arte guatemalteco RSS Feed para arte guatemalteco Sun, 05 Apr 2026 22:35:37 -0600 es-GT hourly 1 https://wordpress.org/?v=6.8.5 https://prensalibre-com-develop.go-vip.co/wp-content/uploads/2019/01/cropped-PLico.png?quality=52&w=32 arte guatemalteco 32 32 151997207 Exposición de Rudy Cottón en Guatemala: un viaje visual a través de su obra https://prensalibre-com-develop.go-vip.co/vida/escenario/exposicion-de-rudy-cotton-en-guatemala-un-viaje-visual-a-traves-de-su-obra/ Mon, 14 Jul 2025 14:55:00 +0000 Escenario

ESCRITO POR:

Ingrid Reyes

Periodista de Prensa Libre especializada en periodismo de bienestar y cultura, con 18 años de experiencia. Premio Periodista Cultural 2023 por el Seminario de Cultura Mexicana y premio ESET región centroamericana al Periodismo en Seguridad Informática 2021.

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Escenario

Exposición de Rudy Cottón en Guatemala: un viaje visual a través de su obra

La oportunidad de ver la obra del guatemalteco Rudy Cottón. Parte de su trabajo se encuentra distribuida en colecciones públicas y privadas, como en el Museo de Arte Latinoamericano de Los Ángeles, California.

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Rudy Cottón, artista visual guatemalteco. Actualmente presenta una muestra en el Banco de Guatemala. (Foto Prensa Libre: Esbin García)

Rudy Cottón, artista visual guatemalteco. Actualmente presenta una muestra en el Banco de Guatemala. (Foto Prensa Libre: Esbin García)

El maestro Rudy Cottón es originario de San Pedro Sacatepéquez, San Marcos, y nació en 1959. Cuando era adolescente, sus padres lo enviaron a estudiar arte a la capital, en la Universidad Popular.

En 1982, recibió una beca por el Gobierno de Francia para participar en el taller de M. Cassé, en París. En 1985, se instaló en Albi, ciudad natal del célebre pintor Henri de Toulouse-Lautrec. Radicó ahí por 15 años.

Es maestro de educación primaria urbana y licenciado en Artes Visuales, por la Escuela Superior de Arte de la Universidad de San Carlos de Guatemala. Realizó estudios de litografía en el taller de Michel Cassé, en París, Francia. Parte de su obra se encuentra distribuida en colecciones públicas y privadas, como en el Museo de Arte Latinoamericano de Los Ángeles, California; Archivos de la Unesco, en París; Fundación Rozas-Botrán; Fundación G&T Continental; Fundación Paiz; BCIE; y pinacotecas de las universidades Rafael Landívar, Galileo y Francisco Marroquín.

Actualmente, vive en Guatemala, y ha realizado 40 muestras personales y participado en más de 100 exhibiciones colectivas en Guatemala y en el extranjero.

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Hora

De 8 a 16 horas, de lunes a viernes. Permanecerá abierta del 3 al 25 de julio.

Lugar

Sala de exposiciones Carlos Mérida, primer nivel del Banco de Guatemala, 7a. Avenida 22-01, ciudad de Guatemala.

Entradas

El costo de ingreso es gratuito.

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]]> 23183084 La Religión en Guatemala, mural de Roberto González Goyri https://prensalibre-com-develop.go-vip.co/fotogalerias/revista-d/la-religion-en-guatemala-mural-de-roberto-gonzalez-goyri/ Wed, 20 Nov 2024 23:45:52 +0000 Revista D

ESCRITO POR:

Alejandro Ortiz

Periodista de Prensa Libre especializado en temas sobre cultura y bienestar, con 5 años de experiencia.

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]]> 20945932 100 años de Roberto González Goyri, leyenda moderna en el arte de Guatemala https://prensalibre-com-develop.go-vip.co/revista-d/100-anos-de-roberto-gonzalez-goyri-leyenda-moderna-en-el-arte-de-guatemala/ Wed, 20 Nov 2024 15:00:00 +0000 Revista D

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Alejandro Ortiz

Periodista de Prensa Libre especializado en temas sobre cultura y bienestar, con 5 años de experiencia.

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100 años de Roberto González Goyri, leyenda moderna en el arte de Guatemala

20 de noviembre de 2024

Un repaso por la huella identitaria y el pensamiento modernista de uno de los grandes nombres del arte de Guatemala, nacido un 20 de noviembre.


Durante el gobierno de Miguel Ydígoras Fuentes, Tecún Umán fue declarado héroe nacional de Guatemala. Esta decisión venía acompañada del dictamen que llevaba a instalar estatuas del guerrero k’iche’ en cada cabecera departamental de Guatemala. En la capital, la ubicación elegida fue un punto emblemático en La Aurora, hacia el fin del montículo prehispánico conocido como La Culebra.

Fue en esa intersección geográfica, donde confluían dos períodos históricos, que el arquitecto Roberto Aycinena —entonces involucrado con la gestión municipal— decidió que se erigiera una estatua tallada por el artista Roberto González Goyri. Un año antes de que se tomara la decisión de instalar las estatuas en las cabeceras municipales, González Goyri había concluido Nacionalidad guatemalteca, el mural que dotó de otro sentido al Instituto Guatemalteco de Seguridad Social (IGSS).

La pericia del artista con las obras públicas se había consolidado con aquella primera obra. Cinco años después de haber sido declarado Tecún Umán héroe de la nación, González Goyri  creó  una figura de más de seis metros de alto que recordaba la fuerza y la resistencia del líder, misma que  metaforizó con la materialidad rocosa. También, en 1963, el artista dio por finalizados los murales de la fachada poniente del Banco de Guatemala, en el Centro Cívico.      

José María Magaña, arquitecto, conservador de monumentos y experto en cascos históricos urbanos, argumenta que el trabajo de Roberto González Goyri se ha convertido en un símbolo del imaginario colectivo de la Ciudad de Guatemala desde hace más de 60 años. Magaña recuerda que fue durante la década de 1960 que se popularizó el uso del concreto expuesto en la arquitectura del país, algo en lo cual González Goyri fue pionero.


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El Centro Cívico es una obra urbanística que fue creada a partir de la colaboración entre arquitectos, ingenieros y artistas plásticos, entre ellos, Roberto González Goyri, quien diseñó la fachada del Crédito Hipotecario Nacional y el Instituto Guatemalteco de Seguridad Social.

Foto Prensa Libre: Cortesía Asociación González Goyri

Magaña lo reconoce como un hombre congruente y consecuente con su tiempo. “Un artista que, con habilidad y elegancia, trabajó en equipo y aplicó una técnica inédita en Guatemala”, pondera el arquitecto.

El legado de obras públicas de González Goyri abarca, además, la fachada oriente del Crédito Hipotecario Nacional (CHN), creada en 1964; el mural en concreto expuesto y fundido in situ sobre una de las laterales del Instituto Guatemalteco Americano (IGA), en 1973; así como otras intervenciones con distintos materiales, que iban desde el hierro y el mosaico hasta la madera.

Tales fueron los casos de sus intervenciones en el edificio Roma (o edificio Picciotto Hermanos), concluido en 1958 en la zona 1 capitalina; el mural Los conquistadores, creado en 1972 para el Hotel Conquistador Sheraton; el altar de madera de la iglesia de la Villa de Guadalupe, en la zona 10 capitalina; o el mural sin título para el edificio de Novatex.

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Cinco años después de haber sido declarado Tecún Umán el héroe nacional de Guatemala, Roberto González Goyri esculpió la figura del guerrero para ser luego colocada en la zona 13 capitalina.

Foto: Cortesía Asociación González Goyri

Considerado uno de los máximos exponentes de la Generación del 40, Roberto González Goyri dejó una huella profunda en el arte moderno de Guatemala, y fue clave en un movimiento que transformó el panorama de las artes plásticas en el país. Este grupo de artistas e intelectuales dio vida a un período de efervescencia creativa, al impulsar ideas innovadoras y proyectos que alcanzaron su cúspide en la construcción del Centro Cívico.

Según el historiador de arte Guillermo Monsanto, esta generación, que incluía también a figuras como Carlos Mérida supo plasmar en sus obras el mismo espíritu de modernidad que caracterizaba a proyectos emblemáticos de la época, como la construcción de Brasilia.

La construcción de su nombre

Nacido en 1924 en la ciudad capital, González Goyri se formó localmente en la Academia de Bellas Artes, pero fue becado en 1948 por el gobierno de Juan José Arévalo para continuar sus estudios artísticos en Nueva York. Al viaje hacia Estados Unidos también iba el artista Roberto Ossaye, quien, además, era amigo de González Goyri.

En el libro Reflexiones de un artista, donde se compilan varias memorias suyas, el artista aseguraba que, al llegar a Norteamérica, Ossaye y González Goyri experimentaron un choque cultural que marcó sus primeros días en la megalópolis, así como el resto de sus vidas.

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El bullicio, la inmensidad de la urbe, el constante murmullo de la gente y el ensordecedor sonido del tren subterráneo fueron demasiado para ellos. La imagen preconcebida de Nueva York no coincidía con aquella realidad abrumadora; y, además, la barrera del idioma incrementaba la sensación de inseguridad, pues el poco inglés que manejaban no les facilitaba la comunicación.

Durante su tiempo en la Art Student’s League, González Goyri comenzó a aprender junto al escultor William Zorach. Sin embargo, pronto comprendió que el enfoque académico en la escuela no respondía a sus necesidades. En consecuencia, su estadía en esta escuela fue breve, apenas de unos tres meses.

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“Yo anhelaba encontrar una expresión propia, pero la verdad es que no atinaba por dónde hacerlo. En esos días, para mi fortuna, conocí a un escultor que habría de tener una influencia decisiva en mi formación”
Roberto González Goyri en su texto ‘Integración de las artes plásticas en el siglo XX
en Guatemala’

González Goyri  decidió explorar museos y galerías, hasta que descubrió el Sculpture Center. Fue allí donde encontró el entorno de aprendizaje que buscaba: un espacio sencillo, donde podía trabajar en solitario, experimentar con técnicas y materiales nuevos. Dentro de este proceso de aprendizaje fue cuando descubrió que el arte iba más allá de una noción meramente estética.

“Me afanaba por hacer un arte con raigambre en lo nuestro, es decir, apoyado en ciertos valores que nos identifican como nación, sin caer por ello en el folclor, en lo superficial. Comprendí que el folclor, al igual que el arte de nuestros antepasados, los mayas, es terreno muy peligroso en el sentido de convertirse fácilmente en verdaderas jaulas”, aseguraba.


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La Princesa Ixquic, obra realizada en 1991 por Roberto González Goyri.

Foto: Cortesía Asociación González Goyri

Tras un año en Nueva York, González Goyri tuvo la oportunidad de conocer el trabajo de destacados escultores y pintores, como Seymour Lipton, Theodore Rozak, Alexander Calder y Richard Lippold, entre otros. La obra de estos artistas le abrió nuevas perspectivas y lo inspiró a encontrar su propia voz, lo cual confirmó su visión de un arte que dialogara con lo universal sin perder la esencia de su origen.

“De mí, sé decir que la estancia en Nueva York fue como una liberación en todo sentido. ¿Que tuve influencias? Claro que las tuve. En la formación de un artista las influencias son inevitables, pero en manera alguna perjudiciales; más bien lo contrario: un buen indicio de sensibilidad en que tarde o temprano se trasluce la propia originalidad”, compartió el guatemalteco, en noviembre de 1978, durante una Conferencia en el Centro de Estudios Latinoamericanos de la Western Kentucky University, en Estados Unidos.

Espíritu de maestro
 
Después de cuatro años en Nueva York, González Goyri regresó a Guatemala, en 1952. Al año siguiente, se casó y asumió el puesto de jefe del Departamento de Exhibiciones en la Embajada de Estados Unidos en Guatemala, un cargo que le permitió aplicar su visión y habilidades en la promoción de la cultura y el arte.

Según refiere José María Magaña, la influencia de la formación internacional de González Goyri no se manifestaba en un intento de emular directamente a los artistas de Nueva York, sino en la magnitud y monumentalidad con la que abordaba el espacio urbano. Lo fundamental, puntualiza Magaña, era que esta experiencia le permitió comprenderse a sí mismo como una entidad cultural, para desarrollar una visión artística que trascendía sus complejos y limitaciones como miembro de un país en vías de desarrollo.

“La experiencia en el extranjero le abrió las puertas al mundo, al permitirle salir del entorno restrictivo de Guatemala, un país pequeño y marcado por limitaciones económicas, culturales, sociales y formativas”, argumenta Magaña.

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“No importa, por tanto, lo disímil de las culturas ni su distancia en el tiempo, si —en su forma de dialogar consigo mismo y con el Universo— el hombre reúne una serie de afinidades que, al expresarse, lo hacen coincidir en un arte integrado”.
Roberto González Goyri

De acuerdo con el arquitecto, es significativo observar que un mural como el del IGSS parece haber encontrado su lugar ideal allí, dado que su diseño y temática resuenan con la función y la identidad del edificio. Agrega que el mural no solo es una obra de arte, sino también desempeña un papel importante en la circulación peatonal de quienes visitan el lugar. En ese sentido, el espacio identitario se ha convertido en una forma práctica para entender la obra de González Goyri.

En su trayectoria, el artista comenzó utilizando técnicas tradicionales, como pastel, acuarela, témpera y óleo, pero con el tiempo se definió más como escultor.

En una de sus conferencias, dictada en 1983, habría asegurado: “En mi trabajo existen dos vertientes simultáneas: la escultura y la pintura. La obra de arte no es ni nacionalista ni revolucionario por el tema, sino por sus calidades formales. Por su capacidad para absorber y recrear la esencia de las cosas transmutándolas, ya lo dije, a valores poéticos. En la medida en que profundizo en la pintura y la escultura, me doy cuenta de que el camino no es nada fácil”.

González Goyri veía su obra como una profunda comprensión de la relación entre la idea y el material en la escultura. Para él, era esencial que el material utilizado no solo fuera una simple herramienta, sino que debía exhibir su propia naturaleza y evitar cualquier intento de enmascarar su esencia mediante técnicas ajenas.

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El trabajo de González Goyri es amplio, pero la escultura fue un arte que cultivó desde temprana edad en Nueva York.

Foto Prensa Libre: Cortesía Asociación González Goyri

En el libro Reflexiones, el creador dice que su ideal artístico abarcaba la interacción entre los lineamientos abstractos del diseño y los valores instintivos o poéticos. Por esta razón, enfatizaba que la técnica, aunque era importante, no determinaba por sí sola el valor de una obra de arte; era la capacidad de transmutar esa técnica en valores emotivos o poéticos lo que realmente contaba.

En palabras de la doctora en Filosofía y Letras Silvia Herrera, la composición de González Goyri es destacable en todos sus trabajos. “Lograba un acertado encaje de los elementos dentro de sus obras, lo cual evidenciaba una concepción bien lograda del espacio visual. Esta habilidad es notoria tanto en su pintura y escultura como en su obra monumental”, explica.

La entrevistada subraya que el maestro era capaz de proponer un motivo central y organizar los elementos secundarios de tal manera que cada una de sus obras siempre apareciera bien estructurada. Por otro lado, Herrera afirma que, en su escultura, González Goyri dominaba las tres dimensiones  y mostraba un sentido poético: la forma cerrada o abierta de sus obras, la conexión de los planos y la cohesión del conjunto eran indicativos de su maestría en la escultura.

Aunque no es muy conocida por muchos, su obra gráfica es, de igual manera, destacable. Sus tarjetas y portadas de libros y revistas muestran un dibujo claro y definido, lo que se convierte en una marca distintiva en esta producción más informal y rápida. Esta diversidad en su trabajo demuestra la versatilidad y el talento que González Goyri aportó al arte guatemalteco. Varias de estas creaciones fueron utilizadas para actividades u objetos notorios a finales del siglo XX, como revistas de teatro guatemalteco o libros sobre antropología y literatura.

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La obra gráfica de González Goyri fue utilizada para publicaciones culturales.

Foto: Cortesía Asociación González Goyri

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El color era un punto de partida para González Goyri, quien creía que Guatemala era una gama interminable de tonos.

Foto: Cortesía Asociación González Goyri

Verónica González, una de entre 10 hijos de González Goyri, asegura que casi todos los buenos coleccionistas del país cuentan con obras de su padre. Además de estas personas, varias instituciones también han conservado piezas del artista, incluso en el extranjero. Tal es el caso del Museo de Arte Moderno de Nueva York, donde se resguarda la escultura Cabeza de lobo, creada en 1957; o el Lowe Art Museum, de Miami, Florida, que tiene la pieza de bronce Toro, hecha en 1964.

Verónica señala que su padre empleó varias categorías temáticas a lo largo de su carrera. En cuanto a la técnica, el acrílico fue su medio preferido en la pintura. A lo largo de su trayectoria, realizó múltiples exposiciones individuales, bastantes de las cuales se centraron en series de temáticas específicas.

Un ejemplo de estas es Otoño en la memoria, que evoca sus recuerdos de esa estación en Nueva York. También creó pinturas inspiradas en los poemas de Humberto Ak’abal y una serie basada en los poemas de Juan Pablo II, titulada El esplendor de las cosas.

“He llegado a la conclusión de que el estilo nace solo, paulatinamente, sin proponérselo. Un artista puede tener un sinnúmero de variantes en el curso de su carrera, como consecuencia de una serie de estímulos antagónicos; sin embargo, pese a sus múltiples facetas mostradas en sus distintas etapas, siempre habrá un sello que lo hace inconfundible”, aseguraba González Goyri en 1978.

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La Religión en Guatemala, mural de Roberto González Goyri

Un tema que interesó mucho a González Goyri fue el de la integración. Para él, dicho asunto se trataba de algo muy arriesgado en Guatemala durante el siglo XX, ya que para entonces no era común hablar de ello en el país .

“Es hora ya de encarar con riguroso realismo, con espíritu crítico, sin falsas apreciaciones esta clase de planteamientos, exigiéndonos la verdad desnuda, si realmente queremos fijar en nuestra conciencia un punto de partida que nos permita ir en busca de nuestro propio destino”, aseguraba el artista en un texto original de 1966. Con esto, el realizador quería dar a entender la necesidad de buscar un propio lenguaje creativo que pudiera contribuir a una identidad mayor y compuesta.

Esa idea de integración, según decía él, permitía que las sociedades se acercaran a grandes concepciones como las que  posibilitaron los resultados de la antigüedad que tanto se admira. De acuerdo con González Goyri, la integración en las artes podía lograrse por medio de la arquitectura, la escultura y la pintura. No obstante, para él esto era idóneo pues, aunque las técnicas solían colaborar en ciertas manifestaciones, no siempre estaban integradas.

Sobre esto decía: “La integración es consecuencia de un método determinado de vida, el cual, a su vez, es consecuente con determinada filosofía y  determinada época. No importa, por tanto, lo disímil de las culturas ni su distancia en el tiempo si, en su forma de dialogar consigo mismo y con el Universo, el hombre reúne una serie de afinidades que, al expresarse, lo hacen coincidir en un arte integrado”. 

Legado familiar

En la vida de González Goyri, el entorno familiar cumplió un papel fundamental en su desarrollo artístico y en la perpetuación de su legado. En la parte posterior de su vivienda, construyó amplias galeras donde almacenaba hierros, arcilla y otros materiales que utilizaba para crear sus obras, principalmente, esculturas. Este espacio no solo fue un taller de trabajo, sino también un lugar donde la creatividad fluía, y donde sus hijos también pasaban tiempo con él.

Verónica González, una de sus hijas, recuerda cómo las conversaciones en su hogar giraban en torno al arte, aunque no se limitaban exclusivamente a ese tema. La presencia de arquitectos y artistas de la generación de su padre en su casa enriqueció su infancia y le brindó una visión del mundo cultural donde su padre se movía. “Crecimos oyendo a los grandes”, dice González. Aunque no todas sus hijas siguieron los pasos artísticos de su padre, él siempre expresó su satisfacción con el hecho de que todos apreciaran y disfrutaran del arte.

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González Goyri en su estudio.

Foto: Cortesía Asociación González Goyri

Carmen, la esposa de González Goiry desempeñó un rol importante en fomentar el interés artístico en sus hijos. A menudo los llevaba a exposiciones en su carruaje, y de ese modo creaba un espacio para el desarrollo de su sensibilidad hacia las artes visuales, recuerda Verónica.

“Yo soy licenciada en Ciencias Políticas, pero he compaginado esta carrera con la gestión cultural. El haber crecido en ese ambiente obviamente no te deja indiferente a todas las expresiones artísticas”, agrega la hija de González Goyri, quien, además, recuerda cómo varios de sus hermanos crecieron en las exposiciones de su papá.

Ha sido esta misma relación artística y afectiva la conducente a que, durante los últimos 12 años, se hayan llevado a cabo iniciativas desde la Asociación González Goyri para la cultura.

Esta la establecieron en el 2012 familiares y amigos del maestro, con el objetivo de preservar y promover la obra del reconocido artista guatemalteco, así como la de otros exponentes de la plástica en el país. Esta iniciativa surgió tras la muerte de González Goyri, en el 2007, y fue encabezada por Verónica.

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Nueve piedrecitas es una obra en acrílico sobre papel de algodón, inspirada en los poemas del escritor momosteco Humberto Ak’abal.

Foto: Cortesía Asociación González Goyri

“Me surgió la pregunta de cómo se aprecia el arte sin ser artista”, confiesa la hija del maestro. Esta inquietud la llevó a un proceso de documentación que comenzó antes de la muerte de su progenitor, durante el cual comenzó a gestionar sus exposiciones, archivar sus obras y catalogar fotografías.

Este año, la Asociación González Goyri para la Cultura ha enfocado sus esfuerzos en impulsar iniciativas privadas para dar a conocer la obra del maestro. Verónica González destaca algunos de los logros recientes, como la publicación de libros en colaboración con Editorial Piedra Santa, en la que se presentan las obras inspiradas en poemas de Humberto Ak’abal. Otro esfuerzo editorial es el libro Cartas desde Nueva York, publicado por la Universidad Rafael Landívar.

Las actividades de la asociación han sido diversas, incluidos foros, publicaciones y recorridos guiados por la obra pública de González Goyri. Además, han participado en eventos como el Festival del Centro Histórico, donde han desarrollado actividades para acercar al público a la obra del maestro, incluso sin tener exposiciones permanentes.

En cuanto a los retos identificados por la asociación, Verónica menciona que muchas personas que se encuentran con la obra de González Goyri por primera vez suelen no conocer el contexto y los fundamentos de su trabajo. Por ello, han establecido actividades educativas que permiten a los asistentes comprender mejor su legado.

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El dinamismo es crucial en las obras del artista.

Foto: Cortesía Asociación González Goyri

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Boceto del artista donde se puede observar la manera en que González Goyri concebía las zonas de mayor intensidad y el ritmo que iban adquiriendo sus figuras.

Foto: Cortesía Asociación González Goyri

“Muchas personas se sorprenden al descubrir la profundidad y el significado de su obra“, asegura Verónica. A menudo, comentan que no solo aprenden sobre el arte en sí, sino también sobre el impacto cultural y social que González Goyri tuvo en Guatemala.

Este año, la Asociación González Goyri para la Cultura ha llevado a cabo diferentes eventos educativos y culturales, con motivo del centenario del nacimiento del maestro.  Han destacado conversatorios en iniciativas como Nueva Acrópolis o una conferencia sobre el mural Nacionalidad guatemalteca, en la Universidad del Valle de Guatemala (UVG). Asimismo, la asociación fue considerada parte integrante de las iniciativas de celebración de los 80 años de la Revolución, impulsadas por el Gobierno de Guatemala.

Verónica destaca que estos proyectos no solo contribuyen a la difusión de la obra de su padre, sino que también propician un diálogo enriquecedor entre las nuevas generaciones de artistas y la rica herencia cultural que dejó su papá.

Nuevas memorias

En el 2006, la Universidad del Valle de Guatemala celebró su 40 aniversario de fundación con el reconocimiento de la labor de destacadas personalidades del país, entre ellas, la del maestro González Goyri. Esa casa de estudios decidió otorgarle el título de doctor honoris causa, una de las distinciones más importantes que confiere, en reconocimiento a su carrera y su impacto en la cultura guatemalteca. Este reconocimiento subraya su relevancia como escultor, muralista y pintor, así como su extensa labor artística.

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Según razonaba González Goyri, el catolicismo había hecho un gran aporte cultural a Guatemala, por medio de la arquitectura, la pintura, la imaginería, las letras y la música.

Foto: Cortesía Asociación González Goyri

Posteriormente, María del Pilar Grazioso Rodríguez, profesora emérita de la UVG, ha tenido una relación cercana con la familia de González Goyri, lo que la llevó a trazar un proyecto colaborativo entre su universidad y la asociación. De esa cuenta, se fueron agregando obras del artista para ser  expuestas en el Centro de Innovación y Tecnología (CIT) de ese centro de estudios superiores.

Roberto Moreno, rector de la UVG, cuenta que esta decisión se planteó como una suerte de ancla para integrar temas como ciencia, arte, diseño y negocios, pues el CIT busca fomentar la colaboración interdisciplinaria y la creatividad, “valores que el maestro González Goyri promovió a lo largo de su vida y obra”, subraya Moreno.

En ese entendido, se planteó que la Asociación González Goyri para la Cultura prestará, por 10 años, más de 50 obras del artista. Entre ellas sobresalen pinturas, bocetos a lápiz y una serie que reproduce 14 ilustraciones inspiradas en los poemas de Humberto Ak’abal. “Se llegó a un acuerdo para organizar una exhibición de estas obras, inicialmente, en el séptimo nivel del CIT, que cuenta con tres salas de uso múltiple para exposiciones permanentes”, detalla el rector.

La exposición se inauguró en el 2022, y actualmente las obras están exhibidas en distintos pisos de aquel centro. La muestra está abierta para que tanto miembros de la UVG como de otras universidades y procedencias puedan apreciar el legado del maestro González Goyri.

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Jaguar es una pieza en acrílico sobre tela, del 2007, que es parte de una serie de obras inspiradas en poemas de Humberto Ak’abal.

Foto: Cortesía Asociación González Goyri

De acuerdo con Moreno, esta propuesta  hace eco del modelo de educación liberal de su universidad, la cual anticipa un tronco común en todas las carreras, donde los estudiantes, independientemente de su especialización, puedan desarrollar conocimiento integral en ciencias exactas, matemáticas, humanidades y ciencias sociales. 

“Somos muy afortunados de transitar por salones de clase y tener, de primera mano, la obra del maestro para poder conocerla. Ha sido una experiencia única. La universidad que tiene una fuerte concentración en ciencia y tecnología ha visto la necesidad de complementar la formación con el área de diseño, arte y creatividad”, señala.

 Silvia Herrera afirma que esta apuesta puede ser muy significativa para las generaciones venideras, señalando que González Goyri enseña a los más jóvenes la importancia de forjar un lenguaje propio a través de un trabajo incansable. Herrera también destaca la humildad del maestro, su espíritu de superación constante y su inconformidad con los logros obtenidos en cada uno de sus proyectos.

El 3 de noviembre del 2007, con 83 años, González Goyri presentó su exposición titulada Entre la pasión y el asombro. Realizada en el Paseo de los Museos del Hotel Casa Santo Domingo, en La Antigua Guatemala, la muestra reunía piezas de sus etapas más importantes como creador. Aunque un nuevo proyecto marcó su último gran triunfo, el cáncer de páncreas reclamó  la vida del artista el 13 de noviembre de ese año. Su partida recordó también que su genialidad permanece viva, latiendo en muros, esculturas, libros, y monumentos al aire libre.

]]> 20943874 Arte y tecnología en Guatemala: Así crean e innovan artistas del país con nuevos medios https://prensalibre-com-develop.go-vip.co/vida/escenario/arte-y-tecnologia-en-guatemala-asi-crean-e-innovan-artistas-del-pais-con-nuevos-medios/ Sun, 30 Jun 2024 13:00:00 +0000 Escenario

ESCRITO POR:

Alejandro Ortiz

Periodista de Prensa Libre especializado en temas sobre cultura y bienestar, con 5 años de experiencia.

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CULTURA

Arte y tecnología en Guatemala: Así crean e innovan artistas del país con nuevos medios

Códigos QR, videoarte, experiencias inmersivas y NFT’s son algunos soportes con los que también se hace arte guatemalteco. ¿En qué se distingue esta forma de crear y qué tan accesible es?

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Arte y tecnología en Guatemala: Así crean e innovan artistas del país con nuevos medios

Una mujer interactúa con una de las obras inmersivas del artista guatemalteco Balam Soto, enfocado en arte de nuevos medios. (Foto Prensa Libre: Balam Soto)

No solo de pinceles y esculturas vive el arte. Con la cada vez más dominante aparición tecnológica, las narrativas artísticas han tomado nuevos rumbos hasta llegar al alcance de nuestras pantallas y nuestros cuerpos.

Desde la creación de obras a partir de Inteligencia Artificial hasta festivales internacionales de arte que celebran los llamados nuevos medios, la actual época supone un tambaleo de aquella idea del arte totalmente quieto, contemplativo y añejado.

Los algoritmos, las pantallas y la luminosidad distinguen nuevas prácticas que incluso son creadas por artistas guatemaltecos. La complejidad de estos nuevos medios podría radicar sobre la pregunta de qué tan accesibles son para la población a la hora de interactuar.

Durante los últimos años el diseñador, artista visual y entusiasta tecnológico Bryan Castro ha elaborado obras físicas que tienen inscritos códigos QR los cuales despliegan experiencias de realidad aumentada in situ desde cualquier lugar en el que se lea el cifrado.

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A partir de sus códigos, Castro busca señalar narrativas sociales y políticas que han abarcado salidas desde la realidad aumentada en obras como monument[AR] donde se desplegaba una enorme cabeza del expresidente Alejandro Giammattei, o en otras donde se desplegaban rostros luego de haberse escaneado cifras de personas asesinadas.

“Cuando empecé a trabajar con los códigos QR me parecían un soporte novedoso. He aprendido que lo más importante es llegar al grueso de la gente reivindicando lo que haya que reivindicar”, apunta refiriéndose al acceso democrático del arte a través de dispositivos comunes y fáciles de asimilar como los dispositivos celulares.

Aunque se trata de una práctica accesible dada la portación de celulares en gran parte de la población, Bryan Castro apunta que sería ingenuo pensar que todo el grueso pueda comprender el arte de esta índole. Argumenta que en su caso sería incluso limitante valerse de un solo soporte tecnológico.

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“Tenía claro que crear un cuerpo de trabajo con la tecnología iba a ser complicado por la forma en la que está cambiando el mundo. Es tan solo parte de mi intento de ir probando y respondiendo a los medios que se democratizan en el tiempo“, comparte el realizador.

Para la artista María Adela Díaz, radicada en Estados Unidos, la apelación emocional y el entendimiento inmediato de los gestos en sus obras suele ser un valor central.

Aunque trabaja en distintos soportes artísticos el vídeoarte ha sido entre los lenguajes más constantes de su carrera. Prueba de ello son piezas como Borderline, de casi dos minutos, donde se observa una caja sobre las olas del mar flotando a la deriva y que contiene el cuerpo de María Adela.

Motivada por la fluidez del movimiento y la rapidez de los vídeos, la artista ha creado una serie de obras más allá del formato bidimensional cruzando el performance y la imagen. A la hora de mostrarlas al público, su ideal es generar atención rápida por parte de los espectadores.

“En este tiempo el vídeo es muy importante. Estamos en una época que consume información visual 24 horas al día. Para mí es la forma más sencilla de expandir conceptos desde el arte. Hoy todos pueden entrar a ese mundo al editar sus vídeos con el celular”, comparte la artista.

Si bien las obras en vídeo de María Adela Díaz no superan los dos minutos y carecen de subtítulos, detrás de ellas hay meses de trabajo en los que se pasa por la conceptualización de la performance, así como de la construcción de un guion audiovisual y la producción de los clips.

Ante el involucramiento de la audiencia con su obra, María Adela Díaz asegura que en Estados Unidos ha logrado percibir una mayor y constante retroalimentación en comparación a Guatemala. A decir de la artista, todo efecto del público pasa por un contexto y un plano relativo. “Mi interés es crear una emoción en cualquier persona a partir de un lenguaje universal”, argumenta.

Arte con tecnología en Guatemala: Cómo innovan y crean artistas locales con nuevos medios
Una de las obras inmersivas del guatemalteco Balam Soto que implican la luminosidad. (Foto Prensa Libre: Cortesía Balam Soto)

El arte que se vale de la tecnología, así como el más tradicional y antiguo, no importa tanto como las experiencias que se desprenden de él. El propósito tiene que ver con aquello que se queda en las personas sea en su mente, su emocionalidad o en su mismo cuerpo.

El guatemalteco Balam Soto, también radicado en Estados Unidos es un realizador que desde hace años ha explorado el arte de los nuevos medios. Según apunta, este tipo de práctica implica el desarrollo de códigos, interfaces y software .

Sus obras, consideradas también experiencias inmersivas, abarcan ese tipo de insumos a la par de otros materiales como la madera o el plexiglás que llevan a dar vida a ensambles en los que puede participar la audiencia.

“Para que un individuo pueda comprender mi trabajo, debe estar dentro de él. Él trabaja en colaboración con los algoritmos que yo creé. Otra cosa importante de mi obra es que quiebra con el estigma de que el arte no debe ser tocado“, comparte el realizador.

Soto, quien además participará del primer Congreso Iberoamericano de Arte Digital en Centroamérica, coordinado por la Fundación Paiz, argumenta que para él, el involucramiento va más allá de solo fomentar cercanía con el público y sus obras, ya que su exposición propone una ruptura con el arte pasivo y una invitación a la curiosidad.

El guatemalteco cuenta sobre un episodio en el que exhibía una instalación con varias computadoras dentro de una galería y conoció a una mujer de 80 años que no tenía contacto con la tecnología.

“La señora me dijo que no le gustaba mi trabajo porque ella no usaba computadoras porque no eran humanas. Luego de un rato la vi interactuando con la pieza y cuando me miró por segunda vez me dijo que se sentía como una niña. Pasó de odiar la tecnología a interesarse. El mensaje del arte es que puede ser más profundo y personal”, comparte Soto.

¿Quién compra el arte tecnológico?

El formato NFT (token no fungible) ha sido uno de los más novedosos dentro del arte durante los últimos años. No obstante, en la actualidad se habla de su cambio de rumbo y la aparente disminución en sus inversiones.

Si bien esta industria tuvo un auge entre 2018 y 2021, alcanzando ventas de hasta US$17 mil 600 billones de dólares, de acuerdo con la plataforma NonFungible.com, actualmente creadores, plataformas y compradores en la industria adoptan acercamientos más regulados y cuidadosos, según una publicación hecha por la empresa ChainUP en febrero de este año.

En Guatemala este formato también es una realidad. Plataformas como BabySkulls promueven el coleccionismo de tokens no fungibles, mientras que también es utilizado por artistas como Diego Morales-Portillo en su obra Banana Republic #3 o por la realizadora Sofía Novella en su serie Rosa es una rosa es una rosa.

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¿Qué pasa con los otros formatos? ¿Se vende el íideoarte o los códigos QR? ¿Quiénes compran arte de nuevos medios?

En su caso, debido al contenido social de sus piezas, Bryan Castro no suele intencionar sus formatos para la venta. No obstante, hay coleccionistas que han comprado sus códigos QR.

El realizador segura que prefiere que su trabajo artístico sea remunerado en cuanto a asesorías, así como procesos de aprendizaje o de comisión junto a otros realizadores.

En el caso de Balam Soto, sus obras se han vendido de forma conceptual y física a museos o galerías siendo la propiedad intelectual la que rige la venta frente a las instituciones.

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María Adela Díaz asegura que museos o coleccionistas también compran vídeos de obras. No obstante, y desde su perspectiva, esto ha sido algo poco usual, pero cada vez más es notorio en Estados Unidos. De acuerdo con la artista, los compradores adquieren no solo un vídeo, sino un mensaje.

Prueba de ello ha sido el caso de Antonio Pichillá, artista maya t’zutujil cuya pieza audiovisual Bailando con una piedra 2022, forma parte de la colección permanente del Museo de Arte de Denver en Estados Unidos desde julio del año pasado.

]]> 19339837 Colecciones de arte en Guatemala: Otras bibliotecas para sumergirse en la historia del país https://prensalibre-com-develop.go-vip.co/revista-d/colecciones-de-arte-en-guatemala-otras-bibliotecas-para-sumergirse-en-la-historia-del-pais/ Mon, 20 May 2024 15:45:54 +0000 Revista D

ESCRITO POR:

Alejandro Ortiz

Periodista de Prensa Libre especializado en temas sobre cultura y bienestar, con 5 años de experiencia.

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REVISTA D

Colecciones de arte en Guatemala: Otras bibliotecas para sumergirse en la historia del país

Pinacotecas públicas y privadas resguardan obras de arte que ofrecen un amplio relato de Guatemala a través de sus identidades, épocas y territorios.

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Colecciones de arte en Guatemala: Otras bibliotecas para sumergirse en la historia del país

El Fondo para la Imagen, Palabra y Pensamiento Ventura Puac—Coyoy exhibe obras de artistas mayas y otros realizadores de la provincia, muchas de las cuales plasman vivencias de sus comunidades. (Foto Prensa Libre: Cortesía Diego Ventura Puac—Coyoy)

Guatemala no solo tiene una historia escrita en papel. El arte, con sus diversas expresiones, ha sido una manifestación significativa para narrar los acontecimientos que han moldeado a sus habitantes. En este marco se puede hablar de historias locales que se encuentran en pinturas, grabados, esculturas, dibujos, fotografías, entre otros.

Hacer referencia a un “arte guatemalteco” es posible por un sistema económico en el que se basan las oportunidades de muchos artistas que a veces contribuyen con sus obras a enriquecer colecciones de museos, galerías y organizaciones con enfoque cultural.

Por ello es preciso poner en valor las colecciones de arte, no solo para mostrar que en el país los artistas pueden generar ingresos con sus realizaciones, sino también porque con dichos espacios la población puede acceder a ellos y conocerlos.

El historiador de arte Guillermo Monsanto, también curador e investigador, dice que “las colecciones son bibliotecas que narran una historia local que hacen patente un tiempo, inquietudes, y cómo van avanzando algunos artistas o cómo otros se quedan estancados”.

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Coleccionar arte es un ejercicio contra el olvido, asegura Monsanto, quien además codirige la galería El Attico, un espacio cultural que desde hace 40 años alberga piezas de artistas locales.

“Originalmente la galería iba a ser un anticuario, pero nos decantamos hacia el arte moderno”, refiere. Junto a su socio Luis Escobar ha llegado a coleccionar obras de grandes figuras del siglo XX como Efraín Recinos, Dagoberto Vásquez y Magda Eunice Sánchez, entre otros artistas.

El coleccionismo regala la oportunidad de indagar en el pasado y en el presente, puesto que las obras que integran las colecciones pueden adquirirse de artistas fallecidos y vivos.

Colecciones de arte en Guatemala: Otras bibliotecas para sumergirse en la historia del país
Vista de la pinacoteca de la Fundación Paiz donde se conservan más de 300 obras de arte adquiridas desde 1978. (Foto Prensa Libre: Erick Ávila)

Monsanto cuenta que en Guatemala muchos realizadores de arte empezaron a vivir de su obra en 1989, cuando una pintura de Roberto González Goyri se vendió por más de Q100 mil.

En el presente, para que el trabajo de los artistas sea considerado como tal, es necesario que vendan sus obras. Más allá del propietario —un particular o una institución— que adquiera las piezas, muchas de estas llegarán a formar parte de una colección.

Pinacotecas públicas y privadas

Según Silvia Herrera, crítica y curadora de arte especializada en Filosofía, Arte y Estética, las colecciones son “memoria condensada”, porque “arrojan luces en muchas direcciones y también oscuridades”.

Expone que varias de las colecciones —resguardadas en pinacotecas— en el país se han originado en concursos de arte y procesos de adquisición impulsados por iniciativas de organizaciones como la subasta Juannio o la Colectiva de Arte Junkabal.

Asimismo, cabe resaltar que los certámenes del Banco de Guatemala, así como los de las bienales de la Fundación Paiz y los más actuales de Arte en Mayo, de la Fundación Rozas—Botrán han dado a conocer artistas cuyas obras se han integrado a sus colecciones, que a la vez son de las más longevas y nutridas del país. Por su lado, la primera obra de la colección del Banco de Guatemala se ingresó en 1952, mientras que la de la Fundación Paiz inició en 1978 y la de Rozas—Botrán, en 1984.

Colecciones de arte en Guatemala: Otras bibliotecas para sumergirse en la historia del país
La plástica moderna ubica a Guillermo Grajeda Mena como uno de los máximos exponentes. En la galería El Attico pueden encontrarse varias obras del connotado artista. (Foto Prensa Libre: Foto: Cortesía Guillermo Monsanto)

“Las colecciones de arte institucionales dejan ver lo que ha sido detectado como interesante o valioso por el coleccionista”, manifiesta Herrera, para quien una obra se convierte en coleccionable siempre que su contenido esté bien ejecutado, sea el tema que fuere. “Creo en el don de ser artista que pocos tienen y pocos han cultivado con honestidad”, puntualiza.

En Guatemala existen dos tipos de colecciones: las privadas y las públicas o institucionales. Las primeras son creadas por amantes del arte que adquieren las obras siguiendo un gusto personal y que preservan en sus espacios privados. Las colecciones públicas, asociadas a instituciones, son exhibidas para que todas las personas puedan acceder a ellas.

El carácter institucional de las colecciones se manifiesta por su contenido e intención y exhiben piezas con temáticas que beben de la historia social, política, económica y estética de un territorio.

Guillermo Monsanto considera que las instituciones deben acercar las colecciones y sensibilizar a las personas para que estas vean el arte como una posible tecnología que representa momentos
importantes. “El reto no es solo llevar a los chicos al museo, sino crear el contenido didáctico y que se
vea el arte con un fin educativo”, enfatiza.

“La colección institucional tiene una responsabilidad, porque en ella hay valores históricos, culturales y artísticos. Tiene que ser más parejo. En el coleccionismo individual se compran por gusto”, explica Waseem Syed, artista, coleccionista y coordinador de producción y curaduría de la Fundación Paiz.

Entre las colecciones institucionales más amplias del país destacan las del Banco de Guatemala, museos del Ministerio de Cultura y Deportes, así como las de las fundaciones Paiz, Rozas—Botrán o Nacional para las Bellas Artes y la Cultura. En menor escala se sitúan las que se pueden apreciar en distintas galerías.

A los espacios mencionados se suma la relevancia de otro tipo de colecciones institucionales como las de los museos Ixchel del Traje Indígena, de Arqueología y Etnología, Popol Vuh, Miraflores o de Paleontología y Arqueología.

Además, los de Historia Natural, Nacional de Historia, del Ferrocarril y Tipografía Nacional. Estos recintos cumplen una labor de curaduría y socialización de las piezas con sus respectivas temáticas, en estrecha relación con la historia de Guatemala.

Identidad maya y comunitaria

Lejos de la óptica urbana y ladina de Guatemala existen otras colecciones que no han ocupado tanto espacio en dicho ámbito. Una de ellas es la del Fondo para la Imagen, Palabra y Pensamiento Ventura Puac—Coyoy, que empezó a gestarse en Chichicastenango, Quiché, en 1990, y ha generado un extenso archivo con obras de artistas y creadores mayas, así como de otras comunidades de la provincia.

“Nos valimos de los mecanismos del arte y su mercado para preservar una parte de la historia de nuestra comunidad y de otras circunvecinas. Frente a la lógica hegemónica de la historia del arte, en la cual los pueblos originarios son categorizados como inferiores —en el museo Carlos Mérida la pintura maya estaba en el pasillo de los baños—, deseamos posicionar esta colección donde el pensamiento e historia de las naciones indígenas es protagónica y lúcida”, hace ver Diego Ventura Puac—Coyoy, artista, curador y representante del Fondo.

Colecciones de arte en Guatemala: Otras bibliotecas para sumergirse en la historia del país
En la obra “Autorretrato pintando tragedia de Huracán Mitch en 1998”, Diego Isaías Hernández se posiciona frente a la tragedia ocasionada por el fenómeno que azotó a Centroamérica. (Foto Prensa Libre: Cortesía Diego Ventura Puac—Coyoy)

Durante más de tres décadas, los integrantes de este proyecto familiar han adquirido cerca de 300 obras del siglo XIX y XX realizadas por artistas como Rosa Elena Curruchich —presente en la última edición de la Bienal de Venecia—, Oscar Perén, Diego Isaías Hernández, Juan Francisco Yoc y Samael Simón Calí, entre otros.

“El ejercicio de investigación para cada pieza también influye, porque no seguimos una tendencia de moda o estilo como propone el mercado del arte en general”, agrega Ventura Puac—Coyoy.

Varias de las piezas de esta colección son exhibidas en los muros de la Villa de los Cofrades, una pequeña cafetería ubicada en el mercado de Chichicastenango, y el hotel y restaurante Los Cofrades, ubicado en el km 147 de la ruta a Santa Cruz del Quiché.

Aunque no se trata de un recinto pensado con fines económicos, el Museo Ixchel del Traje Indígena cumple, al igual que el Fondo Ventura Puac—Coyoy, una importante labor en cuanto a preservar la cultura maya en el país.

Colecciones de arte en Guatemala: Otras bibliotecas para sumergirse en la historia del país
Un par de aretes antiguos que forman parte del acervo del Museo Ixchel. (Foto Prensa Libre: Cortesía Museo Ixchel)

En la citada entidad se resguardan y exhiben huipiles, fajas, cortes, tocados, camisas, pantalones, sobrepantalones, sacos, capixays, sutes, velos y sombreros, entre otras piezas que suman un total de 7 mil 841.

El Museo Ixchel cuenta, además, con una colección de 49 pinturas del primer artista de San Juan Comalapa, Andrés Curruchich, cuyas obras también se encuentran en la Bienal de Venecia, así como una colección de joyería, formada por collares y chachales.

Violeta Gutiérrez, curadora y directora técnica del Museo Ixchel, dice que la colección se inició en 1973, cuando un grupo de personas interesadas en preservar los tejidos indígenas de Guatemala creó el Comité Textil, que llevó a cabo diversas actividades para recaudar fondos que les permitieran adquirir prendas y tejidos a fin de formar una colección. Con el transcurso del tiempo se fueron adquiriendo más piezas a través de donaciones.

“ En una colección no solo tomas el pulso cultural, sino el arte que se expresa con el sentimiento. En una colección también puedes ver el alma de un país”.

José Rozas—Botrán, presidente de la Fundación Rozas—Botrán

“Para que estas ingresen a la colección hay varios parámetros que se evalúan, puesto que cada una requiere de una inversión permanente para darle el resguardo adecuado. (…) Se aprovechan las investigaciones etnográficas de campo que se efectúan desde hace varias décadas para darle el andamiaje intelectual y documental que permite otorgar el contexto necesario a la persona a cargo de adquirir piezas. También se analizan factores como costos, el significado y la relevancia que tienen”, explica Gutiérrez.

En el caso del Museo Balam de Todos Santos Cuchumatán, Huehuetenango, fundado por el maestro e historiador Fortunato Pablo Mendoza, se aprecian colecciones integradas que exhiben varios objetos y artefactos de la comunidad mam.

Otras colecciones

Al dar un paseo por el circuito de museos de la zona 13 capitalina que son administrados por el Ministerio de Cultura y Deportes, las personas pueden encontrar el de Arte Moderno “Carlos Mérida”, con obras de los creadores más relevantes del arte guatemalteco moderno y contemporáneo de los siglos XX y XXI.

En el recinto, inaugurado en 1939, se encuentra una extensa obra de Carlos Mérida, reconocido por explorar la vorágine de formas y colores que confluyen en la identidad del país durante las primeras décadas del siglo XX.

Además del artista que da nombre al museo, se pueden apreciar obras de Efraín Recinos, Rina Lazo, Dagoberto Vásquez, María Dolores Castellanos y Aníbal López, entre otros.

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Uno de los pasillos del Museo de Arte Moderno “Carlos Mérida”. (Foto Prensa Libre: Erick Ávila)

En la 7a, avenida de la zona 1, en el Centro Cívico, se erige el Banco de Guatemala en el cual destacan los impresionantes murales de Roberto González Goyri, Dagoberto Vásquez y Carlos Mérida.

No obstante, dentro de sus instalaciones se encuentra una vasta colección de obras de Humberto Garavito, Alfredo Gálvez Suárez, Antonio Tejeda Fonseca, Efraín Recinos, Guillermo Grajeda Mena, Valentín Abascal, Rodolfo Abularach, Ernesto Boesche y Manolo Gallardo y muchos otros. Su pinacoteca consta de 711 pinturas, además de esculturas, grabados, dibujos y los murales.

Artistas mujeres en las colecciones del país

Para la crítica de arte Silvia Herrera, la presencia de artistas mujeres en colecciones como la del Banco de Guatemala y el Museo de Arte Moderno es escasa.

“Hay pocas obras hechas por mujeres en colecciones institucionales, aunque no dudo que esa situación empiece a cambiar de forma paulatina”, indica, al hacer ver que hasta no hace mucho en el país las artistas eran pocas y poco conocidas. “La actualidad ha contribuido a identificarlas y sacarlas a la luz”, asegura.

Herrera apunta que las mujeres más visibles en las colecciones son las paisajistas, como Carmen de Pettersen, Isabel Timeus y Ana María de Rademann. Asimismo, las escultoras, como Ana María Maldonado, Regina Prado y Jamie Bischof o pintoras como Eugenia Beltranena y Magda Eunice Sánchez. También pone en valor a las multidisciplinarias, como Margarita Azurdia e Isabel Ruiz.

De acuerdo con Francisco Fuentes Martinolli, encargado de la Pinacoteca y jefe sección de Relaciones institucionales y cultura, y Marvin Alexander Corado Gómez, el Banco de Guatemala cuenta con obras de “todos los estilos”, que van desde el paisajismo hasta la pintura abstracta, impresionista, realista, conceptual y expresionista.

Esto responde a una política establecida desde la creación de la entidad, en 1945. “El Banco de Guatemala también es conocido como el banco de la cultura y además de sus funciones como rector financiero, tiene como objetivo complementario apoyar la cultura y resguardar la colección de obras más completa de los siglos XX y XXI del arte guatemalteco”, se indicó.

Los entrevistados añaden que las primeras obras ingresaron en 1952. Al principio la intención era ornamentar las oficinas y pasillos, pero no fue sino hasta 1958 que a través de la Oficina de Relaciones Públicas se inició con la adquisición de obras de José Luis Álvarez, José Antonio Oliveros, Salvador Saravia, Julia Minguillón, y primitivistas como Andrés Curruchich y Juan Sisay.

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Entre las obras infantiles del Banco de Guatemala destaca este paisaje realizado en acuarela en 1994. (Foto Prensa Libre: Cortesía Banco de Guatemala)

Las obras se encuentran ubicadas en los pasillos, oficinas, salones, salas de reunión y la Pinacoteca. Muchas de ellas están disponibles al público y para visitarlas se debe hacer una cita a través del departamento de Relaciones institucionales y cultura.

Durante los últimos 46 años, la Fundación Paiz se ha convertido en un sitio de referencia para la divulgación y formación artística en Guatemala. A través de su bienal, que además es la segunda más longeva de Latinoamérica, seguida por la de São Paulo, la fundación ha fomentado la creación y adquisición de obras locales.

Su pinacoteca alberga más de 300 obras en distintas dimensiones y da cuenta de un salto de la modernidad a la contemporaneidad. Además de contar con pinturas de artistas de El Salvador, incluye un gran número de obras premiadas en las bienales.

José Roberto Vásquez, encargado de la pinacoteca de la Fundación Paiz, expresa que la colección ofrece una singular polifonía. “Creo que lo importante y lo que la caracteriza es que se encuentran todo tipo de artistas, desde muy destacados hasta otros que no se sabe bien quiénes fueron”, subraya, al hacer énfasis en el eclecticismo que se observa, porque muchos de los certámenes que la fundación llevó a cabo estaban abiertos a todo el público y no solo a los artistas, por lo que participaban y eran reconocidos hasta menores de edad, cuyas obras se siguen exponiendo.

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Una instalación de la artista Lourdes de la Riva dialoga sobre las complejidades de los momentos políticos en Guatemala. (Foto Prensa Libre: Cortesía Fundación Paiz)

“La colección es un esfuerzo que debe ser divulgado. Hay obras de diferentes épocas y nuestro trabajo es ordenar y generar otra narrativa”, subraya Waseem Syed, de la Fundación Paiz, al agregar que la entidad que representa se prepara para desarrollar el primer evento de nuevos medios digitales, un formato que cada vez tiene mayor visibilidad a través de NFT’s o videoarte.

Muchas de las obras de la referida Fundación se han dado a conocer en exhibiciones en su propia sede, así como también a través del préstamo de las mismas en establecimientos que coinciden con los intereses culturales, educativos y empresariales de la Fundación. Por dicha razón, se han prestado obras para exhibiciones en galerías y hoteles, por mencionar dos espacios.

Si bien es cierto que las colecciones proponen una narrativa local, también se extienden a la región. Es el caso de la Fundación Rozas—Botrán, que presenta piezas de realizadores guatemaltecos y de países vecinos. “Como el alma de Centroamérica y de Guatemala” describe el espíritu de este espacio José Rozas—Botrán, presidente de dicho espacio.

“La Fundación ha tenido el objetivo claro de ser una plataforma nacional e internacional para artistas de Centroamérica y Panamá. Es una región maravillosa, por lo que coleccionamos cualquier expresión que aporte a la cultura actual. Puede ser paisaje, pintura abstracta, escultura o arte conceptual, entre otros. Hay que ser inclusivos”, sostiene, al compartir que el proyecto dio inicio en 1984 al comprar su primera obra a Ingrid Klussmann, propietaria de la galería El Túnel.

Colecciones de arte en Guatemala: Otras bibliotecas para sumergirse en la historia del país
Desde hace 10 años, la Universidad del Istmo exhibe piezas de la colección de la Fundación Rozas—Botrán. (Foto Prensa Libre: Cortesía Fundación Rozas—Botrán)

Rozas—Botrán comenta que siete años después de creada la Fundación, en 1999, la entidad comenzó a recibir donaciones de obras por parte de artistas que decidieron contribuir a la misma, y hasta la fecha se utilizan para desarrollar proyectos educativos.

Así surgió el Museo Unis Rozas-Botrán Contemporáneo en el 2014, el cual está ubicado en la sede de la Universidad del Istmo, en Fraijanes, donde se exhibe la colección de la Fundación.

“—La colección— tiene una función de ayuda social y también la de sensibilizar y educar a los jóvenes a través del arte en la universidad”, dice José Rozas—Botrán, al puntualizar que en los últimos 10 años se han podido notar cambios en el criterio, toma de decisiones y la tolerancia social en muchos de los estudiantes universitarios a partir de ejercicios de mediación.

Cabe mencionar que las exhibiciones son actualizadas cada año y en su mediación intervienen estudiantes que son formados como guías de museo y ofrecen recorridos al público en general. Durante los últimos años han aumentado las visitas de escuelas y colegios al campus de la Universidad del Istmo, concluye Rozas—Botrán.

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ESCRITO POR:

Belinda S. Martínez

Periodista de Prensa Libre del área de bienestar y cultura.

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Mi segunda piel: La obra de Paula Nicho llega a Italia

La artista maya kaqchikel expone cinco obras en la 60 Bienal de Venecia en las que retrata la belleza del diseño textil maya.

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Paula Nicho Cúmez en la Biennal de Venecia

Las exhibición estará disponible hasta el 24 de noviembre del 2024. (Foto Prensa Libre: Waseem Syed para Fundación Paiz)

“Cuando yo era pequeña me discriminaron estando en la escuela. No tuve la dicha de ir a desfilar porque para eso debíamos llevar un uniforme ya que todas las niñas deben ir uniformadas. Mi mamá me dijo: ‘no te voy a hacer uno porque no tengo dinero, yo te voy a hacer un sobre güipil, para que te identifiques’. Cuando llegué a la escuela me dijeron que no podía desfilar…”, cuenta la artista maya kaqchikel Paula Nicho Cúmez, anécdota de la que se inspiró para una de sus obras expuestas en la 60 Bienal de Venecia.

Trabajadas en óleo sobre tela, Nicho originaria de San Juan Comalapa, relata cómo ha sido para ella el proceso de la creación y exposición de sus obras en esta exhibición internacional de arte. “Siempre me ha gustado pintar y poco a poco estoy dando a conocer lo que me gusta hacer y es por eso que estoy muy agradecida con todo lo que me está pasando”.

Cinco son las obras de la artista expuestas en la exhibición, una titulada Naturaleza y las otras cuatro pertenecen a una serie llamada Mi Segunda Piel, en la cual la artista retrata, según sus palabras, a “mujeres tatuadas” con un significado un poco más profundo.

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En sus pinturas, Nicho retrata a mujeres con diseños sobre su piel que, más allá de ser tatuajes, son historias, colores y diseños de tejidos de diferentes lugares de origen de Guatemala.

Entre los cuadros, por ejemplo, se muestra a una mujer tejiendo al mismo tiempo que refleja sobre su “segunda piel” tatuajes con colores y expresiones propias de la cultura guatemalteca.  

“… mi mamá se enojó con la directora cuando no me dejaron desfilar y me dijo: ‘vámonos mija, porque aquí la gente piensa que nosotros no tenemos derecho de usar nuestra indumentaria’. Al ser un poco más grande me di cuenta de que esto era discriminación y que pasaba en muchos lugares de Guatemala, ya que en colegios y hasta universidades no había libertad para la gente indígena; y me causó mucho dolor que la gente piense que la indumentaria no vale. Cada pueblo tiene su propia indumentaria y colores y esto lo quise plasmar en mis obras”, cuenta Nicho.

La artista transformó ese dolor en arte y sus obras, presentadas en esta exposición, muestras a mujeres conscientes de su propio poder, resaltando la belleza del diseño textil maya.

“Hay que seguir trabajando y luchar para conseguir un futuro, porque cada persona tiene sueños y diferentes formas de ver la vida, hay que estar orgullosos de dónde venimos y utilizar el arte para plasmar esa historia”, finaliza la artista.

Paula Nicho Cúmez en la 60 Biennal de Venecia
Mujer tejiendo su segunda piel por Paula Nicho Cúmez para la exhibición de la 60 Biennal de Venecia. (Foto Prensa Libre: Waseem Syed para Fundación Paiz)

Esta es la primera vez que Nicho se presenta en la Bienal de Arte y junto a ella también se exponen obras de los guatemaltecos Margarita Azurdia, Carlos Mérida, Andrés Curruchich y Rosa Elena Curruchich.

La exposición estará disponible hasta el domingo 24 de noviembre en el Pabellón Central de la Bienal como parte de la exposición internacional “Extranjeros en todas partes”, curada por el brasileño Adriano Pedrosa en Venecia, Italia.

]]> 18690353 Dos artistas caminan entre hilos, volcanes y mangos en la ciudad de Guatemala https://prensalibre-com-develop.go-vip.co/vida/escenario/dos-artistas-caminan-entre-hilos-volcanes-y-mangos-en-la-ciudad-de-guatemala/ Fri, 08 Mar 2024 07:00:00 +0000 Escenario

ESCRITO POR:

Alejandro Ortiz

Periodista de Prensa Libre especializado en temas sobre cultura y bienestar, con 5 años de experiencia.

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ESCENARIO

Dos artistas caminan entre hilos, volcanes y mangos en la ciudad de Guatemala

En sus primeras exposiciones individuales, las artistas Mena Guerrero y Angélica Serech narran y desbordan paisajes emocionales desde sus puntos territoriales.

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Dos artistas caminan entre hilos, volcanes y mangos en la ciudad de Guatemala

Desde dos puntos cardinales distintos, pero siempre ubicados en el Occidente guatemalteco, las artistas provocan diálogos más allá de lo racional en sus primeras exhibiciones individuales. (Fotos Prensa Libre: Cortesía La Galería Rebelde y Mena Guerrero)

Una semana antes del Día Internacional de la Mujer, se inauguraron dos exposiciones de arte en la ciudad capital, protagonizadas por mujeres.

Lejos de buscar una temática relacionada con el fondo conmemorativo del 8 de marzo —visto desde la Organización de las Naciones Unidas como una lucha por referirse a las mujeres corrientes como también “artífices de la historia”—, las exhibiciones abrieron en dos galerías ubicadas de extremo a extremo en la ciudad capital.

El espacio La Erre, ubicado en la zona 4, festejó la inauguración de Volcanes, Mangos y Amor, una exhibición con cerca de 100 obras elaboradas por la artista Mena Guerrero, nacida en 1996 y actualmente radica en La Antigua Guatemala.

A la otra orilla de la urbe, en Muxbal (ruta a El Salvador), La Galería Rebelde inauguró Diálogos del Maguey, su segunda exhibición del 2024 en donde se presentaron 12 obras de la artista de San Juan Comalapa, Angélica Serech, nacida en 1982.

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Las exhibiciones, que pueden visitarse hasta abril y mayo del presente año, han sido posibles gracias a un grupo de mujeres más allá de las artistas en exhibición, entre ellas, gestoras, curadoras y divulgadoras tanto de La Erre como de La Galería Rebelde. Afuera de ambos espacios, los procesos de Guerrero y Serech han sido posibles desde la co—relación femenina.

Cabe recordar cómo en algunas ocasiones, la artista Angélica Serech ha mencionado que su sensibilidad creativa fue estimulada a través de la relación que tuvo con su tía, quien constantemente la animaba a tejer de una forma en la que la se sintiera más cómoda, aún fuera esta “experimental” desde la óptica tradicional del bordado.

“Con Angélica hablamos sobre el linaje de las tías, de lo femenino y cómo las mujeres en nuestra familia nos han influido”, comparte Mena Guerrero a propósito de una conversación que tuvo el pasado 28 de febrero durante la inauguración de la muestra de Serech, que fue realizada un día antes de la apertura de la muestra de Guerrero.

Dos artistas caminan entre hilos, volcanes y mangos en la ciudad de Guatemala
Las estructuras bordadas e intervenidas con materiales naturales de Angélica Serech “abren un puente entre el mundo natural y el ingenio humano”, apunta el curador de Diálogos del Maguey, Bruno Leitão. (Foto Prensa Libre: Cortesía La Galería Rebelde)

Las artistas han coincidido en tiempos no solo con un día de diferencia en la apertura de sus proyectos, sino que además celebran sus primeras muestras individuales.

Serech se siente “muy feliz y agradecida” por este hito en su carrera, misma que empezó a visibilizarse desde hace más de 14 años. Durante este tiempo, la artista ha llevado sus obras a espacios como la Bienal de Arte Paiz o la subasta de arte Juannio.

En su primera exposición individual, curada por el portugués Bruno Leitão, la artista reconoce el trayecto de sus conversaciones personales alrededor de temas vinculados a la vida. La artista comalapense materializa estas ideas en Diálogos del maguey donde comparte 12 instalaciones que suelen desplegarse abstractas y en caída a lo largo de varios puntos en el ancho espacio de La Galería Rebelde.

Dos artistas caminan entre hilos, volcanes y mangos en la ciudad de Guatemala
Una de las 12 obras realizadas por Angélica Serech para su nueva exposición. (Foto Prensa Libre: Cortesía La Galería Rebelde)

egún infiere Serech, esta reunión de piezas aborda los caminos, el encuentro y la celebración a la materialidad: “Elegí el maguey como protagonista del título porque fue uno de los elementos de conexión con mi proceso creativo”.

Para la artista, las conexiones y los entrecruces son elementos importantes de su obra. Es a partir de la metáfora de los hilos y el bordado, que Serech se reconoce dentro una historia comunitaria formada por un gran entramado.

Intuición y materia

Desde su estancia en La Erre, Mena Guerrero explora distintas materialidades como la pintura, la cerámica, el dibujo y las piñatas, en Volcanes, Mangos y Amor, donde se permite pensar las exhibiciones artísticas como un espacio menos serio y frío.

“Es una invitación a rescatar el juego, tener un respiro y reconectarnos con la libertad”, refiere la artista quien desde hace cuatro años habría querido montar una exposición en este espacio.

Dos artistas caminan entre hilos, volcanes y mangos en la ciudad de Guatemala
Cerca de 100 obras de distintos formatos y materiales dan vida a la primera muestra individual de Mena Guerrero en el espacio cultural La ERRE.
(Foto Prensa Libre: Cortesía Mena Guerrero)

Si tuviera que describirse con el paladar, la primera exposición de Guerrero podría ser chiclosa, agridulce y fresca. A través del olfato, podría decirse que huele a incienso y pólvora. Estas imágenes, no precisamente visuales, dan forma a la obra de la artista quien reconoce lo corpóreo como eje central de su muestra.

“Estoy experimentando desde la corporalidad. Con las imágenes del mango he intentado tener presente la experiencia táctil que puede surgir a la hora de comerse uno: es una fruta perfumada, tiene una cualidad de lo chicloso y lo jugoso. Hay un erotismo ahí y una imagen de las semillas suaves que con el tiempo se vuelven más duras. También me he preguntado cómo es sentirse volcán. Me ha llamado la atención lo que está debajo de la tierra, que es la potencia. Siento que los volcanes no me crean miedo, más bien su ponencia me abraza”, explica Guerrero sobre la conceptualización de sus obras.

Dos artistas caminan entre hilos, volcanes y mangos en la ciudad de Guatemala
La geometría de la naturaleza, los gestos humanos y la ternura suelen formar parte del paisaje artístico de Mena Guerrero.
(Foto Prensa Libre: Cortesía Mena Guerrero)

Asimismo, la artista reconoce que estas miradas a dichos elementos naturales vienen de una nostalgia por el paisaje que le rodea. La artista, residente en La Antigua Guatemala asegura que a pesar de haber crecido en la ciudad se siente más encontrada con la dinámica fuera de lo urbano; algo que intenta poner de facto en sus más de 100 obras dentro de La Erre.

“No es ser ideológica desde el territorio, sino que sea una experiencia personal y luego ficcionada. Para mí es una analogía con la corporalidad”, agrega la joven artista quien ha sido reconocida con la beca Flotador de la organización costarricense Teorética y quien ha sido ganadora del certamen Galería Abierta de la Municipalidad de Guatemala y el primer premio artístico de la Fundación Defensores de la Naturaleza de Guatemala.

Tanto para Guerrero como para Serech, llegar a sus primeras exposiciones ha implicado una gran dosis de sensibilidad y apuesta por la intuición.

“Creo en el agotamiento de las cosas y en confiar en las cosas que se puedan revelar. Creo que hay una razón más allá de la racionalización”, comparte la artista exhibiendo en La Erre obras que van desde pequeños volcanes de pólvora, hasta los de piñata (elaborados junto a un artesano de San Lucas Sacatepéquez) o pinturas de escalas que van desde los dos por 1.50 metros hasta lienzos en tamaño carta.

Para su primera exposición Angélica Serech ha utilizado como máximo 170 libras de hilo, así como también varias ramas de madera, hilo de plástico, hebras de maguey e incluso su propio cabello. Estos elementos fueron empleados de distintas maneras en sus ensambles artísticos.

La muestra ‘Diálogos del Maguey’ podrá visitarse hasta el 12 de abril. ¿Volcanes, Mangos y Amor’ estará abierta al público hasta el 11 de mayo.
Ambas exhibiciones son de acceso libre.

Según explica la realizadora algunas piezas poseen urdimbre como estructura principal, elemento que suele ser fundamental para el arte de las tejedoras y los tejedores.

En su intento por deconstruir la forma tradicional del bordado, Serech deshilvana y desborda un universo sin límites e incluso sin un punto de partida racionalizado. Sobre sus procesos de creación dice: “No creo que haya tanto concepto o al menos, uno discursivo en mis obras. Siempre hay ejercicios propios de entender mi arte como algo no estático. Intento hacer algo distinto en torno a lo que voy aprendiendo”, concluye Angélica Serech.

Sobre las exposiciones:

  • ‘Diálogos del maguey’: La Galería Rebelde (Km. 7.5 Carretera a Muxbal, Plaza Muxbal, Local 3, Guatemala) / Visitas de lunes a viernes de 10 a 17 horas
  • ‘Volcanes, mangos y amor’: La ERRE (Vía 6, 2-60, zona 4, Guatemala) / Visitas de miércoles a viernes, entre las 11 y las 17 horas, y sábados de 11 a 13 horas

]]> 18080641 El legado artístico de la familia guatemalteca Rios será expuesto en el Museo Miraflores https://prensalibre-com-develop.go-vip.co/vida/escenario/el-legado-artistico-de-la-familia-guatemalteca-rios-sera-expuesto-en-el-museo-miraflores/ Thu, 29 Feb 2024 00:43:18 +0000 Escenario

ESCRITO POR:

Belinda S. Martínez

Periodista de Prensa Libre del área de bienestar y cultura.

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Escenario

El legado artístico de la familia guatemalteca Rios será expuesto en el Museo Miraflores

Evolución, inspiración y destreza artística narran cinco generaciones de una familia de artistas guatemaltecos.

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La exhibición llega finalmente en 2024 al Museo Miraflores Zona 11 capitalina. (Foto Prensa Libre: Carlos Hernández)

La exhibición llega finalmente en 2024 al Museo Miraflores Zona 11 capitalina. (Foto Prensa Libre: Carlos Hernández)

Una exposición en la que se aprecian cerca de 50 pinturas de la familia guatemalteca Rios estará disponible en el Museo Miraflores, Zona 11 capitalina, del 29 de febrero al 10 de marzo. La misma cuenta con un recorrido artístico, honrando la trayectoria de los miembros pertenecientes a cinco distintas generaciones del núcleo familiar.  

La exhibición, titulada El legado artístico de la familia Rios, llega finalmente en 2024, luego de varios impedimentos causados tanto por la pandemia del covid-19 en 2020, como por los bloqueos de octubre de 2023, que surgieron por las manifestaciones en contra del Ministerio Público y su fiscal general.

Esta muestra es una celebración a lo largo de más de 200 años de trabajo artístico. Manuel E. Rios, quien comenzó a pintar desde el siglo XIX, promovió la enseñanza del arte en su familia. De esa cuenta y hacia el presente, incluso sus tataranietas han aprendido a pintar. 

A lo largo de cinco generaciones, la familia Rios ha dejado huella en el arte guatemalteco y ha transmitido sus conocimientos y obras mediante la gestión de una galería, con la que forman parte del legado cultural y artístico del país.

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“En Galería Rios estamos instruyendo con amor. Es un centro de arte en dónde tratamos a los clientes como amigos. Tenemos mucha competencia, pero un nicho asegurado, que viene de generaciones”, menciona Roberto Rios, miembro de la tercera generación de artistas en la familia.

Según detalla el pintor y también arquitecto, en la exposición los asistentes podrán observar obras de todos los artistas de la familia Rios, desde su abuelo hasta las mismas nietas del entrevistado. “Mi deseo más grande es que las próximas generaciones continúen con el legado artístico familiar”, agrega.

La exposición, que podrá visitarse de lunes a viernes de forma gratuita en el segundo nivel del Museo Miraflores, en un recorrido intergeneracional elaboradas por cinco de los miembros de la familia Rios.

El legado artístico de la familia guatemalteca Rios será expuesto en el Museo Miraflores
A lo largo de cinco generaciones la familia Rios ha dejado huella en el arte guatemalteco. (Foto Prensa Libre: Carlos Hernández Ovalle)

Entre los artistas incluidos destacan los mencionados a continuación.

Manuel E. Rios (1887 – 1978)

Nació en 1887en San Juan Ostuncalco, Quetzaltenango. Fue un apasionado de la fotografía y la pintura.  En sus obras sobresalía la pintura mural, la cacería y la cotidianidad del pueblo.

Su técnica destacaba por la pintura en óleo y una de las más apreciadas por la familia es Retrato de mi padre.  Manuel inició el legado artístico de la familia Rios inculcando a su hijo el amor por las artes visuales.  

Cuadro ‘Retrato de mi Padre’ del artista Miguel Ríos. Una de las obras más apreciadas por la familia. (Foto Prensa Libre: Carlos Hernández Ovalle)

Miguel Angel Rios (1914 – 1991)

Fue un hombre que “sabía hacer de todo” menciona su hijo Roberto. Durante su niñez y parte de juventud vivió en San Juan Ostuncalco de la agricultura. Gracias a su padre aprendió de fotografía y pintura. Se estableció en la ciudad de Guatemala aproximadamente a los 18 años en dónde comenzó a trabajar en una compañía que se dedicaba a revelar rollos fotográficos.

Allí continuó con su aprendizaje en la fotografía y artes visuales. En 1940 junto a un socio creó el establecimiento Foto Arte en dónde se revelaban e iluminaban fotografías. En este espacio se percató que la gente no conocía el país y así empezó a vender sus trabajos fotográficos.

Sin embargo, su deseo de pintar siempre estuvo vigente y cuando tuvo la oportunidad comenzó a vender cuadros. Las pinturas de Miguel Angel estaban influenciadas por su estilo fotográfico y resaltaban los paisajes y la cotidianidad guatemalteca.

Con el tiempo, Foto Arte fue cambiando su giro de negocio y en 1945 se fundó la Galería Rios en dónde además del trabajo fotográfico, se empezaron a impartir clases de pintura, se vendían materiales para pintores y se hacían marcos para cuadros.

El negocio se convirtió en familiar y Miguel Angel inculcó a sus tres hijos la pintura. Les asignaba trabajos menores para que pudieran generar su propio dinero.

Su especialidad en la pintura era el paisajismo ya que disfrutaba pintar al aire libre. Esta técnica le permitía capturar la luz natural y las condiciones atmosféricas del momento.

Su legado destacó en concursos nacionales, obteniendo el máximo galardón en el Primer Salón de la Acuarela en el año 1980 y en el Tercer Salón de la Acuarela en el año 1982.

El artista Miguel Angel Rios cuales disfrutaba pintar al estilo plein air término francés, que significa al aire libre. (Foto Prensa Libre: Carlos Hernández Ovalle)

Roberto Rios

Nació en 1951 en la ciudad de Guatemala. Influenciado por su padre comenzó a pintar desde los 6 años.  Egresado de la Universidad Rafael Landívar como arquitecto decidió seguir por el camino de la docencia.  Continuando con el legado de su padre, Roberto fue maestro de dibujo y pintura en Galería Rios por más de 45 años y se desempeñó como catedrático universitario. “Pintar es un gozo, pero enseñar me satisface aún más”, comenta el artista.

A lo largo de su vida, Roberto ha ganado varios premios que incluyen el primer lugar en el Cuarto Salón Nacional de la Acuarela en 1983, el Glifo de Oro en la V Bienal de Arte Paiz en 1986 y el reconocimiento de la Municipalidad de Guatemala junto al Instituto Sonia Rincón por su contribución a las artes plásticas internacionalmente en el 2000.

Al igual que su padre, Roberto inculcó a sus hijos su pasión por el arte. Roberto Rios (hijo) el mayor de los tres hermanos es el dueño de las tiendas de materiales artísticos Rios Arte, Raquel es fundadora y directora de la academia de danza Rios Dance y Margarita actualmente dirige la academia de dibujo y pintura de la Galería Rios.

En la exposición, los asistentes podrán observar obras de todos los artistas de la familia Rios (Foto Prensa Libre: Carlos Hernández Ovalle)

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Margarita Rios

Desde muy pequeña, la hija menor del matrimonio de Roberto Rios demostró interés por la pintura y el arte. Con tan sólo dos años disfrutaba usar los pinceles de su papá para crear sus propias obras.

Margarita no quiso alejarse del mundo artístico y se graduó de Diseño Gráfico en Comunicación y Publicidad de la Universidad del Istmo de Guatemala en dónde también desempeñó el rol de catedrática de los cursos de Ilustración y Dibujo Artístico.

La artista domina distintos estilos visuales en los que destacan el hiperrealismo y la pintura abstracta.

El legado artístico de la familia guatemalteca Rios será expuesto en el Museo Miraflores
La artista Margarita Rios destaca por dominar técnicas como el hiperrealismo y la pintura abstracta. (Foto Prensa Libre: Carlos Hernández Ovalle)

Cristina y Natalia Gisbert

Las pequeñas hermanas Gisbert han vivido inmersas en un mundo de arte. Cristina tiene ocho años y Natalia cuatro. Ambas reciben clases de arte y pintura desde los dos años. A su corta edad ya empiezan a generar una colección de obras propias.

El legado artístico de la familia guatemalteca Rios será expuesto en el Museo Miraflores
Roberto espera que el legado artistico familiar perdure a través de loas años. (Foto Prensa Libre: Carlos Hernández Ovalle)
]]> 18003809 Guatemala llega a la feria de arte contemporáneo Arco en España https://prensalibre-com-develop.go-vip.co/guatemala/guatemala-llega-a-la-feria-de-arte-contemporaneo-arco-2024-en-espana/ Wed, 28 Feb 2024 22:07:12 +0000 Guatemala

ESCRITO POR:

Alejandro Ortiz

Periodista de Prensa Libre especializado en temas sobre cultura y bienestar, con 5 años de experiencia.

]]> https://prensalibre-com-develop.go-vip.co/?p=18002733

ESCENARIO

Guatemala llega a la feria de arte contemporáneo Arco en España

Del 6 al 10 de marzo, cinco artistas visibilizarán reflexiones desde sus territorios locales en Guatemala y su relación con el mundo.

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Antonio Pichillá, artista tz'utujil de San Pedro La Laguna presentará algunas de sus obras textiles. (Foto Prensa Libre: Cortesía Antonio Pichillá)

Antonio Pichillá, artista maya tz'utujil de San Pedro La Laguna presentará varias de sus obras textiles. (Foto Prensa Libre: Cortesía Antonio Pichillá)

Este año se llevará a cabo la 43ª edición de ARCOmadrid, catalogada como la feria internacional de arte contemporáneo más importante de España, puesto que desde su creación se ha convertido en una de las principales plataformas de exposición y venta de obra artística.

La feria es una extensa muestra a la que son invitadas galerías de todos varios países que seleccionan obras de varios de sus artistas representados para exhibirlas y ponerlas a la venta. Este espacio internacional suele estar dirigido a coleccionistas, galeristas, integrantes de museos, gestores culturales y artistas en general.

Bajo la curaduría de Carla Acevedo—Yates y Sara Hermann Morera, la feria propuso para este año La orilla, la marea, la corriente: un Caribe oceánico como unos de sus ejes centrales. De acuerdo con datos de la plataforma, la iniciativa está concentrada en escenas artísticas de los territorios conectados por dicho mar.

La feria también presentará obras dentro del Programa General, seleccionadas por el comité organizador, así como la sección Opening, comisionada por Cristina Anglada y Yina Jiménez Suriel, donde se presentará una selección de galerías jóvenes. Por otro lado, el eje Nunca lo Mismo. Arte Latinoamericano destacará obras de 11 galerías latinoamericanas.

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Durante la nueva edición, que se realizará del 6 al 10 de marzo en la capital española, serán exhibidas obras de artistas que suelen trabajar desde Guatemala.

Entre los nombres de la participación guatemalteca destacan Moisés Barrios, Esvin Alarcón Lam, Sandra Monterroso, Antonio Pichillá y Marilyn Boror Bor, quienes son parte de una selección de más de mil 300 artistas de todo el globo.

Guatemala será parte de la feria que a la vez exhibirá obras de artistas como Pablo Picasso, Francis Bacon, Joan Miró, entre otros. ARCOmadrid mostrará en total piezas de realizadores vinculados a 206 galerías de 36 distintos países.

Participación desde Guatemala

Las obras de los artistas locales se distinguen por una variedad de propuestas que surgen del reconocimiento de los cuerpos y las reflexiones en el entramado socio-político e histórico de Guatemala y la región sur del mundo.

27 años después de su primera participación en Arco, el guatemalteco Moisés Barrios presentará dos series de pinturas en las que explora los fantasmas de las repúblicas bananeras y los paisajes como postales heredadas de la geografía. Ambos proyectos servirán también como la representación de la Galería Extra desde Guatemala.

Bananópolis, una de las series que exhibirá Barrios en Madrid durante estos días, aborda con pinturas en acrílico y acuarela la narrativa del banano como símbolo de explotación, resistencia y memoria colectiva, partiendo del vínculo entre los gobiernos guatemaltecos y la United Fruit Company durante el siglo XX.

La serie se distingue por el derrame de tonalidades amarillas, asociadas a la piel del banano, sobre recortes de publicidad artística. Asimismo, el cuerpo de obra se completa con una serie de pinturas donde figuran vitrinas de la marca de ropa Banana Republic.

Obras de Guatemala se exhiben en la feria de arte contemporáneo ARCO, en España
La serie ‘Bananopolis’ empezó a ser desarrollada por Moisés Barrios antes de 2015. (Foto Prensa Libre: Cortesía Galería Extra)

El segundo proyecto del artista que será mostrado en Arco, titulado Paisajes recientes, consiste en una serie con más de 10 pinturas en las que Moisés recrea lugares que fotografió alguna vez en zonas con cuerpos de agua.

“Son paisajes que he extraído de un gran archivo de fotos de paseos por el altiplano y el Caribe. Es un material que he estado guardado. En este momento mi pasión por el paisaje encontró una buena vía“, señala el guatemalteco en referencia a la participación de sus pinturas dentro de ARCOmadrid.

Barrios comenta que las primeras imágenes de esta serie fueron capturadas en la década de 1990. Para su nueva participación dentro de la feria española desarrolló la serie entre 2023 e inicios de 2024.

Obras de Guatemala se exhiben en la feria de arte contemporáneo ARCO, en España
Una de las postales de la serie ‘Paisajes Recientes’ de Moisés Barrios.
(Foto Prensa Libre: Cortesía Galería Extra)

Continuando con la idea del paisaje, para su participación en Arco, el realizador Esvin Alarcón Lam mostrará una fotografía tomada en las playas cubanas donde destaca una fila de banderas de países caribeños, subvertidas en tonalidades rosadas.

MARICAribe, título que recibe la imagen, se acompañará de una instalación trabajada por el artista en Berlín; ciudad donde se encuentra actualmente completando una residencia dentro del programa DAAD Artists-in-Berlin.

“Ambas piezas se relacionan al hecho de que varios países aún criminalizan a la población no heterosexual. Al confrontar la idea de Estado Nación con un color que se considera femenino, se crea una disonancia que me interesa porque es capaz de generar una contra-narrativa de la playa como paisaje, y la visibiliza como territorio en disputa“, explica el realizador.

La obra de Alarcón Lam, que se presenta dentro del eje expositivo La orilla, la marea, la corriente: Un Caribe océanico, propone generar preguntas en “concomitancia al placer y a lo permitido“.

Guatemala llega a la feria de arte contemporáneo Arco 2024 en España
La obra de Alarcón Lam busca examina los símbolos de poder y representación. (Foto Prensa Libre: Cortesía Esvin Alarcón Lam)

Para el realizador, acercarse con esta obra a Arco es una oportunidad para que tanto él como otros realizadores de Guatemala puedan ingresar a colecciones y exposiciones importantes en Europa y el mundo. “Esto a su vez, mal que bien, ayuda a legitimar nuestras voces”, expresa el guatemalteco.

El artista maya tz’tujil Antonio Pichillá, quien ha sido invitado a ferias de arte en países como México, Colombia y Brasil, señala que la nueva visibilidad de Guatemala en ARCOMadrid podría verse como un recordatorio al mundo sobre lo que ya ha logrado el arte local en España.

Actualmente en España se encuentran obras de varios artistas guatemaltecos dentro de colecciones como la del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía donde se resguardan piezas de guatemaltecos como Naufus Ramírez Figueroa, Margarita Azurdia, Antonio Pichillá, Sandra Monterroso o Marilyn Boror Bor.

“Ya estamos en Europa y esto es un gran aporte”, dice Pichillá, originario de San Pedro La Laguna, Sololá.

Las obras del artista en la segunda edición de ARCOmadrid se destacarán por una variedad de materialidades. El artista exhibirá pinturas geométricas, esculturas y vídeos. A través de estos soportes reflexiona sobre la ritualidad de sanación y las ofrendas, la arqueología en pausa y la ancestralidad en el espacio privado y público.

En esta ocasión el autor también compartirá espacio con Ayrson Heráclito, artista afrodescendiente de Brasil, junto a quien expondrá en el puesto de la galería brasilera Portas Vilaseca.

De acuerdo a un comunicado emitido desde Portas Vilaseca, ambos artistas desenvuelven sus trabajos dentro de una “zona política-histórica marcada por actos de violencia racista y circula en el territorio de la historia en busca de una voz que cuente lo no dicho”.

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Partiendo de las reflexiones indígenas en resistencia, las artistas Sandra Monterroso y Marilyn Boror también contarán con un lugar en la nueva edición de Arco en Madrid.

En su primera participación dentro de la feria española, Monterroso desplegará varias instalaciones. La primera de ellas, Abeja solitaria. Nido de colores consiste en una obra de dos metros de alto elaborada a partir de lienzos de algodón, lino y lana, teñidos con pigmentos naturales como cochinilla, cúrcuma, indigofera y achiote.

La pieza está inspirada en los nidos de abejas y a lo largo de su ensamble presenta recetas ancestrales para sanar heridas, enfermedades y soledades.

Guatemala llega a la feria de arte contemporáneo Arco 2024 en España
Una de las piezas que llevará Monterroso a Madrid, basada en la estructuración de las comunidades de abejas. (Foto Prensa Libre: Cortesía Sandra Monterroso)

Nido Azul, la segunda obra de la artista en la feria surgió de la observación que desde años ha hecho Monterroso frente a las estructuras de las aves en Lanquín y las Verapaces. Esta obra se distingue además por el uso de indigofera, así como de cuero hilo y acero.

Su tercera pieza remite al uso histórico de las jícaras y el valor que han tenido dentro de las comunidades indígenas. En su propuesta, la artista desplegará sobre un muro de cuatro metros por uno y medio de ancho, varias jícaras intervenidas con textiles.

En esta ocasión, Monterroso llegará a Madrid en representación de la galería barcelonesa Zielinsky. Además de las piezas mencionadas, la guatemalteca también mostrará otras tres piezas concebidas entre 2021 y 2024.

La artista comparte que su llegada y la de otros guatemaltecos a Arco supone algo importante “para la historia y el arte nacional, ya que posiciona a Guatemala como un país creador y generador de artistas que están moviéndose a nivel internacional”.

Guatemala llega a la feria de arte contemporáneo Arco 2024 en España
Vista de ‘Nido Azul’, una de las seis obras que exhibirá Sandra Monterroso en ARCOmadrid este año.
(Foto Prensa Libre: Cortesía Sandra Monterroso)

Para la realizadora Marilyn Boror Bor, este año también supone su primera llegada a ARCOmadrid . En esta edición, la artista maya kaqchikel será respaldada en una muestra colectiva dentro del stand de la también galería barcelonesa RocioSantaCruz.

La obra con la que la artista participará será Diccionario de objetos olvidados, la cual desarrolló durante un año de investigación y que se presentó por primera vez en una de las bienales de Arte Paiz en Guatemala.

El Diccionario consiste en una serie de fichas e imágenes que describen objetos cotidianos que pertenecían a la comunidad kaqchikel de San Juan Sacatepéquez, localidad de donde proviene Boror Bor.

Dentro de ARCO se presentará una segunda edición de la obra, desarrollado por la plataforma Casa Editorial 19-84, y la cual tendrá una traducción al español, kaqchikel e inglés.

Sobre su participación en la feria española, Boror Bor puntualiza: “Me interesa mostrar el contenido en territorio internacional. La obra habla de mi relación con el territorio rural indígena de Guatemala versus lo urbano“.

]]> 18002733 Guatemala en la 60ª Bienal de Venecia: Cinco artistas de distintas épocas narran los vínculos entre el territorio y el extranjerismo https://prensalibre-com-develop.go-vip.co/vida/escenario/guatemala-en-la-60a-bienal-de-venecia-cinco-artistas-de-distintas-epocas-narran-los-vinculos-entre-el-territorio-y-el-extranjerismo/ Thu, 01 Feb 2024 16:09:50 +0000 Escenario

ESCRITO POR:

Alejandro Ortiz

Periodista de Prensa Libre especializado en temas sobre cultura y bienestar, con 5 años de experiencia.

]]> https://prensalibre-com-develop.go-vip.co/?p=17698110 Guatemala en la 60ª Bienal de Venecia: Cinco artistas narran el vínculo entre su territorio y el extranjerismoUna vez más, Guatemala será representada en Italia de la mano de obras artísticas que aportarán el guion curatorial de la 60ª Bienal de Venecia, la cual se realizará del 20 de abril al 24 de noviembre de este 2024.

Durante la venidera Exposición Internacional de Arte de Venecia, espectadores de todo el mundo podrán ver una serie de piezas de los artistas originarios del territorio guatemalteco Margarita Azurdia, Andrés Curruchich, Rosa Elena Curruchich, Carlos Mérida y Paula Nicho.

Los realizadores, quienes destacan por haber empezado a desarrollar su obra artística antes del siglo XX, formarán parte de una exhibición que ha incluido a 332 artistas de cinco continentes, según reportó el sitio oficial de la Bienal de Venecia el pasado 31 de enero.

Esta nueva edición de la bienal, titulada Stranieri Ovunque – Extranjeros en todas partes, buscó incluir a artistas de todo el mundo que nunca han participado de la Exposición Internacional, aunque algunos de ellos puede que hayan aparecido en algún Pabellón Nacional o un Evento Colateral, según apunta el sitio oficial del evento.

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La conceptualización de la muestra internacional fue encomendada al brasileño Adriano Pedrosa, director artístico del Museo de Arte de São Paulo quien se ha convertido en el primer curador latinoamericano a cargo del guion de la Bienal de Venecia. 

De acuerdo con la organización de la bienal, el título, Stranieri Ovunque – Extranjeros en todas partes, remite a una serie de obras de la agrupación francesa Claire Fontaine y al nombre de un colectivo de Turín que luchó contra expresiones racistas y xenofóbicas en Italia a principios del siglo XXI.

“La expresión tiene varios significados (…) En primer lugar, dondequiera que vayas y estés donde estés siempre encontrarás extranjeros: ellos y nosotros estamos en todas partes. En segundo lugar, que no importa dónde te encuentres, siempre eres verdaderamente, y en el fondo, un extranjero“, explicó Adriano Pedrosa a la bienal veneciana.

A propósito de esta idea medular, cabe mencionar cómo los cinco artistas guatemaltecos incluidos en la reciente edición de la Bienal de Venecia también se vieron moldeados en algún momento por los tránsitos.

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Las figuras coloridas y danzantes de Carlos Mérida provocaron nuevas lecturas sobre la multiculturalidad identitaria en el país. (Foto Prensa Libre: José Roberto Leonardo)

Por su lado, Margarita Azurdia, nacida en La Antigua Guatemala, vio una gran influencia de sus estadías en Estados Unidos y Francia a lo largo de sus primeras pinturas y también en la elaboración de varios poemas que interpelaban su corporalidad en los espacios físicos y mentales.

Carlos Mérida, reconocida figura de la modernidad mesoamericana, engrosó su carrera en México, donde trabajó piezas gráficas, pinturas y hasta intervenciones en inmobiliarios como el Multifamiliar Juárez que desapareció luego del terremoto de 1985.

Los artistas de San Juan Comalapa/Chi’Xot (Chimaltenango) cuentan con un lugar especial en la 60ª Bienal de Venecia. La artista Paula Nicho, que se ha destacado por realizar obras que versan entre el onirsimo y la tradición kaqchikel, ha dedicado muchas de sus pinturas a la migración.

Por otro lado, las obras de Rosa Elena y Andrés Curruchich darán cuenta de un brote histórico, ya que ambos son recordados como pioneros de la pintura en Comalapa.

Andrés comenzó comenzó la tradición con pinturas “costumbristas” que narraban la cotidianidad del pueblo en la década de 1930, mientras que Rosa Elena, su nieta, se convertiría en la primera mujer en replicarlo años más tarde, cerca de los años 70 y 80.

]]> 17698110 Desde Guatemala a Francia, Clara de Tezanos explora los misterios del Sol en una muestra colectiva https://prensalibre-com-develop.go-vip.co/vida/escenario/desde-guatemala-a-francia-clara-de-tezanos-explora-los-misterios-del-sol-en-una-muestra-colectiva/ Fri, 26 Jan 2024 14:00:00 +0000 Escenario

ESCRITO POR:

Alejandro Ortiz

Periodista de Prensa Libre especializado en temas sobre cultura y bienestar, con 5 años de experiencia.

]]> https://prensalibre-com-develop.go-vip.co/?p=17624658 Desde Guatemala a Francia, Clara de Tezanos explora los misterios del Sol en una muestra colectivaCuando aún era niña, la artista Clara de Tezanos dimensionó la anchura del cosmos en algún momento cuando, mientras dormía en una cama, sintió que caía al vacío.

“Sentía que me iba en el universo. Ese total me asombró y me llevó a la pregunta del por qué frente a todo. Al día de hoy me he sentido alucinada por eso, es como estar en un vahío“, explica la también fotógrafa quien durante los últimos 17 años se ha dedicado a explorar su relación a lo cosmogónico y la naturaleza del mundo.

Durante más de una década y a través de su ejercicio personal, como desde la formación y dirección de la escuela La Fototeca, Tezanos ha visto en la fotografía una herramienta para indagar en la conexión de los humanos con su fuente de energía. 

A partir de estas indagaciones, la guatemalteca fue invitada el año pasado a  la exposición Prendre le soleil (Tomar el Sol), donde junto con otros 39 artistas, propone otra mirada a nuestro vínculo con la mayor de las estrellas del Sistema solar.

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Organizada por las curadoras Marta Ponsa, Aurelie Baron y LuceLeBart, Prendre le soleil estará disponible hasta el 21 de abril y será desplegada en el Hangar Y – Paris, Meudon, un revitalizado  inmueble del siglo XIX donde se almacenaban dirigibles.

El motivo de la exhibición busca plantear otras formas de comprender al Sol. De acuerdo con el texto curatorial de Prendre le soleil, este astro que suele ser temido o rechazado, “nos recuerda el misterio sublime de su consistencia ardiente”, mientras que sus quemaduras, golpes, huellas o efectos llegan a “activar” la imaginación de los realizadores y por ende, de los asistentes.

La participación de la guatemalteca Clara de Tezanos en la muestra reúne una serie de 50 objetos intervenidos con vidrio, madera, estaño, cuero, tela y otros recursos naturales, que son exhibidos a lo largo del mural. La intervención suele registrar el paso del tiempo y el recorrido que hace la luz, en la medida que el Sol genera sombras de distintos aspectos al pasar por los objetos.

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Las 50 “Lámparas Votivas” de la guatemalteca en el Hangar Y de París, Francia. (Foto Prensa Libre: Aurélien Mole)

También llamadas Lámparas votivas, las piezas creadas por Tezanos en su taller de La Antigua Guatemala, proponen una reflexión de la imagen más allá de la forma fotográfica. “Llevo muchos años tomando fotografías y observando cómo cae la luz. La obra nace de ese gesto de querer dialogar con ella o de jugar de forma más profunda. Es salirse del cuadrado de la imagen y quedarse con el gesto, que me parece muy poético“, explica la artista.

Cual alfabeto para leer el Sol, la obra desplegada por el mural, también se presenta como una reunión de esculturas artesanales que incluye objetos encontrados por de Tezanos, otros más análogos que abarcan el oficio fotográfico, piezas que eran de su abuela y otros que incluyen materiales traslúcidos u opacos.

Es difícil explicar la singularidad o materialización de cada una de las 50 lámparas, aduce la autora. Sin embargo, hay algunos de los cuales se pueden desprender gran cantidad de reflexiones introspectivas frente al mundo. 

Desde Guatemala a Francia, Clara de Tezanos explora los misterios del Sol en una muestra colectiva
Objetos de distintas materialidades y usos son intervenidos por de Tezanos desde hace un par de años. (Foto Prensa Libre: Cortesía Clara de Tezanos)

Uno de ellos podría ser la diminuta repisa de madera que sostiene una especie de joyero que a la vez sostiene un huevo tallado en vidrio celeste que suele reflectar con el paso de la luz solar. Según apunta de Tezanos la pieza “juega con lo oculto, es como una joya que tenemos adentro o un tesoro expuesto“.

De entre las decenas de lámparas se desprenden ideas que abarcan la fragilidad (como el cascarón de otro huevo), lo cotidiano (mangos de espejos), la observación (un lente de cámara) o la naturaleza misma (un nido de paja).

Las reflexiones son logradas al metaforizar el significado de los objetos intervenidos que en simultáneo funcionan como anacronismos materiales y de uso; por ejemplo, un estuche de cuero resguardando un nido y un prisma. Con estas construcciones libres Clara de Tezanos también propone “juguetes para interactuar con el Sol”.

La conceptualización de los objetos inició en 2022 tras la exposición La fuente es el Sol, realizada por de Tezanos en la Galería Rebelde de Guatemala, y luego de su paso por la residencia artística Temporal en Costa Rica. Previo a su la llegada al Hangar Y de París, la guatemalteca había exhibido otras lámparas en la feria Salón Acme de México e incluso en Art Paris y Maison Objet en Francia.

Desde Guatemala a Francia, Clara de Tezanos explora los misterios del Sol en una muestra colectiva
También entendidos como “juguetes para interactuar con el Sol”, las piezas de la artista guatemalteca son versátiles. (Foto Prensa Libre: Cortesía Clara de Tezanos)

En Prendre le soleil la guatemalteca muestra la mayor cantidad de lámparas que ha logrado crear hasta la fecha. Lo hace junto a obras como las del legendario fotógrafo británico Martin Parr, la estadounidense Penelope Umbrico quien se ha dedicado a recopilar cientos de miles de fotografías de atardeceres en internet, o junto al astrónomo francés Etienne Trouvelot, quien además hizo una carrera artística en el siglo XIX.

“Es lindo poder coincidir en búsquedas de personas que también han tenido esta revelación del Sol. Siento que he trabajado toda mi vida para esta exposición“, comparte la guatemalteca Clara de Tezanos quien trabajó en sus piezas durante seis meses, previo a llevarlas a Francia.

De acuerdo con la artista guatemalteca, sus indagaciones alrededor de la cosmogonía siguen buscando rumbos entre las sensibilidades y los tiempos venideros. En el arte la realizadora encuentra una forma de hacer magia, que define como ese “espacio de creencia donde podés apropiarte de las cosas” o bien, como una zona entre la ciencia y lo increíble. “Me gusta la contradicción y el balance entre lo racional, lo absoluto y lo intangible”, apunta la artista.

]]> 17624658 El artista guatemalteco Samuel Escobar recibe el “Premio Internacional Botticelli” en Florencia, Italia https://prensalibre-com-develop.go-vip.co/vida/escenario/el-artista-guatemalteco-samuel-escobar-recibe-el-premio-internacional-botticelli-en-florencia-italia/ Sat, 20 Jan 2024 16:14:00 +0000 Escenario

ESCRITO POR:

Ingrid Reyes

Periodista de Prensa Libre especializada en periodismo de bienestar y cultura, con 18 años de experiencia. Premio Periodista Cultural 2023 por el Seminario de Cultura Mexicana y premio ESET región centroamericana al Periodismo en Seguridad Informática 2021.

]]> https://prensalibre-com-develop.go-vip.co/?p=17552422 El guatemalteco premiado rescata una técnica de pintura del pasado y destaca a nivel internacional. (Foto Prensa Libre: Cortesía Samuel Escobar)La ciudad de Florencia, en  Italia, es el lugar donde el sábado 20 de enero fueron reconocidos los seleccionados del “Premio Internacional Botticelli” entre quienes destaca el guatemalteco Samuel Escobar.

Escobar junto a su esposa Ivette Cabrera viajaron desde el 15 de enero a Italia para estar presentes en la entrega del reconocimiento.  La ciudad italiana es cuna del arte y la ceremonia de entrega fue en Borghese Palace, el cual está situado en una prestigiosa residencia neoclásica, tranquila y privada, en una de las calles más antiguas de la ciudad.

El palacio fue construido en la segunda mitad del siglo XV, pero solo a finales del siglo XVIII pasó a formar parte del patrimonio de la noble familia Borghese, tras la boda entre Anna Maria Salviati y el príncipe romano Marcantonio IV Borghese. De su unión nació Camillo Borghese, que fue el marido de Paolina Bonaparte, hermana de Napoleón.

Por medio de correo electrónico llegó la invitación la guatemalteco, la cual destacaba que el reconocimiento sería entregado a los artistas que han tenido una destacada carrera.  En el evento participaron coleccionistas, periodistas y otros amantes del arte.

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“Este momento me hace sentir como estar  en sueño eterno y que no termino de despertar”, expresa el artista, quien desde temprana edad soñaba con conocer Europa y actualmente ha tenido exposiciones en lugares reconocidos.

El artista en 2023  expuso la serie Los destinos del alma en el Museo del Louvre, luego de que una galería de arte en Colombia conociera su trabajo y le hiciera la invitación para llevar a cabo la exposición en un colectivo que se presentó en marzo del año pasado.  En ese museo de París expuso este trabajo con el que exploró el concepto de eternidad y presagio.

Hace cerca de siete años llegó a Francia como turista y ese día imaginó que un día expondría en este lugar, lo cual es un sueño cumplido.

En 2023 también presentó la serie  Re-nacer, en Argentina, en la exposición Bada.  A finales del 2022 expuso en la Fundación Carlos de Amberes, un edificio del Siglo XVI, en España.

El artista además tiene nuevos proyectos y exposiciones planteados para el 2024, lo cual estará informando próximamente.

Un camino inspirado por Botticelli

Alessandro Filipepi, conocido como Sandro Botticelli,  es considerado el creador de piezas emblemáticas del arte renacentista, como La Primavera o El nacimiento de Venus.  Nació en Florencia en el siglo XV.

Recibir un reconocimiento con el nombre de Botticelli es para Escobar algo que le ha impresionado y le lleva a recordar sus primeros pasos en el arte.   Visitaba con frecuencia la biblioteca al ser estudiante de la Escuela Nacional de Artes Plásticas, Rafael Rodríguez Padilla, ENAP, y con parte de su primer sueldo compró un libro del artista florentino.

“Under the flicker of a fading star” o Bajo el parpadeo de una estrella que se desaparece es una de las piezas de Samuel Escobar que se muestran durante la entrega del Premio Internacional Botticelli en Italia. (Foto Prensa Libre: cortesía Samuel Escobar)

En el recorrido, el artista en 2019 recibe la oportunidad de ingreso a la academia del artista Odd Nerdrum.  Por no tener recursos económicos trabajó haciendo retratos y otros trabajos para reunir lo suficiente para el viaje y llegó la última semana de clases.

También recibió una beca para estudiar en La Academia de Florencia, pero debido a la pandemia parte de este aprendizaje fue en clases virtuales. Sin embargo, sus exámenes finales los presentó en forma presencial.

Su obra se encuentra en distintas colecciones privadas de Guatemala, Noruega, Suecia España, Estados Unidos, México y Argentina. Cuenta con diez exposiciones personales.

Al respecto de su técnica reconoce que no pretende crear nada nuevo, por el contrario, se ha inclinado a procesos antiguos.  Se basa en  la técnica Flamenca de los siglos XVI, XVII y XVIII.

Una de las grandes influencias de Escobar fue su padre, el artista Isaac Escobar.  Reconoce que el apoyo de su mamá Ingrid Pivaral y su abuela Rosario Mendizabal han sido muy importantes para él y su hermano, el también artista Judá Escobar.

Encuentro con el arte guatemalteco

La artista  española Consuelo Hernández, ganadora del mismo premio en 2019, comenta que estos reconocimientos son un estímulo necesario para continuar. “En el caso de los organizadores, ellos trabajan e investigan para la selección de artistas. Y llevan a cabo una labor de ediciones de arte muy selectas. Por lo tanto, mi felicitación al artista guatemalteco elegido”, comentó en una entrevista virtual.

Los gemelos Salvatore y Francesco Saverio Russo son los curadores que  respaldan la edición de este evento.  Ellos son considerados destacados visionarios del arte contemporáneo.   Están detrás de la organización y apoyo de bienales, exposiciones y actividades artísticas en diferentes países en donde conocen el trabajo de los artistas y organizan diferentes reconocimientos a lo largo del año.

En otras ocasiones los hermanos Saverio Russo han visto el trabajo de guatemaltecos.  Por ejemplo,  la escultora Diana Fernández, en 2017 recibió los reconocimientos Dante Alighieri International Art Award, de la Biennale della Peschiera del Garda, en Verona, Italia; también el Goya International Award, de la Bienal de Barcelona, España y el Caravaggio International Experience Award, en el Palacio del Bramante, en Roma, Italia.

Diana Fernández junto a la escultura con la cual participó en  la Biennale della Peschiera del Garda (Foto Prensa Libre: cortesía)

Fernández empezó en su adolescencia y parte de su formación fue en el Taller Cabrera con el escultor Arturo Tala García; también cuenta con un bachillerato en Arte en la Escuela Nacional de Artes Plásticas, Rafael Rodríguez Padilla y estudió escultura con Guayo de León en París, Francia.

El pintor y escultor David Ordóñez  Lacayo se inscribió a la la Bienal de Arte Barcelona en 2017 y también recibió un reconocimiento por su participación en esta actividad organizada por los promotores de arte.  La obra que presentó en esa ocasión fue Guatemala las líneas de tu mano, cada pieza, de un metro de altura.

El artista David Ordóñez está influido en su propuesta por la cultura guatemalteca. (Foto Prensa Libre: cortesía David Ordóñez)

Amalia Padilla-Gregg, artista plástica, cuenta con una carrera con más de tres décadas y comparte que en 2019 fue seleccionada en el International Prize Artist of the Year, 2019, organizado por Saverio Russo que fue presentado en Mantua, Italia.  “Estos eventos son experiencias agradables porque se reconoce el trabajo de la profesión y es un estímulo para seguir adelante”, expresa la artista.

En esa ocasión Padilla-Gregg no pudo asistir, pero le enviaron su reconocimiento.  La obra con que participó se llamaba Entusiasmo.

Amalia Padilla-Gregg tiene 35 años de desarrollo artístico. (Foto Prensa Libre: cortesía Patrick Gregg).

Padilla-Gregg comenzó su carrera explorando la naturaleza con temas como el café y el mango, también ha destacado en plasmar los hexágonos en una interpretación personal aplicado a sus obras, una mezcla de lo natural y la geometría, entre diversas propuestas.

]]> 17552422 ‘Espacios Compartidos’: 200 obras en el MURB que transforman la percepción del paisaje en Centroamérica https://prensalibre-com-develop.go-vip.co/vida/escenario/espacios-compartidos-200-obras-en-el-murb-que-transforman-la-percepcion-del-paisaje-en-centroamerica/ Fri, 12 Jan 2024 14:18:36 +0000 Escenario

ESCRITO POR:

Alejandro Ortiz

Periodista de Prensa Libre especializado en temas sobre cultura y bienestar, con 5 años de experiencia.

]]> https://prensalibre-com-develop.go-vip.co/?p=17473487 'Espacios Compartidos': 200 obras en el MURB que transforman la percepción del paisaje en CentroaméricaEl origen de la palabra “paisaje” guarda su raíz en el término francés del siglo XV “paysage” el cual se originó de la palabra “pays” que, durante la Edad Media, era utilizado para referirse a una región o un territorio.

Como las geografías y la llamada civilización, el paisaje también mutó. Luego de insertarse a la jerga, la palabra comenzó a destacar por su análisis y categorización en campos como la biología, el arte o la filosofía, permitiéndonos nuevas lupas para ver e interpretar el mundo. 

Tomando como eje la anchura conceptual del paisaje, Espacios Compartidos es una exhibición artística que retrata con 200 obras la exploración de los territorios naturales y urbanos confrontados a la mirada de varios artistas guatemaltecos y centromericanos.

De acuerdo con Aldo Bianchi, curador del Museo UNIS Rozas–Botrán (MURB) donde se exhibe la muestra desde enero, la intención de esta propuesta artística supone que los habitantes de la Universidad del Istmo de Guatemala (Unis), así como sus visitantes, puedan entrar en  diálogo con las formas que tenemos para percibir el tránsito por la naturaleza del paisaje.

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Bianchi se refiere a esta experiencia expositiva como “esas sensaciones que va experimentando uno de lo urbano a un contexto totalmente limpio” donde el ser humano se funde con la naturaleza.

El propósito de la muestra, además de evocar la libertad a la hora de “percibir la naturaleza que nos rodea”, también supone aproximar a la comunidad habitante de la Unis con técnicas, soportes y reflexiones contextuales.

“Un paisaje lleva una connotación técnica y educativa: qué tipo de color tiene, cuáles formas hay, el imaginar cómo va cambiando en el tránsito… El paisaje es estar en un constante viaje que no se repite“, señala Bianchi, también curador de la nueva exposición en el MURB.

Territorios observados

Espacios Compartidos incluye piezas de distintas técnicas elaboradas durante el siglo XX y el XXI, a lo largo de la región centroamericana. Las 200 piezas de la exposición destacan el trabajo de artistas que han desempeñado su carrera en la elaboración de imágenes relacionadas a la naturaleza y la urbanidad.

De esa cuenta, Aldo Bianchi señala que se ha prestado atención a artistas de gran trayectoria como lo han sido el reconocido guatemalteco Jorge Mazariegos Rodríguez o el connacional Luis Álvarez quien es recordado como uno de los primeros en pintar las calles de La Antigua Guatemala. 

'Espacios Compartidos': 200 obras en el MURB que transforman la percepción del paisaje en Centroamérica
En su obra, Francisco Estrada captura una noción del paisaje urbano. (Foto Prensa Libre: Cortesía Aldo Bianchi)

El curador señala que entre los distintivos de la muestra destacan varias pinturas elaboradas en las décadas de 1930 y 1940, tratándose de paisajes que según comparte Bianchi, eran más difíciles de pintar debido a las condiciones de movilidad que debían asumir los artistas al momento de retratar zonas rurales.

La exposición incluye obras que sitúan la mirada sobre territorios de la zona occidental como son los cuadros de Edgar Marroquín, originario de Chimaltenango quien ha trabajado una obra donde el entorno natural se mezcla con las trazas urbanas.

Espacios Compartidos se abre a los territorios al incluir escenas de otros países como las de El Salvador, evocadas por el artista Marco Valencia. 

'Espacios Compartidos': 200 obras en el MURB que transforman la percepción del paisaje en Centroamérica
La exposición presenta obras de artistas guatemaltecos como Roberto Barahona. (Foto Prensa Libre: Cortesía Aldo Bianchi)

Los poros conceptuales de la muestra se abren también a técnicas como la fotografía donde el guatemalteco Jorge Linares retrata y deforma la ciudad capital manipulando el archivo fotografiado, o la escultura, utilizada dentro de la exposición por Daniela Sierra quien utiliza elementos de la naturaleza para significar el paisaje.

Esta selección de piezas se distribuye en los tres edificios del campus de la Universidad del Istmo y puede visitarse a lo largo de los próximos 11 meses, ya que se trata de la exhibición anual.

Para conocer la muestra, el público general puede comunicarse al número telefónico 6665-3700 para reservar una visita. Las visitas pueden realizarse de lunes a viernes entre 08:00 y 15:30 horas.

El museo y las exhibiciones

La exposición Espacios Compartidos es parte de las actividades anuales propuestas por el MURB, que desde 2015 desarrolla una programación artística y educativa aprobada por miembros de la Universidad del Istmo y la Fundación Rozas Botrán.

En seguimiento a la vena pedagógica, la exhibición anual de este 2024 implica una serie de jornadas para mediar el sentido técnico y reflexivo de las obras desplegadas por todo el campus de la Universidad del Istmo.

De esa cuenta, Aldo Bianchi señala que este años se planea realizar talleres, y conversatorios con los artistas invitados, así como también recorridos guiados. Todas las actividades son abiertas al público general e interesado en las artes y en conocer a las instalaciones del MURB en Fraijanes, Guatemala.

El museo universitario comenzó a operar en 2015 y desde entonces ha procurado hacer del arte otro punto de partida para el análisis y el gozo estético de la Unis, que se caracteriza por promover una formación humanista.

Además de las actividades culturales mencionadas, el centro académico también ofrece varios cursos de arte y museografía al estudiantado. Entre la oferta destacan clases optativas sobre historia y/o apreciación del arte o cuidado de obras artísticas.

]]> 17473487 Colectiva Junkabal 2023: agenda de actividades y cerca de 200 obras disponibles https://prensalibre-com-develop.go-vip.co/vida/escenario/colectiva-junkabal-2023-agenda-de-actividades-y-cerca-de-200-obras-disponibles/ Sun, 06 Aug 2023 16:30:24 +0000 Escenario

ESCRITO POR:

Ingrid Reyes

Periodista de Prensa Libre especializada en periodismo de bienestar y cultura, con 18 años de experiencia. Premio Periodista Cultural 2023 por el Seminario de Cultura Mexicana y premio ESET región centroamericana al Periodismo en Seguridad Informática 2021.

]]> https://prensalibre-com-develop.go-vip.co/?p=16008318 Fragmento de "Junto a ti, buscaré otro mar", de Isabel Herrera. La pieza es integrada con 10 cajas de acrílico con impresión a color, de Polaroid originales. (Foto Prensa Libre: cortesía Junkabal)La Asociación Nacional del Café -Anacafé-, en la zona 14 será el escenario de la 27 edición de la Colectiva Junkabal.

Los pasillos del lugar se visten con casi 200 obras en las que se abre un espacio para los artistas reconocidos como para los nuevos talentos que han sido parte de una curaduría para participar en este evento que llena de inspiración a los visitantes.

Entre los artistas invitados está Marlov Barrios, Isabel Herrera, Brandon Ramírez y Valenz quienes centraron su obra inspirada en un instrumento musical.  También colaboran con esta causa más de 100 artistas con diversidad de temas.

El catálogo ya está en línea para admirar las piezas y costos que estarán en la inauguración el próximo lunes 7 de agosto y que permanecerá hasta el jueves 10.

Mi bella Guatemala, de Brandon Ramírez. Acrílico sobre tela. (Foto Prensa Libre: cortesía Junkabal)

La finalidad es conocer el trabajo de los talentos que ofrecen su arte para una noble causa, vivir la experiencia del arte moderno y colaborar  con la educación en  favor de las mujeres.

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La dinámica de la colectiva es coordinada por la Fundación Junkabal que se instituyó desde 1996 con el objetivo de recaudar fondos para financiar sus programas educativos de Junkabal.

Serie Colectivo, de Ronal Carrillo. Talla en madera. (Foto Prensa Libre: cortesía Junkabal)

Mayra Klée, es una artista guatemalteca que ha participado desde el primer llamado, “la primera vez estaba tomando clases de sumi-e (técnica artística oriental) con la maestra María del Carmen de Luján y ahí la invitaron a participar y donar su obra, a partir de ahí no he dejado de colaborar.

“Es una actividad dedicada a dar educación a las niñas y mujeres.  Es parte de lo que más necesita el país por el bien de todos y tengo un gran respeto por lo que hace este proyecto”, agrega.

“Y yo, yo te quiero”, de Mayra Klée. Óleo sobre tela. (Foto Prensa Libre: cortesía Junkabal)

60 años de historia

La Fundación cuenta con un colegio llamado Junkabal, un centro educativo para las niñas, adolescentes y mujeres que trabaja desde 1963 en la zona 3.

Desde sus orígenes buscaba apoyar a mujeres del área del relleno sanitario y a dueñas de locales del mercado central.  Inició en un patio de una pequeña casa ubicada muy cerca de los edificios actuales de Junkabal, en la 7ª avenida y 30 calle de la zona 3.

Inauguración de Junkabal en 1963. (Foto Prensa Libre: Junkabal)

Se inició con cursos de cocina, arreglos florales, croché, piñatería y manualidades.  En la actualidad más de 480 estudiantes están inscritas en este centro educativo, desde prekinder hasta bachillerato.

En el año 2022 se inauguró un nuevo edificio para las aulas de primaria y es la primera fase de la remodelación de todo el colegio.

Parte de las instalaciones recientes de Junkabal. (Foto Prensa Libre: cortesía Junkabal)

“La parte humana y de valores también es importante, no solo el nivel educativo”, dice Maria Jose de Ruata, miembro del patronato organizador de este evento anual.

Con el nombre Junkacentro también se ofrece una variedad de cursos técnicos en el área de servicio de estética personal, artes culinarias, redes sociales y asistentes de salud para brindar atención y cuidados al adulto mayor, así como a otras personas que necesitan asistencia post-operatoria, toma de presión arterial y seguimiento a sus medicamentos por diabetes, entre otras necesidades.

Cada alumna cuenta con el acompañamiento de una preceptora (en el colegio) o una tutora (en Junkacentro) para definir su plan de mejora personal. (Foto Prensa Libre: Junkabal)

Parte del equipo de práctica para estos últimos cursos como los maniquís para medicina han sido donado por la Embajada Alemana.

Fundación Junkabal realiza constantemente diferentes actividades para recaudar fondos por medio del patronato que provee el 40% del costo real de cada alumna de colegio y además realiza gestiones para cubrir  becas y descuentos adicionales a las estudiantes más necesitadas.

Mujeres de todas las edades tienen opciones de aprendizaje de diversas técnicas. (Foto Prensa Libre: Junkabal)

La principal actividad anual la constituye la Colectiva de Arte Junkabal.  La fundación por medio de  la oficina de proyectos también trabaja por gestionar becas y mejoras para sus estudiantes aplicando a distintas convocatorias de entidades  locales e internacionales.

Algunas entidades u organizaciones con las que se ha trabajado son Fundación Camhi, Fundación Fabre, Intercultur, USAID, ONAY y Wonder Foundation entre otros.

De Ruata agrega que el éxito del proyecto se centra también en cómo mujeres de la comunidad de Junkabal salen preparadas y esto ha dado confianza para que se crea en él.  “Ellas con su preparación se convierten en un efecto multiplicador de valores y profesionalización”, concluye.

Agenda

La cita para apreciar cada una de estas obras es en la Asociación Nacional del Café, Anacafé, Calle del Café, 5ta calle 0-50 zona 14, Anacafé, del lunes 7 al jueves 10 de agosto, de 9 a 18 horas.

No se pierda de las actividades que se han preparado como parte de la muestra.

  • El martes 8 se tendrá un cóctel de inauguración al que puede asistir con una donación de Q150.
  • Todas las tardes se tendrá un recorrido interactivo con los niños de 14.30 a 17 horas.  Los niños de 7 años en adelante pueden hacer la dinámica solos y los más pequeños necesitan el acompañamiento de un adulto. Donación sugerida Q40.
  • El jueves 10, a las 18 horas, Roberto y Ricardo Ardón darán la conferencia Hablemos de Boleros, con una donación de Q100.

]]> 16008318 Un lienzo recuperado: 200 años de tragedias, un robo y cómo se vincula a una banda delincuencial en 2023 https://prensalibre-com-develop.go-vip.co/vida/escenario/un-lienzo-recuperado-200-anos-de-tragedias-un-robo-y-como-se-vincula-a-una-banda-delincuencial-en-2023/ https://prensalibre-com-develop.go-vip.co/vida/escenario/un-lienzo-recuperado-200-anos-de-tragedias-un-robo-y-como-se-vincula-a-una-banda-delincuencial-en-2023/#respond Wed, 01 Feb 2023 11:00:36 +0000 Escenario

ESCRITO POR:

Ingrid Reyes

Periodista de Prensa Libre especializada en periodismo de bienestar y cultura, con 18 años de experiencia. Premio Periodista Cultural 2023 por el Seminario de Cultura Mexicana y premio ESET región centroamericana al Periodismo en Seguridad Informática 2021.

]]> https://prensalibre-com-develop.go-vip.co/?post_type=pl_plus&p=14277954 Una imagen de la "Oración en el Huerto" que fue robada en 2014 en Antigua Guatemala. (Foto Prensa Libre: cortesía El Tesoro de El Calvario)Esta historia nace hace cerca de 300 años  en la ciudad de Antigua Guatemala, en el antiguo templo de la Ermita de El Calvario que se empezó a construir en 1652 y en la que se conoce que el mismo Santo Hermano Pedro ayudó a la construcción de este lugar y trabajó en labores de albañilería.

En registros se asegura que otro personaje reconocido intervino en las primeras obras de El Calvario.   Se trata del pintor Antonio de Montúfar quien se dedicó a pintar una serie de lienzos para recrear la pasión de Jesús para este templo.  Mientras pintaba le asaltaba el temor que al llegar el momento de terminar este trabajo quedaría ciego.

Efectivamente, esto sucedió al dar la última pincelada y vivió ciego los últimos días de su vida. Sus pinturas renacentistas engalanaron El Calvario durante 60 años, a partir de 1657, refiere un artículo publicado en Prensa Libre.

Durante los terremotos de 1717, dicho templo fue destruido y con él se perdió la serie de lienzos de Antonio de Montúfar.  Casi 20 años después entra el personaje de Tomás de Merlo—considerado la personalidad más destacada de la pintura barroca de Guatemala—.  Él fue convocado  para que pintara de nuevo los cuadros de la Pasión, exactamente el 25 de abril de 1737, reunión en donde estuvieron el escribano Antonio González y el mecenas Joseph Sunzín de Herrera, Deán de la Catedral e integrante del Cabildo Eclesiástico.

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El objetivo de pintar nuevos cuadros  era que  “los fieles no careciesen de tan viva representación”, según anota el contrato. Se detallaba la alta calidad esperada en el trabajo. “Que los colores fuesen finos y de cuerpo, todo por la cantidad de mil pesos”, especifica, aunque se contempla una retribución adicional al entregar los 11 cuadros.

Merlo solo pudo trabajar nueve de los enormes lienzos, pues murió el 14 de diciembre de 1739. Algunas versiones dicen que fue atropellado por un carruaje y otras que se cayó de un andamio. Un alumno terminó las  restantes.

La primera de las obras que trabajó Merlo fue La oración en el huerto que tiene fecha de 1737 en la cual resalta la firma del autor.

Una imagen de El Calvario. En casi 300 años ha pasado por experiencias como terremotos y el robo de seis valiosas piezas de Tomás de Merlo. (Foto Prensa LIbre: Hemeroteca PL)

El gran robo

En  2014 aconteció uno de los momentos más críticos para la historia del arte guatemalteco.  El 5 de febrero de ese año seis pinturas de la serie de Tomás de Merlo  del año 1730 a 1760 fueron robadas de la iglesia de El Calvario, Antigua Guatemala, por personas armadas que amenazaron al sacristán y a sus dos hijos.

La nota periodística describe que los  encargados quedaron atados de pies y manos por los maleantes, que posteriormente cortaron las obras pictóricas de sus marcos y huyeron.  Los marcos quedaron durante algún tiempo a la vista de los visitantes.

Las obras robadas  con autoría de Merlo fueron El Rey de Burlas, La curación de Malco, Cristo ante Caifás, La Flagelación, La Piedad y La Oración en el Huerto.

 

Un año más tarde, en febrero de 2015,  el Ministerio de Gobernación ofreció una recompensa por las pinturas.  En ese año, el 24 de febrero fueron capturados por el Ministerio Público (MP) y la Policía Nacional Civil (PNC)  Daniel Alejandro Sánchez Choc, en San José Pinula y un menor de edad, a quienes se les relacionó con el robo de las pinturas.  También se capturó a Carlos Natanael Linfiesta, en la zona 6 de Mixco.

El 5 de febrero de 2014 seis obras de Tomás de Merlo fueron arrancadas de sus marcos dentro del templo. (Foto Prensa Libre: Hemeroteca PL)

 

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En ese entonces la investigación apuntaba a que las pinturas robadas salieron de la ciudad colonial por Belice hacia el continente asiático y fueron enviadas a Egipto, donde se estimaba que solo una pintura de ese tiempo podría tener un costo millonario.

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En 2019, cinco años después de la tragedia del robo, los artistas antigüeños Mario García, Alfredo Gil y Fernando Ixcamey crearon tres interpretaciones relacionadas con la vida de Jesús y su pasión, pero con la esperanza que los cuadros originales fueran devueltos a sus espacios originales.

El 11 de enero de 2023 en cateos que buscaban dar seguimiento a una investigación por parte de la Fiscalía contra el Crimen Organizado y “Los Barrancos”, se informó que se encontraba el posible cuadro La Oración en el Huerto, de Merlo.

En búsqueda de la banda Los Barrancos se encontraron distintas piezas relacionadas con el arte que están en investigación. La Oración del Huerto, de Tomás de Merlo fue parte de lo que encontraron. (Foto Prensa Libre: PNC)

Las acciones eran en seguimiento a muertes violentas de personas y robos en viviendas ubicadas en diferentes zonas y municipios del departamento de Guatemala.  Tres personas fueron capturadas en esa oportunidad.

El 18 de enero se confirmó que era la pintura robada años atrás.  En los cateos además se encontraron varios cuadros de pinturas antiguas y 50 piezas arqueológicas.

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Las restauraciones

Una carta informativa del Consejo Nacional para la Protección de Antigua Guatemala (Cnpag) en 1987 puso en agenda el tema de las pinturas admiradas por feligreses y turistas en la ciudad colonial, la cual fue escrita por el químico biólogo Miguel F. Torres.

“…El guatemalteco se caracteriza por el desconocimiento y, como consecuencia, falta de aprecio hacia nuestro riquísimo legado artístico…si las generaciones de las últimas décadas del siglo XX no nos preocupamos por evitar esta devastadora depredación cultural, probablemente los habitantes de la Guatemala del siglo XXI solo conocerán los despojos, diluidos dentro de un mar de computadoras y tecnología importada”, dice el documento con una reflexión actual.

En el mismo también se hace énfasis en cómo los congresos científicos que se celebren en el país colocaron en la mira la conservación del patrimonio cultural.  Como ejemplo, en 1983, se llevó a cabo en Guatemala el XIX Congreso de la Federación Odontológica de Centroamérica y Panamá.  El doctor Mario Valladares, del comité organizador, tuvo la idea de restaurar y patrocinar a través del congreso la pieza Cristo ante Herodes, de Tomás de Merlo, el artista nacido en la ciudad antigüeña en 1694.

 

El VI Congreso centroamericano y II Nacional de Microbiología siguió el ejemplo y patrocinó la restauración de la pintura San Francisco de Asís predicando en el Capítulo de las Esteras, pintada en México por Cristóbal de Villalpando en el siglo XVIII.

Del 17 al 22 de noviembre de 1987, se llevó a cabo el VIII Congreso Latinoamericano de Parasitología.  Era la primera vez que se realizaba en Guatemala y se solicitó el apoyo de una compañía farmacéutica el aporte para adquirir productos químicos, lino y madera para restaurar la hoy recuperada La oración de Huerto,  de Merlo.  Cada restauración significa miles de quetzales.

“Hace pocos meses esta obra maestra colgaba en los muros de la iglesia de El Calvario…en la húmeda penumbra donde ha estado desde hace aproximadamente dos siglos, con faltantes de color y rupturas en la tela que denotaban el destructor paso del tiempo.  Ahora, de nuevo el Cnpag está trabajando en la restauración y conservación.  Mi colega, la licenciada María Eugenia Bethancourt, encarga del Taller  de Restauración de Bienes Muebles y sus asistentes, con el criterio de un respeto máximo a la obra, han aplicado a la pintura la llamad técnica holandesa, la cual es reversible, por si en el futuro se desarrollen mejores técnicas de conservación y restauración”, decía en ese entonces la publicación del CNPAG firmada por Torres.

La obra entró al taller el 1 de junio de 1987, se iniciaron los trabajos el 5 del mismo mes y se finalizó el 10 de octubre de ese mismo año.  La pintura fue exhibida para los participantes del congreso en el patio de Capuchinas, del 17 al 22 de noviembre de ese año.

Torres también comparte que luego, con fondos de cuatro proyectos de ADESCA otorgados a su persona, de 1998-2008; gestionó y dirigió la restauración del cuatro cuadros de el Calvario: La Piedad, La curación de Malco, Cristo ente Caifás y La Flagelación. La restauración estuvo a cargo de Salterio Estudio-Taller. El Rey de Burlas ya había sido intervenido previamente por el CNPAG.

Imagen histórica de la restauración de La Oración del Huerto en 1987. (Foto Prensa Libre: cortesía Miguel Torres).

El quinto proyecto de ADESCA que estuvo a su cargo restauró la imaginería: el magnífico Cristo de la Sacristía, el conjunto escultórico de la Piedad y el Cristo Yacente. La restitución fue efectuada por Salterio Estudio-Taller.

El futuro de la pintura rescatada

Torres explica que se tiene  claro que dicha pintura pertenece a la comunidad Franciscana de San Francisco El Grande, en Antigua Guatemala. Se han encomendado todas las acciones legales para su devolución a fray Edwin Alvarado, rector del templo de San Francisco, de donde depende el Calvario.

“Las restauradoras licenciada Margarita Estrada y la arquitecta Brenda Penados de Salterio Estudio-Taller  están listas para evaluar la pintura e iniciar cuanto antes  su restauración con la técnica holandesa. Es muy importante que ellas efectúen la intervención pues tienen gran experiencia en restauraciones de las pintura de Merlo. La pintura tiene un gran faltante superior y es posible que haya desaparecido la firma del artista y la fecha de ejecución en la esquina inferior derecha”, dice Torres.

Una vez la pintura haya sido restaurada, se exhibirá al público en el Museo de San Francisco El Grande en La Antigua, con todas las medidas de seguridad.

 

]]> https://prensalibre-com-develop.go-vip.co/vida/escenario/un-lienzo-recuperado-200-anos-de-tragedias-un-robo-y-como-se-vincula-a-una-banda-delincuencial-en-2023/feed/ 0 14277954 Arte en las Calles 2023: Transparencia y Luminosidad https://prensalibre-com-develop.go-vip.co/vida/arte-en-las-calles-2023-transparencia-y-luminosidad/ https://prensalibre-com-develop.go-vip.co/vida/arte-en-las-calles-2023-transparencia-y-luminosidad/#respond Sat, 21 Jan 2023 16:53:51 +0000 Vida

ESCRITO POR:

Juan Diego González

Periodista de Prensa Libre especializado en fotografía comercial, espectáculos, acontecer nacional y deportiva, con 18 años de experiencia. Premio Segeplan Fotografía Periodística del Año 2010, Premio Entrevista Deportiva 2016 por Cronistas Deportivo Guatemaltecos.

]]> https://prensalibre-com-develop.go-vip.co/?p=14205416 La decimosexta edición de “Arte en las calles” de la Fundación Rozas Botrán está dedicada a la acuarela. Técnica que en el país, al día de hoy y en los siglos XIX y XX, fue y sigue teniendo cierto aprecio de parte de los maestros especialistas como también, de los amantes de las artes pictóricas. Del 16 de enero al 28 de febrero, se podrá apreciar 10 obras de 10 maestros, en redes sociales de la Fundación como también, de manera presencial.

Obra del maestro Paulino Pichiyá Culajay. Fotografía Prensa Libre: Juan Diego González

Erwin Guillermo, Exal Rivera, Josué Hernández, Juan Carlos Calderón, Juan José Rodríguez, Lucía Morán Giracca, Pamela Cerezo, Paulino Pichiyá, Rudy Cotton y Teresa María Cevallos son los 10 pintores que exponen en esta muestra. “La joya de un mundo submarino, elaborada con los colores del iris, diluidos en agua cristalina”, es como el maestro guatemalteco Guillermo Grajeda Mena describió la técnica de la acuarela.

Obra de Lucía Morán Giracca. Fotografía Prensa Libre: Juan Diego González

Según su descripción, la acuarela es sencilla, espontánea e inmediata, además, ofrece un amplio rango de efectos y es compatible con el crayón pastel, la tinta china y el óleo. Al inicio, se utilizó para bocetos, pero, al apreciar la transparencia y luminosidad (nombre de la exposición) que ofrece, le dio un lugar privilegiado dentro de las artes visuales.

Obra de Rudy Cotton. Fotografía Prensa Libre: Juan Diego González

En Europa, se utilizó la acuarela para dibujos de diferentes áreas geográficas del mundo, con el fin de enriquecer los conocimientos y satisfacer el afán aventurero de los habitantes. En el país, después del esplendor prehispánico y colonial, el retrato y la pintura paisajista fueron los temas principales entre sus máximos exponentes.

Obra de Exal Rivera. Fotografía Prensa Libre: Juan Diego González

La exposición estará abierta del 16 de enero al 28 de febrero en las instalaciones de la Galería Rozas Botrán, 16 calle 4-66 zona 14, en un horario de 9:00 a 13:00 y de 14:00 a 16:00 horas de lunes a viernes y la entrada es gratuita.

]]> https://prensalibre-com-develop.go-vip.co/vida/arte-en-las-calles-2023-transparencia-y-luminosidad/feed/ 0 14205416 Más de 100 obras de Margarita Azurdia llegan al Museo Reina Sofía en España https://prensalibre-com-develop.go-vip.co/vida/escenario/mas-de-100-obras-de-margarita-azurdia-llegan-al-museo-reina-sofia-en-espana/ https://prensalibre-com-develop.go-vip.co/vida/escenario/mas-de-100-obras-de-margarita-azurdia-llegan-al-museo-reina-sofia-en-espana/#respond Fri, 18 Nov 2022 14:01:20 +0000 Escenario

ESCRITO POR:

Alejandro Ortiz

Periodista de Prensa Libre especializado en temas sobre cultura y bienestar, con 5 años de experiencia.

]]> https://prensalibre-com-develop.go-vip.co/?p=13674467 Obras de la guatemalteca Margarita Azurdia llegan al Museo Reina Sofía en EspañaMargarita Rita Rica Dinamita es el nombre de la exposición monográfica que, desde el 24 de noviembre del 2022 hasta el 17 de abril del 2023, tomará el Edificio Sabatini del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, en Madrid (España).

Se trata de la primera vez que Europa acoge de manera sustanciosa la obra de Margarita Azurdia, creadora multidisciplinaria quien se relacionó a los movimientos artísticos moderno y contemporáneo en Guatemala entre 1960 y mediados de la década de 1990.

La exposición monográfica en el Reina Sofía presentará alrededor de 150 piezas de la artista. El museo señala que esta muestra invita a “recorrer la metamorfosis creativa” experimentada por Azurdia durante su carrera.

Margarita Rita Rica Dinamita ha sido un proyecto gestado durante los últimos dos años y comisionado por la curadora y crítica de arte guatemalteca Rosina Cazali, quien explica que, al tratarse de una exposición monográfica, se busca “estudiar a la artista y proyectar el interés hacia varios datos históricos en distintos momentos de su producción”.

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De esa cuenta, la propuesta expositiva de Cazali junto al Reina Sofía entabla un diálogo con una gran mayoría de series que Azurdia trabajó mientras vivió tanto en Guatemala, como en Francia.   

En tres décadas, Margarita expandió un universo de imágenes que terminó por provocar círculos artísticos de Guatemala como internacionales durante la segunda mitad del siglo XX.

Sus obras llegaron a ser vistas en Estados Unidos, Colombia y Brasil. En este último país, obtuvo una Mención honorífica durante la II Bienal de Sao Paolo en 1969.

Con una carrera cimentada en la producción de obras que versaban entre la poesía, el collage, la pintura, la escultura y hasta el perfomance, Azurdia redefinió y diversificó las nociones sobre la mujer creadora dentro de un agobiante panorama sociopolítico.

En paralelo al Conflicto Armado Interno del país, la artista se entendió como un ave raris que prefería dialogar desde un explosivo lenguaje de colores y formas, con el cual armaba utopías muy suyas, así como referentes al simbolismo de Guatemala.

Obras de la guatemalteca Margarita Azurdia llegan al Museo Reina Sofía en España
La serie ‘Homenaje a Guatemala’ está compuesta por 50 ensambles de madera que presentan figuras zoomorfas y mujeres ataviadas con botas, fusiles y frutos tropicales. (Foto Prensa Libre: Cortesía Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofia)

Margarita también logró resignificar al país a través de propuestas como la de sus primeras pinturas basadas en los patrones de textiles indígenas de Guatemala. Por otro lado, destaca su serie de los setenta Homenaje a Guatemala donde a través de 50 montajes con figuras esculpidas en madera, la artista dialogó sobre los vínculos histórico-culturales entre el poder, la tradición y la violencia.

Medio siglo después de sus primeras incursiones creativas –muchas de las cuales solían presentarse en la extinta galería de arte DS, ubicada en ciudad de Guatemala– Azurdia se ha hecho de un importante lugar en el seno de la institucionalidad artística madrileña. Su voz, permitirá expandir nociones sobre lo que ha sido y podría ser el arte guatemalteco frente a los ojos de Europa.

Según cuenta Rosina Cazali, Margarita Rita Rica Dinamita es el resultado de una exploración que el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía ha procurado desde hace algunos años, con el propósito de acercarse a narrativas artísticas del Sur Global.

“Desde el museo han estado interesados en conocer ecosistemas como el de Guatemala o El Salvador, a los cuales llamamos panoramas silenciosos porque a nivel histórico se han conocido muy poco y no hay tanta bibliografía que circule de ellos”, explica Cazali.

Azurdia presentó la serie ‘Geométricas’ por primera vez en la Galería DS de ciudad de Guatemala en 1968. (Foto Prensa Libre: Cortesía Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofia)

En ese sentido, la curadora apunta que la obra de Margarita Azurdia fue una revelación para el equipo investigador del Reina Sofía: “No solo les pareció excepcional, sino les llamó muchísimo la atención como dato histórico”, relata la curadora.

El montaje de las cerca de 150 piezas de Azurdia en España no hubiesen sido posibles sin el trabajo de la sociedad Milagro de Amor, la cual resguarda el acervo de obras de la artista. La asociación es representada por Nickolasa Fanjul y dos de sus primas, quienes además son nietas de Margarita Azurdia.

Fanjul, quien recuerda a su abuela como una mujer que siempre vestía de blanco y quien le ensañaba sobre la importancia de la sensibilidad, señala que aún queda mucho por explorar sobre la obra de Margarita.

“Es tiempo que el mundo conozca más sobre ella y sus diferentes facetas porque se puede aprender mucho de cada una”, apunta Nickolasa.

Más allá de las series de pintura, escultura y dibujos, la exposición Margarita Rita Rica Dinamita hará hincapié en las exploraciones del cuerpo y la palabra en la artista guatemalteca.

A través de una extenso archivo de vídeos, fotografías y documentos, se mostrarán los procesos de Margarita alrededor de la danza contemporánea y sus performances.

Obras de la guatemalteca Margarita Azurdia llegan al Museo Reina Sofía en España
En sus propuestas, ya fueran escultóricas, pictóricas o performáticas, Margarita buscaba resonar un encuentro con los espectadores. (Foto Prensa Libre: Cortesía Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofia)

En la historia de la artista destacó la creación del grupo Laboratorio de Creatividad donde exploró el movimiento, los orígenes del ritual y las danzas sagradas para dialogar con relación a la naturaleza, el medioambiente y la sanación espiritual.

Por otro lado, la exposición en el Reina Sofía destacará un archivo sobre la poesía de Margarita. Los textos ocupan un lugar importante en la carrera de la artista, particularmente luego de su estancia en París (Francia), donde debido al reducido espacio que habitaba, optó por volcarse a la escritura.

A decir de Rosina Cazali, la presentación de estas derivas creativas son pertinentes en la actualidad ya que los diálogos de Margarita hacen eco en el presente.

“En estos últimos dos años se ha hablado mucho de nuestra relación con el planeta y que el aislamiento nos marcó para siempre. Resulta que son temas que incluso Margarita ya venía tocando desde su época y que nos revela en los textos”, explica Cazali.

Durante los próximos seis meses, los visitantes al Reina Sofía podrán encontrarse con extractos de libros de la artista como Margarita Rita Rica Dinamita, Iluminaciones o El encuentro de una soledad, así como sus demás propuestas materializadas en ensambles, pinturas, esculturas y registros de perfomance.

]]> https://prensalibre-com-develop.go-vip.co/vida/escenario/mas-de-100-obras-de-margarita-azurdia-llegan-al-museo-reina-sofia-en-espana/feed/ 0 13674467 Dagoberto Vásquez en su centenario https://prensalibre-com-develop.go-vip.co/vida/escenario/dagoberto-vasquez-en-su-centenario/ https://prensalibre-com-develop.go-vip.co/vida/escenario/dagoberto-vasquez-en-su-centenario/#respond Sun, 02 Oct 2022 14:00:52 +0000 Escenario

ESCRITO POR:

Ingrid Reyes

Periodista de Prensa Libre especializada en periodismo de bienestar y cultura, con 18 años de experiencia. Premio Periodista Cultural 2023 por el Seminario de Cultura Mexicana y premio ESET región centroamericana al Periodismo en Seguridad Informática 2021.

]]> https://prensalibre-com-develop.go-vip.co/?p=13235060 Vásquez es reconocido por sus obras monumentales, especialmente los murales que se encuentran en la fachada oriente de los edificios del Banco de Guatemala y la Municipalidad de Guatemala, ambos, parte del complejo de integración artística conocido como el Centro Cívico. (Foto Prensa Libre: Ricardo Mata)Dagoberto Vásquez era multifacético. Escultor, pintor, dibujante, grabador, investigador, crítico, maestro. Sus aportes en el campo de las artes son importantes en la historia del país. Nació en la ciudad de Guatemala el 2 de octubre de 1922 y falleció el 21 de junio de 1999.

La actividad que desempeñó en vida se puede rastrear desde los años treinta y su influencia vital, se percibe en el presente con la misma intensidad que durante las décadas que se mantuvo activo.

Su hijo, Claudio Vásquez, refiere que este año se han tenido distintas actividades como parte de un homenaje a la vida de su padre. “Hemos recibido apoyo de personas destacadas como Guillermo Monsanto, Marvin Olivares, Rudy Cottón, Brenda Bocaletti, entre otros que han abierto el camino para una serie de eventos”, expresa.

Este año en el también centenario de la Universidad Popular, se dedicó a Vásquez el 8º. Salón del Desnudo que se presentó durante todo junio.

A esta festividad se unió el Museo del Grabado en Acero Muga con el trabajo de Vásquez en filatelia. También en agosto y septiembre se presentó la muestra Círculos concéntricos bajo la curaduría de Monsanto y Olivares, en las galerías municipales de Arte, en el edificio de Correos del Centro Histórico abren la oportunidad para conocer una parte del legado de Vásquez, además de aprender sobre algunos de los círculos donde el maestro participó, reconocer a sus maestros, condiscípulos, amigos, alumnos e incluso entrar a la intimidad de su hogar.

“Es uno de los grandes valores, maestros que dejaron una huella indeleble a través del tiempo…estamos haciendo un homenaje en el centenario de su nacimiento. Dagoberto Vásquez tenía un estilo gran capacidad de síntesis formal y compromiso con sus obras que se caracterizaron por su sobriedad, plasticidad y elegancia”, dice el artista Rudy Cottón, director del Museo Nacional de Arte Moderno, Carlos Mérida, lugar que tiene actualmente una exposición con casi 75 piezas de maestro Vásquez.

En esta muestra además se tienen obras de amigos contemporáneos de Vásquez como Guillermo Grajeda Mena, Rodolfo Galeotti Torres, Roberto González Goyri Juan Jacobo Rodríguez, Humberto Garavito, entre otros.

El próximo 4 de octubre se unirá la Escuela Nacional de Artes Plásticas para presentar la faceta del grabado del maestro.

También se estarán programando el 13 de octubre durante el Festival del Centro Histórico una exhibición de su obra para que personas la visiten y también el Museo de la Imprenta Sánchez & De Guisee tendrá muestras de algunos de sus trabajos, además de dos visitas para ver la obra monumental de Vásquez.

Durante este año se ha programado la creación de libros dedicados y otros materiales que estarán disponibles y una exposición en la Alianza Francesa, de lo que pronto se darán detalles.

Parte de su recorrido

Estudió en la Academia Nacional de Bellas Artes de 1937 a 1944 y en Santiago de Chile con una beca del gobierno revolucionario, de 1945 a 1949. Los becados solían elegir Paris, Roma o Nueva York, pero él y Guillermo Grajeda Mena eligieron Santiago de Chile porque querían crear su propio arte y no adoptar los estilos de otros ni seguir las corrientes establecidas, se describe en un documento sobre su vida.

Estudió filosofía en la Universidad de San Carlos de Guatemala, Usac, entre 1956 y 1962. Fue presidente de la Asociación de Estudiantes Humanidades, trabajó en la Escuela Nacional de Artes Plásticas, en el Conservatorio Nacional de Música, en la Escuela Nacional de Danza, en la facultad de arquitectura de la Usac, en la Universidad Rafael Landívar, en la Universidad Mariano Gálvez, y también fue director del Departamento de Arte Folklórico Nacional.

Expertos comentan que el concepto que tenía del arte se manifiesta en su relación con los materiales, las herramientas y la técnica, “Para él, el arte es trabajo; trabajo manual e intelectual, a lo largo del cual el artista realiza su creación, la cual no ocurre solo en el momento de una supuesta inspiración. Por esa razón, el dominio del material, así como la habilidad en el manejo de la técnica y las herramientas, eran principios básicos”, expresan.

Se le recuerda como un protagonista de la “Generación del 40” y representa junto a otro puñado de creadores el pináculo de la modernidad nacional.
El maestro Vásquez fue uno de los 311 firmantes en el manifiesto exigiendo la renuncia de Jorge Ubico. Estuvo el 20 de octubre en la Guardia de Honor y formó parte de las brigadas de defensade la revolución.

Premios y reconocimientos

Entre sus premios destacan el primer Premio Yela Günter, en escultura 1944 -1945, el Primer Premio, Pintura Certamen Nacional 1949, así como el primer Premio, Pintura Juegos Olímpicos Centroamericanos y del Caribe 1950.

Recibió la Medalla acuñada por la Franklin Mint, Certamen Internacional Franklin Mint Philadelphia, Pennsylvania, Estados Unidos en 1971 y el Primer Premio, Escultura Certamen Permanente Centroamericano, en 1978.

También obtuvo la Medalla de Honor al Mérito, Presidencia de la República de Guatemala 1988, el OPUS al mejor escultor, Patronato de Bellas Artes Guatemala, en 1991, así como la Orden del Quetzal, Presidencia de la República de Guatemala, en 1995 y la Orden Alfredo Gálvez Suárez, en la Municipalidad de Guatemala, en 1997.

Entre los países que visitó están Chile, Costa Rica, Chile, Panamá, Ecuador, Venezuela, Inglaterra, Italia, El Salvador. México, Bélgica, Honduras, Suiza, Brasil, Estados Unidos, Taiwán y República Dominicana.

Próximas actividades

 

Centenario de Dagoberto Vásquez

Lugar: Museo Nacional de Arte Moderno, Carlos Mérida.
Sala temporal, salón No. 6, Finca Nacional La Aurora, zona 13.
La entrada y salida al complejo de museos se realizará por la 5ª calle debido al remozamiento en el área del parqueo,
Abierta del 28 de septiembre al 13 de noviembre.
Martes a domingo, de 9 a 16 horas.
Admisión Q5 nacionales y Q50 extranjeros.

Imagen de la exposición en el MUNAM. Para Dagoberto Vásquez, la belleza y el arte no eran ornamentos, sino la expresión del ser interior de las cosas y de la verdad. (Foto Prensa Libre: Juan Diego González)

 

Muestra de Xilografías

Lugar: Escuela Nacional de Artes Plásticas “Rafael Rodríguez Padilla”
24 calle 3-81 zona 1, interior Centro Cultural “Miguel Angel Asturias”
Abierta del 4 de octubre al 23 de noviembre.
Horario de atención de 10 a 13 y de 14 a 18 horas.
Entrada gratuita.

Una de las obras que se expondrán en la Enap sobre la faceta en grabado de Dagoberto Vásquez. (Foto Prensa Libre: cortesía Enap)

]]> https://prensalibre-com-develop.go-vip.co/vida/escenario/dagoberto-vasquez-en-su-centenario/feed/ 0 13235060 Arte en Mayo 2022 anunció al ganador https://prensalibre-com-develop.go-vip.co/vida/escenario/arte-en-mayo-2022-anuncio-al-ganador/ https://prensalibre-com-develop.go-vip.co/vida/escenario/arte-en-mayo-2022-anuncio-al-ganador/#respond Fri, 13 May 2022 14:00:51 +0000 Escenario

ESCRITO POR:

Marysabel Aldana Larrainza

Marysabel Aldana Larrainza

]]> https://prensalibre-com-develop.go-vip.co/?p=12040198 Arte en Mayo 2022 anunció al ganadorEl Festival Arte en Mayo es organizado por la Fundación Rozas-Botrán como parte de una serie de programas que coordina en favor de los sectores más vulnerables de la región. Una alianza solidaria con artistas visuales centroamericanos, panameños y de otros países que se ha afianzado, de tal manera que este año se cumplen 24 de celebrar esta actividad única en su género.

Sin interrupción, durante este tiempo, artistas, coleccionistas, estudiantes y público amante del arte acuden a una cita con el arte visual contemporáneo durante El Festival Arte en Mayo. Este  Festival Internacional se ha convertido en un laboratorio de encuentro concebido para exhibir, promover y enriquecer el acervo cultural de los guatemaltecos y de coleccionistas experimentados o en ascenso.

De las casi 500 obras recibidas, 200 se seleccionaron y están en exposición en la galería y entre ellas se eligió al ganador del certamen.

Congelación, laberintos es la obra ganadora de Arte Mayo 2022, de la mano del artista visual, Juan Maurilio Mendoza, que obtuvo el principal premio del certamen anual organizado por la Fundación Rozas-Botrán.

“Más que todo antes me gustaban los cartones, los empaques de cada cosa, a mí me gusta reciclar y tener como juguetes los cartones, ahora estamos creando mucha basura y estamos consumiendo demasiado, adquirimos cosas que no son necesarias, solo queremos comprar, no sabemos que estamos congelando el tiempo y destruyendo el ambiente, nosotros nos metemos a comprar a crédito televisiones, estufas, microondas… pero no sabemos que eso consume nuestra vida”, comentó el artista visual, oriundo de San Juan La Laguna, Sololá.

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Este tipo de material fue la inspiración para crear la obra ganadora de la fundación.

Su formación artística comenzó desde 1991, cuando tenía 13 años, tallando madera, piedra y yeso. Le gustaba el arte maya y sus esculturas.

 ¿De qué se trata la obra?

La propuesta laberinto contiene, en sí, dos reflexiones importantes ante la vida: una individual, personal y otra social. En la primera, la reminiscencia infantil del juego y la transmutación de la caja de cartón en productos, en carros, camiones, edificios.

En la segunda, una reflexión a la sociedad consumista con énfasis en con texto rural, los objetos deseo o las propias construcciones: juguetes para adultos, una composición de sus envoltorios iconos que representan o protegen el mismo valor del juguete infantil.

Arte en Mayo 2022 anunció al ganador
El artista visual, Juan Maurilio Mendoza, comenzó desde 1991, cuando tenía 13 años, tallando madera, piedra y yeso. Le gustaba el arte maya y sus esculturas. Foto Prensa Libre: Cortesía Fundación Rozas Botrán.

Los materiales

El artista uso material reciclado como cartón, cajas de envoltorios, productos de cuidado, entre otros.

Reconocimientos

El segundo lugar del certamen fue otorgado a Gabriela Alfaro por su obra Recorrido de estrellas 1/1, un trabajo realizado en papel de algodón y grabado en punta seca. La obra está tratada con cera de abejas y resina.

Se combina encáustica y costura, según explica la artista. Destaca la relación de los seres humanos con su entorno.

El tercer lugar fue otorgado a la obra Fenjan, de Luis Carlos Soto, sus obras han participado en exposiciones en ciudades como Dubái, París, Nueva York, Roma y Moscú.

Además, durante la premiación se otorgaron también premios especiales por trayectoria al artista César Cartagena por su obra Arcoíris, y a Carlos Chávez por Achi B’alam.

Y el reconocimiento como revelación del año correspondió a Melvin Tajiboy por Cielo.

Las menciones honoríficas fueron para:

  • Gennaro Rodríguez, de Panamá, por su obra El puente rojo.
  • Wanda Fraga, de Cuba, por The Sound of Silence.
  • Eli López, de Guatemala, por Reflejos de una historia.
  • Sebastián López Durán, de Guatemala, por En familia.
  • Lucía Rohrmann, de Guatemala, por Mis sentimientos.
  • Manuel Navichoc, de Guatemala, por Aire de esperanza, de la serie Umbrales.
  • Rocío Villanueva, de Guatemala, por Lobo con piel de oveja, serie: Los que quedamos 1/3 + 2P/A.
  • Johanna Frech, también de Guatemala, por Netflix 1950-60s, serie: App través del tiempo objeto #4.

Información sobre la exposición

La exposición de las obras se encuentra en la Galería Rozas-Botrán, 16 calle 4-66, zona 14. Las visitas son lunes a viernes de 8 a 13 y de 13.30 a 16 horas. Estarán disponibles hasta el 30 de junio.

Quienes deseen realizar visitas guiadas pueden comunicarse a los teléfonos 4506-3280 o 5308-5562.

 

 

]]> https://prensalibre-com-develop.go-vip.co/vida/escenario/arte-en-mayo-2022-anuncio-al-ganador/feed/ 0 12040198 Galería Abierta impulsa a jóvenes creadores https://prensalibre-com-develop.go-vip.co/vida/escenario/galeria-abierta-impulsa-a-jovenes-creadores/ https://prensalibre-com-develop.go-vip.co/vida/escenario/galeria-abierta-impulsa-a-jovenes-creadores/#respond Sat, 02 Apr 2022 15:00:40 +0000 Escenario

ESCRITO POR:

Marysabel Aldana Larrainza

Marysabel Aldana Larrainza

]]> https://prensalibre-com-develop.go-vip.co/?p=11674603 Galería Abierta: un mensaje a la sociedadEste 2022 la convocatoria de Galería Abierta recibió más de 200 propuestas con un total de 154 participantes, que propusieron sus obras de arte para ser expuestas al público. Luego de realizar la curaduría se seleccionaron a 55 artistas, quienes están exponiendo alrededor de 70 obras de arte.

La mayoría de los artistas son guatemaltecos tanto de la ciudad de Guatemala como de departamentos del país, incluso se contó con la participación de extranjeros que residen en la ciudad.  Muchos de ellos son artistas independientes, varios con estudios profesionales y otros autodidactas. La edad de los participantes está entre los 15 y 93 años.

La exposición se inauguró el jueves 24 de marzo y estará abierta hasta el sábado 30 de abril. La muestra se puede ver en las Galerías Municipales de Arte del Centro Cultural Municipal AAI (7ª avenida 11-67, zona 1, Edificio de Correos), en horario de lunes a viernes de 9 a 17 y sábados de 9 a 13 horas.

Galería Abierta: un mensaje a la sociedad
“Una dulce muerte”, obra de Juan Martínez “El Zanate”. Foto Prensa Libre: Maria Jose Bonilla.

La entrada a las Galerías Municipales de Arte no tiene costo y busca que todos los visitantes disfruten de las diferentes exposiciones que se realizan durante el año, esta es catalogada como una forma de acercar el arte a los vecinos de la Ciudad de Guatemala.

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Para seleccionar las obras de Galería Abierta 2022 se realizó una convocatoria pública a través de las redes sociales. Luego se contó con la participación de un jurado calificador integrado por la curadora Renata Álvarez y los curadores y artistas visuales Alejandro Ortiz y Gabriel Rodríguez Pellecer, quienes seleccionaron las obras que participarían en la exposición y los tres primeros lugares.

Galería Abierta: un mensaje a la sociedad
“Fragmentos de un suéter de la serie: Lo que no queremos ver” de Aiza Samayoa. Foto Prensa Libre: Maria Jose Bonilla.

Aspectos que se calificaron

Técnica utilizada, que sea interesante, buen manejo de la técnica, temática, statement o racional, planteamiento rebuscado o acorde a la propuesta. Cabe mencionar que no todas las obras fueron seleccionadas por un solo aspecto, también se tomó en cuenta que incluyera contextos locales e investigación acorde a la temática de la obra.

Galería Abierta: un mensaje a la sociedad
Remiendo de la levedad, de la serie: Iceberg”, de Luis Alejandro Gonzáles Hernández. Foto Prensa Libre: Maria Jose Bonilla.

El proyecto “tiene como objetivo brindarle la oportunidad a todos los artistas emergentes o no emergentes de todas las edades y de todos los sitios de Guatemala, queremos que los artistas tengan un espacio importante donde mostrar sus artes, exponer sus ideas y sentimientos”, comentó Aida Bocock, directora de la dirección de cultura y educación artista de la Municipalidad de Guatemala.

Ganadores de Galería Abierta 2022

Este año las obras ganadoras fueron:

  • Primer lugar, El Cuarto de Pintura

Artista: Ximena Guerrero Lam

  • Segundo lugar, Recorridos, Serie de 15 paisajes

Artista: Flor de María Gómez

  • Tercer lugar, Hecha a mano

Artista: Elda María Figueroa

Galería Abierta: un mensaje a la sociedad
“Las dos alondras”, de Giulia Ariadna Reyes Villagrán. Foto Prensa Libre: Maria Jose Bonilla.

Artistas:

  1. Flor de María Gómez
  2. Elda María Figueroa De León
  3. Osías Ariel Ortiz Escalante
  4. Carlos Javier Salazar González
  5. Cristian Alexander Pérez Santander
  6. Álvaro Hugo Lam Fernandez
  7. Dulce María García Alvarez
  8. Ana Lucía Can Reyes
  9. Axel Carlos Meza Guzmán
  10. Diana Victoria Chacón Bolvito
  11. Aleida Suret Castillo Morales
  12. Hugo Ricardo Chaicoj Chajón
  13. Elizabeth Lima González
  14. Luciano Arturo Morales Rojas
  15. Mónica Alejandra García
  16. Shanhar Morales
  17. Claudia Bncic Becker
  18. Débora Samantha Aquino Calel
  19. María Ximena López Garrido
  20. Sara Elena Tato Pérez
  21. Ricardo David Morales Pacheco
  22. Patricio Alejandro Vega Posadas
  23. Aiza Maribel Samayoa Cuc
  24. Katheryn Pamela Patá Salvatierra
  25. Olivia Rossana Sandoval Méndez
  26. Gustavo Sapón-Madrid
  27. Dámaris Pamela Alvizures Luna
  28. Juan Antonio Martínez Juárez
  29. Nelson Andrés Ortiz Pinto
  30. Mónica Yesenia Chilin Cush
  31. Edgar Heddy Rodas López
  32. Luis Alejandro González Hernández
  33. Alan Enrique Petz Grajeda
  34. Maria Sofia Coronado Gaitán
  35. Haroldo Castillo García
  36. José Chitic Quiej
  37. Miguel Mendoza Tiney
  38. Giulia Ariadna Reyes Villagrán
  39. Christian Rosito Solares
  40. María Inés Reiche García
  41. Carolina Saadeh
  42. Margó Porres
  43. Maya Grissel Pérez Chiquín
  44. Andrea Guísela Bobadilla Ruiz
  45. Ximena Guerrero Lam
  46. María Cristina Alvarado Guerra
  47. Andrea Guadalupe López Hernández
  48. Lourdes de Lagunas
  49. Roberto Benjamín Escobar Raguay
  50. Lisandro Ricardo Skol Barrios
  51. Julissa Dabeyba Estrada Toledo
  52. Djassminn Morales
  53. Julia de los Ángeles Palomo Pérez
  54. Cristian Josué Pórrez
  55. José Alexander Diéguez Flores

 

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