 10 nuevas canciones poéticas e ingeniosamente construidas.

El músico uruguayo definió su nuevo material como un álbum “difícil” ya que su creación se complicó más de lo esperado “por una crisis compositiva acaecida por la pandemia” y “estuvo bien cerca de no existir”.

Drexler, quien cuenta con una exitosa trayectoria de más de tres décadas en la música y las artes, ha grabado catorce discos de estudio y ha ofrecido conciertos en reconocidos escenarios en diversos países.

Recientemente se confirmó que el músico uruguayo ofrecerá un concierto en Guatemala.

Cuando será el concierto de Jorge Drexler en Guatemala

Desde el pasado 9 de junio, Drexler publicó en su cuenta de Instagram varias de las fechas confirmadas en las que dará conciertos que formarán parte la gira Tiempo y tinta.

En ese momento, Drexler compartió un afiche oficial en el que se visualizan las ciudades que visitará y sorprendió a sus admiradores guatemaltecos debido a que en la descripción incluyó la fecha en la que tiene prevista cantar en el país.

https://www.instagram.com/p/CtR_-NYrloG/

“Después de mucha preparación, los próximos días por fin podremos anunciar estos conciertos”, indicó Drexler en la publicación en redes sociales.

Este viernes 16 de junio, la productora nacional NiuMark confirmó que el cantautor uruguayo se presentará en Guatemala el martes 31 de octubre y ofrecerá un concierto en el Centro Cultural Miguel Ángel Asturias a las 19 horas.

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La productora indicó que las entradas para ese show se podrán adquirir en el sitio https://tickt.live/gt a partir de las 19 horas del lunes 19 de junio y hasta ese día revelará las localidades y los precios.

El puertorriqueño Eduardo Cabra, ganador de 28 premios Grammy y Grammy Latinos, reveló que utilizó el programa de inteligencia artificial ChatGPT para componer un tema de su nuevo disco, Martínez, que presentó este viernes 26 de mayo y con el que se despide como cantante para centrarse en la producción.

Sentado en su estudio La Casa del Sombrero en San Juan, Cabra contó en la entrevista que compuso “debatiendo” con ChatGPT la canción Toco Madera, una de las ocho de su nuevo álbum, que incluye colaboraciones con el reguetonero boricua De La Ghetto, el dominicano Vicente García o el español Rodrigo Cuevas.

“Mientras iba debatiendo, iba saliendo la letra”, explicó el artista, de 44 años, que fue por unos diez años la mente maestra musical del grupo Calle 13 hasta su disolución en 2015 tras un concierto en Puerto Rico.

La música está en su mejor momento

Por la oportunidad de componer una canción con ChatGPT, Cabra aseguró que esta se mueve a lo que llamó “el mejor momento que estamos viviendo en la música a nivel de oferta”.

“Tienes lo digital, lo análogo, los instrumentistas… Es una mezcla de lo antiguo con lo moderno. Son recursos”, detalló el músico, quien en los pasados ocho años ha trabajado como productor en al menos 40 discos.

Sin embargo, Cabra sostuvo que la inteligencia artificial “todavía no le llega” al trabajo de producción de un músico, pues en ocasiones el tocar erróneamente un teclado o un botón puede llevar a tener un sonido único y distinto al buscado.

“Si buscas explorar algo, dejándote llevar por lo que ha ocurrido en la música, la inteligencia artificial te puede llenar tus necesidades“, afirmó.

“Pero, si buscas romper con las cosas en la historia de la música, hay un factor aleatorio que siempre va a estar ahí. Ese error te va a llevar cosas por otro lado”, añadió.

Hace falta diversidad musical

Cabra afirmó que, a nivel económico, la industria musical también está en su mejor momento, aunque reconoció que la competencia para que un artista se haga viral es mucho más difícil.

“Hace falta diversidad. Yo creo que esto es un trabajo de colaboraciones diversas. Lo que yo estoy cantando o comunicando no son temas ‘mainstream’, de la línea de lo que se está promoviendo ahora, y eso es un granito de arena dentro de lo que yo estoy tratando de hacer en la música”, reflexionó.

Además, mencionó que actualmente muchas personas han decidido dedicarse a la música como un camino para ganar buen dinero, pero olvidando su fin: hacer arte.

“La música es una expresión artística y yo sé que dentro de las artes es la que más se le saca dinero, pero ya ves que lo hacen con una sola razón que no es comunicar un sentimiento”, lamentó Cabra.

Su nuevo disco, Martínez, cuenta también entre los invitados con la colombiana Elsa y Elmar, la dominicana Letón Pé, la estadounidense de padre mexicano y madre dominicana Ambar Lucid, el puertorriqueño Seba Otero y el grupo boricua Yuba-Iré.

Cantar fue “un experimento”

El disco es una “coherencia” musical con su anterior álbum, Cabra (2021), y supone el inicio de una nueva etapa en la que el artista se retira como cantante.

“Eso de cantar fue un experimento. Mi enfoque ha sido producción. Y yo creo que ya hice un ‘check’ (marca) de lo que necesitaba hacer o quería para mí. Es suficiente”, sostuvo.

“Además, uno está como en veinte cosas todo el tiempo, con producciones que llegan acá. Esta etapa de cantar toma mucho tiempo de tu vida. Es una cosa increíble”, admitió el músico, quien confesó además que cantando se escucha “rarísimo” porque su voz es “rarísima”.

Raro también fue su propuesta de estrenar casi a diario durante las pasadas dos semanas los sencillos de su nuevo disco, y cuyo octavo y último tema se publicaron junto al álbum este viernes 26 de mayo.

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Esta decisión de sacar “rápido” los temas la tomó, según dijo, “para bajarle a esa carga emocional” que se suele poner a los lanzamientos.

El grupo puertorriqueño de reggae Cultura Profética continúa con la difusión de sus canciones y debido a su entusiasmo, cada día gana más admiradores.

Se fundó en 1996 y en la actualidad es catalogada como una da las bandas de reggae más importantes en español. Además, sus integrantes indican que sus letras se enfocan en temas sociopolíticos y ecológicos, la identidad latinoamericana, las preocupaciones ambientales, así como las relaciones interpersonales y el amor.

Conocidos por éxitos de protesta y de carácter social como Fruto de la tierra, Protesto y Advertencia, así como los vínculos románticos con Ilegal, La complicidad y Para estar, Cultura Profética publicó recientemente una canción con temática nostálgica.

El pasado 17 de marzo la banda lanzó Solo un eco, su reciente sencillo que promocionó con un videoclip oficial que cuenta con más de tres millones de reproducciones en el canal oficial de YouTube.

La banda en la actualidad mantiene un vínculo cercano con sus admiradores a través de las redes sociales y constantemente publica información relacionada con sus canciones y presentaciones. Además, recientemente alegró a sus fanáticos con el anuncio de diversos conciertos y festivales en los que participará.

La alegría contagió a los admiradores guatemaltecos con el anuncio de un concierto en país.

Cuando será el concierto Cultura Profética en Guatemala

El miércoles 24 de mayo, a través de sus cuentas en redes sociales, la empresa local Dos Mundos reveló que la banda de reggae se presentará en Guatemala.

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El viernes 26 de mayo, Dos Mundos confirmó que Cultura Profética ofrecerá un concierto en Guatemala, el viernes 1 de septiembre en el Parque de la Industria. Además, se indicó que las entradas se podrán adquirir a partir del 29 de mayo en Tickt.live.

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El cantautor guatemalteco Ricardo Arjona continúa recorriendo varios países con la gira que comenzó de forma oficial el 3 de febrero de 2022 en España y con la que ha arrancado suspiros a multitudes.

Durante su estadía en Europa, el artista nacional cautivó con sus shows y sus seguidores le brindaron múltiples mensajes y muestras de cariño.

Con el recorrido de la gira, Arjona ha sido considerado como un ícono para muchos argentinos y como genio en Colombia. Además, en otros recintos como el emblemático escenario Crypto.com o casa de los Lakers, el artista guatemalteco recibió una camiseta de los Lakers con la que el staff del equipo reconoció la faceta del cantautor en el baloncesto guatemalteco.

En noviembre de 2022, su disquera Metamorfosis notificó a través de un comunicado que el tour llevaba paso firme con casi 100 conciertos entre Europa y América Latina, por lo que la gira es considerada una de las más sólidas en curso.

“Más de un millón y medio de personas asistieron este año (2022) a sus conciertos, más de un millón y medio de personas dijeron a los gritos que este concierto no es solo un concierto sino una experiencia única”, dijo Metamorfosis y varios de los admiradores del cantautor guatemalteco se sienten orgullosos al conocer las impresionantes cifras.

La gira y el nuevo concepto para 2023

En los primeros días del 2023, Ricardo Arjona sorprendió a multitudes al anunciar más conciertos, ahora, bajo el concepto Blanco y Negro: Volver Tour 2023 y ya ofreció conciertos en Argentina, Uruguay y México.

En la actualidad, Arjona se encuentra en Estados Unidos, país en el que ya dio algunos shows y en el que tiene previsto recorrer al menos 20 ciudades.

Ricardo Arjona y el documental en el que repasa sus primeros pasos en México

El pasado 14 de marzo de 2023, Arjona regresó a México y ofreció conciertos en Monterrey, Guadalajara, Querétaro, San Luis Potosí, la Ciudad de México, Hermosillo y Tijuana.

“México, vamos para allá”, fue el mensaje el artista guatemalteco publicó en sus cuentas de redes sociales el pasado 7 de marzo y a través de un video, anunció que estaba listo para cantar sus éxitos con un público que siempre le ha brindado apoyo.

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Días después, Arjona recordó varias anécdotas en México, recorrió varios de los lugares que solía frecuentar durante los años que vivió en ese país al que identificó como perfecto para escribir canciones y a través de un video, el cantautor guatemalteco reveló que en México fue “donde empezó todo”, al referirse a su éxito internacional.

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Arjona ofreció varios conciertos en México. Sin embargo, el que dio el pasado 25 de marzo en el Foro Sol quedará grabado en su memoria y corazón debido a que lo definió como “Una de las noches más emocionantes de mi vida” al llenar ese emblemático recinto y cantar para 60 mil espectadores.

Este martes 9 de mayo, el cantautor guatemalteco sorprendió a sus admiradores al revelar que ya está disponible en su canal oficial de YouTube, un documental en el que revela su conexión con México.

“La historia, hasta llegar a BLANCO Y NEGRO. A partir de hoy en YouTube”, publicó en Arjona.

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En el documental de casi 90 minutos, Arjona revela cómo fueron sus primeros pasos en México, quiénes fueron las personas que lo apoyaron, los lugares en los que vivió y los recintos que visitó, así como algunas de las fuentes que le sirvieron de inspiración para componer varias de sus canciones.

En la pieza audiovisual, el cantautor guatemalteco también comparte anécdotas y evidencia su determinación desde el inicio de su carrera hasta llegar a la actualidad y reflejar por qué es uno de los grandes artistas de Latinoamérica.

El rapero Coolio, uno de los músicos más representativos de la escena urbana de Los Ángeles y autor de éxitos de los años 1990 como “Gangsta’s Paradise”, murió este miércoles a los 59 años, confirmó su representante.

El músico falleció por la tarde en la casa de un amigo, quien tras comprobar que no salía ni respondía a sus llamadas fue a buscarlo al baño y lo encontró muerto a causa de un infarto, según su representante Jarez Posey.

“Lo que sé es que estaba en casa de un amigo, fue al baño y murió de un infarto“, explicó Posey en declaraciones recogidas por la cadena NBC.

Coolio, cuyo nombre original era Artis Leon Ivey Jr., saltó a la fama en la década de 1990 como uno de los nombres más conocidos del rap californiano.

Su pico de éxito llegó en 1995, cuando publicó la canción “Gangsta’s Paradise” como parte de la banda sonora de “Dangerous Minds”, que se convirtió en una de las canciones de rap más populares hasta esa fecha, lideró la lista Billboard Hot 100 durante 3 semanas y ganó un premió Grammy.

El tema impactó tanto en la cultura pop que llegó a tener una sátira, “Amish Paradise” de Weird Al Yankovic, cuya letra era totalmente contraria a la original.

El rapero nació en 1963 en el estado de Pensilvania, pero se mudó al sur de Los Ángeles a finales de la década de 1980 para iniciar su carrera musical con la publicación del disco “It Takes a Thief” del que se desprendieron sencillos como “Fantastic Voyage” y “It Takes a Thief”.

Entre los discos que publicó posteriormente destacan “My Soul”, “Coolio.com”, “El Cool Magnifico” (con guiños a la comunidad latina de Los Ángeles), “The Return of the Gangsta”, “Steal Hear y “From the Bottom 2 the Top”.

De forma paralela a la música, Coolio también participó en el mundo audiovisual con más de 100 créditos en series y películas, además de publicar el libro de cocina y el programa “Cookin’ with Coolio”.

Una demanda que, según la justicia, llegó tarde.

Un juez estadounidense desestimó el viernes el último intento de un hombre contra Nirvana por la icónica portada del álbum de 1991 de la banda que lo mostraba desnudo cuando era un bebé.

Spencer Elden, de 31 años, dijo que su aparición en la portada del disco “Nevermind” constituía abuso sexual infantil.

Pero el juez Fernando Olguin de la corte distrital de Estados Unidos para el Distrito Central de California aseguró que el joven había dejado pasar demasiado tiempo como para afirmar que había sido explotado.

Las vías legales de Elden ahora están casi agotadas ya que no puede volver a presentar el caso en la justicia, aunque sus abogados aseguraron a los medios estadounidenses que apelarían el fallo.

“Daños de por vida”

La demanda se centró en una fotografía del joven que lo mostraba nadando desnudo en una piscina hacia un billete de un dólar perforado con un anzuelo.

Elden argumentó que no había podido dar su consentimiento para que se usara la imagen y buscaba una compensación por daños de US$150.000.

El fotógrafo Kirk Weddle estaba entre los acusados, al igual que los exmiembros de Nirvana Dave Grohl y Krist Novoselic, así como Courtney Love, la viuda del fallecido cantante Kurt Cobain.

Elden presentó su caso en 2021 argumentando que todavía tenía derecho a compensación porque la imagen seguía causándole angustia y pérdida de ingresos en su adultez.

En la presentación judicial inicial, el hombre alegó que ha sufrido y seguirá sufriendo “daños de por vida” como resultado de la obra, incluida “angustia emocional extrema y permanente”, así como “interferencia con su desarrollo normal y progreso educativo”, por lo que ha requerido “tratamiento médico y psicológico”.

La demanda fue desestimada y luego se volvió a presentar en enero.

El juez de Los Ángeles dictaminó que Elden presentó su caso mucho más allá del plazo de prescripción de 10 años.

“Sin sustento”

Un abogado defensor celebró el veredicto y dijo que el caso no tenía sustento.

La defensa había argumentado que Elden había disfrutado ser el “bebé Nirvana” y señaló que había recreado la fotografía en su vida posterior.

Los padres de Elden recibieron US$200 por la foto en 1991 de parte de una banda que entonces era relativamente desconocida.

Las ventas mundiales de “Nevermind” superaron los 30 millones, convirtiéndolo en uno de los álbumes más vendidos de todos los tiempos.

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John Michael Osbourne, conocido como “Ozzy”, es uno de los cantante más reconocidos en el mundo del metal, principalmente por haber sido el líder el la mítica banda se los años 70, Black Sabbath.

Además, también era reconocido por sus problemas con respeto al consumo desmedido de drogas y alcohol. Sobre todo en los años setenta cuando se conocía su abuso de ácidos.

El pasado 23 de agosto, en una entrevista que el cantante brindó al medio Daily Star, contó que la principal razón por la que dejó de consumir ácidos en aquella época, fue por haber conversado con un caballo por más de una hora.

“En aquella época, en Estados Unidos, la gente era muy aficionada a echarle ácido a las bebidas. A mí no me importaba“, dijo el cantante.

También contó que solía consumir varias pastillas a la vez, pero que el final de su adicción fue cuando decidió tomar un paseo por el campo.

“Me tomé 10 pastillas de ácido y luego me fui a dar un paseo por el campo. Acabé de pie hablando con un caballo durante una hora“, contó Osbourne.

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“Al final, el caballo se dio la vuelta y dijo que me fuera. Eso fue todo para mí“, concluye el cantante.

Geezer Butler, amigo de Ozzy Osbourne, contó que los integrantes de Black Sabbath habían empezado con el consumo de drogas en Estados Unidos, mientras elaboraban su cuarto material discográfico llamado Vol. 4.

“Llegamos a California, y estábamos en la casa de una chica, una enorme casa en la playa. Y ella nos dio esta cosa, psilocibina“, dijo Butler.

“Nunca había oído hablar de ella, no sabía que era otro nombre para el ácido, y simplemente la tomé, al igual que Ozzy y la chica. él me dijo que se dio un baño en el océano, pero cuando lo ví seguía en la playa, agitándose en la arena”, concluyó.

El popular grupo de música regional de México, Los Tigres del Norte se presentará en Guatemala como parte de su gira “La Reunión Tour”.

La información se compartió mediante una publicación de la empresa TodoTicket en sus redes sociales, donde indicaron que el concierto será en diciembre de 2022 en Explanada Cayalá.

“JS Producciones trae a los Jefes de Jefes de regreso a Guatemala después de una larga espera”, dice el mensaje acompañado del cartel promocional del evento.

Los comentarios de los seguidores guatemaltecos de la banda expresaron emoción y alegría ante la oportunidad de ver nuevamente a la popular agrupación.

“¡Qué buena noticia!”, “¡Quiero ir!” y “No faltan los Jefes de Jefes”, fueron algunos de los comentarios de los seguidores de la banda en Guatemala.

Los Tigres del Norte han pisado con anterioridad suelo guatemalteco, en diciembre de 2019 siendo el más reciente concierto en Quetzaltenango también visitaron Guatemala en diciembre de 2017.

Historia

Formado en 1968 y teniendo en su haber más de 50 producciones discográficas, Los Tigres Del Norte es una de las bandas más longevas y populares no solo de la música regional mexicana sino de la música popular en general.

Entre sus canciones más populares están “Mi Fantasía”, “La Puerta Negra”, “Jefe de Jefes” o “La Jaula de Oro”, las cuales han obtenido millones de reproducciones en YouTube y Spotify.

Además, la agrupación mexicana es la segunda en el mundo en realizar un concierto en la prisión de Folsom, en California, luego de que el cantautor Johnny Cash lo hiciera por primera vez en 1968.