Una apuesta por el desarrollo de un modelo turístico inclusivo

ONU Turismo, CAF banco de desarrollo de América Latina y el Caribe y el Instituto Guatemalteco de Turismo (INGUAT), celebran la final del Reto de Turismo Indígena de América Latina y el Caribe.

Vida Empresarial

14 de agosto de 2025 | 01:36h

Compartir en Facebook

Compartir en X

Compartir en LinkedIn

Compartir en Whatsapp

Copiar enlace

Guardar artículo

El emblemático sitio arqueológico maya Iximché, antigua capital del reino kaqchikel, en el departamento de Chimaltenango, fue escenario para culminar esta la iniciativa lanzada en enero de 2025, que tuvo como objetivo identificar y premiar proyectos liderados por comunidades indígenas, que pusieron en marcha proyectos turísticos sostenibles para fortalecer sus economías locales y preservar su patrimonio cultural y natural, en los que la innovación y la digitalización estén presentes.

El acto contó con la presencia del presidente de la república de Guatemala, Excmo. Sr. D. Bernardo Arévalo; el director de innovación, educación e inversiones de ONU Turismo, Antonio López de Ávila; el presidente ejecutivo de CAF, Sergio Díaz-Granados; el director general del INGUAT, Harris Whitbeck; entre otros.

“Invertir en el turismo indígena es invertir en desarrollo sostenible, en cultura y en biodiversidad. Este reto nos permite visibilizar y reconocer modelos de negocio exitosos liderados por pueblos indígenas, crear referentes que inspiran a otras comunidades, potenciar la innovación con identidad y promueve la inversión en sectores con alto valor social y ambiental, generando beneficios que trascienden lo económico y fortalecen el tejido social”, manifestó Díaz-Granados.

De las casi 400 candidaturas recibidas de toda la región, solo 5 proyectos finalistas procedentes de Perú, Guatemala, Argentina, Dominica y Panamá llegaron a la gran final. Todos ellos presentaron sus propuestas ante un jurado internacional compuesto por expertos de ONU Turismo, CAF, Bridge for Billions, Tornus y Procolombia.

“Este reto es un ejemplo de cómo el turismo puede ser una herramienta de inclusión y empoderamiento económico para las comunidades indígenas, respetando sus tradiciones y aportando innovación. Queremos que estos proyectos no solo sean reconocidos, sino que también tengan acceso a mentorías, visibilidad internacional y oportunidades de inversión”, señaló López de Ávila.

Los proyectos destacados fueron: Atiptalla (Perú), Kaishi Lodge (Dominica), Saberes de la Quebrada (Argentina), Embera Nepono (Panamá) y el Parque Ecológico Kyaq K´ix (Guatemala).

El proyecto ganador fue Atiptalla de Perú, recibiendo un premio de USD$10 mil por parte de CAF y se integrará en la Red de Innovación de ONU Turismo, en la que recibirá acompañamiento durante la ejecución de su proyecto, así como tutorías y apoyo por parte de ONU Turismo y otros socios de primer nivel de la Red, así como acceso a una red global de inversores.

 “Con admiración y respeto a ONU Turismo y al Banco de Desarrollo de América Latina y el Caribe (CAF) por esta iniciativa. No solo impulsan proyectos, sino que reconocen una transformación en marcha: el turismo como una herramienta de empoderamiento, no de depredación; como una vía de dignificación, no de folclorización. Los más de 400 proyectos que se postularon para este premio, son ejemplo de ello” afirmó Whitbeck.

Previo a la final, los finalistas recibieron mentorías, donde de expertos de CAF, ONU Turismo, Tornus, Bridge for Billions, Procolombia y de la World Indigenous Tourism Alliance (WINTA) guiaron a los participantes para perfeccionar sus modelos de negocio y potenciar su impacto.

Todos los finalistas entran a formar parte de la Red de Innovación de ONU Turismo. Además, tendrán acceso a becas para la UN Tourism Online Academy, la plataforma de enseñanza en línea impulsada por ONU Turismo.

Para más información sobre el Reto de Turismo Indígena de América Latina y el Caribe, visite:

• Reto de Turismo Indígena de América Latina y el Caribe | ONU Turismo
• Reto de Turismo Indígena para América Latina y el Caribe (Banco de Desarrollo de América Latina y el Caribe, CAF)
• Proyecto Kaishi Lodge
• Proyecto Atiptalla
• Proyecto Saberes de la quebrada
• Proyecto Embera Nepono
• Proyecto Parque ecológico KYAQ K’IX

Sololá llega a Japón: el grupo Sotz’il presentará danza ancestral en la Expo Osaka, Kansai 2025

El grupo Sotz’il, originario de Sololá, tendrá presentaciones de una danza ancestral durante la Expo Osaka, Kansai 2025. Comparten en este artículo detalles de su preparación y cómo buscan representar la cosmovisión maya ante una audiencia extranjera.

Ingrid Reyes

5 de junio de 2025 | 13:35h

Compartir en Facebook

Compartir en X

Compartir en LinkedIn

Compartir en Whatsapp

Copiar enlace

Guardar artículo

Una de las imágenes de refencia del trabajo del Grupo Sotz'il que se ha dedicado a la investigación y creación de arte desde sus raíces como pueblo originario. (Foto Prensa Libre: cortesía Sot'zil)

El Grupo Sotz’il, maya kaqchikel, originario de la aldea El Tablón, Sololá, del altiplano del país, se presentará en la Expo Osaka, Japón 2025. Este evento reúne a más de 150 países, del 13 de abril al 13 de octubre. Los organizadores esperan atraer a unos 28 millones de visitantes.

Dentro de los programas de la Expo Osaka, el grupo Sotz’il tendrá dos fechas de presentación: el domingo 8 y lunes 9 de junio. Viaja una delegación multifacética de diez integrantes entre hombres y mujeres mayas kaqchikeles y tz’utujiles, músicos, danzantes, directores, técnicos y gestores responsables de presentar el repertorio escénico que tomará una hora de duración de música, teatro danza maya y temas ancestrales.

El grupo se encuentra desde el miércoles 4 de junio en viaje al país asiático, al que arribarán el sábado 7 de junio. Por vía telefónica, Luis Cúmes compartió que la invitación directa fue recibida por el Instituto Guatemalteco de Turismo, el Ministerio de Relaciones Exteriores de Guatemala y los organizadores de la Expo Osaka, Kansai.

“Para el grupo Sotz’il es un gran honor y responsabilidad sumarse a este evento y encuentro, representando a una cultura milenaria a la que pertenecemos, tal como lo ha sido siempre en cada presentación artística a nivel nacional e internacional, a lo largo de nuestra trayectoria, requiriendo de un proceso arduo y constante de investigación, creación, ensayos y entrenamiento artístico, técnico como espiritual, cumpliendo con parte de nuestra responsabilidad y de vida y función social, el patän Samaj, en idioma kaqchikel”, expresó Cúmes.

LECTURAS RELACIONADAS

Rabinal Achí: El silencio del 2025 y el grito que clama las necesidades para que este patrimonio de la humanidad no muera

¿Quién es Walter Riso? El psicólogo controvertido que desafía las relaciones de pareja y que estará como invitado en Filgua 2025

Cúmes agrega que la participación en este tipo de espacios internacionales permite acercarse y conocer la riqueza y el conocimiento cultural de los pueblos, al tiempo que abre oportunidades para considerar a los países participantes como posibles destinos de inversión y comercialización de producción cultural, artística y artesanal. Esto apunta hacia una visión de desarrollo económico desde y para los territorios y culturas, una perspectiva necesaria y aún pendiente de consolidar.

“Para nosotros, las culturas que históricamente hemos sido invisibilizadas, tal como lo dijo nuestro fundador Lisandro Guarcax (secuestrado y asesinado en el 2010) en su momento, cualquier espacio es una oportunidad para seguir diciéndole al mundo que seguimos existiendo y evolucionando social y científicamente como cualquier otra cultura del mundo, y que tenemos mucho que compartir, entregar y demostrarle al mundo desde nuestros territorios, desde la búsqueda de hermanamiento para el fortalecimiento de un mundo globalizado y moderno, sin perder las raíces y la herencia cultural. Por ello, estamos agradecidos por esta oportunidad y espacio”, agregó Cúmes.

Lea más: “Grito hacia Roma”: El libro en kaqchikel y más de 20 lenguas originarias que se presentó en el Festival Centroamérica Cuenta

El grupo surge en el 2000. Su línea de trabajo es la investigación, creación y fomento de la música, danza y arte escénico maya. Sot’zil es un término Maya Kaqchikel que significa murciélago, energía o esencia del murciélago.  

En el Memorial de Sololá nos recuerda que este animal es el Rajawal (protector) de los Kaqchikeles: “Y poniéndonos en pie, llegamos a las puertas de Tulán. Solo un murciélago guardaba las puertas de Tulán. Y allí fuimos engendrados y dados a luz; allí pagamos el tributo en la obscuridad y en la noche, ¡Oh Hijos nuestros!…”

Comprometido con la promoción cultural de Guatemala

El Banco de Desarrollo Rural S.A. (BANRURAL) y F&G Editores anunciar la publicación de Party Monster, la nueva novela de la escritora guatemalteca Jessica Masaya Portocarrero, con la cual fue finalista en la Bienal Guatemalteca de Novela “Terrena 2022-2023”.

Vida Empresarial

27 de noviembre de 2024 | 21:30h

Compartir en Facebook

Compartir en X

Compartir en LinkedIn

Compartir en Whatsapp

Copiar enlace

Guardar artículo

Para la doctora en Literatura Latinoamericana, Anabella Acevedo, la novela Party Monster entreteje una narrativa que aborda temas profundamente humanos y sociales. La obra expone, sin victimización, la vulnerabilidad de las mujeres frente a la violencia, a la vez que presenta personajes complejos y un retrato sobrio de realidades frecuentemente silenciadas.

“Como banco somos promotores del desarrollo de los guatemaltecos en sus diferentes manifestaciones, promover nuestra cultura y valorar el talento de nuestras escritoras es parte de este trabajo que realizamos día con día. Hoy con suma satisfacción anunciamos el apoyo que hemos brindado para la publicación de la novela Party Monster, la cual se suma a la primera novela que promovimos: La Letrada, ganadora de la Bienal Guatemalteca de Novela Terrena 2022-2023”, manifestó Olga de Alvarado, Gerente de Mercadeo de BANRURAL.

La autora de la novela cuenta con una destacada trayectoria en la literatura y el periodismo. Entre sus logros se incluyen el premio único en el Concurso de Cuento Corto de la Fundación Myrna Mack (1999) y el primer lugar en el Certamen Permanente Centroamericano 15 de Septiembre (2000). Con su libro de cuentos Diosas decadentes ganó el Certamen Permanente Centroamericano 15 de Septiembre 2000, convocado por el Ministerio de Cultura. En 2005 conquistó en dos categorías el Premio Nacional a la Excelencia en Periodismo Turístico, otorgado por la Asociación de Periodistas de Guatemala. En mayo 2007 publicó el libro de cuentos El club de los aburridos.

Sus artículos, ensayos, columnas y cuentos han aparecido en publicaciones locales e internacionales. De 2005 a 2011 formó parte del Consejo Asesor para las Letras del Ministerio de Cultura y Deportes. En 2013 fue miembro del Consejo Editorial de la Tipografía Nacional. En 2018 publicó el libro para niños Detrás de la cortina. Inició su carrera periodística en 2003 y trabajó en varios medios de comunicación, impresos y digitales. Desde 2019 es editora de la Revista Galileo.

Se prepara un festival más verde, lleno de magia y cultura

Por siete años, en el mes de noviembre, se ha pintado de colores los balcones, calles y puertas de La Antigua Guatemala, creando un espacio lleno de artistas y mucho color, convirtiendo cada rincón en una gran obra de arte para celebrar el Festival de las Flores.

Vida Empresarial

16 de agosto de 2024 | 19:15h

Compartir en Facebook

Compartir en X

Compartir en LinkedIn

Compartir en Whatsapp

Copiar enlace

Guardar artículo

Esta es una actividad para toda la familia donde se han llevado a cabo más de 100 talleres, 30 exposiciones y ha contado con más de 2,500 artistas en escena. El evento une todas las artes, pero su principal actividad es mostrar el talento que existe en el país a través del arte floral.

Guatemala es la fuente de inspiración y junto a Banco Industrial conmemorarán estos ocho años traducidos en sonrisas, haciendo que el Festival de las Flores se inspire en el mágico y surrealista mundo de Alicia en el país de las maravillas, novela de Lewis Carroll, que invita a dejar volar la imaginación y sumergirse en un mundo de fantasía. Cada esquina, balcón y calle de La Antigua se convertirá en una parte de este mágico país invitando a todos a meterse a un cuento de hadas donde la imaginación no tiene límites.

Para el Mes de las Flores se ha preparado una agenda con todas las medidas de bioseguridad para llevar este pedacito de primavera a sus hogares y corazones. Se agradece la actitud de eterna primavera de Banco Industrial por llevarla a todos los guatemaltecos. Para esta edición, se tendrá una campaña más verde, en la cual las flores utilizadas por todos los participantes se irán a un proceso de compostaje junto a Green Mamma y el Ayuntamiento de La Antigua Guatemala.

La agenda

• Emprendedores que florecen
  • 12 de septiembre: Convocatoria
  • 22 de noviembre: Premiación
  • Emprendedores de Guatemala inscriben sus emprendimientos, metas, retos y logros para que Banco Industrial pueda escoger a una de ellas para recibir un capital semilla y formación empresarial.
• Antigua Cerveza
  • 26 de octubre
  • Colaboración entre Antigua Cerveza y Festival de las Flores
  • Una cerveza inspirada en los colores, tradiciones y emociones del Festival de las Flores, elaborada por Antigua Cerveza, una cervecería que nace en La Antigua Guatemala. 

• Concurso fotográfico/ exposición
  • 27 de octubre: Inauguración, Munag/ Casa de la Cultura
  • Colaboración entre CFA y Festival de las Flores
  • Se elegirán a las mejores fotografías en sus diferentes categorías. Concurso a nivel nacional.

• Exposición “Entre flores y maravillas: una exhibición inspirada en Alicia”
  • 27 de octubre: Inauguración, Casa de la Cultura/ Munag
  • Colaboración entre Estudio Azul y Festival de las Flores

• Exposición “Flores encantadas: arte, flores y fotografía en el país de las maravillas”
  • 27 de octubre: Inauguración, Casa de la Cultura/ Munag
  • Colaboración entre Artistas del Astillero, Festival de las Flores, artistas florales, Bella Rosa, Club Fotográfico.

• Jardín secreto: botánica fashion show
  • 30 de octubre, Convento Santa Clara
  • Colaboración entre Sunfresh Farms, Bella Rosa, Guatemalan Proteas y Festival de las Flores
  • Gala de Flores bajo invitación que fusiona las flores y la alta costura. Se hará una gala llena de arte floral en tocados y bisutería donde se reunirán ambas ramas en un solo lugar. 

• Las Flores Trail Run
  • Colaboración entre patrocinadores, RunGuate y Festival de las Flores
  • 2 de noviembre: Expo en Plaza Telares
  • 3 de noviembre: Carrera en Finca Carmona
  • Carrera de 5K (con o sin mascotas) o 10K a las 8:00 a. m. como parte del Festival de las Flores para promover el deporte rodeados de la naturaleza y con temática de flores y botánica. 

• Cocinando con flores
  • 10 de noviembre: Finca Santa Isabel, carretera a San Bartolo
  • Este volumen estará abierto al público inspirado en el mundo de Alicia en el país de las maravillas. Los concursantes tendrán la oportunidad de vender sus productos y dar a conocer esas novedades culinarias.

• El Universo de Alicia
  • 12 de noviembre: Cooperación Española
  • Un espacio para representar la imaginación del Mundo de Alicia donde los visitantes podrán adentrase a un mundo surreal.

• Iniciando la primavera
  • 15 de noviembre: Recorrido de Jocotenango a La Antigua Guatemala con salida en la Finca La Azotea (Tacaná)  y parada en la Plaza Central de La Antigua

• Conciertos
  • 16 y 17 noviembre: Plaza Central La Antigua Guatemala

• Festival de las Flores
  • 16 y 17 de noviembre: La Antigua Guatemala
  • Festival abierto al público con entrada gratuita. Podrás encontrar:
  • Mercadito de las flores en Plaza Central La Antigua Guatemala
  • Torneo de ajedrez (Cirma)
  • Decoración de monumentos (tributo conmemorativo)
  • Concurso “Fachadas florales”
  • Concurso “Barrios con mejor actitud”
  • Concurso “Bicicletas llenas de primavera”
  • Concurso libre floral
  • Concurso “Floral monumental” Talleres en El Bosque de Antigua Cerveza

Descubre los encantos de la belleza natural de Honduras

El Instituto Hondureño de Turismo (IHT) impulsa la campaña Verano Regional, con la cual busca destacar la impresionante belleza y riqueza cultural de Honduras. Cada rincón del país cuenta una historia ancestral que se mezcla con una cultura vibrante, haciendo un destino turístico para celebrar la vida y la libertad de una manera inigualable.

Vida Empresarial

7 de agosto de 2024 | 05:56h

Compartir en Facebook

Compartir en X

Compartir en LinkedIn

Compartir en Whatsapp

Copiar enlace

Guardar artículo

Honduras es un país que encanta con sus majestuosos parajes naturales, desde sus paradisíacas playas de arena blanca, el rumor de sus selvas, sus montañas llenas de vida y paisajes llenos de color, hasta los sabores más auténticos y tradicionales.

La campaña tiene como objetivo invitar a los guatemaltecos y al mundo a descubrir las maravillas de Honduras, cristalinas aguas, frondosos bosques y parques nacionales, reservas naturales, avistamiento de aves y la aventura única de navegar entre una laguna y el mar, encallar y ser recibido por la etnia garífuna.

“Queremos compartir con nuestros hermanos guatemaltecos la diversidad y calidez de nuestra tierra. Honduras es un lugar donde los viajeros pueden dejar atrás lo convencional y vivir una experiencia única, adentrándose en el mágico mundo hondureño. Guatemala representa uno de los principales mercados emisores y por eso queremos acercarnos mucho más; en noviembre tendremos un evento aquí con empresarios turísticos para ofrecerles paquetes de nuestros maravillosos destinos”, afirmó Stephanie Mena, gerente de mercadeo del IHT.

Con el refrescamiento de marca, Honduras promete inspirar a las personas a vivir momentos emocionantes que las hagan evolucionar, sentir la verdadera libertad, conocer nuevos mundos y encontrarse con la vida en cada uno de sus senderos.

El rico patrimonio del país, tanto natural como cultural, gastronómico e histórico, ha sido recreado en un diseño que incluye los hermosos elementos y colores distintivos del país. El tiburón ballena está representado en color azul, la herencia maya se manifiesta en color naranja, la guacamaya roja con su espléndido y vibrante plumaje se representa en rojo, y los arrecifes coralinos se evocan en verde y el color amarillo la riqueza cultural de las etnias.

Estos colores y elementos gráficos representan los diversos tesoros que los visitantes pueden descubrir en Honduras, con texturas únicas que identifican y diferencian cada uno de estos elementos. Honduras representa tres macro destinos en un solo lugar: es el centro de América, es mundo maya, es caribe y pacífico. Para más información sobre Honduras y las maravillas naturales que tiene para ofrecer, puede visitar www.iht.hn y seguir @visithonduras.

Más de siete años promoviendo educación y cultura de los guatemaltecos

El Banco de Desarrollo Rural (BANRURAL) nuevamente está presente como patrocinador en la Feria Internacional del Libro Guatemala (FILGUA), participando en diversas actividades como el Concurso Interescolar de Lectura, el Concurso Nacional de Bibliotecas Públicas, la Conferencia Internacional sobre Bibliotecas y Filgua Música, entre otros.

Vida Empresarial

12 de julio de 2024 | 10:26h

Compartir en Facebook

Compartir en X

Compartir en LinkedIn

Compartir en Whatsapp

Copiar enlace

Guardar artículo

Esta es la edición 21 del evento cultura que está instalado en Forum Majadas, zona 11 capitalina, hasta el domingo 14 de julio. Desde hace más de siente años, el banco hace un aporte destacado, como el transporte que se le dará a los niños y niñas del interior del país y de la ciudad capital, mismo que se realiza en coordinación con el Ministerio de Educación. En 2023 se logró brindar transporte a más de 5 mil visitantes de Chimaltenango, Escuintla, Alta Verapaz, Sololá, Jalapa y ciudad capital. Cifra que se espera superar para este 2024.

Además, BANRURAL cuenta con un stand interactivo diseñado especialmente para los niños con actividades dinámicas como dibujo, lectura, educación financiera y juegos educativos en una pantalla virtual, que también contarán con la presencia de Mingo y colaboradores del banco, quienes compartirán con los asistentes detalles sobre la Cuenta infantil MI FUTURO, creada para incentivar y promover la cultura de ahorro en la niñez guatemalteca.

 “En el banco siempre vamos a dar apoyo a las actividades que impliquen crecimiento y desarrollo para los guatemaltecos. Estos espacios son muy importantes para generar comunidad y que tengamos puntos de encuentro para dialogar y reconocernos unos a otros. Un país que lee tiene asegurado su futuro, porque leer nos hace crecer”, manifestó la Licda. Olga de Alvarado, Gerente de Mercadeo de BANRURAL

Adicionalmente Banrural cuenta con una agencia ubicada en el stand número 43 y un cajero automático para quienes deseen realizar sus operaciones bancarias. En apoyo al talento nacional el 13 de julio se tendrá la presentación especial de la reconocida montañista guatemalteca Barbará Padilla quien presentará su libro sobre montañismo y como superarse ante las adversidades.

FILGUA 2024 ofrece a miles de lectores, académicos, jóvenes, niños y familias la oportunidad de sumergirse en el mundo de los libros a través de más de 300 actividades culturales. Entre ellas, se destacan la visita de autores internacionales, días temáticos, conferencias, concursos, presentaciones de libros, conversatorios, teatro, cuentacuentos, y música. Además, los asistentes podrán disfrutar de la mejor exposición y venta de libros, con la participación de las principales librerías y editoriales nacionales e internacionales.

¿Molesta que Jesucristo sea guapo?

La reciente publicación del cartel de Semana Santa de Sevilla 2024, una obra del artista Salustiano García, ha levantado polémica ante una representación de Jesús de Nazaret tras la resurrección.

La discusión gira en torno a la feminización de la figura, así como a la supuesta sexualización del trabajo. El óleo sobre lienzo de estilo realista muestra, centrada, la figura de Jesús limpio, desnudo con el paño de pureza, o perizonium, y con las tres potencias (los tres rayos de luz que tiene sobre la cabeza) sobre un fondo monocromático rojo. Las únicas marcas de martirio visibles son una pequeña reminiscencia en el costado tras la lanza y la llaga en su mano izquierda.

Dos maneras de representación

Las representaciones de Jesucristo a lo largo de la historia del arte, tanto en las bellas artes como en la literatura, se dividen en dos extremos y categorías estéticas distintas: una que se distancia de la idea de belleza platónica (conocida como el Christus infirmus, indecorus) y otra que se acerca a ella (conocida como Christus formosus, speciosus).

Aquellas que siguen la primera opción muestran a un Cristo más terrenal y desprovisto de riquezas, destacando el sufrimiento de su martirio durante la Pasión, lo cual resalta su virilidad y masculinidad. Por otro lado, las representaciones que optan por un Cristo idealizado muestran un aspecto juvenil y adolescente, en línea con el ideal griego de belleza del atleta y el efebo, una belleza apolínea que se caracteriza por la belleza estética, la armonía y la proporción corporal.

LECTURAS RELACIONADAS

4 teorías sobre cómo y quién escribió la Biblia (y por qué importa)

Quién fue Poncio Pilato, el poderoso gobernador romano que supuestamente “se lavó las manos” delante de Jesús

Esta segunda corriente, que dota a la figura de una apariencia europea, es la más extendida globalmente por motivos de colonización a través de la evangelización, ya que si se atiende a los rasgos fisonómicos típicos de Oriente medio, es probable que la apariencia se aleje de este canon.

En poemas como “The Dream of the Rood” (“El sueño de la cruz”), de autoría desconocida, Jesucristo es retratado como un guerrero heroico y la palabra escrita es suficiente para retratar y proyectar los valores de la figura.

No obstante, en el arte visual surge una necesidad de reflejar la valentía, la bondad y la divinidad a través de rasgos físicos. Así, se sirve del estándar corporal del arte grecorromano para dotar a la figura de Jesús de un aura de heroísmo, valentía y bondad, en oposición con la figura del demonio. Ambas representaciones son resultado de la necesidad de clasificación en base a la apariencia física de una persona y la tradicional relación bondad/belleza y maldad/fealdad.

La fusión de los géneros

La representación artística de Jesús también ha implicado la unificación de la dualidad biológica de los sexos. Pero desde ciertas disciplinas científicas, como la teratología, esto se relaciona con lo monstruoso, ya que en un mismo cuerpo se fusionan dos estados que en principio son contradictorios.

La figura de Jesús está estrechamente ligada al estado intermedio y su correspondiente fusión –tierra/cielo, divinidad/humanidad, mujer/hombre, Padre/Hijo–. Esto se ha reflejado en la historia del arte a través de diversas obras. Por ejemplo, la Trinidad trifacial, de autoría anónima, encarna las tres figuras del milagro cristiano –Padre, Hijo y Espíritu Santo–, mientras que Salvator Mundi (1500), de Leonardo Da Vinci, presenta una ambigüedad de género en un Jesús de carácter andrógino, donde la barba viril se combina con un pecho sugerentemente femenino.

De manera similar, Cabeza de Cristo (1940), de Warner Sallman, presenta facciones tradicionalmente femeninas, con ojos marcados y pómulos rosados. Este proceso incluso llega a la androginia, ya que se representa la integración de los sexos en Jesús. Como afirma el historiador francés Alberto Malet en Personne et Amour dans la Théologie trinitaire de Saint Thomas d’Aquin (1956), “Cristo había unificado completamente los sexos en su propia naturaleza, pues al resucitar no era ni macho ni hembra, aunque había nacido y muerto con sexo masculino”.

Jesús se hace carne

El realismo presente en la obra de Salustiano genera una serie de efectos en su recepción.

La tradición de la cartelería de Semana Santa se ha centrado principalmente en obras que, o bien de manera pictórica dejan patente que se trata de un retrato, o bien presentan la escultura fotografiada en el contexto de la calle y entronizada, donde se refuerza el carácter inanimado de Jesús.

No obstante, Salustiano elimina el contexto y cualquier indicio de barniz que pudiera evidenciar la naturaleza inerte de un Jesús esculpido o retratado. Con ello logra superar lo que se conoce como el “valle inquietante” –esa sensación de extrañeza e incomodidad que provocan los muñecos, los maniquíes o cualquier escultura hiperrealista–.

La visión de Jesús según Salustiano es la del Dios cristiano como una persona de carne y hueso que incluso se toca el pecho. La mano de Dios, que tradicionalmente se encuentra en posición ascendente, tal y como lo representara Rafael en Cristo bendiciendo (1505-1506), ahora reposa sobre su propio torso y señala la herida para enfatizar su carnalidad, su presencia en la tierra.

Laura Blázquez Cruz, Investigadora en el departamento de Filología Inglesa, Universidad de Jaén

Este artículo fue publicado originalmente en The Conversation. Lea el original.

Reflexión cultural

|

Suscriptores

¿Guatemala tiene suficientes certámenes que fomenten el arte y la cultura?

Los espacios que abren posibilidades a los artistas son importantes, no solo para ellos sino para crear una cadena que traiga oportunidades a diferentes áreas.

Ingrid Reyes

17 de marzo de 2024 | 10:00h

Compartir en Facebook

Compartir en X

Compartir en LinkedIn

Compartir en Whatsapp

Copiar enlace

Guardar artículo

Estudiantes de la Escuela de Artivismo Feminista observan la obra de la artista guatemalteca Regina José Galindo durante la visita a la Nueva Fabrica, en Antigua Guatemala. (Foto Prensa Libre: La Revuelta)

La vitrina de los concuros es un termómetro que permite visualizar talentos, “alguien puede ganar una vez y no pasar de esa experiencia; pero si gana en tres o más ocasiones muestra que está destacando para la cosecha artística”, indica el artista Marvin Olivares. A los creadores les permite irse midiendo con sus pares y saber qué deben mejorar. También existen otros eventos donde se reconoce la trayectoria de los artistas consagrados, agrega.

Un cuestionamiento importante es reconocer para qué sirven los concursos y certámenes que involucren distintas disciplinas artísticas.

Para entender mejor el papel de un concurso es importante considerar que: “Le sirve al artista para darle visibilidad del momento actual, algunas organizaciones tienen fines de lucro y otras no; también está el público que es parte de esta dinámica por la formación y cultura que recibe. Además, hay organizaciones laterales como patrocinadores, curadores independientes o medios de comunicación”, explica Marvin Olivares.

Algunos concursos no otorgan premios en efectivo porque hay organizaciones que no tienen dinero o patrocinadores, es nuestro caso con Artistas de Maíz, “organizamos la Bienal de la Acuarela y damos un reconocimiento de los pintores a los ganadores, un reconocimiento del medio”, dice. Otras dinámicas consiste en organizaciones que pagan el cuadro y se quedan con el trabajo; o bien, el artista podría recibir un premio y el artista se queda con el cuadro y lo puede vender.

LECTURAS RELACIONADAS

Vestigios mayas ¿arte o artesanías?

Guatemalteco es seleccionado en coro mundial juvenil

Un poco de historia

A lo largo de los años han existidos diferentes certámenes.  Entre los más recordados está cuando existía la Dirección General de Cultura y Bellas Artes por la década de 1980, antes del Ministerio de Cultura.  En ese momento se tenían departamentos de diferentes artes y cada uno creaba actividades para la producción artística. Por ejemplo, cada año se presentaba el Salón Nacional de la Acuarela que sirvió para hacer visible a una generación de acuarelistas que no tenían otra vitrina para desarrollarse. Un cuestionamiento importante es reconocer para qué sirven los concurso y certámenes, recuerda Olivares.

Otro certamen centroamericano importante era el llamado 15 de septiembre que tenía una reputación importante, pero que ya no se organiza.

En la actualidad, a nivel gubernamental existe Espacios, una iniciativa que premia a distintos proyectos para creaciones y presentaciones artísticas en música, teatro, circo, danza, cine, canto y artes plásticas. Cada proyecto ganador puede recibir entre Q10 mil y Q100 mil. Por ahora, han participado un número limitado de artistas y cerca de 300 proyectos anuales y se espera que aumente la respuesta a convocatorias. Brenda Lara, directora del Departamento de Apoyo a la Creación Artística, explica que se ha ejecutado desde 2022 y actualmente se evalúa hacer algunos cambios en las categorías y hacer propuestas para apoyar ramas del arte que no han tenido esa oportunidad.

Galería Abierta es otra iniciativa municipal que abre el campo en especial a personas jóvenes para que tengan un primer acercamiento al arte con sus propuestas.

Entre los eventos reconocidos a nivel nacional están La Bienal de Arte Paiz y Juannio, así como Arte en Mayo.

En el caso de Arte en Mayo, de la Fundación Rozas Botrán, Mariana Solórzano, directora de arte, dice que esta actividad tiene 26 años de existir y es una plataforma de artistas tradicionales, nuevos talentos y emergentes.

“El papel de un certamen y de una galería de arte es una alianza muy importante. Marcamos precedentes en los precios de las obras a nivel nacional e internacional y se plasman en catálogos impresos y digitales para la promoción del arte y mantener la economía naranja“, afirma Solórzano.

Podría interesarle: Qué es la economía naranja y por qué fomentar su crecimiento

Por su parte, Thelma Castillo, directora cultural de la fundación, agrega que este certamen es una alianza virtuosa para hacer el bien donde los artistas son aliados con el fin de cambiar vidas y velar por la salud del prójimo y colaborar con la historia del arte”. A la fecha se tiene una base de datos de mil a 1,200 artistas y cada año ingresan cerca de 300 obras a participar.

LECTURAS RELACIONADAS

Un espacio en Guatemala para literatura femenina

Embajada de Francia en Guatemala condecora a Jayro Bustamante con La Orden Nacional del Mérito en el grado de Caballero

Castillo comparte que es importante reconocer el papel de las galerías de arte en los certámenes, el cual lleva detrás un arduo trabajo de inversión de tiempo, cúmulo de ideas e investigación que requiere planificación a largo plazo y donde se resuelve en el día a día las relaciones con el artista y también con el público.

Existen ciertos concursos que se han apagado y otros que se van generando, algunos más pequeños y dirigidos a aspectos más específicas. Por ejemplo, en el interior del país se han generado concursos de murales, “así como otros certámenes importantes que celebran el arte y la cultura y en todo lugar es importante fortalecerlos y mejorar los incentivos para los creadores”, agrega la gestora cultura Yanira Gálvez.

¿Qué hace falta?

La curadora Maya Juracán expresa que en Guatemala siempre han existido convocatorias de arte. “Hay mucha oferta cultural, en especial en proyectos de autogestión, así como por becas internacionales”, agrega.

La curadora Juracán por su activismo ha sido invitada a Emiratos Árabes y al Museo de Arte Moderno de Nueva York, actualmente pertenece a La Revuelta, donde hay un espacio en producción artística y se han sacado convocatorias para residencias artísticas.  Por ahora, está abierta una una invitación para la Escuela de Artivismo Feminista donde se elegirán a 15 mujeres a quienes se les gestionará para cubrir sus gastos de preparación, estudio y creación de obras.

Juracán además ha colaborado en espacios emergentes como en la Bienal en Resistencia que busca a los artistas que a través de su obra hacen una denuncia social y apoyan procesos de reivindicación, así como la búsqueda de la dignidad humana. Este año será a través de un Simposio de activismo en el Paque Intercultural de Quetzaltenango, del 22 al 24 de marzo.

Para Juracán también hay otros espacios como Clase 87, Perjura y La Nueva Fábrica, cada una busca incentivar a los artistas a través de propuestas. 

Ver esta publicación en Instagram

Una publicación compartida por P E R J U R A Proyecto Cultural (@perjura_proyecto)

Acerca del cuestionamiento si existen o no suficientes certámenes, Juracán dice que “nunca es suficiente todo lo relacionado con la cultura y falta un gran trabajo en  favor de la dignidad de los artistas y trabajadores culturales porque muchos de quienes autogestionan proyectos carecen de servicios de salud y otros servicios para mantener una vida digna y ahí hace falta mucho por hacer, al igual que se carece de dar a conocer más resultados de proyectos culturales que destacan a Guatemala en el mundo”, concluye Juracán.

En 2021 y 2022 participó en el Concurso Nacional de Arte Monumentos Migrantes Ingeniero Rolando Paiz Maselli con el tema de la migración.  En esa oportunidad, el artista  con su obra Contra todas las apuestas, recibió una mención honorífica y meses después el apoyo para darle vida a su propuesta.

Ramirez Aldana explica que Contra todas las apuestas es una narrativa y homenaje a los guatemaltecos fuera de nuestro país que no se dan ningún reconocimiento y que trabajan tras bambalinas, en solidaridad con su lucha, actos de resistencia y espíritu resiliente.  La técnica utilizada es alto relieve con una dimensión de cuatro metros de base por seis metros de alto.

El artista comenta que en casa le motivaron a participar en este concurso.   El tema lo creó para contar historias, “para ilustrar la lucha humana… Una mirada artística sobre los migrantes guatemaltecos, para no olvidar décadas importantes y reflexionar en el presente”, dice.

LE RECOMENDAMOS

Festival de las Flores en Antigua Guatemala 2023: cuándo se realizará y cuál es la agenda de la séptima edición

Luis Miguel en Guatemala: Cuándo será el segundo concierto del “Sol de México” y la fecha en que iniciará la venta de entradas

Una historia de la niñez

El título de la obra nació en la década de 1970, explica el artista, entre las remembranzas de su infancia.

Ramirez Aldana vivía en la zona 6 y parte de su hogar fue destruido después del terremoto de 1976.  Históricamente este momento  ocasionó grandes pérdidas humanas, materiales y problemas económicos muy serios en la población. 

A finales de ese mismo año, él tenía ocho años y recuerda que escuchó por primera vez la palabra “mojado” (término utilizado para los migrantes indocumentados).  “Recuerdo muy bien aquella palabra dicha por mi amigo de 15 años, que en esa oportunidad me llevó caminando a conocer el Aeropuerto Internacional La Aurora. Llevamos como merienda pan con mantequilla y limonada”, dice.

De regreso a su casa,  su amigo le agradeció por acompañarlo porque tenía que hacer caminatas largas como entrenamiento para irse de viaje a Estados Unidos, un consejo de un coyote (persona que se encarga de llevar  emigrantes que no tienen la documentación en regla, a cambio de una remuneración).   Él y su familia viajarían por la pobreza y la violencia intrafamiliar que sufría por parte de su papá.

El conflicto armado interno fue otra de las razones por los que algunos de sus amigos migraron. También tomó ese rumbo un hermano del artista.

Ahora a sus 54 años de edad sigue escuchando que la pobreza es una de las grandes razones para irse, además de la  delincuencia, la violencia y las extorsiones. 

Detalles de la obra

La inauguración oficial de  este mural será el  viernes 6 de octubre, en Zona Portales, zona 17, en una área al aire libre que será llamada “Mi parkecito”.  El artista describe algunas de las imágenes que integran el mural

La radio

Durante la niñez y adolescencia, la radio significó un medio en que se contaban  historias de la lucha humana de la migración.

El héroe anónimo

Representa al inmigrante que lucha de sol a sol, lejos de su patria para sostener a su familia, alejándose de todo conflicto armado. 

El paso 

El paso de migrantes a EE UU.  no se detiene.  A  los costados, están los caminos que al migrante le quedan por construir.

Ventana

Es un espacio abierto al pasado.

El pulso 

Las remesas contribuyen con la cobertura de las necesidades básicas como la alimentación y vivienda, incluso en muchas ocasiones son esenciales para adquirir la canasta básica vital. Los envíos de remesas también son utilizados en aspectos como el pago de la educación de niños, niñas y adolescentes, inyectan capital a nuevos emprendimientos, ayudan a salvar las cosechas y son invertidas en la recuperación luego de alguna crisis medioambiental.

La mujer

Se refiere a una mujer  con su vestimenta originaria. Lleva un perraje en su cabeza.  El hombre tiene que darle el valor de una mujer luchadora, por su familia, por su patria.

La mano del niño

Alzada hacia el cielo pidiendo paz entre los conflictos. 

Más sobre el concurso

El Concurso Nacional de Arte Monumentos Migrantes Ingeniero Rolando Paiz Maselli era un homenaje a todos los migrantes y reunió 54 obras físicas y 57 participantes. El concurso consistió en la convocatoria de artistas plásticos consagrados y emergentes de varias disciplinas que tuvieran experiencia ligada al diseño de obras de mediano y gran formato.   La pieza ganadora fue Todos Somos Uno, del artista Cristián Cojulún, la cual aún se encuentra en proceso de elaboración.

Considerada una de las siete artes, la escultura es una forma de expresión artística que consiste en modelar, esculpir o tallar en diferentes materiales, que pueden ser desde barro, piedra, madera, mármol, cera, yeso, hasta distintos metales.

Jorge Castillo comenzó a practicar la escultura como pasatiempo porque “creció con barro y plastilina en las manos”. Recuerda que, desde los cuatro años, aproximadamente se dedicaba a moldear objetos ya que era el método que usaban sus padres para calmar su hiperactividad. “Cuando querían que guardara silencio por un rato me daban plastilina para que jugara”, dice entre risas.

“Siempre he sido alguien ansioso y que necesita estar haciendo algo con sus manos para tranquilizarse. De niño me costaba concentrarme, así que las maestras me daban materiales para que hiciera cosas con las manos y lograra estar tranquilo. Incluso, recuerdo que aprendí a sumar con números de plastilina que hice mientras acompañaba a mi mamá a una cita médica. Cuando ella estaba con el doctor yo estaba en la sala de espera moldeando los números del 1 al 10”, relata.

LE RECOMENDAMOS

Tejiendo emociones: cómo iniciar en el croché

Psicología positiva: las claves para cultivar nuestro lado más virtuoso

Debido a que fue mejorando su talento, a los diez años su madre le comenzó a enseñar escultura. Rossmery Aguilar vivió en México toda su adolescencia y allí recibió clases de este tipo de expresión artística, por lo que al ver que a su hijo le interesaba, todas las tardes de viernes la sala de su casa se transformaba en un taller de escultura. “Ver a mi hijo concentrado mientras trataba de darle forma al yeso o la resina, sin que estuviera con los dedos en la boca o moviendo las piernas por la ansiedad para mí era un gran paso. Creo que esto le sirvió también para desarrollar la paciencia”, dice Aguilar.

Los amigos de Jorge también se interesaron por la escultura al ver que el joven era muy creativo y él les enseñaba los objetos que hacía en cada clase que recibía con su madre: un florero, una mano, una nave de Star Wars, hasta una maceta que usó para dar un arreglo floral a su novia del colegio. “El taller con mi hijo, que era un pasatiempo para ambos, se transformó en una clase de arte para jóvenes que estaban interesados en expresar sus sentimientos en diferentes materiales. Así como hay quienes descargan sus energías en el deporte, ellos lo hacían moldeando o tallando”, opina Aguilar.

Jorge y Esteban, uno de sus mejores amigos, siguen practicando la escultura como pasatiempo, ya que según indican no han encontrado ninguna actividad que los relaje tanto. Para el joven de 24 años, quien cursa el último año de ingeniería industrial, dedicar los fines de semana a “ensuciarse la ropa con resina o barro es lo que le permite recargar energía, inspirarse y ser más disciplinado en su rutina”.

Cómo iniciar en la escultura

Para Juan Carlos S. Aguilar, director y maestro de La Casa del Escultor, la escultura es el arte y técnica de representar objetos en diferentes dimensiones y se pueden usar diferentes materiales, como cerámica, hierros, cemento, resina, bronce, entre otros. “Quizá una de las más comunes es el modelado directo, que se hace con un material que va quedando sólido a los pocos minutos, por lo que con las manos y herramientas especiales el escultor le va dando la forma deseada”.

También está la escultura en papel, cerámica, modelado directo, hierro, madera y piedra, en el orden de complejidad. El maestro indica que los alumnos estudian aproximadamente ocho meses en cada fase, pero en madera y piedra se puede extender hasta año y medio para aprender bien la técnica.

“Quizá pensamos que es mucho tiempo para cada fase, pero hay que comprender que la escultura es el área de las artes plásticas más compleja porque se domina la tridimensionalidad. Para ser escultor primero hay que saber dibujar y pintar porque esto nos ayudará a tener control del espacio y sus formas”, dice Aguilar.

Otro de los aprendizajes importantes para poner en práctica la escultura es el estudio de anatomía, debido a que el arte clásico, de la época griega y romana, dejaron claro que esta ciencia es parte fundamental de la representación de la belleza. La anatomía en obras de Leonardo Da Vinci, Miguel Ángel, Rafael Sanzio, Sandro Botticelli, entre otros, es fundamental para que sigan impresionando a pesar de los años.

Al hablar de anatomía se hace referencia a la ciencia que estudia la estructura del cuerpo, por lo que en el arte ayuda a conocer el volumen, luces, sombras, cómo están formados los músculos y huesos que servirá para representar cada parte del ser humano.

Las esculturas se pueden dividir en estatuas, relieves -esculturas talladas a partir de un fondo o unidas a él-, bustos, torsos, cinéticas y penetrables.

Rossmery Aguilar añade que la escultura involucra diversas técnicas. Las más comunes son:

• Esculpido: consiste en ir tomando de un bloque de material los trozos sobrantes para dejar solo los que componen la figura.
• Modelado: se usa en materiales blandos y consiste en dar forma con las manos y otras herramientas para luego dejar que seque.
• Vaciado: se hace un contramolde de la figura deseada y se vierte dentro un material blando que después se dejará endurecer. Luego se quita el molde y se dan retoques a la escultura.
• Tallado: es común en la madera y es el equivalente al esculpido pero con otro material y herramientas.

Para que una obra sea espectacular debe tener: razón, pasión y técnica. La razón es porque debe haber un motivo para hacerla, la pasión es porque al artista le debe de gustar lo que hace y la técnica es la que se lleva a cabo según el material que se esté moldeando.

Quizá le interese | Gabriela Alfaro, artista visual: “Mis obras hablan sobre la riqueza de aceptarnos”

Según el escultor, toda persona puede practicar este arte y puede comenzar con plastilina, cerámica o barro, ya que son materiales más fáciles de moldear. Incluso, con estos puede comenzar a experimentar y así descubrir si la escultura es el camino que desea seguir. Luego, lo ideal es comenzar a estudiar con profesionales que tengan un currículum adecuado ya que todos necesitamos una guía para hacer cualquier rama del arte.

Beneficios

La escultura es una forma de expresión artística y junto con la arquitectura se encuentra presente en el paisaje urbano. Practicarla puede generar muchos beneficios psicológicos en las personas, sin importar la edad.

En la niñez, hacer figuras con plastilina o con otros materiales blandos ayuda a que desarrollen la motricidad fina. “Cuando están dando forma al material, desde que lo están redondeando o aplastando están desarrollando habilidades con sus manos. Además de que están fomentando su imaginación cuando moldean aquello que tienen en la mente. Dejar que se expresen con estos materiales les da la oportunidad de saber que también pueden hablar con las manos”, dice la pedagoga Angélica Mancilla.

Cuando ven que en sus manos tienen el poder para crear y dar forma a los objetos mejora su autoestima, a la vez que les ayuda a relajarse y concentrarse porque su mente se enfoca en solo una cosa: en lo que están creando. Esta propiedad de la escultura no solo beneficia  la niñez, sino también a los adultos y personas mayores.

Lea más | Cómo cocinar también te quita el estrés

“En las personas de la tercera edad el arte les genera una actitud dispuesta a la expresión, a jugar y crear. También les da nuevos intereses, fortalece procesos creativos en la mente y desarrolla habilidades para gestionar sus emociones. Quizá no lo dirán con palabras, pero sí con sus manos”, añade la profesional.

La escultura también apoya la consecución de objetivos, ya que al usar las habilidades motoras y la creatividad hay que crear una estrategia o un plan para realizar la figura que se desee. Esto también se refleja en ser constante. “Los principales beneficios que me ha dejado la escultura es ser disciplinado, entregado en lo que hago y con una gran pasión por el arte. Veo el mundo desde otra perspectiva, una más positiva”, enfatiza Juan Carlos S. Aguilar.

¿Hay salvación? Siempre hay una oportunidad, una posibilidad mínima pero cierta. La cábala dice «que el mal esconde, después de sus velos, el bien». Debemos tener cuidado de los «falsos mesías», que también abundarán -disfrazados de religiones, ciencias, dinero y el infinito-, todos más terribles que cualquier «tecnología».

Uno de los «mesías» más reales que existe es la literatura y su triple encarnación: poesía, novela y ensayo – el cuento es como el cuarto rey mago.

La literatura, al ser un mesías verdadero, se vale de la misma enfermedad para hacer posible la salvación universal. YouTube –uno de los más grandes demonios no imaginados por Orwell- es un campo fértil para la lucha literaria.

LE RECOMENDAMOS

“Cien Tierras”: la guatemalteca Hellen Ascoli plasma en textiles el dolor y la cotidianidad

Editatona: Una acción para reivindicar la memoria femenina en Internet

Buscando dentro de sus entrañas encontramos –bastante escondidos, aunque no imposibles de encontrar- varias herramientas de salvación:

• A fondo
• Negro sobre blanco
• Aprendemos juntos BBVA
• Fundación Juan March
• Conferencias de la UNAM

Estos son algunos ejemplos de destinos para la salvación o chispas para incendiar una realidad que necesita ser entendida y modificada. Hay más lugares, el desafío es, partiendo de estos, buscarlos.

A FONDO

Es un programa de entrevistas dirigido por Joaquín Soler Serrano. El programa se emitió por RTVE. En ese espacio se dieron cita grandes escritores, pintores, científicos, actores y un variopinto grupo de intelectuales destacados. Soler es un gran entrevistador y su habilidad enriquece el mensaje y contenido de cada entrevista.

Es un deleite y invaluable aprendizaje escuchar a Octavio Paz, Juan Carlos Onetti, Jorge Luis Borges, Carlos Fuentes, Juan Rulfo, Cortázar, Dalí, etc. Nadie sale sin aprender después de escuchar a estas obras de arte.

Juan Carlos Onetti

Juan Rulfo

Julián Marías

Jorge Luis Borges 1: https://www.youtube.com/watch?v=lj4kajdoSfc&list=PLeXDE9mxFuQttr5sgTf088x7CmRU6RsTC&index=16

Jorge Luis Borges 2: https://www.youtube.com/watch?v=Lj8HhXfS8FU&list=PLeXDE9mxFuQttr5sgTf088x7CmRU6RsTC&index=17

Mario Vargas Llosa: https://www.youtube.com/watch?v=bP7ueMO51xo&list=PLeXDE9mxFuQttr5sgTf088x7CmRU6RsTC&index=131

Julio Cortázar: https://www.youtube.com/watch?v=ppon2ldpJwU&list=PLeXDE9mxFuQttr5sgTf088x7CmRU6RsTC&index=29

Carlos Fuentes: https://www.youtube.com/watch?v=1L2iOiiLBQA&list=PLeXDE9mxFuQttr5sgTf088x7CmRU6RsTC&index=49

Octavio Paz: https://www.youtube.com/watch?v=8d3MXfrt7nU&list=PLeXDE9mxFuQttr5sgTf088x7CmRU6RsTC&index=91

Ernesto Sábato: https://www.youtube.com/watch?v=P2M93vCx52g&list=PLeXDE9mxFuQttr5sgTf088x7CmRU6RsTC&index=111

Página oficial de A FONDO: https://www.youtube.com/watch?v=bDk2I_emYc0&list=PLeXDE9mxFuQttr5sgTf088x7CmRU6RsTC&index=1

NEGRO SOBRE BLANCO

Es otro programa de entrevistas de excelente calidad y variados temas. Dirigido por Fernando Sánchez Dragó. Punto de encuentro de intelectuales de todo el mundo, que por medio de la entrevista nos van revelando sus ideas. Los programas de mesas redondas y foros son imperdibles.

Hans Küng

El origen del cristianismo

El mito de la cultura:

Julián Marías

APRENDEMOS JUNTOS BBVA

Consiste en un espacio para la educación y la divulgación científica, literaria, educativa, etc. Este fabuloso proyecto de la fundación BBVA presenta una variada serie de conferencias de los intelectuales más destacados del mundo. El programa de Aprendamos juntos es un gran aporte cultural y humano. El cuidado en la edición, el sonido, la imagen, el contenido y todos los aspectos de estos videos es de primer nivel.

https://www.youtube.com/@AprendemosJuntos

 FUNDACIÓN JUAN MARCH Y CONFERENCIAS DE LA UNAM

Son otros sitios de conferencias que nos ponen en contacto con expertos de categoría mundial. Temas de historia y ciencia son tratados de manera dinámica y profesional. La oportunidad de tener contacto con estos expertos es única. Solo por medio de estas presentaciones lo podemos lograr.

Solo dejo la invitación para que exploren estos especiales -y bastante raros- puntos de encuentro y salvación. Templos virtuales de la cultura, que pide a gritos una oportunidad de salvación.

Ojalá que un lector se convierta en San Pablo y difunda esta religión.

Ciclos de conferencias

Al menos 95 artículos fueron embargados desde febrero por haber sido saqueados de Italia y Egipto por traficantes de antigüedades, confirmó la oficina del fiscal del distrito de Manhattan el viernes.

De los cuales 27 – un valor total de 13 millones de dólares- terminaron en la colección del Met.

La fiscalía del distrito de Manhattan devolverá 58 piezas a Italia, 21 de las cuales procedían de la colección del Met, y 16 a Egipto, de las cuales seis procedían del Met.

LE RECOMENDAMOS

“Juan Sisay Galería” abre sus puertas en Santiago Atitlán, Sololá

Anette Pérez: guatemalteca lanza EP e invita con su música a la relajación

“Cada uno de estos objetos tiene circunstancias únicas y complejas y el Museo Metropolitano de Arte ha apoyado totalmente las investigaciones de la oficina del fiscal del distrito de Manhattan”, dijo el museo en un comunicado.

Esta oficina ejecutó varias órdenes de allanamiento en el museo desde febrero.

Ocho de los artículos incautados del Met fueron proporcionados al museo por Gianfranco Becchina, un operador de galería con sede en Suiza que fue investigado por las autoridades italianas.

Uno de los artículos más notables requisados del Met fue un kylix, o taza para beber, de terracota del 470 a. C. valorado en 1,2 millones de dólares, que fue comprada directamente a la galería de Becchina en 1979.

Entre los objetos egipcios incautados está el retrato “Lady with a Blue Mantle”, valorado en más de 1,2 millones de dólares.

LE RECOMENDAMOS

Estafador británico que apareció en documental de Netflix fue detenido en Bélgica

Pase un buen momento y siga estas recomendaciones de películas y series que no puede perderse

Los funcionarios dijeron que cinco de los artefactos egipcios fueron suministrados por la misma red de saqueadores que le había proporcionado al Met un ataúd envuelto en oro del siglo I a. C. que el museo acordó devolver en 2019, según The New York Times.

Por otra parte, los investigadores emitieron el martes pasado una orden de incautación para otro artículo del Met, una escultura de piedra del siglo VI que representa a una diosa madre hindú, o Matrika, adquirida en 1993.

No obstante, en este caso, las autoridades no revelaron el motivo de la confiscación.

Los topónimos de ríos y ciudades rusas también serán purgados.

A finales de junio alrededor de 6,5 millones de ucranianos participaron en una votación por internet para elegir alternativas a los nombres de casi 300 calles y plazas de Kiev.

También le puede interesar

Guatejazz: conozca el calendario de la segunda edición

“El proceso de desrusificación de los nombres de espacios públicos tiene un significado importante. Ayudará a reducir la influencia cultural de Rusia en la conciencia de los ucranianos”, señaló la administración municipal de Kiev.

El alcalde, Vitali Klitschko, ha criticado que numerosas calles y plazas sigan asociadas a la cultura de los “ocupantes” y apoyó un cambio urgente para cortar amarras con Moscú.

MENOS TOLSTÓI, MÁS TOLKIEN

Las propuestas más votadas incluyen nombres de figuras históricas, luchadores por la independencia, escritores y poetas, batallas, regimientos, activistas de la revuelta del Maidán y caídos en la actual guerra con Rusia.

Esas propuestas han sido evaluadas por una comisión de expertos y deben ser ratificadas todavía por el Ayuntamiento, aunque muy pocos dudan de que eso será apenas una formalidad.

La plaza León Tolstói, por ejemplo, pasará a llamarse de los Héroes de Ucrania. La calle Pushkinska se convertirá en la de Yevhen Chykalenko, una figura política de principios del siglo XX que participó en la fundación del primer parlamento de Ucrania.

La calle Moskovska se convertirá en la de Kniaziv Ostrovskikh, una dinastía lituano-polaca vinculada con la cultura ucraniana. Una calle que hace referencia a San Petersburgo pasará a ser de Londres.

Otra avenida estará dedicada al Renacimiento ucraniano, en referencia a una generación de escritores y artistas que fueron perseguidos -y muchos de ellos exterminados- durante el estalinismo.

También hay espacio para autores extranjeros, como J.R.R. Tolkien, el autor de “El señor de los anillos”, a quien no se le conoce filiación con Ucrania pero que sí dio nombre a una habitual definición de los militares rusos en Ucrania: “orcos”.

Esos “orcos” son unas criaturas fantásticas que actúan de soldadesca para los malvados de la saga de Tolkien, que los ucranianos identifican con el presidente ruso, Vladimir Putin.

Otra de las calles estará dedicada al activista anticorrupción Roman Ratushni, que murió recientemente luchando en Donbás durante la actual guerra, y a cuyo funeral acudió una gran multitud en Kiev.

Ratushni fue una figura destacada en Ucrania desde las protestas del Maidán y la calle que llevará su nombre está en un barrio que defendió de la especulación urbanística. Sus revelaciones destaparon varios escándalos y acabaron en procesos judiciales.

ESCASAS VOCES CRÍTICAS

En la todavía plaza León Tolstói son escasas las voces críticas sobre cambios en el callejero y la inmensa mayoría se muestra muy favorable. El motivo principal: la cultura de quien invade y bombardea Ucrania no puede tener espacio en sus calles.

Valia, una mujer de 38 años que trabaja en un salón de belleza, considera que en un momento en el que los misiles rusos matan cada día a ucranianos es un error dedicar una calle a figuras rusas.

“Creo que tenemos suficientes personas destacadas en nuestra historia como para no emplear los de un vecino que, además, nos invade”, asegura.

Oksana, de 58 años y empleada de una inmobiliaria, explica que durante su educación en la antigua Unión Soviética, de la que Ucrania era una república, sólo los autores rusos eran considerados de primera categoría y existía un desprecio a todo lo ucraniano.

“Estas calles son el reflejo de un pasado y ahora somos libres para elegir”, asegura.

Entre una inmensa mayoría de opiniones en la misma línea, un joven estudiante de veterinaria ofrece una visión más matizada.

“Entiendo que la guerra lleva a querer separarse de todo lo ruso, pero la cultura rusa también es víctima de la manipulación y las mentiras de Putin”, explica.

“Y además Tolstói al final de su vida era pacifista”, agrega.

La decisión de renombrar las calles y limpiar cualquier referencia a la cultura, la historia o la geografía de Rusia llega después de que el Parlamento de Ucrania aprobase en junio leyes para imponer restricciones a los libros y la música rusas.

Ucrania considera que este proceso, anteriormente denominado “descomunización” pero ahora definido como “desrusificación”, resulta imprescindible para deshacerse de siglos de políticas que buscaban borrar la identidad ucraniana.

La mayoría de los artistas son guatemaltecos tanto de la ciudad de Guatemala como de departamentos del país, incluso se contó con la participación de extranjeros que residen en la ciudad.  Muchos de ellos son artistas independientes, varios con estudios profesionales y otros autodidactas. La edad de los participantes está entre los 15 y 93 años.

La exposición se inauguró el jueves 24 de marzo y estará abierta hasta el sábado 30 de abril. La muestra se puede ver en las Galerías Municipales de Arte del Centro Cultural Municipal AAI (7ª avenida 11-67, zona 1, Edificio de Correos), en horario de lunes a viernes de 9 a 17 y sábados de 9 a 13 horas.

La entrada a las Galerías Municipales de Arte no tiene costo y busca que todos los visitantes disfruten de las diferentes exposiciones que se realizan durante el año, esta es catalogada como una forma de acercar el arte a los vecinos de la Ciudad de Guatemala.

Le puede interesar

“Rostro jaguar”: las imágenes que muestran detalles nunca antes vistos en Guatemala de una pieza maya que se expone en la URL

Para seleccionar las obras de Galería Abierta 2022 se realizó una convocatoria pública a través de las redes sociales. Luego se contó con la participación de un jurado calificador integrado por la curadora Renata Álvarez y los curadores y artistas visuales Alejandro Ortiz y Gabriel Rodríguez Pellecer, quienes seleccionaron las obras que participarían en la exposición y los tres primeros lugares.

Aspectos que se calificaron

Técnica utilizada, que sea interesante, buen manejo de la técnica, temática, statement o racional, planteamiento rebuscado o acorde a la propuesta. Cabe mencionar que no todas las obras fueron seleccionadas por un solo aspecto, también se tomó en cuenta que incluyera contextos locales e investigación acorde a la temática de la obra.

El proyecto “tiene como objetivo brindarle la oportunidad a todos los artistas emergentes o no emergentes de todas las edades y de todos los sitios de Guatemala, queremos que los artistas tengan un espacio importante donde mostrar sus artes, exponer sus ideas y sentimientos”, comentó Aida Bocock, directora de la dirección de cultura y educación artista de la Municipalidad de Guatemala.

Ganadores de Galería Abierta 2022

Este año las obras ganadoras fueron:

• Primer lugar, El Cuarto de Pintura

Artista: Ximena Guerrero Lam

• Segundo lugar, Recorridos, Serie de 15 paisajes

Artista: Flor de María Gómez

• Tercer lugar, Hecha a mano

Artista: Elda María Figueroa

Artistas:

1. Flor de María Gómez
2. Elda María Figueroa De León
3. Osías Ariel Ortiz Escalante
4. Carlos Javier Salazar González
5. Cristian Alexander Pérez Santander
6. Álvaro Hugo Lam Fernandez
7. Dulce María García Alvarez
8. Ana Lucía Can Reyes
9. Axel Carlos Meza Guzmán
10. Diana Victoria Chacón Bolvito
11. Aleida Suret Castillo Morales
12. Hugo Ricardo Chaicoj Chajón
13. Elizabeth Lima González
14. Luciano Arturo Morales Rojas
15. Mónica Alejandra García
16. Shanhar Morales
17. Claudia Bncic Becker
18. Débora Samantha Aquino Calel
19. María Ximena López Garrido
20. Sara Elena Tato Pérez
21. Ricardo David Morales Pacheco
22. Patricio Alejandro Vega Posadas
23. Aiza Maribel Samayoa Cuc
24. Katheryn Pamela Patá Salvatierra
25. Olivia Rossana Sandoval Méndez
26. Gustavo Sapón-Madrid
27. Dámaris Pamela Alvizures Luna
28. Juan Antonio Martínez Juárez
29. Nelson Andrés Ortiz Pinto
30. Mónica Yesenia Chilin Cush
31. Edgar Heddy Rodas López
32. Luis Alejandro González Hernández
33. Alan Enrique Petz Grajeda
34. Maria Sofia Coronado Gaitán
35. Haroldo Castillo García
36. José Chitic Quiej
37. Miguel Mendoza Tiney
38. Giulia Ariadna Reyes Villagrán
39. Christian Rosito Solares
40. María Inés Reiche García
41. Carolina Saadeh
42. Margó Porres
43. Maya Grissel Pérez Chiquín
44. Andrea Guísela Bobadilla Ruiz
45. Ximena Guerrero Lam
46. María Cristina Alvarado Guerra
47. Andrea Guadalupe López Hernández
48. Lourdes de Lagunas
49. Roberto Benjamín Escobar Raguay
50. Lisandro Ricardo Skol Barrios
51. Julissa Dabeyba Estrada Toledo
52. Djassminn Morales
53. Julia de los Ángeles Palomo Pérez
54. Cristian Josué Pórrez
55. José Alexander Diéguez Flores

El Gukumatz en persona es la obra con la que ganó la XI Bienal de Sao Paulo, en 1971; I Bienal de Costa Rica en 1971 y el Premio Nacional de Pintura Carlos Mérida en 2018; es una monumental pieza en madera, pintada de azul y blanco. También están los murales pictóricos en vestíbulos de edificios.

De las colecciones de pintura, la Fauna Guatemalense muestra una serie de animales y otros bichos resueltos en formas geométricas, que representan imperfecciones sociales, como la soberbia. También están el Quetzal y la Quetzala, personajes fundadores y rectores de nuestra nacionalidad. Particular mención merece el Lobo, figura de perfil, de fuertes rasgos y feroces fauces abiertas, que tanto dentro del conjunto de la serie, como en su individualidad manifiesta vida propia y una amenazante disposición a morder.

Le puede interesar

La obra de Luis Díaz en el Centro Histórico

De la serie La Conquista, los personajes están plenamente identificados, empezando por Tonatiuh (el conquistador), La Sin Ventura, fray Bartolomé de las Casas, tres piratas y tres princesas —reales y literarias—: Xicoténcatl, Ixquik e Ixmuc. Su colorido y riqueza de expresión gráfica recuerdan las danzas tradicionales de moros y cristianos, y de La Conquista. La colección se complementa con fragmentos de espejo suspendidos frente a las obras, a la altura del ojo, cuyos reflejos recuerdan aquel primer encuentro comercial que, con alevosía y ventaja, permitió canjearles por jade y otras riquezas; figura de explotación que prevalece entre sus herederos.

La exposición

Estará disponible de jueves a domingo de 9 a 16 horas, la entrada tiene un valor de Q5 para nacionales y Q50, extranjeros. Se podrá apreciar hasta el domingo 6 de febrero de 2022 en el Museo de Arte Moderno.

La trayectoria de Luis Díaz

• Arquitecto, pintor, muralista, escultor y artista plástico guatemalteco. Díaz se graduó de arquitecto de la Universidad de San Carlos de Guatemala -USAC- en 1961.
• Fundó la galería de arte DS tres años después. Ha participado en exposiciones internacionales como la Bienal de París –Francia-, la Bienal Americana en Chile y en la Bienal de Puerto Rico.
• Su trabajo ha dejado construcciones como el Edificio Médico Obelisco y el del Banco Industrial, así como la Plaza del Sol e incluso el campus de la Universidad de San Carlos de Guatemala -USAC-.
• Ha ganado premios en Honduras, Brasil, Costa Rica, Nicaragua y México, entre otros. Obtuvo el premio de arte latinoamericano Francisco Tatarazzo Sobrinho en la XI bienal de Sao Paulo, Brasil.
• En 2006 la Facultad de Arquitectura de la USAC le concedió un Doctorado Honoris Causa. En 2016 recibió la Orden del Quetzal en grado de Gran Cruz.
• En noviembre de 2018, Díaz recibió de parte del Ministerio de Cultura y Deportes, el reconocimiento Carlos Mérida -Premio Nacional de Artes Plásticas 2018.

“Lo único que me queda es hacer cosas ejemplares”, Luis Díaz Aldana, artista.

Según vecinos de Santiago, la tradición comenzaría en los años 40 del siglo pasado, pero en 1978 evolucionó cuando surgió una organización y se crearon los lineamientos para participar.

Los barriletes que este 1 de noviembre, Día de Todos los Santos, se elevaron al cielo fueron armados en el estadio municipal de esta localidad.

En el lugar se logró apreciar barriletes de diferentes tamaños, uno de los cuales fue elaborado por un grupo de niños.

TAMBIÉN LEA

Incautan droga: ¿De dónde provenían los contenedores que llegaron a Santo Tomás de Castilla con cientos de paquetes de cocaína?

A las 10 horas, en un acto protocolario donde participó el Comité Permanente de Barriletes de Santiago y los integrantes de los grupos participantes, la actividad fue inaugurada y los gigantes barriletes fueron elevados al cielo.

Cada uno de los grupos expuso el significado del diseño y el mensaje que plasmaron en cada una de las obras de arte.

Félix Barrios, fue el diseñador del barrilete más grande del festival, el cual midió 13 metros y lo elaboraron entre 15 personas.

Barrios contó que la obra de arte fue en memoria de su abuelo quien hace dos meses murió y también se dedicaba a elaborar barriletes. El grupo de Barrios tenía una diseño, pero con la muerte de su abuelo cambió.

El grupo Típicos Santiagueros este año dedicó su barrilete de siete metros de diámetro en memoria de la víctimas de la pandemia. Lauro Quel, dirigente del grupo expuso que la obra de arte rinde homenaje a los niños y adultos que perdieron la batalla contra el Covid-19.

Sumpango

En Sumpango, Sacatepéquez, la edición 43 de este festival que se celebra en el Día de los Santos Difuntos se realiza en una finca privada en las afueras del municipio, con la participación de más de 50 grupos de barrileteros, según explicó el alcalde de ese lugar, Enrique Cubur, en una transmisión en vivo por redes sociales.

La pieza, un boceto que se exhibirá a partir de este viernes en la pinacoteca, muestra a un anciano trabajador, aparentemente cansado, vestido de traje de bombazina, con la espalda encorvada y sentado sobre una silla probablemente de madera, la cabeza agachada entre sus manos, y con ambos codos apoyados sobre las piernas.

Según explica a Efe Teio Meedendorp, investigador principal del museo, se trata de un “añadido” a la colección del artista neerlandés porque “sabemos que, durante ese periodo, hizo muchos modelos de estas pinturas”, pero este descubrimiento “da una idea particular de sus métodos de trabajo porque está estrechamente relacionado con otro dibujo”.

Este modelo aparece regularmente en los trabajos de Van Gogh y el artista lo retrató al menos cuarenta veces. En estos dibujos, el artista no solo mostró su simpatía por los socialmente desfavorecidos, sino que también llamó la atención sobre su situación, porque para él no eran inferiores a la burguesía acomodada, analiza el museo.

En una misiva a su hermano Theo y a su amigo Anthon van Rappard, el artista describió todos los detalles de cómo surgió el dibujo final, lo que hace que este descubrimiento, “que no es menos impresionante que el dibujo final”, ofrezca una visión excepcional del proceso de trabajo de Van Gogh en ese momento de su vida.

Lea más

Cómo un hombre robó un Van Gogh en medio de la pandemia y cómo fue capturado por la Policía

Los residentes de una casa de beneficencia en La Haya posaron con prendas viejas y desgastadas, a cambio de una pequeña remuneración, para que Van Gogh los pueda retratar.

Apasionado de las figuras de la clase trabajadora, las pintó en decenas de ocasiones en diferentes dibujos que sobreviven como su herencia a día de hoy.

La familia propietaria de este dibujo, que prefiere permanecer en el anonimato, nunca quiso hacer público este trabajo, hasta que el año pasado, la pinacoteca hizo un llamamiento a coleccionistas privados para cooperar con una base de datos digital de Van Gogh.

Entonces solicitaron al museo que lo estudiara para determinar si, como ya imaginaban, se atribuía a Van Gogh. Meedendorp concluyó que, en términos artísticos, la obra “encaja perfectamente con los muchos estudios de figuras que conocemos de la época de Van Gogh en La Haya y la conexión con ‘Desgastado’ es obvia”.

El artista empezó dibujando una cuadrícula en el papel, “lo que nos dicen que trabajó con un marco en perspectiva para ayudarlo a capturar una figura rápidamente con las proporciones correctas” de su modelo. Después, siguiendo su carácter explosivo a la hora de dibujar, Van Gogh realizó trazos y contornos, con especial atención a los efectos de luces y sombras.

La huella del pintor también se refleja en los materiales usados por él en ese periodo: un lápiz de carpintero grueso como medio, y papel de acuarela grueso como soporte, lo que fija con una solución de agua y leche.

En esta obra también se aprecian rastros de daños en las esquinas de la parte posterior del dibujo, lo que se relaciona con la forma en la que Van Gogh solía colocar hojas de papel en su tablero de dibujo.

La directora del Museo, Emilie Gordenker, señaló que es “bastante raro que un nuevo trabajo se atribuya a Van Gogh” y subrayó que la pinacoteca está “orgullosa de poder compartir este dibujo preliminar y su historia” con los visitantes, que podrán admirar este nuevo descubrimiento hasta el 2 de enero como parte de otras obras del mismo periodo.

“Como centro de conocimientos especializados dedicado al trabajo de Vincent van Gogh y sus contemporáneos, estamos encantados con este descubrimiento y muy felices de haber hecho una contribución a nuestro campo de especialización”, agregó.

Para Meedendorp, exhibir esta obra, que está bautizada como “Study for ‘Worn out'” (“Boceto para ‘Desgastado'”), junto a otros trabajos del mismo periodo, “ofrece una visión especial del proceso” artístico de Van Gogh. “Es más, el estudio es un dibujo muy fino y poderoso, que se sostiene por sí solo”, concluye.

En el comunicado publicado en la página de la institución se lee:

Por este medio se exhorta a los ciudadanos a respetar todas las medidas de bioseguridad, dando cumplimiento a las disposiciones brindadas.

El MCD reafirma su compromiso de resguardar la salud de la población en general, por lo que hace de su conocimiento que los Centros Deportivos seguirán funcionando con regularidad, tomando las medidas de prevención correspondientes.

Entre las actividades que estaba realizando la cartera, se encontraban obras de teatro y presentaciones en el Centro Cultural Miguel Ángel Asturias.

Le puede interesar

Giammattei anuncia estado de Calamidad con restricciones de horario de 22 a 4 horas, reuniones y otras medidas

Las disposiciones dictadas por el presidente estarán vigentes durante 30 días desde su publicación.

Entre las medidas que anuncio el ejecutivo resalta la prohibición de actividades que no respeten en aforo permitido.

Limitar la movilidad de las personas de 22:00 a 4:00 horas.

El mandatario señaló que no estarán autorizados los eventos públicos, como reuniones sociales y recreativas, que no son necesarias, pero no aclara el tema de los servicios religiosos.