“Alrededor del Fuego”: exposición colectiva de arte en el Museo Ixchel de Guatemala

En la exposición colectiva “Alrededor del fuego”, once artistas reinterpretan mitos y leyendas a través del dibujo, la pintura, el grabado y la escultura. Conozca los horarios de visita de la muestra.

Ingrid Reyes

16 de septiembre de 2025 | 14:00h

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Un fragmento de la obra del artista guatemalteco Camilo Almaráz, uno de los artistas que estará en la muestra Alrededor del fuego. (Foto Prensa Libre: cortesía)

Alrededor del Fuego, donde las palabras se transforman en relatos y las sombras adquieren forma, nacen las historias que forjan la identidad de los pueblos. Esta exposición colectiva reúne a once artistas visuales que, a través del dibujo, la pintura, el grabado y la escultura, exploran el vasto universo de la narrativa oral, reinterpretando mitos y leyendas que han trascendido generaciones.

Las obras evocan las voces de relatos universales, desde historias sombrías hasta hazañas de héroes míticos. Cada pieza es una interpretación contemporánea de narraciones
atemporales que no solo se cuentan, sino que se sienten y se viven. Este proyecto rinde homenaje a la riqueza de la tradición oral, al mismo tiempo que la proyecta hacia el futuro, invitando a los espectadores a sentarse simbólicamente “alrededor del fuego” del arte, donde lo ancestral y lo contemporáneo se encuentran y dialogan.

Entre los artistas estarán: Camilo Almaráz, Gustavo Bracamonte, Luis Caal, Walter C. Castillo, Arianka Lopez, Manuel Navichoc, Alexis Ramírez, Josue Ramírez, Exal Rivera, Esteban Solares y Mauro Yojcom.

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Fecha

Del miércoles 17 al martes 30 de septiembre

Hora

De lunes a viernes de 9 a 17 horas;
sábado, de 9 a 13 horas y
domingo, cerrado

Lugar

Museo Ixchel del Traje Indígena – 6ta Calle final zona 10 campus Universidad
Francisco Marroquin, Ciudad de Guatemala

Precios y localidades :

Q40 tarifa por hora de parqueo

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La información fue proporcionada en conferencia de prensa por los músicos  Alejandro Gómez y Christian Escobar en el Centro Cultural Mosaico, en la zona 1 de la ciudad capital.

“Continuamos con el compromiso de apoyar al maestro Orellana en su proceso de recuperación“, dijo Gómez durante la conferencia.

También hablaron del “Festival Orellana: Eco de Guatemala”, un concierto benéfico hecho en El Ataque, en zona 4 y en donde varios músicos guatemaltecos mostraron su apoyo no solo a nivel económico, sino musical y artístico.

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“Fue un evento que marcó un hito en la comunidad artística guatemalteca al unirse por una causa noble. Este concierto benéfico no solo fue una muestra de solidaridad hacia uno de los pilares de la música contemporánea, sino también una plataforma para que artistas expresaran su admiración y respeto por su legado”, indicaron los músicos en la conferencia.

Luego, ampliaron detalles acerca de las actividades que harán en beneficio al músico guatemalteco, en donde se destacan conciertos y proyecciones de cortometrajes.

Actividades

La primera actividad que anunciaron los músicos guatemaltecos será el próximo sábado 2 de maro en el Centro Cultural Mosaico, en el que habrá una proyección especial de cortometrajes que fueron instrumentalizados por el maestro Orellana.

“Esta actividad busca celebrar su influencia indeleble en la música y cultura de Guatemala”, señalan los músicos.

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También, el próximo domingo 3 de marzo, en el teatro Dick Smith del IGA, se hará un concierto de música popular.

“Este concierto promete ser un encuentro de talentos extraordinarios que pronto serán anunciados, todos unidos por la recuperación del maestro Orellana“, detallaron.

Finalmente, anunciaron un concierto de música académica, el cual contará con alrededor de 30 personas, incluidos “destacados músicos de academia” que homenajearán las obras de Orellana.

Los músicos indicaron que próximamente se darán más detalles del lugar y la fecha que se llevará a cabo el concierto de música académica.

Estado de salud de Orellana

Junto con el anuncio de las actividades, también se dio una actualización del estado de salud de Joaquín Orellana.

Fue Karen Orellana, hija del músico quien aseguró que el maestro se encuentra estable de salud, y que se encuentra en su casa para continuar con el proceso de recuperación.

“Él en este momento se encuentra bien, se le han quitado todos los puntos y afortunadamente ya se encuentra en casa en estado de reposo”, dijo.

El maestro tuvo diferentes tratamientos, como lo fue la colocación de un marcapasos y atención especializada para su pancreatitis.

El 29 de diciembre, Karla Orellana junto a su hermano, Joaquín Andrés, y la esposa del músico, Sheila Ramírez de Orellana, ofrecieron una conferencia de prensa en donde detallaron el estado de salud del también compositor.

Los familiares detallaron que Orellana fue diagnosticado con pancreatitis aguda luego de haber desarrollado cálculos biliares. Además, sufre de obstrucción en los conductos biliares, por lo que se requiere hacerle una operación de vesícula y una endoscopía.

En su momento, los hijos y esposa del músico indicaron que previo a los procedimientos antes mencionados, Orellana debía ser intervenido para colocarle un marcapasos.

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Por todo el proceso médico que requiere Orellana, sus familiares pidieron ayuda económica para solventar los gastos. Ante este llamado, varios artistas guatemaltecos llevaron a cabo un concierto benéfico llamado “Festival Orellana” el pasado 3 de enero.

Actualizan estado de salud

Este martes 16 de enero, la familia del maestro Joaquín Orellana actualizó el estado de salud del músico por medio de un mensaje en redes sociales.

“Queremos agradecerles todo el apoyo que hemos recibido y queremos informarles lo siguiente: nuestro padre fue trasladado de parte del IGSS hacia el anexo del Centro Médico Militar, en la zona 16, y le han programado la colocación del marcapasos para hoy 16 de enero”, se lee al inicio del texto.

Los familiares señalan que Orellana se encuentra en la Unidad de Cirugía Cardiovascular de Guatemala (UNICAR) y le realizaron todos los exámenes previos para la operación en donde le colocarían el marcapasos. “Les ruego que sigan con su buena energía y oraciones”, añaden.

Luego de este procedimiento médico, Orellana será trasladado nuevamente al Centro Médico Militar, para que en días posteriores se programe otra intervención para continuar con su recuperación.

Alrededor de las 15:30 horas, la familia del músico y compositor informó que el procedimiento médico se “complementó con éxito”. Señalaron que los signos vitales y parámetros de Orellana están normales y él se encuentra tranquilo. “Gracias a todos por sus buenos deseos”, añadieron.

Desde tomar la difícil decisión de dejar Berlín, Alemania, y regresar a Guatemala, hasta una ruptura amorosa, Las Vueltas dan Mucha Vida reflexiona sobre el significado de renovarse como individuo, definir y establecer propósitos de vida, “La vida da muchas vueltas, es una frase que se usa bastante, sin embargo, uno nunca se imagina el rumbo que va a tomar y a veces suceden cosas que están fuera de tu alcance, pero esas cosas que no son esperadas dan mucha vida” mencionó el artista.

Para este álbum, el cantautor opta por un estilo más minimalista refiriéndose a los arreglos y la producción, optando por la propuesta de sonar como si se cantase en vivo con un tono más nostálgico.

Ochoa menciona que Propósito es una de sus canciones favoritas del álbum ya que define su propósito vida, que es hacer música, “He estado en varios proyectos y en varios lugares, pero siempre regreso a hacer música. Es lo único permanente en mi vida.”

El cantante ya contaba con una propuesta musical previa titulada Guatermelon, lanzado en 2020, la cual define como una planeación de su camino artístico.

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Sobre el álbum

El álbum consta de diez canciones completamente en español, un deseo que tenía el autor desde hace mucho tiempo, tres de las cuales ya fueron lanzadas (Guerra, Terremoto y Propósito) y el resto se estrenan este 8 de diciembre.

También cuenta con la colaboración de la violinista Maria Gric, la baterista Franchesca Pract y los ingenieros de sonido Max Doherty y Will Gurry.

• Guerra – Lanzada el 8 de noviembre de 2023
• Sol de Berlín
• Terremoto – Lanzada el 8 de septiembre de 2023
• Propósito – Lanzada el 8 de octubre de 2023
• Gravedad Cero
• El Día Llegó
• Cuando las Hojas Caen
• El Día Llegó
• Mi Inspiración
• Reinventar

Futuros Proyectos

Pablo Ochoa comenta que ya está planeando proyectos a futuro y le gustaría centrarse en hacer algo más energético ya que el proyecto actual es un poco más melancólico, “Me gustaría centrarme en un álbum más energético, hacer canciones más alegres e incluir más instrumentos”. El cantante menciona que ahora se siente más feliz de estar en Guatemala y le gustaría plasmar eso en sus próximas canciones.

Su historia

Pablo Ochoa inicia en la música desde muy temprana edad, a los 7 años comienza a tocar el piano y dos años después compone su primera pieza musical dedicada a su mamá. A los diez ingresa al Conservatorio Nacional de Música de Guatemala para estudiar piano clásico.

Estudia durante unos años en Estados Unidos, y a los 19 años se muda a Alemania en dónde forma junto con cuatro amigos la banda de música PandaKraft. Es en Berlín dónde Pablo se dedica a trabajar su voz, escribir canciones y aprender sobre producción musical.

En marzo del 2023 expuso la serie Los destinos del alma en el Museo del Louvre, luego de que una galería de arte en Colombia conociera su trabajo y le hiciera la invitación para llevar a cabo la exposición. “Con esta serie exploro el concepto de eternidad y presagio, que contienen la ideal del alma”, detalló.

Seis meses después, Escobar se convirtió en el primer connacional en exponer sus obras en el Museo del Prado. En esta ocasión la serie fue Re-nacer, con la que exploró una nueva estructuración como individuo.

El 20 de octubre el artista guatemalteco regresó al Louvre, para presentar la serie Reminiscencia, que hace alusión al concepto de Reminiscencias de Platón. Esta temática surge del análisis de por qué hacer hiperrealismo (estilo de pintura que realiza Escobar).

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“Mediante un autoanálisis traté de ver la realidad desde la óptica de la consciencia y no desde el sentido biológico. Me sumergí en un riguroso proceso de deconstrucción de mis verdades, tanto de índole genealógica y de la conciencia, hasta la deconstrucción de conformación técnico-práctica”, explicó Escobar.

“Por ello, el concepto de hiperrealismo se transforma, ya que me sirve únicamente a nivel filosófico donde voy más allá de la realidad y compongo a partir de lo que mi mente puede proponer como un rebote de la persistencia de la razón sobre la poesía”, añade.

La serie está conformada por 30 piezas, de las cuales 15 se expusieron en la galería Sattchi, de Londres. “Las obras que estuvieron en el Louvre tendrán su certificación, ya que el museo me lo otorgó porque consideran que mi trabajo es lo que se estará apreciando en los próximos siglos en los museos del mundo. Eso fue muy satisfactorio”, comentó el artista.

Escobar recibirá el “nobel” del arte

El premio Botticelli es un galardón organizado por los críticos del arte, comisarios y editores de revistas internacionales de Arte, que busca reconocer a grandes maestros del arte. Es uno de los reconocimientos más importantes que otorga la ciudad de Florencia, Italia.

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El también llamado “nobel del arte”, marca un hito en la carrera de los artistas galardonados, pues se convierte en una plataforma para dar a conocer sus proyectos en otros escenarios del arte y la cultura mundial.

“Fui seleccionado y premiado con el International Prize Botticelli. La selección de los artistas premiados ha corrido a cargo de un jurado constituido por críticos y comisarios de arte quienes, con la concesión de este prestigioso galardón, otorgan su reconocimiento a la obra y trayectoria de creadores destacados de diversos países del mundo y disciplinas artísticas: pintores, escultores y músicos”, comenta Escobar.

 

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Es uno de los premios de arte más prestigiosos del viejo continente, otorgado en el corazón de Florencia a aquellos artistas que se destacaron por su investigación artística y estilística. La ceremonia se llevará a cabo el 20 de enero, en los salones del Palazzo Borghese de Florencia, Italia.

Mención honorífica en el “Galardón a las Artes Torres García”

En el 2022, Escobar participó en ARCOmadrid, la Feria Internacional de Arte Contemporáneo de España. Además de ser la puerta para exponer en el Museo de Louvre, fue la llave para que el comité curatorial de Imaginarte Art Gallery, de Barcelona, y quienes son los organizadores del Premio Galardón a las Artes Torres García, conocieran su trabajo.

“El comité curatorial me escribió y me contó que desde esa exposición en ARCOmadrid le siguieron los pasos a mi trabajo. Vieron la evolución y celeridad de cómo he desarrollado mi arte en la escena internacional. Entonces, les pareció que era un candidato idóneo para ser nominado al galardón a las artes. Eso fue lo que me comentó Victoria de la Serna, fundadora y directora de la galería”, relata Escobar.

La premiación se realizó el viernes 6 de octubre y, aunque no ganó el premio, recibió una mención honorífica, lo que representó publicaciones en medios de comunicación españoles.

El Galardón anual Torres García es un reconocimiento a aquellos individuos y organizaciones que han demostrado un compromiso excepcional y profesionalidad en su desempeño diario. Samuel Escobar fue el primer guatemalteco en estar nominado en la categoría pintura.

Botero fue el artista de las figuras voluminosas, “no gordas”, como solía aclarar, una obra que lo convirtió en artista universal y que está repartida en forma de pinturas y esculturas en museos y plazas de todo el mundo.

“Estaba delicado de salud, llevaba varios años con un Parkinson rígido” y “desarrolló una pulmonía en los últimos cinco días (…) llegó un momento en que se le estaba dificultando muchísimo respirar, afortunadamente murió tranquilamente”, declaró la hija del artista a Blu Radio de Colombia.

Nació el 19 de abril de 1932 en Medellín, Colombia. Transitó por el arte contemporáneo y el moderno, pero fue su estilo figurativo, desarrollado a través de las suaves formas de sus figuras regordetas, el que le dio fama mundial.

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“La palabra ‘gordo’ no le gusta nada, la desterraría; él es un pintor de volúmenes”, destacó en marzo pasado Marisa Oropesa, comisaria de la exposición “Botero: Sensualidad y melancolía”, presentada en Valencia, España).

Su obra en Guatemala

Aunque no se tiene registro de que el artista colombiano visitó Guatemala, sí tuvo relación con el país centroamericano por medio de sus obras y amistades.

En el 2007, la exposición y subasta de arte en Guatemala “Festival de Juannio” contó con una de las obras del colombiano en su catálogo. El evento se lleva a cabo cada año y es considerado uno de los grandes referentes del arte en la región

Juannio se divide en una exposición, que es la premiación a un concurso en la que participan artistas guatemaltecos. Esta se lleva a cabo en el Museo Nacional de Arte Moderno “Carlos Mérida”. Además, surge una subasta en favor del Instituto Neurológico de Guatemala.

Hace 16 años, en el catálogo de artistas internacionales estaba la obra Harborscape, del uruguayo Julio Alpuy; Cabeza No. 1 del dominicano Cándido Bidó y el carboncillo del colombiano Fernando Botero, con una pieza que reitera, con mucha gracia, la iconografía que desarrolló a lo largo de su carrera.

Su amistad con Abularach

Rodolfo Abularach, quien falleció en agosto 2020, también por problemas de salud, fue uno de los artistas guatemaltecos que dieron vida a las mejores obras visuales del país.

A sus inicios, el guatemalteco comenzó como dibujante y pintor de escenas de corridas de toros. Pero, conforme los años, su obra atravesó una profunda transformación cuando intentó juntar los elementos del arte abstracto y del surrealismo y experimentó con texturas, como por ejemplo en dibujos sombreados hechos en lapicero y tinta.

Abularach partió en 1959 con una beca de estudios a Nueva York, ciudad en la estudió grabado y creó obras por unos 40 años. También montó más de 9 exposiciones en el MoMA. Allí conoció e hizo amistad con Fernando Botero.

“Conocí a muchos artistas latinoamericanos. Fuimos muy amigos con Omar Rayo y Fernando Botero, con este último nos reuníamos a tomar café, pues ambos teníamos nuestro estudio en la calle 14 de Nueva York. Recuerdo que en una oportunidad entré a una librería en la que él (Botero) estaba promocionando una de sus publicaciones y cuando me vio salió a saludarme”, relató el guatemalteco en una entrevista a Prensa Libre en el 2017.

*Con información de EFE.

Al cuestionarse si en algún momento ha imaginado su vida sin arte respondió que no, porque desde que tomó consciencia de su ser durante la preadolescencia estaba seguro de que, de cierta forma, llegaría a ser artista.

Samuel no se equivocó. Luego de estudiar en la ENAP, especializarse en pintura y dar varias clases de arte en su país, una serie de circunstancias lo llevaron a estudiar en el Nerdrum Art Studio en Suecia y Noruega; y exponer su trabajo a nivel internacional.

El 31 de marzo del 2023 se convirtió en el primer guatemalteco en exponer su arte en el Museo de Louvre, en Francia, con la serie Los destinos del alma.

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Del 1 al 5 de septiembre será el primer connacional en presentar su obra en el Museo del Prado, en Madrid, España. La serie es llamada Re-nacer, debido a que expone una nueva estructuración como individuo luego de estar cumpliendo sueños, como las exposiciones en el continente europeo. Esta serie la expondrá primero en Argentina, en la exposición Bada.

Luego, regresará a Guatemala para trabajar en una nueva serie que presentará próximamente en el Museo del Louvre, en París. Esta sería su segunda exposición en este recinto cultural.

¿Cómo llegó su trabajo al Museo Louvre?

La historia comenzó hace más de un año con mi participación en ARCOmadrid, la Feria Internacional de Arte Contemporáneo de España. Una galería de arte de Colombia ve mi trabajo y me contactó porque el gobierno de ese país tenía la invitación para participar en el Museo de Louvre y exponer a artistas latinoamericanos.

En este museo de París expuse la serie Los destinos del alma con la que exploro el concepto de eternidad y presagio, que contienen la ideal del alma. Son siete obras porque en mi trabajo el hilo conductual es la unión de conceptos, así que acá me basé en que el mundo fue creado en siete días. Básicamente es mi mundo colocándose en la historia del arte universal y sentando un precedente en el arte nacional.

 

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¿Y ahora con el Museo del Prado?

A finales del 2022 expuse en la Fundación Carlos de Amberes, un edificio del Siglo XVI que tiene obras de artísticas históricos del pasado. Allí conocí a Miguel Falomir Faus, director del Museo del Prado, y él me invitó a participar en esta exposición de artistas contemporáneos.

Será una exposición histórica porque, además de que este museo no ha tenido a artistas contemporáneos, es un hito para mi carrera y para la historia del arte de Guatemala.

¿De qué trata la exposición?

Luego de que expuse Los destinos del alma en el Louvre, que trató acerca de cómo el destino puede cambiar, pensé en que con estos acontecimientos que se avecinan para exponer en el continente europeo lo que tengo que hacer es Re-nacer, por eso se llama así la exposición.

Pensé que al lograr algo muy grande, como la exposición en el Louvre, lo que menos quería era quedar eclipsado en que solo lo hice una vez y eso fue lo mejor de mi vida. Tenía que aventajarme a mi mismo, entonces con las exposiciones que vienen lo que tenía que hacer era renacer, reestructurarme.

¿Qué podremos ver en Re-nacer?

Esta nueva serie es ver mi renacer como individuo. Debido a que el orden de la construcción de mis obras parte de la poesía, esta viene acompañada de un poema de dos versos. De allí estructuré la poética alrededor de que los individuos estamos conformados de dos formas: del cuerpo y el alma.

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Entonces, comencé la composición de templos, entendiendo que nuestro interior es un templo majestuoso, y la colocación de cómo todo puede ir naciendo.

Este es un ejemplo de cómo aplico el hiperrealismo a nivel filosófico, más que a nivel técnico descriptivo. Si nuestro interior está compuesto por las mismas partículas que compone una estrella, entonces el poder imaginar un alma es viable.

 

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¿Sus obras parten de un poema?

Sí. Aristóteles creó el concepto de mímesis, que era copiar el mundo que vemos y describirlo tal cual; mientras que Platón crea la póiesis, término del cual se deriva la palabra “poesía”, y que hace referencia a creación. Al saber esto investigó más y llegó a la filosofía de composición de Edgar Allan Poe y comienzo a escribir poemas. Además de que desde niño tengo la costumbre de escribir.

Mis cuadros son poesía. El proceso de todos ellos lo inicio colocando el título de la obra, escribo un poema y luego comenzó a hacer las imágenes de la pintura. De esta manera tengo una limitación y el proceso creativo se traslada en elementos más concretos que dan orden a los elementos que están en el imaginario de lo que pinto.

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¿Cómo influye la literatura en su trabajo?

Lo es todo. Las bases están sentadas en la literatura porque allí se encuentran respuestas de todo tipo. Por ejemplo, los conflictos de padre e hijo que tenía Franz Kafka en Carta al padre fueron una respuesta e inspiración para una serie que hice cuando falleció mi papá. Mi obra tiene relación con la literatura.

Si ahora es pintor y su base es la literatura, ¿en dónde queda su deseo de ser músico?

Ese gusto y deseo no lo maduré. Creo que quedó en mi modo de vestir.

Su formación comenzó acá en Guatemala, pero continuó Suecia y Holanda con grandes maestros del arte. ¿Cómo, con tanta influencia, toma su propio estilo?

Luego de estudiar en la ENAP y especializarme en pintura di clases de arte, lo cual me llevó a encontrarme con el mejor amigo de mi papá en su adolescencia quien también fue mi maestro de dibujo. Con una plática acerca de cómo hacer obras de arte sin perderse y encontrar cada uno su camino me impulsó a inscribirme en la academia del artista Odd Nerdrum a quien he admirado desde hace mucho tiempo y fui aceptado por él. Allí, de cierta forma, comenzó todo porque para construir se necesita apertura y no quedarse en el núcleo básico al que uno pertenece.

Así comienzan muchas alianzas maravillosas. Estaba en Florencia, Italia, cuando me enviaron una invitación para ARCOmadrid y así se fueron dando otras exposiciones a nivel internacional.

 

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¿Cómo conserva su estilo propio?

Sería muy simplista de mi parte tratar de copiar a alguien porque sería tratar de ocupar su espacio, algo que esa persona ha obtenido con su esfuerzo. Además, la manera en que veo la vida no es la misma que la de los demás, entonces, copiarle sería como tratar de tener sus ojos.

Mi papá nos impulsó a que fuéramos nosotros mismos, siempre, por eso el arte de mi papá y de mi hermano tampoco se parecen al mío. En resumen, he tenido claro que no quiero ocupar el espacio de alguien más.

Cuando me preguntan qué viene después de la exposición en el Louvre respondo que vienen muchas más cosas, porque a mis 30 años no quiero que esta oportunidad sea una trampa del éxito.

Más de 250 obras fueron seleccionadas, en donde predominó la variedad de técnicas, ya que se encontraban pinturas, esculturas, fotografías, grabado, técnicas mixtas y arte-objeto.

Este año el comité estuvo a cargo de Jose Rozas-Botrán, Miguel López-Remiro, de España, Comisario, consultor y director de proyectos de arte independiente, Alex Slato, Consultor de arte latinoamericano, miembro de la junta directiva de LA Artcore Center, en Los Ángeles, Aldo Bianchi, director del Museo UNIS Rozas-Botrán (MURB); y María de Botrán, Mariana Solórzano, Thelma Castillo, directoras de Organización, Arte y Cultura de la Fundación Rozas-Botrán.

La celebración, además de premiar al ganador con un libro memorable y un premio único de US$5 mil (Q38 mil aproximadamente), también contó con menciones honoríficas, un reconocimiento a la trayectoria y otro al “artista revelación del año”.

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La Fundación Rozas Botrán otorgó el premio único a Juan Bautista Navichoc Pop -Navipop-, originario de San Juan La Laguna, Sololá, por su obra titulada serie Q’omaneel, Curador, Rsamab’al wati’t nmama’ Taa’ Tu’r Tiyaq’iin B’aqol b’aaq, instalación.

Esta obra, de acuerdo a la Fundación, se encuentra inspirada en la cosmovisión maya, concretamente en los sobadores de huesos y que es trasladada de generación en generación.

“La obra de Navipop, como una instalación, pero perpetuada por medio de cuatro esculturas en madera, envueltas en tzutes o servilletas ceremoniales, simboliza el instrumento del trabajo terapéutico de cuatro generaciones“, explica la institución sobre el trabajo una de las obras de Navichoc.

En una entrevista con Prensa Libre, Navipop explica que ha participado anualmente desde 2017, en tres ocasiones ha sido finalista y dos veces ha sido ganador del premio único, en 2020 y 2023.

“Para mi es una gran bendición y un reto que me he puesto y me hace comprometerme para seguir enriqueciendo el nombre de Guatemaya (Guatemala), como lugar y cuna del arte ancestral”, dice.  Agrega que es un reto personal para seguir rompiendo horizontes.

El artista dedica el premio al Creador Supremo y también a su abuelo, Nicolás Pop, quien a sus 100 años falleció este año, así como a sus ancestros y a su mamá.  “Gracias a mi abuelo tengo algunos conocimientos ancestrales a través de diálogos y comunicación desde que era niño”, recuerda.

Asegura que un gran número de sus obras son inspiradas en esas vivencias de infancia y experiencias.  Navichoc ha participado en más de 40 exposiciones colectivas, entre las más importantes están: Funsilec, Subasta Club Rotarios, Colectiva Mano Amiga, Momentos Patronato de Santo Domingo, Patronato de Junkabal, Rozas-Botran, Fundación Margarita Tejada, Exposición Colectiva Noche de Arte en la Casa del Embajador de los EE.UU.

El sololateco comparte que uno de sus sueños es exponer en museos internacionales, así como en la reconocida feria de arte contemporáneo llamada Art Base, que tiene lugar en Miami, o en bienales internacionales como la de Venecia, Italia.

Ver la obra ganadora

La obra de Navichoc junto a la de todos los participante de Arte en Mayo 2023 será expuesta en la Galería Rozas-Botrán, en la 16 calle 4-66 de la zona 14, la entrada será libre y se podrán llevar a cabo visitas guiadas, ya sea para personas individuales o para grupos.

Los días y horarios de las visitas para la exposición son de lunes a viernes, de 08:00 a 13:00 horas y de 13:30 a 16:00 horas y cerrará el 29 de junio.

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Navipop explica que esta instalación también cuenta con un audio en voz de su abuelo quien comparte sus anécdotas, una grabación con la que quiere mantener su recuerdo y sabiduría.  Se tiene un texto en su idioma materno traducido a español.  “Es una obra llena de energía, historia ancestral y una obra única”, asegura.

Otros reconocimientos

Otro de los reconocimientos dados en el Festival Arte en Mayo fue el de trayectoria, el cual se le entregó a Jamie Bischof, quien estudió en el California College of Arts and Crafts, San José State University, California.

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“Más que considerarse una artista conceptual, Jamie se describe como una receptora del arte visual, que está abierta a experimentar. Hay momentos en los que empieza la pieza, pero al finalizarla la impresiona más su estructura, y se interna en su descomposición”, dice el comunicado.

El premio a “artista revelación del año” se le fue entregado a Sebastián López Durán, por su obra titulada “Súper Héroeso”.

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“Durán ha alcanzado un alto nivel de comunicación a través de la pintura con acrílicos, óleos y otros medios. Sus dibujos tienen esa característica repetitiva, que se manifiesta a través de la figura humana, particularmente la femenina, con intensos colores y profusión de líneas gruesas que abarcan la superficie del soporte en toda su área”, explica la fundación.

Con respecto a las menciones honoríficas, estos fueron los once artistas nombrados:

• Arturo Solís por su obra Ofelia
• Irene Carlos por su obra Nocturno
• Gennaro Rodríguez, de Panamá por su obra Moon
• Rocío Villanueva por su obra El portal de los sueños
• Dulce María González por su obra Venta de flores y más
• Esteban Solares por su obra Agua y sal
• Josué Hernández por su obra Diálogo entre 5 elementos
• Manuel Navichoc por la serie Umbrales
• Mauro Yojcom por Atit’ya, escultura
• Brandon Ramírez por su obra Jazz
• Betty Paiz por su obra Absoluto
• Edwin Bixcul por su obra de la serie forma a la piedra y nombrarla como objeto de poder.

La pintura es una obra de arte que retrató al cantante guatemalteco durante su concierto Hecho a la antigua, el certamen en streaming que se realizó en Antigua Guatemala en abril del 2021.

En el cuadro plasmó al artista cantando junto con su guitarra en las ruinas de la Iglesia y convento de Las Capuchinas y a las icónicas velas que iluminaron el concierto.

El concierto Hecho a la antigua fue una inspiración para Sonny, quien a través de su arte busca conocer al reconocido cantante y poder expresarle su admiración y agradecimiento.

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Sonny pide apoyo para entregar el cuadro

Aguilar compartió su pintura el viernes 4 de noviembre por medio de sus redes sociales, e indicó que el cuadro es un regalo para el cantautor nacional  y desea poder entregárselo en persona.

“Ayúdame a demostrar nuestra gratitud hacia Ricardo Arjona por poner en alto el nombre de nuestra bella guatemala Gt”, indicó Aguilar.

En la publicación exhortó a sus seguidores a mencionar a Ricardo Arjona en los comentarios para que en su próxima visita a Guatemala pueda cumplir su sueño.

Usuarios de redes sociales etiquetaron al usuario @ricardoarjona e @infomundoarjona, en apoyo a Aguilar.

Historia detrás del cuadro

Sonny compartió con Prensa Libre los detalles de cómo surgió la inspiración para retratar a Arjona.

“Esta pintura la realicé con mucho anhelo para nuestro compatriota Ricardo Arjona, la cual anhelo poder entregársela en su próxima visita a Guatemala. Sería un sueño para mí que él aceptará este obsequio” agregó Aguilar.

El artista comentó que la pintura está basada en el concierto Hecho a la Antigua que considera es un concierto muy bello y una obra de arte, ya que transmite sentimientos y emociones.

La obra le tomó aproximadamente 6 meses, debido a que dedicó especial tiempo para pintar cada detalle y lograr una sensación de realismo. “Deseaba hacer algo super especial para él, como fan y admirador de su música” señaló.

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La pintura fue realizada con la técnica de óleo sobre lienzo y cuenta con una medida de 50 x 60 cm.

 

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Un artista apasionado

Sonny Aguilar tiene 24 años, es originario de Chimaltenango y actualmente es residente de Santa María Cauque, Santiago Sacatepéquez.

Cuenta con 10 años de experiencia profesional. Inició en el mundo del arte en su infancia, ya que indicó que siempre le han gustado los colores y formas.

Con el paso del tiempo fue perfeccionando su técnica.  De forma independiente amplió su conocimiento sobre anatomía, teoría del color, composición y asimismo como la historia de artistas que lo inspiran: Leonard Da Vinci, Caravaggio, Vincent Van Gogh, entre otros.

Aguilar aseguró que su técnica favorita es el óleo, aunque domina varias técnicas como: acrílico, lápices, acuarela, Body Paint y Muralismo.

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El retrato y la figura humana es lo que más adora pintar.  Comentó que le encanta entender y estudiar cómo el ser humano puede expresar tanto sentimiento y emociones a través la mirada, su forma de vestir y el rostro

 

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“Creo que el ser humano es un ser tan misterioso el cual amo poder estudiar y representar a través del arte” mencionó Sonny.

Además de ser artista practica la fotografía, es programador y diseñador. Por lo que unir la tecnología con las humanidades le encanta.

El artista mostrará sus obras en noviembre de 2022 durante el Festival de flores en Antigua Guatemala.

El poeta y artista multidisciplinario Julio Serrano Echeverría tiene claro que su punto de partida para la creación es la poesía. De ella surge él, como un hombre en constante movimiento que trata de imaginar una nueva realidad desde los distintos lenguajes del arte, como un ser humano que absorbe todo lo que ocurre a su alrededor para tratar de entender su vida.

¿Qué es la escritura para usted?

Son distintos momentos de la vida. No es esta idea de que escribir solo es sentarse a pensar en un leguaje articulado y sus letras, sino que es un proceso que está conectado a la curiosidad e investigación. Trabajo siempre mis proyectos con investigaciones porque es lo que les da forma, algunas veces es forma de fotografía, de poesía, de ensayo, etc.

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Entonces, la escritura es el universo en el que me meto y en el que me mantengo. Por ejemplo, hubo un momento en el que me metí al universo de las montañas y todo lo que hacía estaba alrededor de ellas, desde pensar, leer, escuchar, ver películas, caminar. Todo lo que implica investigar creativamente es escritura.

¿Cómo se da cuenta que la investigación es el trasfondo de la inspiración?

En el 2011 estuve en México haciendo una investigación sobre migración. De todo lo que aprendí, tuve la fortuna de darme cuenta de que para la creación se necesita tiempo. El gran recurso es el tiempo.

La inspiración es curiosidad organizada. No alcanza con lo que se tiene en el cuerpo, en la librera, en la memoria, sino que hay que buscar fuentes nuevas, aprender nuevas cosas. Ese movimiento me mostró que mientras más sucediera a mi alrededor había más materia para crear, imaginar y seguir trabajando. Entonces, ahora tomo la tarea de ir a jugar, sentir, ver, escuchar y hablar, ser un intruso de la temática que estoy buscando.

Entonces, ¿qué tipo de movimientos creativos son los que lleva a cabo?

Tienen que ver con la cotidianidad, esa es parte de la magia. El sentido que se desarrolla es la atención. Soy una persona muy atenta al entorno y muy curioso. Por ejemplo, si estoy sentado en el sillón de la sala y escucho el sonido de una vela que encendí hace rato, entonces le presto atención.

Esa es una lección muy mesoamericana para mí, es algo que me ha enseñado mi dialogo voluntario con la cosmovisión maya, que todo lo que nos rodea tiene identidad, espíritu, entonces podemos tener diálogo con lo que nos rodea.

Cuando vemos las cosas con una mirada dramática se reciben estímulos fuertes de ideas y emociones. Con el ejemplo de prestarle atención a la vela, al sonido que emite, quizá podría tener una historia acerca de las cosas que suenan y que no sabía que sonaban, puede ser una historia para niños. Así funciona prestarle atención a las cosas y desplazarme de lugar porque quiero saber más. Podría preguntarle a un bombero cómo suena un incendio, eso es investigar. No me alcanza el estímulo inicial, me toca dar el siguiente paso que es aprender acerca de eso que se manifestó.

Cuando uno se sumerge en una investigación creativa comienzan a manifestarse las rutas para aprender, entonces solo queda decidir hacia donde vamos. Si la investigación es curiosidad, la escritura es decisión. Yo decido que señales seguir.

¿Cuál es su último aprendizaje de este tipo?

Hace más de un mes di positivo a Covid, por lo que tuve que estar en casa. No podía hacer casi nada, tenía poca energía, pero me di cuenta de que las enfermedades sirven para regresar a uno mismo.

Desde hace siete años tenía un cuento en mi cabeza, basado en un sueño, que quería escribir, pero no podía. Sin embargo, en este periodo de confinamiento lo pude hacer. Fue muy lindo que algo tan complicado como la enfermedad nos recuerde que en el centro de nosotros están esperando elementos importantes que desean salir.

El aprendizaje fue cómo la memoria está en mi cuerpo. Yo soy memoria, de alguna manera este caso me reconectó con un ser mío muy profundo que quería salir. Incluso, avancé en proyectos de escritura que no había podido en los últimos dos años.

¿Cómo llegó la escritura a su vida?

Creo que a lo largo de mi vida ha pasado varias veces. La primera fue a los 9 años cuando leí Veinte poemas de amor y una canción desesperada de Pablo Neruda, porque mi padre lo estaba leyendo. Me gustó mucho, no por el amor, sino porque el lenguaje.

Recuerdo que puse una hoja en blanco en la máquina de escribir de mi papá y me propuse a escribir como Neruda. Fue mi primera crisis ante una página en blanco, no pude escribir nada. Recuerdo esa confrontación, que terminó hasta los 14 años, porque en la adolescencia ya me llegaron los libros y las palabras. Me di cuenta de que amigos cercanos escribían. Mi manera de entender la escritura está muy ligada con mi pueblo, mi origen, entonces, nos juntábamos a tomar café y a intercambiar libros.

Cada cierto tiempo reafirmo que esta es mi manera de vivir. Refirmo que la escritura es la manera más personal, más amada, en que la vida se manifiesta en mí.

Sus proyectos como artista multidisciplinario están relacionados con la memoria histórica y la cultura de la región…

Sí, es algo espiritual, es la conexión que tenemos los seres vivos de comunicarnos. Me parece un evento extrañamente bello haber nacido en este tiempo. Creo que somos privilegiados porque tenemos una carga poética gigante. Somos una región que siempre está manifestando su sentir.

Desde mi ser ladino quetzalteco, nací y vio en una región en donde el universo fue creado. En un lugar en donde se crearon idiomas y se siguen hablando. Yo no hablo ningún idioma maya, mi idioma materno es el español, pero puedo sentir la fuerza de cómo la vida se creó acá. Como poeta siento el compromiso de poder contarlo.  La cantidad de estímulos poéticos que hay en este territorio es inmenso, por ello hay que sentarse a escuchar.

¿En qué momento incursiona en la poesía y literatura infantil?

Lo primero que llegó fue la poesía y nunca se fue. Soy un poeta que explora en otros lenguajes, por eso he estado cerca del cine documental, de ficción, de la fotografía, entre otros. Lo que hago es desde la poesía y aprendo de otros artistas.

La literatura infantil está muy relacionada con la poesía porque puede conectarte con un universo, en este caso, la infancia. No me refiero a conectar con nuestro niño interno, sino a un universo al que podamos volver por medio del lenguaje.

El cine me llega como una experiencia colectiva y colaborativa. El gran aprendizaje que me ha dejado es a trabajar en equipo, así que ahora lo aplico en todos. Mis proyectos siempre están abiertos y busco tener un diálogo y polifonía en ellos.

Al final, todo lo hago desde la poesía. Mi papá tiene la capacidad de contar historias de manera oral, así nació el amor por la palabra literaria. Mi mamá viene de la música, yo nací cantando. Entonces, en la combinación de la tradición oral y de la música seguro que tenía que salir poesía.

¿Cuál es la lección que le ha dejado el arte?

La necesidad de imaginar el mundo. No es solo una necesidad estética o placentera, no es el gozo de la poesía o del arte y de la belleza. Sino que necesitamos seguir imaginando el mundo porque, sino sé si a todas las personas les pasa, pero en este país a cada rato sentimos que ya todo colapsó.

Parte de lo que el arte nos da es seguir imaginando, no solo otros mundos posibles, sino que nos permite cambiar la historia y los cuerpos. El arte siempre se adelanta a imaginar. Ese es el gran regalo que nos da.

El arte está directamente conectado a la vida, en su capacidad de que la vida puede seguir poque si solo fuéramos entes pensantes y racionales, si solo tuviéramos las herramientas que tenemos a la mano para entender esta realidad, pensaríamos que esto se acabó. La vida sigue siendo posible y el arte es una prueba concreta de que así es.

¿El arte puede ser una herramienta para romper las fronteras de la región?

No creo que el arte vaya a salvar a nadie. No creo que pueda hacer algo contra el hambre y las grandes estructuras económicas que rigen la desigualdad. Pero sería imposible transformar esa realidad sin aquello que el arte nos provee. Digamos que es una herramienta intermedia. No le podemos pedir que cambie la realidad, no tiene esa fuerza, pero sí tiene sensibilidad, reconocimiento de la vida, la capacidad de imaginar algo que no hubiéramos logrado si no nos pudiéramos dejar llevar por la propia vida y sus lenguajes.

El arte no es el fuego, sino que es la persona que se encarga que la llama no se apague.

Su cuerpo está siendo velado a partir de este sábado 26 en las Capillas del Recuerdo y mañana, domingo 27, será el entierro a las 9:30 horas en el Cementerio Las Flores.

La historia de Mauro López con el arte comenzó desde la niñez .  En entrevistas previas compartió que uno de los primeros papeles con que comenzó fue con papel kraft, un material que no era tan costoso y sus primeros trabajos eran con lápiz y carboncillo.

Su historia

A los 14 años quería estudiar arte e ingresó a la Escuela Nacional de Artes Plásticas y desde entonces hasta la fecha tuvo un compartir frecuente con maestros y alumnos de la institución.

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“Venimos de familias que no heredaron el arte, pero ahora nosotros les heredamos esto a nuestros hijos”, dijo en una ocasión, mientras compartía de su historia y anécdotas de vida en un video que el Ministerio de Cultura y Deportes publicó durante la pandemia.

Parte de su vida la vivió en la ciudad, en la colonia Primero de Julio y sus padres eran originarios de San Marcos.  En este lugar pasó parte de sus vacaciones en la niñez y algunas de sus obras llevaban recuerdos de esas imágenes.

En esa oportunidad también compartió la interpretación de una de sus obras en las que evoca juegos de antaño que ya casi han desaparecido, una serie dedicada a esta temática. 

Su carrera artística fue de más de tres décadas.   Su trabajo ha sido descrito como una trayectoria ha sido fructífera y enriquecedora. “Se ha caracterizado por plasmar espacios simbólicos, poéticos y familiares”, dijo la Fundación Paiz en cierta oportunidad.

Además fue catedrático de la Universidad Popular en donde impartió cursos de artes visuales a las nuevas generaciones.

El artista Marvin Olivares lo recuerda como un gran amigo, además de compartir con él parte de su vida artística.  “Desde que estuvo en la Escuela Nacional de Artes Plásticas, como persona era servicial y ayudaba a la cohesión del grupo, era como el eje para que todos se reunieran…tenía el don de reunir personas y además es preocupaba por los amigos y estaba al pendiente si todos estaban bien…”, agrega.

Olivares también describe que el maestro López pertenecía a una generación de artistas con una línea de trabajo estilizada con un color muy fuerte, era un colorista.  Trabajó con figuras, paisajes, frutas y colores muy guatemaltecos.

Le recuerdan además como una persona activa en la que siempre estaba produciendo.  Uno de los proyectos en los que se le recuerda es en Tecoarte en 2016.

En esa ocasión el Banco Industrial convocó a un selecto grupo de artistas pintores de todos departamentos del país, les dio como lienzo la escultura de un tecolote gigante y los comisionó para plasmar en él una composición pictórica en homenaje a la esencia de Guatemala, sus tradiciones, su trabajo y su gente.

Los tecolotes eran esculturas de resina de 2.5 x 1.5 metros, elaboradas por el escultor Sebastián Barrientos y el arquitecto-crítico de arte Christian Cojulún. En esa ocasión participaron 44 artistas invitados, entre quienes estuvo López.

Desde niño, el maestro Recinos dibujó monstruos y grandes batallas. Después se dedicó a representar hermosas damas y héroes surreales. Su sola presencia transmitía ingenio y vivacidad. Sus obras muchas veces desafiaron la decadencia política y social.

Su particular estilo se fue consolidando a partir del expresionismo abstracto en la pintura y la arquitectura orgánica moderna.

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Lorena Recinos, hija del artista, compartió con la Fundación Rozas-Botrán este valioso tesoro. Y una selección del legado en papel que ella custodia será restaurado por la Fundación CREA (Centro de Rescate, Estudio y Análisis Científico para el Arte).

Detalles de la exposición en Rozas-Botrán

• Dirección: 16 Calle 4-53 zona 14
• Horario: lunes a viernes de 8 a 16 h y sábados de 9 a 12 h.
• Abierta hasta el 22 de diciembre.
• Entrada libre.

Los Latin Grammy nacieron en el año 2000 y en la edición del 2003 Guatemala empezó a ser un referente con Ricardo Arjona como su embajador. Conforme al paso de los años, cada vez más guatemaltecos han estado nominados en diferentes categorías, como Gaby Moreno en Mejor artista nueva y Bohemia Suburbana en Mejor álbum rock.  Incluso, otros connacionales han participado en la producción de proyectos nominados.

Este 2021 Guatemala estará representada en la ceremonia gracias a Gaby Moreno nominada en la categoría Mejor canción tropical con Bolero a la vida, y también Aroddy, que participa en la categoría Mejor álbum cristiano. La ceremonia se llevará a cabo el 18 de noviembre a las 19 horas.

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En el siguiente interactivo* le contamos acerca de los guatemaltecos que han estado nominados en la historia de los Latin Grammy.

El proceso de votación

La Academia Latina de la Grabación fue fundada como el referente internacional de la música latina. Cada año, el proceso de votación para los Latin Grammy comienza cuando los miembros de la Academia Latina y compañías disqueras inscriben productos, los cuales son revisados para confirmar su legalidad y ubicados en las categorías correspondientes.

Después, los miembros votantes de La Academia, quienes trabajan en alguno de los diferentes aspectos creativos y técnicos de una grabación, participan en el proceso de nominación que determina a los cinco finalistas de cada categoría -diez en el caso de las categorías generales- y en el voto final que determina a los ganadores.

*Con información de: Latingrammy.com; Paola Matheu, directora de comunicación en MP5 Comunicación; Javier Valdeavellano, productor musical, ingeniero de sonido y miembro votante para los Grammys 2020; y Keneth Cruz, periodista musical.

La primera galardonada del evento fue Nicolle Baechli, por revelación canto popular. Recibió la medalla por parte de su padre, quien la ha apoyado desde el inicio de su carrera.

En la premiación estuvieron presentes solamente organizadores, artistas premiados y quienes les colocaron su medalla. Sin embargo, hubo una transmision vía Zoom, para que todos los familiares y público en general pudiera ver la actividad.

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Desde el área de artes plásticas fue premiado Alexander Ambrocio, quien ha destacado en las áreas de acuarela, oleo y muralista en sus 12 años de trayectoria. “Cómo no me va a dar mucho orgullo ver esos textiles y premiar a las personas de mi Guatemala profunda”, dijo María Eugenia Gordillo, fundadora de los premios Artista del Año, al presentar al artista.

Uno de los momentos más especiales del evento fue para la entrega de un premio especial “por formar otro grupo femenino que depara mucho éxito por sus cualidades y talento” al Cuarteto entre viento y madera. El reconocimiento fue entregado por Isabel Ciudad Real, directora de la Orquesta Sinfónica Nacional.

El grupo artístico está integrado por Blanca Delgado, en la marimba; Gabriela Corleto, en la flauta; Telma Díaz, en el fagote; y Vicky Castillo, mezzo soprano.

El “Cuarteto entre viento y madera” recibe un reconocimiento especial en los Premios Artista del Año, por formar otro grupo femenino que depara mucho éxito por las cualidades y talento de sus integrantes. pic.twitter.com/5yKtJjSF0y

— Andrea Jumique (@ajumique_pl) October 26, 2021

“Siga adelante con este evento, Doña María Eugenia. Se resalta uno de los mayores tesoros en Guatemala, que son las artes y la cultura”, expresó Isabel Ciudad Real, al leer el diploma entregado a las cuatro artistas.

La medalla de trayectoria en las artes plásticas fue para Edgar Calel, originario de Comalapa y quien dedica su trabajo a su cultura ancestral y reflexiona sobre el movimiento y la transformación de la vida. En octubre 2021, el artista lleva su trabajo al Museo Tate de Arte Moderno, en Londres. Además, ha tenido muchas exposiciones colectivas e individuales en países como Guatemala, Brasil, España, Estados Unidos, México, Portugal, Suiza, El Salvador, entre otros.

Homenaje

El maestro Guillermo Ramírez Valenzuela recibió un homenaje especial por su trayectoria y aporte al teatro de Guatemala, dirección, actuación y creatividad. Es fundador del Teatro Producciones Candilejas, de la Escuela Internacional de Teatro en Cuba, del Puente Centroamericano de teatro, entre otros.

En el 2001 Joaquin Orellana lo invitó a dirigir su obra “La tumba del gran lengua”, con la que se presenta en el Festival Iberoamericano de Teatro, en Cadiz, España. En el 2002 realizó la película “Donde acaban los caminos” de Mario Monteforte Toledo, en donde se encarga de la dirección de actores.

“Jamás habíamos estado presentes a un evento que durante 41 años consecutivos premiara al artista nacional en todas sus ramas. Creo que alguien debería de hacer el Premio María Eugenia Gordillo y quien lo debe ganar es María Eugenia Gordillo. Cada vez, desde hace 41 años, cuando oímos su nombre se nos dibuja una sonrisa, porque es sinónimo de reconocimiento y fiesta.”, dijo Ramírez al recibir el reconocimiento.

El maestro reiteró que no se arrepiente de ser artista. “Les juro, si volviera a nacer y me preguntaran qué quiero ser, diría con seguridad que quiero ser artista. Agradezco el premio y por favor, sigamos haciendo arte”, expresó.

Participación artística

La primera participación artística estuvo a cargo de Nicolle Baechli, revelación canto popular, y Napoleón Robleto en el piano; ambos interpretaron Luna de Xelajú. Luego fue el momento de Telma Díaz y el evento cerró con la participación del Cuarteto entre Viento y Madera.

Listado completo de ganadores

• Nicolle Baechli, revelación canto popular
• Alexander Ambrocio, destacado en artes plásticas
• Telma Díaz, destacada en interpretación musical
• Cuarteto entre viento y madera, destacados en interpretación musical
• Aníbal Chajón, destacado en letras
• Edgar Calel, trayectoria en artes plásticas
• Juan Francisco Sandoval, medalla Ricardo Mata por fotografía artística
• María Isabel Madriz, trayectoria en artes plásticas
• Rony José Soto, medalla Antonio Almorza por locución artística
• Byron Ramírez, trayectoria en escultura
• Guillermo Ramírez Valenzuela, homenaje especial por su aporte al teatro, dirección actuación y creatividad.

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Gallardo considera que la mejor forma de celebrar la vida de un artista es apreciando su obra, por lo que ya tiene varios años de celebrar de esta forma su cumpleaños. Sin embargo, este 2021 también se festejan 65 años de exposición. Según relata Muriel Gallardo, comunicadora del artista, desde el año pasado el maestro quería hacer una exposición, sin embargo, por el confinamiento no era el mejor momento para hacerla.

“A mí me fascina ver el curriculum vitae del maestro, porque es impresionante todo lo que ha hecho. El año pasado lo estaba leyendo y me di cuenta de que en el 2021 se cumplen 65 años desde que comenzó a exponer. Entonces, le dije que mejor nos esperáramos para celebrar los dos aniversarios juntos. Por eso la exposición de se llama 85/65”, dice la comunicadora.

La exposición

Desde la invitación a la exposición se puede observar el tema del evento. “Queríamos que todo aquel que se acerque al lugar de alguna forma conmemore esos 85 y 65 años. Por eso el formato de la invitación es un círculo, porque es la vida de Manolo Gallardo, tanto en lo personal como en lo artístico”, enfatiza Gallardo.

La exposición 85/65 también es especial porque desde hace tres años que Gallardo no exponía, aunque el 2020 hizo todo lo posible, no lo pudo hacer debido a que los espacios culturales estaban cerrados por la pandemia.

En la exposición se podrá observar 29 obras de arte que pertenecen a colecciones de todos estos años de carrera. “Hay obras importantes de su trayectoria. Por ejemplo, una de 1999 que es el cuadro más grande, no de tamaño, pero sí de contenido porque está formado con 165 retratos. La obra mide 3.50 metros cuadrados. Pero también hay obras recientes, incluso del año pasado. Dos tienen como temática el covid-19, y podemos encontrar también su serie de La Antigua”, dice Gallardo.

Las obras están colocadas en orden cronológico, para que el público pueda apreciar un recorrido por la vida artística de Manolo Gallardo. En el lugar, al fondo, podrá observar el cuadro grande con los 165 rostros, porque es el más antiguo, luego el recorrido va en sentido de las agujas del reloj. Se da vuelta al lugar y llega a la última obra del 2020. En total son cuatro obras nuevas las que expondrá el artista.

“Él está contento porque puede exponer aun cuando estamos todavía en pandemia. Siempre dice que le alimenta el alma que más personas vean su arte, y el no poder enseñarlo, el estar encerrado, lo tenía triste; pero ahora está muy feliz”, agrega.

El lugar

La exposición estará disponible del 10 de junio al 10 de julio en Bisho, 16 calle 7-30 zona 14, Plaza Cañada. En horario de 10 a 18 horas.

Este lugar tiene como objetivo posicionar a todos los artistas con igualdad, sin importar que sean emergentes o con una larga trayectoria. Se enfocan en el talento, ideas o historias que se desean transmitir desde el arte. “Después de tres años sin exposiciones, Manolo Gallardo toma el espacio de BISHO con una colección de obras que permiten notar su firmeza ante el realismo académico, pero, como siempre, desde temas surreales. La transición entre los ángeles, mariposas y libélulas del Maestro nos permiten recorrer de manera sublime su vida” dicen los representantes del lugar.

Trayectoria

Manolo Gallardo estudió pintura y escultura en la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, la Academia Artium y la Academia Peña de Madrid y en la Academia de San Carlos de Valencia, España.

Al regresar a Guatemala impartió clases en la Escuela Nacional de Artes Plásticas, en la Facultad de Humanidades de la Universidad de San Carlos y en la Academia Gallardo de Guatemala. Ha participado en más de 100 exposiciones personales y colectivas, entre ellas, la del Museo Regional de Chiapas, México; en el Museo del Vaticano en Roma, Italia; Expo 92 en Sevilla, Instituto de Cultura Hispánica en Madrid, España; entre otras.

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Su hijo, César Augusto Hernández, comenta que su padre, a la edad de 6 años, empezó con la inquietud por la música debido a que escuchaba misa todos los domingos. Durante esa época había órganos que se llamaban armonios, en los que el sonido era producido por aire soplado a través pedales. El pianista guatemalteco se interesó por ese instrumento y aprendió a tocarlo solo con escuchar la melodía. La primera vez que tocó en público fue cuando un músico se enfermó y había quién lo sustituyera.

A los 15 años ingresó a la orquesta “Armonía en tinieblas”, la cual estaba conformada por un grupo de jóvenes no videntes y así fue como aprendió a tocar piano. Trabajó por muchos años como músico en restaurantes y hoteles.

Durante su adolescencia acompañaba a los cantantes con la orquesta Armonía en tinieblas en el programa Buscando Talentos, de la radio TGW.

En 1980 grabó su primer disco, Nuestra música al estilo bailable, que salió a la venta en 1981. En ese material figuró la melodía Linda Kelly, canción que dio a conocer por toda Guatemala. A partir de esa fecha el pianista grabó más de 56 discos y ganó su primer Disco de Platino por mayor venta de Vamos a bailar.

Entre sus composiciones más famosas se encuentran las cumbias Sebastián y El Chivo Mayor; Recuerdos de Ipala (corrido) y el Merengue en Do. Además, Cachacero, Puerto Alegre, Bailando en Purulhá, Inquieto y muchas otras.

Fue invitado por la Organización de los Estados Americanos (OEA) para un recital de piano, en el que interpretó música guatemalteca como Luna de Xelajú.

El hijo del artista comenta que viajaban a los departamentos y asistían a todas las ferias. Siempre lo acompañó y recuerda que visitaron varias aldeas de la Antigua Guatemala como San Bartolo en donde tuvo una participación en vivo en una de las procesiones. Sobre una tarima el artista interpretaba sus melodías con un órgano y un teclado, mientras los fieles católicos realizaban su recorrido procesional.

Ha compuesto diferentes marchas fúnebres, entre ellas: Jesús de San Cristóbal, Salve Fray Miguel, Perdón Señor, Jesús de los Milagros a tus Pies, El Beso de Judas; Descendimiento 3 de la tarde y Jesús de Candelaria, estrenadas en el concierto efectuado en el Templo de La Recolección del 11 de marzo de 1988; Se levantan las Andas, estrenada el Domingo de Ramos de 1997, Salmo Responsorial, Sentimiento Filarmónico, Varón de Dolores y Nazareno de los Milagros a Tus Pies.

César Augusto Hernández, además de componer, era un arreglista de marchas procesionales y un fiel católico, devoto de Jesús de Candelaria.

El pianista guatemalteco tuvo destacadas participaciones con la Orquesta Filarmónica (Pop de Guatemala), realizó varios viajes al extranjero, participó en un concurso para presentarse en México, fue reconocido como el “Mejor organista de Guatemala” por la radio TGW en 1977, destacó en el Benemérito Comité Pro Ciegos y Sordos de Guatemala y Asociación Nacional de Ciegos de Guatemala al otorgarle la orden “Luis Braille” y recibió el diploma que lo acreditaba en sus estudios de “Piano Académico” por el maestro Juan de Dios Montenegro.

Fue invitado por artistas como Bob Porter,  a quien acompañó en varias melodías en sus presentaciones en el Conservatorio Nacional y en el Gran Teatro. El saxofonista guatemalteco de renombre internacional Humberto, el Fantasma, Sandoval, en sus visitas a Guatemala, llamaba al pianista para que tocaran recitales juntos.

Perder la vista no fue un impedimento para que el artista cumpliera sus sueños en la música.

Para el hijo menor del artista, el mejor legado que pudo dejar su padre es: “No acomplejarse por tener un defecto físico”.

Luego de una batalla contra padecimientos asmáticos, de próstata y vejiga, el artista guatemalteco deja un vacío en la música nacional.

“Antonio, está bien que estudies artes, conceptos, técnicas, pero no te olvidés de dónde venís. Aquí, en tu pueblo, está todo lo que necesitás para crear”.

Encendemos la máquina del tiempo y llegamos al 2020, en que Pichillá usa hilos y tejidos tzutujiles, de la mano de su madre, tejedora. Él mismo emplea el urdidor -palo liso que sirve para enlazar hilos en el telar- de su abuela; a la vez, cultiva la tierra junto a su padre, campesino que aún utiliza su traje tradicional con dignidad y orgullo. Y con esas raíces de San Pedro La Laguna, Sololá, crea y cree en un pasado siempre presente.

¿En qué proyecto trabaja?

Es obra textil. Mi mamá me asesora, es la experta. El lenguaje textil es muy amplio, pero a la vez en cada pueblo hay especificaciones. Aquí, en San Pedro la Laguna, el pantalón del hombre es de tela blanca con manchas negras. Es un patrón ancestral, pero viene un académico y un curador de arte, lo mira y dice: ¡guau!, esto es un minimalismo. Pero para mí es un código intercultural que lleva aquí muchas generaciones. El jaspeado lleva mucho trabajo; el hilo se anuda, se mete la tinta y se logra esta forma amarrando, dibujando, recordando.

Ha presentado piezas con variantes de color, pero con el jaspeado.

El acto del tejer es algo profundo; colocar las tramas es todo un ritual. Los tejedores utilizan una herramienta clave, el urdidor, una pieza de madera. Uno coloca los hilos alrededor, después va contando. Según el número de hilos será el ancho. Como artista he aprendido a usar el telar, pero a veces mi mamá ayuda a crear un diseño. A estas obras tejidas yo les llamo “el abuelo”, porque hay resistencia, memoria, sabiduría, autoridad. El urdidor que uso es de mi abuela y mi mamá aprendió con él.

¿Qué símbolo es recurrente?

En el pantalón del hombre hay una forma recurrente que parece una equis. Yo pregunto qué es y mi mamá contesta: es el viento. Yo aquí no veo viento, le respondo. El viento no se puede ver ni tocar, pero se siente, es algo inmaterial, que se cruza frente a mí. A partir de eso, yo empecé a dibujar el viento con ese diseño. He hecho piezas gigantes, de dos metros, con hilos flotando y la X utilizando los cuatro colores, rojo, amarillo, blanco y negro… los cuatro colores del maíz y del pueblo maya.

¿Ha oído hablar del Xocomil? No es un viento, son dos: el Xcomej, que viene del sur y el Ik, que viene del norte. El viento cambia. Ahora que viene noviembre, el tiempo de volar barriletes, el viento te indica a dónde va el tuyo. Así empecé a ver los cuatro elementos: el fuego, la tierra, el agua y el viento.

¿Cómo nace el deseo de ser artista?

Observando tejer a mi mamá, pero también viendo a mi papá trabajar en el campo y usar con orgullo su traje. Al terminar el ciclo básico me fui a la capital, a la Escuela de Artes Plásticas, aprendí semiótica, estilos artísticos, técnicas de pintura. Cuando me gradué regresé a mi pueblo y empecé a pintar. El maestro Cabrera investigaba mucho sobre el ritual -de Maximón- y por eso me decía que aquí estaba la riqueza de la cual se podía alimentar el arte que yo quisiera expresar. Después entendí su consejo y empecé a reivindicar, a valorar, a resistir, con nuestros textiles, nuestro idioma, con nuestras rocas.

En su obra hay muchas referencias a la cultura tzutujil…

Estamos diciendo cosas, que la piedra tiene vida, que los textiles expresan mucho de la vida, que estoy conectado a la tierra, porque sigo siendo agricultor. Cierto, en el entorno del pueblo hay problemas económicos, políticos, sociales, el artista no puede ser ajeno a su comunidad, pero la mejor forma de expresarlo es desde la propia cultura. Yo puedo pintar, aprendí a pintar, pero tuve que desaprender para obtener otros lenguajes.

Sus espantapájaros han ganado premios y reconocimientos.

Surgen del mismo trabajo del campo, son intervenciones que hacen los campesinos, una acción, que tiene una reacción en los pájaros, para que no causen daño a las siembras, Yo retomo ese gesto para crear un efecto social.

Con un espantapájaros gané Juannio en 2017 y han llegado muy lejos. Ahora tengo uno también en la Bienal de Berlín, expuesto junto a una obra de videoarte que tiene que ver con el tema del ritual y la sanación desde la óptica de nuestros guías espirituales mayas. Cuando nos enfermamos, a veces es por traumas, sentimientos, recuerdos que hay que solucionar. Para hacer los espantapájaros con hilos usé ramas y palos que estuvieron expuestos al sol, a la lluvia, al viento, a los elementos, porque son personajes.

¿Y qué le espanta a usted?

A mí, los humanos (ríe). Por la misma reflexión empecé una serie llamada Espantahumanos. Por ejemplo, tengo un contador de luz envuelto en textil, porque la factura de cada mes espanta. Es una reflexión sobre la modernidad, cómo vino a cortar tantas cosas, a interrumpir tradiciones.

¿Cómo le afectó la pandemia?

Se cortaron viajes que estaban previstos, pero fuera de eso seguí trabajando, en el arte y también en el campo. Al final, las dos cosas se ayudan entre sí, seguimos creando.

Expone en Berlín

Antonio Pichillá participa actualmente en la XI Bienal de Arte Contemporáneo de Berlín, con uno de sus espantapájaros, una pieza textil y una acción registrada en video. “Yo le llamo Ritual y Sanidad, porque de alguna manera la vida te golpea, de una u otra manera eso afecta la salud física o emocional. Muchos van al doctor o al psicólogo, pero en lo tzutujil también existe la sabiduría de los guías espirituales, que a menudo te aconsejan un ritual. En este caso golpeo con unos hilos la tierra, la piedra, el agua, el aire, para sacar esa energía negativa”.

“La pandemia, por ejemplo, ha sido lamentable, pero también ha mostrado que el pasado tiene cosas buenas. Mucha gente volvió a sembrar, a cultivar la tierra debido a la crisis y hoy tienen qué comer. La habían dejado por otros trabajos, pero al interrumpirse el turismo se perdieron muchos de esos trabajos. La tierra volvió a cobrar vida, volvió a germinar el maíz, las mazorcas ya están guardadas para la próxima siembra”, reflexiona Pichillá.

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“A JD Porras lo conozco desde hace varios años y siempre hablamos de trabajar juntos, pero no tuvimos la oportunidad. Fue hasta ahora, durante la cuarentena, que lo logramos. Desde marzo comenzamos a platicar y a ponernos de acuerdo para lanzar un proyecto juntos. Debido a que no nos podíamos reunir en persona la producción de la canción se atrasó, pero estamos muy contentos con el resultado. La canción va a salir en el momento adecuado, justo cuando tenía que salir”, comenta Sago.

En agosto pasado el guatemalteco lanzó el sencillo original Mi Pecado, aunque para en fecha ya estaba terminado el remix, la decisión de no lanzarlo fue porque tenía la ilusión de presentarlo con un vídeo especial, el cual no estaba listo para esa fecha.

Sago explica que la idea original era lanzar únicamente el remix, pero al no tener el videoclip, decidió publicar la canción original porque, debido a la pandemia del covid-19, era un momento en donde las personas necesitaban más de la música y el entretenimiento, por lo que sintió que debía complacer a su público.

“Mi Pecado Remix” fue producida junto con Juan Fernando Herrera de 502 Studios, al igual que los sencillos anteriores de Alejandro Sago, en un lapso de tres semanas aproximadamente.

El videoclip

La canción viene acompañada de un video que fue producido por solo talento guatemalteco. Además de Alejandro Sago y JD Porras, se tiene la participación de Juan Carlos Saravia y Juanjo Letona, creador de efectos especiales y productor audiovisual, respectivamente.

“Juan Carlos Saravia, mejor conocido como Rabidxuan, lo encontré en Tik Tok. Yo no uso esa aplicación, pero una vez vi un vídeo de él en donde está un Transformer sobre un columpio en Tikal Futura. Me gustó mucho y lo contacté para que trabajáramos un vídeo juntos para mi canal de YouTube. Tuvimos muy buena conexión que mejor decidimos trabajar en el videoclip de la canción. Él después me presentó a Juanjo Letona y ya trabajamos juntos los tres”, expone Sago.

 

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¡Hoy cumplo 1 año desde que me metí al rollo los efectos especiales y animación 3d! Esta es una compilación (Demo Reel) con algunos de mis videos favoritos. Las tomas de drone son por el máster de FPV @nonstop_aerovisual ¡Sígueme para ver más!

Una publicación compartida de Juan Carlos Saravia (@rabidxuan) el 18 Jul, 2020 a las 10:40 PDT

El vídeo también tuvo apoyo de algunos seguidores de Alejandro Sago, quienes al estar en diferentes países siempre estuvieron dispuestos a colaborar y formar parte de este proyecto que, según el artista, podría marcar un antes y después en su carrera musical. La producción del vídeo les tomó aproximadamente dos semanas, pero la organización de ideas comenzó desde marzo.

“Creo que es el proyecto más grande que he presentado, no solo porque la canción sí contará con vídeo, sino por la producción y por los talentos que están participando. Me alegra haber trabajado con personas de Guatemala y de involucrar a quienes siempre me apoyan, a quienes me regalan unos minutos de su tiempo para escuchar mi música y ver mis vídeos. Espero que les guste y estén igual de emocionados que yo”, declara Sago.

 

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Recordando South East Asia a puro Hyperlapse pre-covid #filmmaker #hyperlapse #videoedits #southeastasia #thailand #cambodia #vietnam #singapur #mikevisualedit #makewithblade

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El momento adecuado

Aunque la organización y producción del vídeo les tomó más tiempo del planificado el vídeo es lanzado en el momento adecuado. La pandemia del nuevo coronavirus provocó que las reuniones siempre fueran en línea y durante el día de rodaje se tuvieran que mantener las medias de higiene necesarias, sin embargo, el resultado es el esperado.

“Ahora, en estos tiempos difíciles, es cuando el mundo del entretenimiento, es decir, el arte, tiene que ayudar a su público. El mundo necesita más de artistas, músicos, videógrafos o cualquier creador de contenido para distraerse y volver a ver la realidad con la misma alegría de siempre. Por eso decidí lanzar Mi Pecado Remix, para dar mi granito de arena y ofrecer dos minutos de distracción a todas las personas”, argumenta el artista.

El disco incluye cinco canciones en español y cinco en inglés.  El cantautor guatemalteco cuenta que pasó cientos de horas intentando conseguir el sonido que quería para cada canción y dice “¡Estoy muy feliz y orgulloso del resultado!”.

Las letras de Guatermelon son tan diversas como los ritmos que contiene. Algunas letras fueron escritas en varios meses y algunas en tan sólo unos minutos, confiesa el Ochoa. Las canciones hablan de  sus ganas de viajar, regresar a casa, nostalgia, historias y poemas de personajes reales y ficticios, preguntas filosóficas, quejas sobre el tráfico y el encierro, etc.

En esta canción recuerda lugares del país  y dice “Yo quiero regresar”.

Para grabar el disco comenta que usó varios micrófonos en un cuarto tratado acústicamente. Los arreglos van desde muy simples con 3 pistas -una de voz, una de guitarra y una de piano- hasta una canción con más de 200 pistas y canales auxiliares de mezcla. Incluye instrumentos acústicos y electrónicos, efectos de sonido y su voz.

Esta es una de las canciones en inglés.

Una buena parte del trabajo del álbum se realizó en Guatemala en la primera mitad de este año, cuando Ochoa estuvo en Guatemala. Sin embargo, el trabajo creativo y los últimos retoques del álbum se realizaron en Berlín.

El álbum

El nombre surgió porque Pablo una vez dijo “I’m Guatemalan” (soy guatemalteco). Y la otra persona entendió “I’m watermelon” (soy una sandía). Esta ha sido una broma desde entonces y “pensando en un nombre para el disco, pensó que Guatermelon era un nombre perfecto ya que el disco está en español e inglés y es un fruto de su tiempo en Guatemala”, afirma Ochoa.

Ya había adelantado tres sencillos y ahora lanza el álbum completo este 4 de septiembre.  Por el momento está disponible en Spotify, pero también llegará a Apple Music, Deezer, Youtube Music.  Se compone de 10 canciones:

1. Fly Away (3:26)
2. Querida (4:25)
3. Back In My Childhood Room (4:05)
4. A Guatemala (4:26) Lanzado el 7 de agosto
5. Summer Vibes (3:55) Lanzado el 24 de julio.
6. Bicicletear (3:44)
7. Arabella (04:02)
8. By My Side (03:02)
9. Granada (5:48)
10. Rise and Fall (4:37) Lanzado el 21 de agosto

Su historia

Pablo Ochoa es músico, cantautor y productor guatemalteco. Cuenta que empezó a tocar el piano a los siete años. Dos años después, escribió su primera pieza para piano y a los diez comenzó a estudiar piano clásico en el Conservatorio Nacional de Música de Guatemala. Finalmente tomó la  guitarra de su papá y comenzó a tocar algunas versiones.

Después se fue a estudiar a Estados Unidos, más tarde se mudó a Alemania para realizar sus estudios universitarios de pregrado y formó PandaKraft, una banda de rock / pop indie. Luego de graduarse estuvo en Hamburgo y finalmente a Berlín donde realiza sus estudios superiores actualmente. Y en esta ciudad hizo los arreglos del disco.

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De acuerdo con Ingrid Klussmann, artista allegada a Abularach y quien lo conocía desde los 7 años, el maestro falleció a las 8 horas del domingo 30 de agosto, debido a complicaciones en su salud. “Se había recuperado de forma exitosa del nuevo coronavirus. Sin embargo, en esta semana tuvo problemas en sus pulmones, por lo que tuvo que ser hospitalizado y falleció este domingo. Es una pérdida muy grande para el arte de Guatemala porque era de los artistas más completos que existen. No solo sabía de pintura y escultura, sino que daba mucho placer hablar de música con él”, declaró.

Su trayectoria

Rodolfo Abularach nació en 1933 y desde pequeño mostró gran afinidad por el arte. Esa habilidad se convirtió en una convicción antes de llegar a la mayoría de edad. Durante sus estudios en el colegio, los profesores solían llamarle la atención ya que se mantenía dibujando durante clases. Aunque las lecciones de matemática e historia eran importantes, para el artista los trazos en sus cuadernos eran más relevantes.

Estudió en la Escuela Nacional de Artes Plásticas de Guatemala mientras que realizaba investigaciones sobre el arte folclórico para la Dirección de Bellas Artes. A sus inicios, comenzó como dibujante y pintor de escenas de corridas de toros que nacen de una imaginación barroca.

Abularach partió en 1959 con una beca de estudios del gobierno de Guatemala a Nueva York, ciudad en la que decidió radicarse y desde donde realizó lo más relevante de su producción plástica. Estudió en Arts Students League y Graphic Art Center.

Sus obras

Las obras de Abularach atravesaron una profunda transformación cuando intentó juntar los elementos del arte abstracto y del surrealismo y experimentó con texturas, como por ejemplo en dibujos sombreados hechos en lapicero y tinta, tales como “Fugitive from a Maya Lintel”.  Sus imágenes aumentadas del ojo humano le dieron fama internacional.