Hay aspectos que se han mantenido intactos en los talleres de artistas consultados, como el hecho de que han heredado el oficio de sus padres, quienes, como ellos, elaboran las imágenes religiosas de manera empírica y no académica, procurando responder a la demanda con mayor rapidez, pero sin sacrificar la calidad de cada pieza. Para cumplir con este requerimiento, los trabajadores del taller se dividen las tareas para reproducir las piezas, ya sea en resina o madera, en el fundido o tallado, acabados y policromía.

Al comparar con el pasado colonial, un ejemplo del reparto de talentos lo constituye el del maestro Pedro de la Rosa, a quien se atribuye la autoría del Crucificado del Calvario (1657), en Antigua Guatemala, Sacatepéquez, según cédulas de papel encontradas en el interior de esta imagen, en la que se afirma que la policromía estuvo a cargo del pintor Antonio de Montúfar, refiere el artículo Escultores y esculturas de la antigua capitanía general de Guatemala (1524-1660), de Rafael Ramos Sosa, Universidad de Sevilla.

Según se expone en la obra Historia de la imaginería colonial en Guatemala, de Heinrich Berlin (1952), “a medida que las artes se desarrollaban, hasta para ser un simple imitador técnico se requería, y aún se requiere, un largo entrenamiento. De ahí que el artista verdadero siempre haya sido, y lo seguirá siendo, un hombre excepcional”.

Iván Vásquez, hijo del maestro Cristóbal Vásquez —quien trabajó con el insigne artista Julio Dubois desde los 18 años, fallecido a los 84, hace tres años— y que abrió su taller propio en el 2015, dice que aunque aprendió de su padre la realización de esculturas en resina, desde niño ha asistido a talleres de pintura para perfeccionar las técnicas, pues él se dedica solo a pintarlas. Otros trabajadores, incluido su hijo, hacen los moldes, funden la resina y la pulen.

LE RECOMENDAMOS

Podcast | Importancia y simbolismo de las imágenes religiosas en la historia de Guatemala

Plasman arte en imágenes religiosas 

La resina, dice, es el material que más se utiliza en la actualidad, a partir de la década de 1990, por ser más rentable y más resistente que el yeso, además de que permite una mayor producción de piezas, con el uso de moldes. Además, su secado es más rápido.

En cuanto los precios, imágenes de José y María, en resina, tienen un costo, ambas, de Q650, en tanto que en yeso, unos Q50. “Hay esculturas importadas, pero los acabados son mejores en Guatemala y le damos el toque nacional, pues las extranjeras tienen tonos de piel pálidos; en las guatemaltecas son más intensos, sin perder la belleza”, añade.

También se elaboran imágenes con rostro, pies y manos de resina, y el cuerpo con goznes, para vestir, de madera. La ventaja de la madera es que es natural, las piezas son únicas, hechas a mano, con mayor durabilidad, pero tienen un costo más elevado y lleva más tiempo su elaboración.

Vásquez asevera que en su taller realizan unos 10 juegos de misterios de la Natividad —Jesús, María y José— a la semana, con cabeza, manos y pies de resina, en tanto que si fueran de madera en su totalidad, serían solo unos cuatro juegos.

Aunque tienen trabajo todo el año, los escultores entrevistados coinciden en que las épocas altas son fin de año y Cuaresma. Las imágenes con mayor demanda en los últimos meses del año son Jesús, María y José; la Virgen de Guadalupe; la Virgen del Rosario; la Inmaculada Concepción y los Reyes Magos. En Cuaresma, crucifijos, nazarenos, cristos yacentes y resucitados, dolorosas, María Magdalena y san Juan.

Erwin Camey, de 39 años, quien aprendió el oficio de su tío a los 12, asevera que “la mejor escuela es la práctica”. Su tío, afirma, se formó en una fábrica de imágenes, propiedad de artistas italianos, que se llamaba El Arte Toscano. Camey dice que en su taller, pueden elaborar 10 piezas en resina en una semana.

Demanda

Las manifestaciones artísticas, a la llegada de los españoles, tenían como objetivo la conversión de los locales a la religión católica. A medida que aumentaron los conversos, hubo mayor necesidad de objetos de arte para el culto, que traían de España, pero al mismo tiempo, los más capacitados entre los pobladores, en especial frailes, se dedicaban a la fabricación. Berlin explica que, en realidad, los cronistas no se referían a “hacer”, sino mandar a hacer.

En la actualidad, indican los artistas entrevistados, la mayoría de los pedidos de imágenes son hechos por particulares, para su devoción privada; solo algunas son procesionales, solicitadas por hermandades o iglesias.

LE RECOMENDAMOS

Cinco imágenes religiosas de Guatemala que ocultan mensajes

Cuáles son las procesiones e imágenes más antiguas de Guatemala

La demanda, afirma Vásquez, ha aumentado en los últimos años, pues ahora hay ocho de estos talleres en el Centro Histórico, cuando hace dos décadas eran solo tres.

Durante la Colonia, los principales clientes eran cofradías, órdenes religiosas, personas individuales, alcaldes indígenas, gobernadores, jefes ediles y autoridades eclesiásticas. Los artistas, en general, transmitían los conocimientos del oficio a sus hijos, y estos a las generaciones, expone Brenda Porras en su tesis doctoral El retablo y la escultura en Guatemala, siglos XVI al XIX (2015).

Fernando Urquizú, historiador del Arte, refiere que la calidad de la escultura se vio afectada por la Ilustración francesa, a finales del siglo XVIII, por lo que cae la demanda de la producción religiosa, además de que en 1804 España pide que se liquiden los bienes de las cofradías en América para subsidiar la guerra con Napoléon Bonaparte, por lo que estas asociaciones religiosas se quedan sin fondos.

A comienzos del siglo XX se comienza a importar imágenes de Europa, de mejor calidad, y disminuye la producción de esculturas religiosas nacionales.

“Como consecuencia, la escultura cae en decadencia, pues no puede competir con la calidad de imágenes italianas, francesas y españoles”, añade Urquizú
A partir de la década de 1960 se comienzan a importar esculturas religiosas de Hong Kong y China, por lo que los artistas de Guatemala sucumben ante este mercado.

Después de la firma de los Acuerdos de Paz (1996), a la escultura nacional se le devuelve el valor que merece como patrimonio cultural y cobra mayor importancia en el siglo XXI, afirma.

“Estos talleres rescatan la tradición escultórica del país, al competir con imágenes chinas, de menor calidad. Su arte está destinado a satisfacer a un público que trata de conservar el patrimonio. Hay artistas que se aproximan a las técnicas coloniales en madera”, dice. Las réplicas de imágenes reproducen también el sentido religioso del original, así como su carácter mítico y sobrenatural, indica.

Perfil del artista

El artista, en la época colonial, ocupaba el lugar de un respetado artesano. Con frecuencia, era casado, sabía escribir y su mujer no, aunque hubo también artistas analfabetas. Figuraba en determinada asociación religiosa, por lo cual se sentía relacionado con alguna iglesia en especial, hasta el punto de pedir que se le enterrara en ella.

LE RECOMENDAMOS

200 años de pintura y escultura en Guatemala

Así descubrieron que los artistas mayas firmaban sus esculturas

Entre los artistas existía un ambiente de amistad profesional, que, desde luego, no excluía del todo rencillas y competitividad.

Entre ellos se formaban relaciones por parentesco real y también espiritual; en los casamientos y bautismos, artistas amigos servían de padrinos. También se conservan testamentos donde un artista designó a otro como su albacea.

Desde su taller, tienda y obrador, como solía decirse en la época, el imaginero atendía los pedidos grandes y pequeños. Allí mismo fabricaba los encargos.

Las artes y los oficios se ejercían por numerosos artistas y artesanos no agremiados y dado su número y, a veces, su innegable capacidad, era ya imposible su control y agrupación,

El traslado de la ciudad al Valle de la Ermita, en 1776, llevó al empobrecimiento y casi total extinción de muchos. En la nueva capital se fueron desarrollando las artes, estimuladas por las autoridades.

Los artistas coloniales usaban libros para crear sus obras, de estampas y geometría. Se utilizaron modelos occidentales traídos por los conquistadores y colonizadores, como pinturas y esculturas pequeñas, estampas y grabados sueltos o que formaban parte de las ilustraciones de libros litúrgicos, se expone en la obra Pintura y escultura hispánica en Guatemala, de Haroldo Rodas (1992).

En la actualidad, los artistas utilizan su teléfono celular para buscar la fotografía ideal de la imagen que desean reproducir de nazarenos, cristos y vírgenes. Camey indica que ha exportado sus imágenes a El Salvador y Nicaragua.

Lea también: ¿Quirio Cataño era portugués o italiano?

Obras en madera

La madera principal que utilizaban en la Colonia era el cedro, de preferencia la raíz, para la elaboración de rostros, manos, pies e imágenes pequeñas o domésticas. El dibujo cumplió una función primordial, al planificar la imagen sobre la madera, para definir las proporciones y rasgos generales. Era la guía al momento de esculpir, según el modelo de estampa o grabado.

LE RECOMENDAMOS

Nacimiento Guatemalteco en El Vaticano: Conozca la hora en la que será develado en la Santa Sede y donde lo podrá ver en Guatemala

La Semana Santa de Guatemala es declarada patrimonio de la humanidad por la Unesco

Al cedro los escultores coloniales lo llamaban “madera para hacer santos”. Tiene varias ventajas plásticas como suavidad, porosidad fina, sin nudos duros ni fibras o astillas, y tiene un color parejo, además de que abunda en los bosques del país.

Welter Velásquez, quien para seguir la tradición heredada de su padre talla las imágenes solo en madera, expone que se utiliza cedro por su maleabilidad y en algunas ocasiones, caoba, pero esta es más rígida.

Lea también: Escultores guatemaltecos dan vida a imágenes

Aunque deseaba estudiar ingeniería, debió aprender el arte con su padre, por un accidente que este tuvo en la vista, por lo que ya no pudo trabajar. De la noche a la mañana, a Velásquez le tocó tomar su lugar.

“Al producir en mayor cantidad, se puede descuidar la calidad”, advierte. Una pieza de vestir de 65 cm de alto les puede llevar a él y a sus hermanas, que también trabajan en el taller, unas 15 horas, y si es de bulto —cuerpo tallado por completo—, 36.

En el pasado se usaba vejiga de cordero para aplicar el encarnado, cuyo secado llevaba mucho más tiempo, pero ahora se usan pigmentos industriales. En óleo el secado puede tardar tres días. Si son de resina, se pueden colocar a la intemperie sin sufrir daños, asegura Camey.

El precio de una imagen de 65 cm es de Q2 mil 800, con pintura industrial, y si fuera al óleo, Q6 mil 500, pero tiene más durabilidad.

Aunque hay escultores, como Velásquez, que aprendieron a hacer estofe, este se realiza en escasas ocasiones, por su alto costo y mayor tiempo de elaboración, pues se utilizan laminillas de oro o plata sobre las cuales se efectúan los realces o cincelados para decorar el vestuario a imágenes de bulto.

Camey indica que en la Colonia, solo para crear una imagen, le llevaba al artista medio año, pero su valor era muy elevado.

La talla se iniciaba con el desbaste de los perfiles, luego los frontales y laterales, y se definían las formas, en el caso de una figura humana, en elementos como cabellera, manos, nariz, pies y ropajes, y se les daba un pulido con lija para luego dejar las esculturas en blanco.

Este proceso de tallado se ha conservado hasta la actualidad. Luego se aplicaba la policromía a la escultura en blanco, para formar los ropajes, y la fase del encarnado o tono de piel humana.

Hacia el final se barnizaba, para proteger la escultura, y se colocaban ojos de vidrio, cabello, coronas y otros atributos. En la actualidad todavía se utilizan estos elementos. Los artistas de hoy también hacen restauraciones de imágenes en madera y resina.

El escultor fue la fuerza productiva para satisfacer la necesidad espiritual del hombre. En ese sentido, Urquizú destaca que los artistas sustituyen técnicas y materiales, “pero el espíritu de la tradición se conserva”.

“Mientras haya personas devotas de imágenes, se va a mantener este arte”, concluye Vásquez.

Antecedentes escultóricos

• La imagen más antigua de Centroamérica es la escultura de la Virgen del Socorro, que se venera en la Catedral Metropolitana, traída por los conquistadores en 1524.
• A mediados del siglo XVI la esculturas respondían a un criterio plástico del Renacimiento, en un taller con un maestro al frente.
• Entre las primeras está la Virgen del Rosario de la parroquia de Santiago, Sacatepéquez, o San Bartolomé de Mazatenango, Suchitepéquez, que constituyen un ejemplo de un primer y sencillo renacimiento en Guatemala.
• En la primera mitad del siglo XVII la plástica evolucionó del idealismo renacentista y manierista hacia el barroco. Un hito de este período es el Nazareno de la Merced, obra documentada del imaginero Mateo de Zúñiga, en 1655.
• El dato más antiguo sobre la procedencia de artistas de origen hispánico en nuestro país data de alrededor de 1558, vinculado a las órdenes religiosas.
• Según fray Francisco Vásquez, vivió el hermano lego franciscano Juan de Aguirre, quien talló dos vírgenes que Diego de Landa llevó a Yucatán. Después, se conoce sobre la escritura de 1575 otorgada por Miguel de Aguirre para elaborar un crucificado para Izalco, El Salva

Hasta el momento no se ha encontrado alguna prueba documental que mencione la procedencia de Quirio Cataño, uno de los artistas más notables de la época colonial en Guatemala, a donde llegó a finales del siglo XVI y donde vio la última luz entre marzo y mayo de 1622. No obstante, historiadores coinciden en inclinarse en su procedencia italiana, más que en la portuguesa, al aducir diversos argumentos.

Sin duda, la obra maestra de Cataño es el Cristo que se venera en Esquipulas desde 1595, imagen de estilo manierista de arraigada devoción nacional e internacional, y que inmediatamente es vinculada con el nombre del maestro escultor, dorador, ensamblador de retablos y orfebre.

Para comprender el legado artístico religioso de Cataño y que enriqueció el acervo cultural colonial del país, por las influencias europeas que se manifiestan en sus obras, hay que detallar lo que se sabe y lo que se deduce sobre su vida.

Antonio Gallo, en su obra Escultura colonial en Guatemala, evolución estilística de los siglos XVI, XVII y XVIII, prefiere pensar que Cataño sea más bien un apellido italiano —Cattaneo— que portugués, “sin excluir que el artista haya nacido en Portugal o haya transcurrido allí suficientes meses para adaptar su apellido”. Este podría haber sido Catanho, por la fonética y genealogía portuguesa y que se transformó al castellanizarlo a Cataño.

LE PUEDE INTERESAR

Guatemala busca que la devoción al Cristo Negro de Esquipulas sea declarada como patrimonio de la humanidad

Suponiendo, indica Gallo, que Cataño llegó a Guatemala poco antes de 1580, año en que se casó con Catalina de Mazariegos —25 de abril—, descendiente esta o pariente del conquistador de Chiapas, Diego de Mazariegos, su formación artística debió transcurrir en Portugal o Italia, entre 1555 y 1575.

“Los españoles llegan a Guatemala en 1524, así que en 50 años es muy difícil formar una generación de artistas locales, por lo que, posiblemente, los primeros artistas que llegaron al reino tenían buena preparación”, indica Gallo en entrevista.

En ese tiempo, una pléyade de marmoleros italianos, lombardos, genoveses y sicilianos trabajaban en Portugal con Andrea Sansovino, gran discípulo de Donatello, a finales del siglo XV. Hacia la mitad del siglo XVI vivió allí el constructor García de Bolonha, el ingeniero Benedetto de Ravena, Tomaso Benedetto de Pesaro y Jerónimo Lombardo.

No habría que excluir que Cataño fuera un miembro de la familia Cattaneo y que su entrenamiento en el arte se efectuara en Florencia, Padua y Boloña. En tal caso, el clasicismo de Jacopo Sansovino y el manierismo —estilo artístico que se desarrolló en Italia en la tercera década del siglo XVI— de sus discípulos, Alessandro Vittoria y Danese Cattaneo, le fueron transmitidos de manera directa. Bronces manieristas de estos dos últimos como La Fortuna del Bargello (1550) y Neptuno (1545) muestran importantes afinidades de estilo y de concepción con las de Cataño.

El compañero de Cataño podría haber sido Alessandro Vittoria, cuya semejanza estilística parece muy próxima, tanto en concepto escultórico como en ejecución plástica y de las superficies.

Otros ilustres personajes de apellido Cattaneo fueron Jacobo Cattaneo, médico genovés del siglo XVI que publicó varios tratados sobre enfermedades; Geronimo Cattaneo, nacido en Novara, arquitecto e ingeniero, cuyas obras se publicaron entre 1548 y 1571, y el arquitecto Pietro Cattaneo (1510-1574), que publicó en Venecia, en 1554, su tratado Los primeros cuatro libros de arquitectura.

Los centros de localización de la familia Cattaneo se ubican en Génova, Milán, Venecia y Toscana.

La aventura de América Cataño podría haberla intentado en calidad de orfebre, nada extraño para un manierista italiano.

Heinrich Berlin, en su libro Historia de la imaginería colonial en Guatemala (1952), indica que el arzobispo Francisco de Paula García Peláez (1785-1867) fue el primero en afirmar que Cataño era portugués, pero sin manera de constatarlo.

Cabe pensar, sobre todo, en su origen italiano, sostiene Berlin. En ese país, desde el siglo XIV hasta el XVII vivieron artistas con el apellido de Cattaneo, Catanio y similares, en ciudades como Milán, Siena, Boloña, Ferrara, Padua y Venecia. Uno de ellos, Giovanni Angelo Cattaneo, trabajaba durante el siglo XVI cerca de Génova, puerto importante para el tráfico para España y ultramar. Además, Quirio, Quirico o Quirino es un nombre italiano frecuente, refiere Berlin.

En el artículo Sobre la historia de la orden de los templarios y de los Giovanniti en San Quirino, de PC Begotti, se habla de una familia noble de apellido Cattaneo que vivió durante siglos en el antiguo Reino de Morea. Algunos de ellos se convirtieron en ricos comerciantes de la provincia de Pordenone, y otros se trasladaron a Friuli durante los siglos XVI y XVII, donde hicieron una gran fortuna. En Pordenone, en el municipio de San Quirino, hay una suntuosa residencia de esta familia llamada Villa Cattaneo.

El historiador portugués Joao Soares Tavares, autor de varias obras sobre migración de portugueses a América, refiere en su blog que aunque no se ha encontrado ningún registro documental sobre el lugar de nacimiento en ese país de Cataño, en el siglo XVI vivía una familia noble de apellido.

Catanho en la isla Madeira, encabezada por el emprendedor azucarero Rafael Catanho. Uno de sus miembros, Quirio Catanho, se casó con María Cabral, con quien tuvo una hija, Violante, según datos del historiador Gaspar Frutuoso (1522-1591), pero sin poder relacionar a esta familia con el artista.

Obras documentadas

Poco después de su llegada a Santiago, “como artista consumado”, le fue encomendado su primer trabajo documentado: una escultura de la Virgen de la Concepción y un retablo, en colaboración con Antón Rodas, en 1582, para el convento de San Francisco, en Sonsonate, El Salvador.

El 29 de agosto de 1594 celebró contrato con el provisor Cristóbal de Morales para la realización de un crucifijo “muy bien acabado y perfeccionado” que debía ser entregado el 4 de octubre de ese año a los habitantes de Esquipulas, y que fue puesto a veneración el 9 de marzo de 1595. Cobró por su hechura 100 tostones. Esta obra lo consagró y lo llevó a formar parte de los personajes más destacados de la época.

Este contrato estuvo extraviado y fue encontrado por el obispo Andrés de las Navas y Quevedo en la parroquia de San Francisco de Asís, en Quetzaltepeque, Chiquimula, con deterioro considerable, por lo que De las Navas mandó a copiarlo fielmente el 9 de abril de 1685, expone Hugo David López en su obra La historia del Señor de Esquipulas (2010).

Lea también: Peregrinos recorren 325 kilómetros para venerar al Cristo de Esquipulas

Berlin señala que en 1606 Cataño concierta con el mecenas, regidor y comerciante Pedro de Lira —considerado el hombre más acaudalado de la ciudad— la hechura de un retablo para la capilla de San Jacinto en el templo de Santo Domingo. En 1608 realizó otro, para el altar de Nuestra Señora en dicho templo, en el cual colaboró el ensamblador Juan Armero.

De nuevo, se le encargó la traza —diseño y elaboración— de un retablo para la cofradía de Nuestra Señora del Rosario de los Españoles, conocido como de la Concepción, en el referido templo, en 1615, financiado, en su mayor parte, por Pedro de Lira, por un valor de 5 mil 200 tostones, una suma muy elevada para la época, equivalente a una casa de élite, expone Flor Orellana en su tesis de maestría en Historia El retablo de Nuestra Señora del Rosario de los Españoles en el templo de San Juan del Obispo 1615-2014 (2014).

Las pinturas fueron contratadas, por separado, por los dominicos a Pedro de Liendo. Cada uno de los artistas sirvió de testigo en el contrato del otro. Este es considerado el retablo más antiguo existente en el país, del que se conocen sus autores, y el primero dedicado a la Virgen del Rosario, añade.

Además, Orellana localizó dichos contratos, que se encuentran en la iglesia de San Juan del Obispo, Antigua Guatemala.
En la pintura central de este retablo, llamada Nuestra Señora del Rosario o Entrega del Rosario, según análisis artístico y de simbolismos realizado por la historiadora, aparece, posiblemente, representado Liendo como uno de los personajes seglares, así como Cataño, que luce como un hombre de la tercera edad, con barba. Se observa que sostiene en su mano un lápiz de sanguina, pues fue él quien diseñó y talló el retablo.

De ser cierta esta hipótesis, su representación coincide con el de una persona de 60 o 70 años, edad que aproximadamente tendría Cataño cuando realizó la obra, pues Gallo supone que el escultor llegó aproximadamente a los 30 años a Santiago, entre 1575 y 1579, por lo que su año probable de nacimiento fue 1545, y murió con más de 70 años, en 1622.

El arte de Cataño gozaba de amplio reconocimiento apenas 40 años después de que se fundara Santiago de Guatemala en el Valle de Panchoy, en 1543.

La alcabala de 1608, expresa Gallo, habla de un artista de buenas posibilidades económicas y relacionado con gran número de escultores, que sugiere que su taller era organizado, de gran prestigio, “y el mejor de Antigua” de 1580 a 1620. Entre ellos, Luis Ortiz, escultor y cercano colaborador; Antón Rodas, escultor, tallador de retablos, platero y pintor de imágenes; Bernardo Cañas, yerno de Rodas; Rodrigo Díaz, dorador, y Thomás de Villasanta, platero.

En el taller de Cataño, así como en el de Mateo de Zúñiga, “se elaboraban imágenes de cristos, vírgenes y diversos santos que llenaron las iglesias de la urbe y sus alrededores e, incluso, llegaron a la Nueva España —México—“, señala el historiador del Arte Johann Melchor en su tesis doctoral (2011).

Lea también: ¿Cómo se identificaban las personas en la época colonial?

Gallo puntualiza que además de obras religiosas, artistas como Cataño trabajaban objetos domésticos de madera, como decoración, muebles y platería, como otra forma de subsistir.

Vida familiar y social

La personalidad de Cataño era la de un hombre bondadoso y organizado, dispuesto a sacar de la cárcel repetidas veces a su amigo Luis Ortiz, quien ingresó a su taller en 1592, al pagar sus deudas.

Cataño finalizó en 1617 el retablo mayor de la Catedral, que dejó inconcluso Pedro de Brizuela, quien abandonó la ciudad, según datos proporcionados por Alejandro Conde, archivero mayor del Archivo Histórico Arquidiocesano. El costo total de este retablo fue de 15 mil tostones, por lo que debió haber sido de magnífica hechura, aunque Cataño recibió solo 5 mil 600, por la parte que le correspondió. Se dice que tuvo diferencias por dinero con el pintor Francisco de Montúfar.

También demostró su apoyo a su amigo Pedro de Liendo, con quien estaba emparentada la esposa de Cataño y de quien fue testigo de su casamiento, durante una polémica legal, menciona Gallo. En ese entonces, al lado del maestro artista trabajaban aprendices y oficiales. Pedro de Liendo fue acusado de maltrato contra su aprendiz Agustín de Vargas, de 10 años. El pintor fue enviado a la cárcel, en la que estuvo recluido solo 24 horas, porque Cataño le prestó fianza para su libertad. El pequeño aprendiz negó los hechos imputados y el caso se archivó.

Lea también: Conozca la vida de Quirio Cataño

Figura Cataño en el padrón de alcabalas desde 1604 a 1622, como vecino y entre los mercaderes; pagaba, por lo general, mayor cuota que los otros artistas.

Como sucedía con los artistas de la época, Cataño, indica Enrique Berdúo, cronista de Antigua Guatemala, de seguro practicaba una serie de ejercicios espirituales como retiro, ayuno o meditación para prepararse para la realización de imágenes, en especial si se trataba de la Virgen María o Jesús.

El único hijo biológico de Cataño, Jerónimo, bautizado en 1581 y apadrinado por Antón Rodas, fue clérigo y murió antes que sus padres. Los cónyuges Cataño criaron a otros niños “hijos de la Iglesia” como entenados, que tomaron después el apellido de sus padres adoptivos.

Para 1622, se conoce de un niño entenado llamado Juan Cataño, que bien pudo haber sido el que mencionó el cronista Francisco Ximénez, como padre de fray Alonso Cataño, fallecido en 1698. En el bautismo de Jerónima, en 1594, aparecieron como padrinos Quirio y Catalina. Esta ahijada se casó el 7 de mayo de 1622 con Gabriel Vásquez de Madrigal en la casa de Quirio Cataño. Catalina, en su testamento, menciona que “dejó cuatro huérfanos criados por ella”: Juan Cataño, Martín de Mazariegos, Ana e Inés, según transcripción brindada por Conde de este documento, que se encuentra en el Archivo General de Centroamérica.

Antes de casarse el 25 de abril de 1580, Quirio Cataño apadrinó a un “hijo de la iglesia” llamado Jerónimo, el 5 de abril de ese año, según constancia proporcionada por Conde.

En el sitio Family Search aparece que Cataño y su esposa fueron padrinos de un niño de nombre Martín, bautizado en septiembre de 1613 en el Sagrario de la Catedral.

Tuvo, al menos, tres propiedades inmuebles en la ciudad. Su casa de habitación se ubicaba en la calle de Concepción, cerca del convento de Santo Domingo —1a. avenida Norte y 4a. calle Oriente—, donde se concentraba la clase pudiente, apunta Orellana en su tesis. Berdúo afirma que esta se localizaba en la actual 4a. Avenida Norte, entre 6a. y 7a. calles, a una cuadra y media de la Catedral, según contrato de compraventa del inmueble. También tuvo otra casa, que no habitó, en la Calle de los Pasos, cerca de la Escuela de Cristo, a escasos metros del río Pensativo.

Verle L. Annis, en su libro Arquitectura de Antigua Guatemala (1968), asevera que Cataño sí vivió en esta última residencia de 1575 a 1595.

Según la tesis doctoral de Brenda Porras, El retablo y la escultura en Guatemala, siglos XVI al XIX (2015), Cataño en 1604 vivía en la zona noreste de la ciudad, en la calle del hospital de San Alejo, tiempo en el que obtuvo suficientes ganancias, pues tributaba seis tostones de impuestos, la mayor suma pagada por un artista ese año. Luego vivió en el barrio de Santo Domingo.

El hecho de que se le hayan encargado obras en la Catedral y en el convento de Santo Domingo, dice Porras, significa que era un artista que creaba piezas de alta calidad. Berdúo añade que su producción fue tan significativa que trascendió los límites del Valle de Panchoy.

Fallecimiento

En 1622, año en el que Quirio y Catalina enfermaron de gravedad, testaron el 26 de marzo de 1622 ante Alonso de la Cerna, cuyo registro de protocolos no se ha localizado hasta el momento. El 20 de agosto de ese año Catalina reformó el testamento mancomún, fecha en que ya había fallecido su esposo. A petición de Cataño, se estableció que el cónyuge sobreviviente podía reformar el testamento pero debían transcribirse los salmos —cláusulas— de manera íntegra, tal como lo hizo Catalina, quien falleció nueve años después que su esposo. En otros documentos notariales del siglo XVII se consigna que Cataño murió sin sucesión legítima, expone Conde.

Según transcripción de un documento proporcionado por Conde, un recibo de la dote entregada al futuro esposo de Jerónima —Gabriel Vásquez de Madrigal—, con fecha 4 de mayo de 1622, se menciona a Catalina como viuda de Quirio Cataño, por lo que el artista habría fallecido entre el 26 de marzo —cuando testó— y el 4 de mayo de ese año.

Se cree que Cataño fue sepultado en la cripta del antiguo sagrario de la Catedral de San José, en Antigua Guatemala, al lado de su hijo Jerónimo, como fue su deseo en su testamento, pero no hay inscripción que identifique con precisión su sepulcro, pues, explica Berdúo, colocar una lápida en la tumba, con la mentalidad barroca de ese tiempo, se hubiera interpretado como una manifestación de vanidad.

Es probable que nunca sepamos qué motivó a tan talentoso artista a emigrar desde Italia o Portugal a Santiago de Guatemala, donde su arte cobró gran fama, convirtiéndolo en uno de los artistas más reconocidos de la época hispano-guatemalteca, cuya memoria se perpetúa con su obra, pues no se tienen noticias de sus descendientes.

Testamento

• Según transcripción del testamento de Catalina de Mazariegos, esposa de Cataño, proporcionada por Alejandro Conde, archivero mayor del AHA, en este no se menciona ni el origen ni quiénes fueron los padres del artista.
• En el documento, fechado el 20 de agosto de 1622 y que se encuentra en el Archivo General de Centroamérica, pidió ser sepultada en la capilla del Sagrario de la Catedral, junto a los restos de su esposo e hijo, Jerónimo.
• Dejó legado a su hija adoptiva de 13 años, Ana de Mazariegos.

“Cuando vinieron los españoles encontraron un talento natural entre los indígenas gracias a su habilidad en el tallado de estelas”, explica el restaurador e investigador guatemalteco Javier Fernández.

Guatemala se volvió entonces una sede del Reino de Nueva España para la elaboración de imaginería religiosa.

“La escultura guatemalteca de estos años destaca en Latinoamérica. Maestros viajaban desde Perú para adiestrarse en este arte”, indica Fernández. Se recuerdan escuelas que dejaron escultores como Quirio Cataño, Alonzo de la Paz, Mateo de Zúñiga y Pedro de Mendoza.

En esta edición se presentan tres maestros en el arte de la imaginería religiosa que hacen de este talento una forma de vida.

Un talento quese hereda

Belter  Velásquez heredó de su pare, Santos Velásquez Ramos, su habilidad en la escultura religiosa. “Mi padre es un gran escultor de imaginería; de varios lugares de Guatemala lo venían a buscar para que  restaurara o creara imágenes, no solo para familias sino también para templos”, recuerda Velásquez.

Con 26 años de edad, este joven escultor ya es reconocido por su trabajo  entre sus clientes. “Hace algunos años mi papá se enfermó y no podía trabajar. Me dijo que empezara a tomar sus proyectos y con lo que ya me había enseñado a hacer comencé con aquellas esculturas. Las personas quedaron muy complacidas y descubrí mi talento”, indica.
En el  2009 abrió un taller para la creación y restauración de imágenes religiosas.

“Estas fechas son muy particulares ya que vienen a pedir trabajos especiales, entre los que más piden están los Nazarenos y los crucificados”, comenta.

El trabajo de Velásquez ha viajado a diferentes países entre ellos Costa Rica. El Salvador, Argentina  y México. “Para Costa Rica trabajé un crucificado de un metro 90, fue arduo trabajo, pero  valió la pena”, añade.

La vida del artista de la madera

El escultor Jairo Arizandieta  se esmera en que cada una de sus obras tenga su toque personal, dice.

Arizandieta vive entre pinturas, formones y sierras. “Desde la adolescencia encontré en esta profesión una forma de expresión y de devoción. No hay nada como ver la mirada de un devoto que ve reflejada toda su fe en una imagen”, indica.

Su preparación es autodidacta. “Yo lo aprendí en otros talleres pero luego la experiencia me dio la oportunidad de aplicar y mejorar lo que conocía en mi trabajo”, agrega.

El escultor sabe que estas fechas son importantes para los guatemaltecos.

“Nuestra carga laboral comienza desde enero, ya que vienen hermandades con su imagen para que las restauremos o para que elaboremos  otra”.

Arizandieta comenzó en esta profesión hace 24 años, tiempo en el que ha logrado que sus piezas lleguen a Estados Unidos, Costa Rica y Nicaragua, entre otros países. “La talla guatemalteca es muy reconocida por su alta calidad y exactitud”, indica.

En el tema de los materiales que usa para las imágenes resalta el valor del  cedro por su alta calidad y durabilidad, opina.

Manos que transforman

“Para este trabajo, la escuela es la vida”, así define el escultor Álex Narvaez el trabajo en su taller Hermano Pedro, que inauguró  en  1987.

“Aprendí este oficio de manera empírica y fui probando técnicas diferentes todos los años hasta que encontré la que mejor me funciona”, comenta.

“Comencé con retratos y dibujos a lápiz y en la adolescencia  hice escultura. En la década de 1980  comencé con el tallado en madera”, dice.

En esta época de Cuaresma lo que más piden son Nazarenos y Dolorosas y en fin de año, los Niño Dios son los preferidos”, indica.

Puerto Rico, México y Japón son los países a las que han viajado sus obras. Las imágenes que más le gusta trabajar son los Nazarenos. “Me encanta la definición de los rostros, de sus detalles. Aparentemente todos son iguales, pero cada uno tiene sus diferencias”, indica.

En la actualidad la policromía que le da a la mayoría de imágenes es con pintura laca por el precio y su rápido secado. “Lo que hay que destacar es que siempre le tratamos dar a nuestras imágenes la tonalidad antigua”, indica.