Carlos Chaclán Solís recibe la Orden del Pop 2025 del Museo Popol Vuh, que también premia el mejor reportaje histórico-arqueológico

Carlos Chaclán recibe la Orden del Pop del 2025 en reconocimiento a más de 50 años de trayectoria en la creación de instrumentos prehispánicos y en la preservación del patrimonio cultural mesoamericano.

Belinda S. Martínez

22 de julio de 2025 | 21:30h

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El ceramista inició su relación con el barro a los 6 años en Totonicapán ayudando a su padre en la elaboración de tejas para la comunidad. (Foto Prensa Libre: Daniel Samayoa)

El Museo Popol Vuh de la Universidad Francisco Marroquín entregó la Orden del Pop del 2025 al ceramista y artista Carlos Chaclán Solis, en reconocimiento a su invaluable contribución a la conservación, investigación y difusión del patrimonio cultural mesoamericano, a lo largo de cinco décadas de trabajo con barro e instrumentos musicales prehispánicos.

La Orden del Pop, creada en 1998, es una condecoración simbólica que honra a quienes han dedicado su tiempo y energía a la preservación del legado mesoamericano.

Según la página oficial de la Universidad Francisco Marroquín, su nombre deriva de la palabra “pop”, que significa “estera” o “petate”, símbolo de poder y realeza en la antigua Mesoamérica, donde los gobernantes del altiplano guatemalteco recibían el título de “Ah Pop” (el de la estera).

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Un artista forjado en la tierra de Totonicapán

Chaclán inició su relación con el barro a los seis años, en Totonicapán, su lugar de origen, donde ayudaba a su padre a elaborar tejas. “Todos los días había que amasar el barro, pero con los pies, no con las manos. Era una relación como desde el juego”, confesó el artista en una entrevista con Prensa Libre publicada en septiembre del 2024.

Su formación continuó en el Centro Artesanal de Totonicapán y, posteriormente, en la Escuela Nacional de Artes Plásticas (Enap), en la capital. La búsqueda de perfeccionamiento lo llevó a México, donde estudió técnicas ancestrales de cerámica con maestros japoneses en la Organización Mokichi Okada.

A lo largo de su carrera, Chaclán ha trabajado como restaurador en el Museo Popol Vuh y colaborado con instituciones prestigiosas como el Museo Smithsoniano de Estados Unidos. Sus obras forman parte de colecciones en Panamá, México, Estados Unidos, Noruega, Finlandia, Dinamarca y Francia.

Más allá de su faceta artística, Chaclán ha sido un educador comprometido. Fundó la especialidad de cerámica en la Enap y ha facilitado talleres junto al Centro Cultural Municipal de Guatemala y el gobierno de Francia, que lo nombró Caballero de la Orden de las Artes y de las Letras. “El hecho de ser maestro no significa saber todo, sino que simplemente es en ese trabajo de enseñanza donde se aprende”, reflexionó.

Sus creaciones incluyen ocarinas, flautas, silbatos, vasijas y tambores con evocaciones prehispánicas. Tras recibir el reconocimiento, Chaclán invitó al escenario a Ranferí Aguilar para realizar la presentación El hacedor de lluvia, que combina voz, cuerpo e instrumentos interpretaron algunas piezas.

Premio Huun para el periodismo cultural

En la misma ceremonia, se otorgó el Premio Huun del 2025 al periodista Gustavo Montenegro, por su serie “Joyas mayas migrantes”.

Este galardón, cuyo nombre deriva de la palabra maya huun (libro o papel), reconoce anualmente el mejor reportaje sobre conservación, investigación y divulgación de la arqueología o historia guatemalteca.

La serie ganadora presenta 20 piezas mayas —entre cerámica, escultura, vasijas y textiles— resguardadas en museos de Estados Unidos, además de un artículo explicativo sobre las razones históricas de esta dispersión patrimonial. “Es bueno porque se conservan, por otra parte no tanto porque están lejos de su tierra, pero ese fenómeno coincide con tantos migrantes que están allá”, explica Montenegro.

El reportaje invita a los migrantes guatemaltecos en ciudades como Los Ángeles, Minnesota, Baltimore y Nueva York a visitar esos museos y “encontrarse con sus raíces allá, curiosamente tan lejos de aquí”, declaró.

*Con información de Lucrecia Choy.

El arte efímero de Guatemala: la historia, tradición y costo detrás de las alfombras de Semana Santa

Las alfombras de Cuaresma y Semana Santa encarnan la historia, la tradición y la identidad cultural de un pueblo cuya herencia mística ha convertido la fe en una expresión artística, creada por los maestros del arte efímero.

Esdras Laz

14 de marzo de 2025 | 15:45h

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La elaboración de alfombras durante la Cuaresma y Semana Santa en Guatemala es más que una tradición. (Foto Prensa Libre: Hemeroteca PL)

Con la misma fe, el talento y la creatividad heredados de sus padres y abuelos, los representantes del arte efímero en Guatemala se preparan, una vez más, para engalanar la Cuaresma y la Semana Santa con las majestuosas alfombras, símbolo vivo de la esencia cultural del país.

Como cada año, artistas y devotos se entregan a la creación de retratos simbólicos de la vida de Jesucristo, plasmando sobre las calles un arte profundamente arraigado en la espiritualidad y en la tradición guatemalteca, que ya forma parte esencial de las celebraciones litúrgicas de esta época.

Para su elaboración, cientos de guatemaltecos se unen con un propósito común: embellecer el paso de los cortejos procesionales, llevados en hombros por fieles devotos, y mantener viva una manifestación cultural que ha sido reconocida como Patrimonio Cultural Inmaterial de la Humanidad.

Hechas con aserrín teñido, flores, frutas o granos, estas alfombras no solo evocan el misticismo, la tradición ancestral y la espiritualidad del país, sino que también expresan una fe que se transforma en arte. Aunque para algunos representan una expresión artística, para los devotos constituyen una ofrenda sagrada, símbolo de agradecimiento y vínculo entre lo divino y lo terrenal.

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Historia de las alfombras en Guatemala

El origen de las alfombras en Guatemala ha sido motivo de debate entre historiadores, ya que no existe un documento oficial que establezca con exactitud el inicio de esta tradición.

Existen dos versiones predominantes: una se basa en los escritos de los conquistadores españoles del siglo XVI y otra en los registros indígenas. Según documentos coloniales, los sacerdotes y colonizadores realizaban ceremonias religiosas sobre alfombras de flores y hojas de quetzal, práctica que se fusionó con los rituales ceremoniales de los pueblos originarios.

Con la adopción del catolicismo, se inició la elaboración de alfombras con arena, flores y plantas aromáticas, integrando símbolos como escudos, arabescos y filigranas inspiradas en el arte sacro. Más adelante, se incorporó el aserrín teñido, junto a frutas y flores, especialmente para embellecer el paso de las procesiones, como las del Corpus Christi.

Sin embargo, el Ministerio de Cultura y Deportes señala que esta tradición podría remontarse incluso a la época prehispánica. En informes presentados a la Unesco se mencionan piezas de cerámica y grafitos donde se representan soberanos mayas llevados en andas, con su paso adornado por alfombras de flores y hojas.

Una muestra notable se encuentra en el Templo I de Tikal, donde un dintel de madera representa a un soberano —K’ul Ahaw o Señor Sagrado— llevado en hombros, sobre una superficie decorada con flores y plumas. Esta evidencia respalda la idea de que las alfombras guatemaltecas son fruto del encuentro entre el misticismo maya y la tradición católica.

La Calle del Arco es una de las locaciones más representativas, donde las alfombras llenas de colorido engalanan el paso de las andas procesionales. (Foto Prensa Libre: Hemeroteca PL)

La evolución de esta práctica artística prehispánica ha tenido grandes avances, mediante el desarrollo de técnicas en aserrín que evidencian el legado ancestral del arte en Guatemala.

Los artistas del arte efímero: alfombras que nacen de la fe y el talento

La elaboración de alfombras durante la Cuaresma y Semana Santa en Guatemala es más que una tradición: es el arte de transformar la fe en expresión visual.

Cada año, decenas de artistas devotos plasman su espiritualidad, su arraigo cultural y su amor por las costumbres en diseños que engalanan calles y avenidas por donde transitan los cortejos procesionales. Acompañadas por el aroma del corozo, las nubes de incienso y el vestuario solemne de los cucuruchos, las alfombras conforman una de las manifestaciones culturales más emblemáticas del país.

Los artistas del Arco de Correos

Detrás de cada alfombra existe una historia, un creador y una motivación espiritual. Erick Escobar, director del Comité de la Alfombra del Arco de Correos, encontró su vocación en 2017, durante el centenario de la festividad de Candelaria. Inspirado por el paso procesional, decidió al año siguiente elaborar su primera alfombra como una ofrenda de agradecimiento, tradición que ha mantenido viva año con año.

Su primera obra, una alfombra de 40 metros elaborada con aserrín y patrones, fue solo el inicio. Hoy, su equipo confecciona una de las alfombras más imponentes del Jueves Santo en el Centro Histórico: mide 110 metros de largo por 3.5 metros de ancho, completamente elaborada con viruta de madera, moldeada con precisión técnica, práctica y dedicación.

Alfombra de más de 100 metros creada por el Comité de la Alfombra del Arco de Correos el Jueves Santo del 2024. (Foto Prensa Libre: Cortesía Erick Escobar)

Para Escobar, este arte sigue siendo una forma de gratitud espiritual por las bendiciones recibidas a lo largo del año. Esa devoción impulsa al equipo a renovarse y presentar nuevas creaciones cada Semana Santa.

El proceso creativo detrás de la alfombra del Arco

Conformado por unas 50 personas, el Comité de la Alfombra del Arco de Correos inicia sus preparativos un mes antes del Jueves Santo. Se define el diseño, se mandan a fabricar los moldes y se adquieren los materiales, entre ellos viruta, flores y aserrín.

Escobar detalla que el verdadero trabajo comienza el mismo día de la procesión, directamente sobre el asfalto. “Primero trazamos el centro, colocamos las plantillas y redibujamos los diseños con yeso, diferenciándolos por colores. Luego comenzamos a colocar la viruta según el tono asignado”, proceso que puede durar alrededor de 10 horas explicó Escobar.

.Una alfombra de 100 metros puede alcanzar un costo de entre Q10,000 y Q12,000, dependiendo del nivel de detalle y los materiales utilizados.

La iluminación del Arco de Correos, sus paredes elevadas y su arquitectura imponente realzan la majestuosidad del arte efímero de las alfombras. (Foto Prensa Libre: Cortesía Erick Escobar)

Tradición en forma de homenaje

Detrás de cada alfombra también se entretejen actos de fe, gratitud y espiritualidad. Ricardo Chinchilla encontró en el arte efímero una forma de rendir homenaje a Jesús del Consuelo y a la Virgen de Dolores. Su inspiración surgió hace 15 años, durante una actividad con el coro de su iglesia, donde aprendió las técnicas de este arte que, desde entonces, practica sin interrupción.

Su motivación nace de la fe, lo que lo ha llevado a perfeccionar nuevas técnicas y a diseñar cada creación desde cero, las cuales plasma en el atrio de la iglesia de La Recolección. “Hacer una alfombra no es solo una tarea artística, es una expresión de fe, amor y compromiso con nuestras tradiciones. Cada uno lo vive como una forma de agradecer, pedir o hacer penitencia”, afirma.

Cada Semana Santa, Ricardo Chinchilla y el grupo de Alfombras del Atrio de La Recolección preparan con meses de antelación dos alfombras como ofrenda a Jesús del Consuelo y la Virgen de Dolores. El diseño, elaborado por Chinchilla, guía el trabajo colectivo que inicia la noche previa al Viernes de Dolores.

Boceto ilustrado del diseño de la alfombra del 2023 del grupo de Alfombras del Atrio de La Recolección. (Foto Prensa Libre: Cortesía Ricardo Chinchilla)

El proceso artístico combina técnica y tradición, mismo que inicia con el trazan las guías del diseño previamente establecido que funcionará para integrar el aserrín, por color, forma y sección.

Trazo base de Jesús del Consuelo para la alfombra del atrio de la iglesia de La Recolección. (Foto Prensa Libre: Cortesía Miguel Polanco)

Con el diseño previamente trazado, los artistas aplican el aserrín con cernidores y moldean los detalles con plantillas de PVC, finalizando con un rociado de agua para fijar los colores, lo que lleva el arte diseñado a la realidad.

Alfombra en el atrio de la iglesia de La Recolección, antes de la salida de Jesús del Consuelo, el Viernes de Dolores del 2024. (Foto Prensa Libre: Cortesía Miguel Polanco)

Minutos después del paso de Jesús del Consuelo, confeccionan una segunda alfombra, adornada con aserrín y flores, para recibir a la Virgen de Dolores. Ambas obras, cargadas de simbolismo y espiritualidad, representan un homenaje de fe

La alfombra principal, con forma de “L”, mide 25 metros de largo por 4 de ancho y es elaborada por 20 personas durante siete horas que se estima, supera los Q5,000 en materiales.

Reinvención del arte efímero

Para los artistas del arte efímero, innovar es parte esencial del legado cultural. Aunque cada alfombra es única e irrepetible, algunos creadores han trascendido lo tradicional, llevando esta expresión artística a lienzos que cruzan fronteras.

Jorge Corleto, uno de los fundadores del colectivo Chucho Callejero, relata que su pasión por las alfombras nació en 1984, durante su etapa escolar, cuando propuso una apuesta visual inspirada en este arte. Con el tiempo, su trabajo como artista evolucionó hasta conformar un colectivo de creadores visuales comprometidos con la reinterpretación de esta tradición.

En 2015, el grupo trasladó el arte efímero a las calles, presentando en vivo una interpretación contemporánea de las alfombras tradicionales, volviéndose maestros del hiperrealismo.

Retrato estilo hiperrealismo creado por el colectivo Chucho Callejero. (Foto Prensa Libre: Cortesía Jorge Corleto)

Pensando en una idea de trascender en este arte, se les ocurrió elaborar cuadro con aserrín, flores y otros elementos característicos de esta manifestación cultural, lo que posteriormente les permitió representar a Guatemala en escenarios internacionales.

“No competimos con las alfombras tradicionales; buscamos enriquecer esta expresión efímera con una propuesta visual”, afirma Corleto.

Con el tiempo, el arte efímero se ha convertido en parte de su identidad como artistas, quienes cada año elaboran más de 11 alfombras durante la Cuaresma y Semana Santa, aportando nuevos diseños a la exposición cultural.

Jorge Corleto explicó que el arte efímero de las alfombras comienza mucho antes de que el aserrín toque el suelo. Todo inicia con la creación de un boceto, en el que se delinean retratos artísticos de imágenes religiosas que, más allá de lo estético, evocan la devoción y la memoria colectiva. Ese diseño, cargado de simbolismo, se traslada al pavimento y cobra vida a través de las manos que tiñen, trazan y moldean el aserrín.

Una alfombra de 10 metros de largo por 3 de ancho, como las que se elaboran en el Paseo de la Sexta, requiere alrededor de siete horas de trabajo artesanal, realizado por un equipo de seis personas, detalló Corleto. La obra, aunque pasajera, exige precisión y coordinación.

“Los materiales van más allá del aserrín: se utilizan entre 14 y 16 sacos teñidos —con un costo aproximado de Q980—, además de elementos tradicionales como corozo, piedras blancas, agua y, en ocasiones, flores frescas. Según el nivel de detalle, el costo total puede oscilar entre Q1 mil 500 y Q2 mil”, indicó.

En ciudades como Antigua Guatemala, la historia también se impone en el proceso: las calles empedradas obligan a colocar una base de aserrín natural para nivelar la superficie. En contraste, en la capital, el pavimento liso facilita directamente la creación.

Para Jorge Corleto, artista visual y defensor de esta tradición, el valor de las alfombras trasciende su carácter fugaz: “Es un arte efímero, pero profundo, que une a las familias y representa nuestra esencia como pueblo”.

44ª edición de los Premios Artista del Año celebra el talento intergeneracional y regional de Guatemala

Artistas de distintas disciplinas, edades y regiones fueron celebrados en el evento promovido por la periodista María Eugenia Gordillo.

REDACCIÓN VIDA

29 de octubre de 2024 | 12:58h

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Guatemaltecos reconocidos en el Premio Artista del Año 2024. (Foto Prensa Libre: Emilio Chang)

El pasado 28 de octubre, el Club Alemán de la zona 15 capitalina fue escenario del Premio Artista del Año, evento que celebra a realizadores artísticos del país y que desde 1980 es impulsado por la periodista María Eugenia Gordillo.

La fiesta artística anual, que su creadora reconoce como la suma de varios esfuerzos autónomos, se destacó en 2024 por reunir a talentos de distintas regiones, incluyendo a artistas de Salamá, Quetzaltenango y San Juan Comalapa. Este año también fueron celebradas disciplinas diversas como artes visuales, música, danza, poesía, y teatro.

En la categoría de revelación musical, se distinguió a Esteban Xuruc, uno de los galardonados más jóvenes, quien tiene 20 años y se formó en el Conservatorio Nacional de Música Germán Alcántara. En algún momento de la celebración, Xuruc subió al escenario del para interpretar el Vals 38 del compositor ruso Alexander Scriabin.

Joshua Texaj, oriundo de Chimaltenango, fue otro de los destacados en el ámbito musical. El reconocimiento del pianista, compositor e intérprete estuvo a cargo de su padre, quien confesó al público: “Se me sale el corazón por ver que mi hijo ha logrado destacar tanto”.

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Texaj ha logrado fungir como director de espacios musicales y actualmente trabaja para la Orquesta Sinfónica Nacional como arreglista y acompañante de piano. Después de haber recibido el premio, el músico interpretó el clásico Fiesta de pájaros, de Jesús Castillo.

También en el campo de la música, Jeffrey Ortega fue premiado por su especialidad coral. El artista se ha destacado por su participación en ensambles como Capella Cantorum. Además de sus conocimientos musicales -que abarcan un dominio en guitarra y saxofón-, ha colaborado en el Centro de Danza e Investigación del Movimiento de la Universidad Rafael Landívar. También ha sido parte de residencias artísticas en México y Guatemala.

Otra de las galardonadas musicales fue Dani Toralla, quien ha hecho una carrera desde el jazz por más de una década. Graduada Cum Laude de la Universidad del Norte de Texas, la artista también fue celebrada por su trabajo de formación en lugares como la Universidad Da Vinci de Guatemala o el coro del Colegio de Ingenieros de Guatemala. Su trayectoria incluye colaboración con reconocidas figuras como Rose Aguilar y Barbara Bickford.

Entre los jóvenes artistas destacados de la noche, estuvo Luis Ixcoy quien fue galardonado por su desempeño en danza y teatro. Ixcoy ha trabajado con reconocidas productoras como Amadanza y La Casa de Producción. Sobre el impacto del arte en su vida comentó: “El arte nos permite conocer a otros a partir de nosotros mismos”. Ixcoy presentó un número de danza en el evento.

Además de los talentos emergentes, uno de los bloques de la celebración se enfocó en el reconocimiento de varias trayectorias. Entre ellos estuvo Miguel Oxlaj, poeta, comunicador y activista maya kaqchikel, quien fue reconocido por su contribución a las letras indígenas. Oxlaj es coordinador del proyecto Wikipedia en Idiomas mayas y ha representado a Centroamérica en plataformas de lucha contra la xenofobia. Además, su obra poética ha sido traducida a idiomas como el inglés, coreano, rumano y francés.

El segundo premio de trayectoria fue otorgado a Job Sis Morales, músico y compositor maya achí. Durante años, el experto en música en la composición y producción musical se ha dedicado a la investigación sonora autóctona. Por otro lado, también ha participado de películas y documentales nacionales, además de su trabajo en la Marimba de Bellas Artes.

La trayectoria de Nelson Ortiz, artista con más de 25 años de experiencia, también fue homenajeada durante la premiación. En el evento se reconoció su trabajo como director, escenógrafo y gestor de espacios para el teatro local. Ortiz es fundador de La Maleta Producciones, y ha desarrollado obras de dramaturgia original como El Agujero Negro y Ese terrible gusano de la ignorancia.

La Medalla Fabiola Perdomo en Danza, estuvo dedicada este año a la bailarina, maestra y coreógrafa Guisela Rosal, quien realizó estudios sobre ballet en Guatemala, Europa y Estados Unidos. Durante sus décadas como formadora ha enseñado tanto en el país como en Grecia. En México fue parte del Ballet de Jalapa. Fundadora de su propio estudio de danza, Guisela ha enseñado a generaciones de jóvenes, promoviendo la danza clásica y folclórica.

Por otro lado, la Medalla Ricardo Mata en Fotografía Artística fue entregada a José Carlos Flores, fotógrafo y docente universitario desde 1992, con más de 150 exposiciones en Guatemala y otros países. Flores, quien es graduado en Ciencias Políticas, ha documentado momentos únicos a través de su lente y ha publicado libros que exploran temas religiosos y culturales.

Los últimos reconocimientos de la noche llegaron bajo la propuesta de un Homenaje especial a las artes plásticas del país. Uno de los celebrados en esta categoría fue Ernesto Boesche, pintor y maestro. María Lourdes, su hija mayor, destacó su legado como investigador, promotor y docente de arte, quien además de su trabajo como docente independiente, ha sido profesor en la Escuela Nacional de Artes Plásticas por 36 años. En ocho de estos, fue director de la institución.

La noche se cerró con una presentación de la Marimba de Concierto de Bellas Artes, con músicos como Job Sis y Otto Xitumul, ambos de San Miguel Chicaj, quienes interpretaron tres obras representativas de la marimba guatemalteca desde una composición propia de Sis.

Listado completo de ganadores:

• Esteban Xuruc (Revelación Interpretación Musical)
• Daniela Quiñónez (Revelación en Bel Canto)
• Luis Ixcoy (Destacado en Danza-Teatro)
• Joshua Texaj (Destacado en Música)
• Jeffrey Ortega (Destacado en Música Coral)
• Dani Toralla (Destacada en Canto)
• Miguel Oxlaj (Trayectoria en Letras)
• Job Sis Morales (Trayectoria en Música)
• Nelson Ortiz (Trayectoria en Teatro)
• Guisela Rosal (Medalla Fabiola Perdomo – Danza)
• José Carlos Flores (Medalla Ricardo Mata – Fotografía Artística)
• Ernesto Boesche (Homenaje Especial a las Artes Plásticas)
• Juan José Rodríguez (Homenaje Especial a las Artes Plásticas)

Centros de documentación artística en Guatemala: Algunos espacios y retos que enfrentan

Algunas instituciones preservan archivos y documentos sobre artistas nacionales a pesar de los retos de accesibilidad y conservación.

Alejandro Ortiz

27 de octubre de 2024 | 07:00h

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Archivos como el del Centro de Investigaciones Regionales de Mesoamérica (Cirma) ofrecen al público general datos antiguos sobre las artes en Guatemala. (Foto Prensa Libre: Cortesía Cirma)

Un archivo perdura en la historia como un conjunto de documentos que narran hechos importantes sobre épocas pasadas y que suelen registrarse en materiales impresos. Entre los acervos documentales que resguardan la historia del país, destacan aquellos elaborados a partir de recursos artísticos.

Uno de estos esfuerzos es el Centro de Documentación de las Artes, ubicado en el séptimo nivel de la Biblioteca Nacional Luis Cardoza y Aragón, donde se conservan libretos de teatro guatemalteco, partituras, libros de investigación sobre artes visuales, danza y música, entre otros materiales.

Bajo el resguardo del Ministerio de Cultura y Deportes (MCD), el centro documental cuenta, además, con partituras originales de artistas como Joaquín Orellana, fotografías y revistas del siglo XX e, incluso, un amplio registro de artesanías, las cuales pueden ser consultadas por cualquier persona dentro del recinto.

Al igual que el MCD, el Centro de Investigaciones Regionales de Mesoamérica (Cirma) ha construido un extenso acervo documental del país. En esta institución privada se pueden encontrar referencias artísticas y documentales desde el siglo XVI, las cuales pueden conocerse a través del Archivo Histórico de la institución.

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De acuerdo con Thelma Porres, Directora de Archivo Histórico, en este espacio se conservan colecciones de artistas y pensadores locales, como los textos que escribía Miguel Ángel Asturias cuando era corresponsal de El Imparcial en Francia. También se encuentran documentos del artista Jacobo Rodríguez Padilla, quien fue pintor, grabador y miembro del Grupo Saker-Ti, así como archivos de escritores como Mario Payeras, Yolanda Colom, José Batres Montúfar, José Barnoya García y Adrián Recinos. Por otro lado, están disponibles partituras de música colonial, materiales fotográficos de los últimos siglos y piezas hemerográficas de los grupos Vértebra, Saker-Ti y NuevoSigno.

Estos centros evidencian la construcción estética dentro de la historia del país, incluyendo tiempos recientes. Entre ellos, cabe mencionar el Centro de Documentación de la Galería El Attico, fundado en 1991, donde se conservan catálogos de exposiciones —varios de ellos donados por artistas como Roberto González Goyri, Daniel Schafer y Edna Rodas de Núñez—, recortes de prensa, publicaciones críticas, monografías y documentos de artistas del siglo XX.

Aportes a la historia

De acuerdo con el historiador de arte Guillermo Monsanto, quien además es director del archivo de El Attico, los centros de documentación son “fuente de memoria imprescindible para el futuro del país”.

Desde el Ministerio de Cultura y Deportes, Luis Fernando Soto Gramajo, encargado de la Dirección de Fomento de las Artes, señala que espacios como el Centro de Documentación de las Artes permiten darle valor a los artistas.

“Conocemos de nuestros artistas cosas muy pequeñas y escuetas, pero no se ha llegado a profundizar realmente en toda la labor que han hecho. Es importante preservar esto para que las futuras generaciones sepan quiénes son sus artistas”, dice el funcionario.

Además del público que puede llegar a estos centros de documentación, el hecho de que existan estos espacios también es un buen indicador para los mismos realizadores. Monsanto refiere que, si los artistas no dejan documentos o publicaciones en vida, “también van desapareciendo con el tiempo”.

El investigador señala que El Attico está abierto para recibir archivos de artistas. De igual manera, en el Centro de Documentación de las Artes se pueden donar recursos documentales a través de la Dirección de Fomento de las Artes.

Riesgos y desafíos de los archivos

Los entrevistados señalan que los centros de documentación tienen sentido en la medida en que son visitados. Esto supone un gran reto, ya que muchas veces las personas que se acercan a estos espacios son especialistas y no siempre un público general.

En el caso del archivo artístico del MCD, se ha incentivado dar a conocer la institución a centros educativos y escuelas de arte. Para Monsanto, este tipo de visitas es crucial no solo para visibilizar datos a los estudiantes, sino también para formar en perspectiva a los docentes.

Soto Gramajo comenta que, desde el Centro de Documentación de las Artes, el espacio físico es un reto, ya que de momento se encuentra en un recinto provisional. “Se espera tener en un futuro un lugar que sea mucho más accesible para el público y que puedan llegar”, explica.

Monsanto coincide en que, desde su experiencia, el espacio para preservar archivos es algo por mejorar y ofrecer una mejor experiencia de contacto con los materiales. Actualmente, el centro documental de la galería se encuentra en transición puesto que sus primeros años estuvo en la ciudad capital y actualmente se está montando en La Antigua Guatemala.

Por otro lado, Soto Gramajo menciona que la participación de académicos que puedan trabajar con los materiales archivados es una gran necesidad que han ubicado. En paralelo, menciona que la digitalización es otra urgencia que de a pocos se va resolviendo en la entidad.

El funcionario agrega que para continuar con ese trabajo es necesario contratar más personal. De momento hay documentos que están digitalizados, pero hacen falta más, de los cuales, muchos tienen materiales más delicados.

Crean plataforma para que artistas guatemaltecos exploten su talento

Zelaya, Ale Mendoza, Kontra, Zaravia, Mezz, Bellakeo.com y Wong, son parte de la primera promoción de talento guatemalteco que Pepsi estará apoyando en su plataforma Pepsi Music, y con esto también estará generando experiencias memorables para los consumidores.

Sergio Muñoz

9 de octubre de 2024 | 17:21h

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Cada uno de los artistas nacionales ha destacado por su sólida trayectoria en el ámbito musical y una propuesta auténtica que conecta con el público. Su talento, energía y propuesta bold les abre la oportunidad para que Pepsi se convierta en la nave donde viajen hacia una mayor proyección en la escena musical internacional.

Los artistas que forman parte de Pepsi Music tendrán la oportunidad de participar en eventos masivos organizados por la marca, contarán con la exposición en todas las plataformas digitales y un apoyo continuo económico que les permita potenciar sus carreras y el desarrollo del movimiento musical en Guatemala.

“Este es el inicio de una nueva era en la música local. Pepsi será un aliado estratégico para el desarrollo de los artistas que conformen el team, ofreciéndoles no solo exposición sino también oportunidades tangibles de crecimiento. Este espacio permitirá a los músicos guatemaltecos brillar y alcanzar nuevas audiencias, así que estamos sumamente emocionados por lo que viene para ellos y la marca”, externó Renata Gaitán, Coordinadora de marca Pepsi.

Pepsi Music es la propuesta musical más reciente de la marca y se apoya con otras iniciativas como la ya consolidada Gira Refrescante Pepsi y los eventos Vibra y Sabor. El objetivo de las tres plataformas es llevar la música a distintas regiones de Guatemala para que más personas puedan disfrutar en vivo de los artistas del team Pepsi Music.

Pepsi está en constante búsqueda de nuevos talentos. La marca tiene planificado ampliar a su equipo e integrar a nuevos músicos en 2025. Con esto, Pepsi reafirma su compromiso con el apoyo y promoción del talento local guatemalteco.

Para ser considerado como candidato es necesario que los artistas tengan consistencia en sus lanzamientos, presencia y estilos únicos, que se atrevan a ser diferentes y rompan esquemas. Por último, es esencial que tengan un vínculo con la marca y la disposición de asumir nuevos retos. Para mantenerse al día con las novedades de Pepsi Music y los artistas, los guatemaltecos pueden seguir a Pepsi en sus redes sociales, Instagram y Tik Tok, donde se publicarán todas las noticias relacionadas a los artistas.

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Carlos Chaclán: El artista que le da sonido a la tierra con instrumentos prehispánicos

El artista, restaurador y docente comparte varias de sus reflexiones sobre la creación de instrumentos sonoros y esculturas a partir del barro.

Alejandro Ortiz

28 de agosto de 2024 | 07:00h

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Chaclán comenzó a ejecutar instrumentos musicales prehispánicos después de aprender a construirlos él mismo. (Foto Prensa Libre: Alejandro Ortiz López)

A pocos días de haber cumplido 69 años, Carlos Chaclán nos recibe en su hogar. En una sala que también es taller y pequeña galería donde exhibe varias piezas artísticas, el escultor procura una charla con la que regala nuevas formas de entender el barro, ese material que le ha acompañado cinco décadas y que lo ha llevado a México, Estados Unidos, Noruega o Finlandia, donde ha exhibido piezas hechas a pulso y paciencia con evocaciones prehispánicas.

A partir de sus manos, Chaclán ha moldeado piezas que representan cuerpos humanos, figuras zoomorfas e instrumentos musicales que se interpretan con el soplo y con las palmas. Ocarinas, flautas, silbatos, vasijas y tambores llevan la marca de Carlos Chaclán, quien más que entenderse solo como un artista, opera como pedagogo de la tierra.

Su historia de creación empezó incluso antes de conocer eso que llaman arte y que Carlos ha sabido amaestrar tanto como autor y como restaurador de piezas arqueológicas —en el Museo Popol Vuh fungió con ese rol durante varios años e incluso colaboró con el Museo Simithsoniano, uno de los más reconocidos de Estados Unidos—.

El vínculo de Chaclán con la tierra empezó en Totonicapán, su lugar de origen, cuando apoyaba en las faenas a su padre, quien era el único hombre de la comunidad que hacía tejas. “Todos los días había que amasar el barro, pero con los pies, no con las manos. Mi papá tenía un asistente que también estaba ahí, pero yo me metía, porque me gustaba sentir el barro. Era una relación como desde el juego. Yo tenía quizás 6 años, o algo así, cuenta Chaclán más de cinco décadas después.

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Su historia continúa con el momento en que decidió tomarse aquel juego más en serio e ingresó a formarse en el Centro Artesanal de Totonicapán, donde conoció nuevas técnicas para moldear la tierra. La obsesión por ese material y las posibilidades que reconocía en sus manos lo llevaron a más de 170 kilómetros, a la zona 1 capitalina, donde estudió en la Escuela Nacional de Artes Plásticas (Enap).

Posteriormente, abrió un inmenso surco que lo llevó a México para estudiar técnicas ancestrales de cerámica con un claustro de maestros japoneses en la Organización Mokichi Okada. Los frutos de ese viaje siguen evidenciándose para Chaclán, quien no solo ha participado como artista ceramista en exposiciones locales y fuera de Guatemala, sino que también ha trabajado como educador.

Fundó la especialidad de cerámica en la Enap y también ha facilitado talleres junto a entidades como el Centro Cultural Municipal de Guatemala y el gobierno de Francia, que lo nombró Caballero de la Orden de las Artes y de las Letras. “El hecho de ser maestro no significa saber todo, sino que simplemente es en ese trabajo de enseñanza donde se aprende”, asegura Chaclán.

¿A qué suena el barro para usted?

Hay tantos sonidos que son especiales. No hay ninguno igual. Aun haciéndolo con molde siempre hay una pequeña variación, y eso es sabroso, porque sale del mismo barro cuando está crudo, en húmedo.

Para poder crear estos instrumentos, uno tiene que manejar el barro con mucho cariño. Dependiendo del tamaño, así es el sonido. Antes de crear la pieza, hay que saber cómo deseamos que suene. Incluso el sonido cambia cuando se hornea o se seca.

Menciona que hay que ser cuidadoso con la tierra, un material que para muchos es subestimadado por lo rústico que es.

En una oportunidad hice una exhibición aquí, en Guatemala, donde yo decía: Quiero pedirle perdón a la tierra porque la sacrifico a calores intensos.

¿Cuál diría que es su barro predilecto para trabajar?

Me gusta mucho el barro que tiene mucha plasticidad, pero hay que trabajar ciertos materiales para que realmente funcione mejor. Me gusta el barro de Chinautla y uno que hay hacia Esquipulas; creo que está en San Antonio La Paz, El Progreso.

Los canales que pasan por la carretera están llenos de ese barro, y tiene buena mica —mineral que traen algunas tierras—. También en Guaytán hay un barro que puede ser un poco más delgado y tiene buen brillo.

Al crear esculturas, ¿cómo varía el proceso? ¿Alterna el tipo de materiales?

Una escultura, pues, en realidad sale un poco del corazón y los materiales me permiten experimentar mucho. No siempre uso solo el barro, sino que empiezo a agregarle otras materias con tal de conseguir colores distintos o texturas.

Por ejemplo, —comparte señalando una pequeña escultura sobre un mueble— esa maternidad es de arena volcánica y porcelana. En ese caso llegué a colocar la arena para que se fundiera un poco y para que la pieza tuviera un brillito y aparte una textura.

Además de la creación de esculturas y de instrumentos musicales, también es restaurador de piezas arqueológicas. ¿Qué tanta oferta cree que hay en esta área?

Mucha, porque hay coleccionistas que tienen piezas fragmentadas o están mal pegadas. Entonces, necesitan que se haga el mejor trabajo con él.

¿Y en el caso de restauraciones a instrumentos de música?

Mire, es muy muy poco en comparación al resto, por ejemplo, de utensilios. Los instrumentos son un poco más resistentes, porque no tienen piezas vulnerables.

¿Ubica personas o artistas que estén trabajando en la elaboración de instrumentos con técnicas prehispánicas?

Hay algunos que están haciendo muchos esfuerzos, pero al final es muy poca gente la que ha estado involucrada con esto. Hay más probabilidades de restaurar piezas.

Ceramistas que se dediquen a crear instrumentos sonoros mayas también somos muy pocos aquí en Guatemala, incluso en la ciudad. Es algo más común fuera de la capital.

Al principio, yo no encontré a ninguna persona que hiciera instrumentos. Además, era difícil encontrar a alguien que le explicara a uno sobre el tema. Luego, con los años, tuve el privilegio de haber estado en el Museo Popol Vuh, que tenía una gran variedad de instrumentos musicales y en donde empecé a restaurar.

En su momento me llamó la atención el tema de los instrumentos prehispánicos por Alfonso Arrivillaga, que se especializó en etnomusicología y que estaba investigando sobre las formas y los sonidos. Allí empecé con eso y todavía sigo.

¿Suele vender los instrumentos que realiza?

Básicamente, los hago para mí. A veces alguien viene, le gusta lo que ve y puedo disponer de eso y puede que la venda.

¿Y las esculturas?

Ahí es otra cosa. Esas van para galerías o para exhibición. Me voy trabajando las piezas por meses hasta que llega el momento en que se deben presentar.

¿Qué diría le ha enseñado el barro en estos años?

En realidad, es un privilegio poder tener en mis manos el barro de varios lados. Yo siempre estoy como muy agradecido con esta materia, porque si no fuera así, yo no conocería a un montón de gente.

El barro me ha abierto puertas. Nunca pensé que el barro me llevara a distintos países. Es una dicha, en realidad, el hecho de tener barro en mis manos y que de ahí salgan las piezas.

Quién era Ulises Rolando Vásquez Castro, cantante de los Internacionales Conejos

El cantante Ulises Rolando Vásquez Castro deja un vacío en los corazones de sus allegados y en la escena musical guatemalteca, especialmente entre los miembros de la banda Internacionales Conejos.

María Alejandra Guzmán

4 de agosto de 2024 | 13:52h

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Ulises Rolando Vásquez Castro formó parte de la banda Internacionales Conejos de Guatemala. (Foto Prensa Libre: Hemeroteca PL)

La historia de Ulises Rolando Vásquez Castro alias “El Mazo” empezó a escribirse un 31 de agosto de 1955 en municipio de San Pedro Sacatepéquez, San Marcos.

Lamentablemente, el pasado sábado 2 de agosto de 2024 se dio a conocer la noticia de su deceso, cerrando uno de los capítulos más importantes de la historia musical en nuestro país.

Se trata de una de las principales voces del conjunto marimbístico Internacionales Conejos de Guatemala, una banda con más de cien años de trayectoria en nuestro país.

Vásquez se caracterizó por su carisma, energía escénica y otras cualidades que perdurarán en el recuerdo de sus seres cercanos y los fanáticos de la banda.

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¿Quién fue Ulises Rolando Vásquez Castro?

Ulises Rolando Vásquez Castro fue un cantante guatemalteco miembro de la banda Internacionales Conejos de Guatemala, tal como se mencionó anteriormente. Castro fue parte de la banda por más de 42 años. En la actualidad, la agrupación cuenta con más de 91 mil suscriptores en su canal oficial de YouTube.

Se ha mencionado que fue una figura clave en el éxito de la agrupación musical, ya que su voz inigualable y presencia permitieron que la banda sobresaliera en la escena artística de nuestro país.  

Medios locales mencionan que Vásquez inició su carrera a los 12 años, así como su paso por diferentes bandas musicales, entre los cuales se encuentran:

• Marimba Occidental
• Conjunto Estrella Occidental
• Juvenil Campanita
• Marimba Maderas del Sur
• Lalo Tzul
• Combo Brasilia
• Gran Continental
• Lira marquense

En entrevistas brindadas a medios de San Marcos, Vásquez Castro expresó la felicidad que sentía por haber incursionado en el ámbito musical: “Me siento feliz de estar con Internacionales Conejos (…). Le doy gracias a Dios por haberme dado la vocación de cantar lo poco que yo pueda, es un camino que Dios me abrió para estar feliz”, afirmó Vásquez en una ocasión.

Entre las canciones más emblemáticas de la banda se encuentran El Norti – Rollo 1, Tropicumbias del Recuerdo, Cuando cae la lluvia, entre otras. Esta es una de sus últimas interpretaciones de la melodía Así soy yo, en voz de Vásquez:

En la esquela publicada el pasado sábado, se indica que Vásquez dejará un vacío en los corazones de quienes le conocieron. Así también, algunos admiradores se pronunciaron en redes sociales respecto al fallecimiento del cantante, ya que es un artista que deja un legado significativo para nuestro país.

Colecciones de arte en Guatemala: Otras bibliotecas para sumergirse en la historia del país

Pinacotecas públicas y privadas resguardan obras de arte que ofrecen un amplio relato de Guatemala a través de sus identidades, épocas y territorios.

Alejandro Ortiz

20 de mayo de 2024 | 09:45h

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El Fondo para la Imagen, Palabra y Pensamiento Ventura Puac—Coyoy exhibe obras de artistas mayas y otros realizadores de la provincia, muchas de las cuales plasman vivencias de sus comunidades. (Foto Prensa Libre: Cortesía Diego Ventura Puac—Coyoy)

Guatemala no solo tiene una historia escrita en papel. El arte, con sus diversas expresiones, ha sido una manifestación significativa para narrar los acontecimientos que han moldeado a sus habitantes. En este marco se puede hablar de historias locales que se encuentran en pinturas, grabados, esculturas, dibujos, fotografías, entre otros.

Hacer referencia a un “arte guatemalteco” es posible por un sistema económico en el que se basan las oportunidades de muchos artistas que a veces contribuyen con sus obras a enriquecer colecciones de museos, galerías y organizaciones con enfoque cultural.

Por ello es preciso poner en valor las colecciones de arte, no solo para mostrar que en el país los artistas pueden generar ingresos con sus realizaciones, sino también porque con dichos espacios la población puede acceder a ellos y conocerlos.

El historiador de arte Guillermo Monsanto, también curador e investigador, dice que “las colecciones son bibliotecas que narran una historia local que hacen patente un tiempo, inquietudes, y cómo van avanzando algunos artistas o cómo otros se quedan estancados”.

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Coleccionar arte es un ejercicio contra el olvido, asegura Monsanto, quien además codirige la galería El Attico, un espacio cultural que desde hace 40 años alberga piezas de artistas locales.

“Originalmente la galería iba a ser un anticuario, pero nos decantamos hacia el arte moderno”, refiere. Junto a su socio Luis Escobar ha llegado a coleccionar obras de grandes figuras del siglo XX como Efraín Recinos, Dagoberto Vásquez y Magda Eunice Sánchez, entre otros artistas.

El coleccionismo regala la oportunidad de indagar en el pasado y en el presente, puesto que las obras que integran las colecciones pueden adquirirse de artistas fallecidos y vivos.

Monsanto cuenta que en Guatemala muchos realizadores de arte empezaron a vivir de su obra en 1989, cuando una pintura de Roberto González Goyri se vendió por más de Q100 mil.

En el presente, para que el trabajo de los artistas sea considerado como tal, es necesario que vendan sus obras. Más allá del propietario —un particular o una institución— que adquiera las piezas, muchas de estas llegarán a formar parte de una colección.

Pinacotecas públicas y privadas

Según Silvia Herrera, crítica y curadora de arte especializada en Filosofía, Arte y Estética, las colecciones son “memoria condensada”, porque “arrojan luces en muchas direcciones y también oscuridades”.

Expone que varias de las colecciones —resguardadas en pinacotecas— en el país se han originado en concursos de arte y procesos de adquisición impulsados por iniciativas de organizaciones como la subasta Juannio o la Colectiva de Arte Junkabal.

Asimismo, cabe resaltar que los certámenes del Banco de Guatemala, así como los de las bienales de la Fundación Paiz y los más actuales de Arte en Mayo, de la Fundación Rozas—Botrán han dado a conocer artistas cuyas obras se han integrado a sus colecciones, que a la vez son de las más longevas y nutridas del país. Por su lado, la primera obra de la colección del Banco de Guatemala se ingresó en 1952, mientras que la de la Fundación Paiz inició en 1978 y la de Rozas—Botrán, en 1984.

“Las colecciones de arte institucionales dejan ver lo que ha sido detectado como interesante o valioso por el coleccionista”, manifiesta Herrera, para quien una obra se convierte en coleccionable siempre que su contenido esté bien ejecutado, sea el tema que fuere. “Creo en el don de ser artista que pocos tienen y pocos han cultivado con honestidad”, puntualiza.

En Guatemala existen dos tipos de colecciones: las privadas y las públicas o institucionales. Las primeras son creadas por amantes del arte que adquieren las obras siguiendo un gusto personal y que preservan en sus espacios privados. Las colecciones públicas, asociadas a instituciones, son exhibidas para que todas las personas puedan acceder a ellas.

El carácter institucional de las colecciones se manifiesta por su contenido e intención y exhiben piezas con temáticas que beben de la historia social, política, económica y estética de un territorio.

“La colección institucional tiene una responsabilidad, porque en ella hay valores históricos, culturales y artísticos. Tiene que ser más parejo. En el coleccionismo individual se compran por gusto”, explica Waseem Syed, artista, coleccionista y coordinador de producción y curaduría de la Fundación Paiz.

Entre las colecciones institucionales más amplias del país destacan las del Banco de Guatemala, museos del Ministerio de Cultura y Deportes, así como las de las fundaciones Paiz, Rozas—Botrán o Nacional para las Bellas Artes y la Cultura. En menor escala se sitúan las que se pueden apreciar en distintas galerías.

A los espacios mencionados se suma la relevancia de otro tipo de colecciones institucionales como las de los museos Ixchel del Traje Indígena, de Arqueología y Etnología, Popol Vuh, Miraflores o de Paleontología y Arqueología.

Además, los de Historia Natural, Nacional de Historia, del Ferrocarril y Tipografía Nacional. Estos recintos cumplen una labor de curaduría y socialización de las piezas con sus respectivas temáticas, en estrecha relación con la historia de Guatemala.

Identidad maya y comunitaria

Lejos de la óptica urbana y ladina de Guatemala existen otras colecciones que no han ocupado tanto espacio en dicho ámbito. Una de ellas es la del Fondo para la Imagen, Palabra y Pensamiento Ventura Puac—Coyoy, que empezó a gestarse en Chichicastenango, Quiché, en 1990, y ha generado un extenso archivo con obras de artistas y creadores mayas, así como de otras comunidades de la provincia.

“Nos valimos de los mecanismos del arte y su mercado para preservar una parte de la historia de nuestra comunidad y de otras circunvecinas. Frente a la lógica hegemónica de la historia del arte, en la cual los pueblos originarios son categorizados como inferiores —en el museo Carlos Mérida la pintura maya estaba en el pasillo de los baños—, deseamos posicionar esta colección donde el pensamiento e historia de las naciones indígenas es protagónica y lúcida”, hace ver Diego Ventura Puac—Coyoy, artista, curador y representante del Fondo.

Durante más de tres décadas, los integrantes de este proyecto familiar han adquirido cerca de 300 obras del siglo XIX y XX realizadas por artistas como Rosa Elena Curruchich —presente en la última edición de la Bienal de Venecia—, Oscar Perén, Diego Isaías Hernández, Juan Francisco Yoc y Samael Simón Calí, entre otros.

“El ejercicio de investigación para cada pieza también influye, porque no seguimos una tendencia de moda o estilo como propone el mercado del arte en general”, agrega Ventura Puac—Coyoy.

Varias de las piezas de esta colección son exhibidas en los muros de la Villa de los Cofrades, una pequeña cafetería ubicada en el mercado de Chichicastenango, y el hotel y restaurante Los Cofrades, ubicado en el km 147 de la ruta a Santa Cruz del Quiché.

Aunque no se trata de un recinto pensado con fines económicos, el Museo Ixchel del Traje Indígena cumple, al igual que el Fondo Ventura Puac—Coyoy, una importante labor en cuanto a preservar la cultura maya en el país.

En la citada entidad se resguardan y exhiben huipiles, fajas, cortes, tocados, camisas, pantalones, sobrepantalones, sacos, capixays, sutes, velos y sombreros, entre otras piezas que suman un total de 7 mil 841.

El Museo Ixchel cuenta, además, con una colección de 49 pinturas del primer artista de San Juan Comalapa, Andrés Curruchich, cuyas obras también se encuentran en la Bienal de Venecia, así como una colección de joyería, formada por collares y chachales.

Violeta Gutiérrez, curadora y directora técnica del Museo Ixchel, dice que la colección se inició en 1973, cuando un grupo de personas interesadas en preservar los tejidos indígenas de Guatemala creó el Comité Textil, que llevó a cabo diversas actividades para recaudar fondos que les permitieran adquirir prendas y tejidos a fin de formar una colección. Con el transcurso del tiempo se fueron adquiriendo más piezas a través de donaciones.

“Para que estas ingresen a la colección hay varios parámetros que se evalúan, puesto que cada una requiere de una inversión permanente para darle el resguardo adecuado. (…) Se aprovechan las investigaciones etnográficas de campo que se efectúan desde hace varias décadas para darle el andamiaje intelectual y documental que permite otorgar el contexto necesario a la persona a cargo de adquirir piezas. También se analizan factores como costos, el significado y la relevancia que tienen”, explica Gutiérrez.

En el caso del Museo Balam de Todos Santos Cuchumatán, Huehuetenango, fundado por el maestro e historiador Fortunato Pablo Mendoza, se aprecian colecciones integradas que exhiben varios objetos y artefactos de la comunidad mam.

Otras colecciones

Al dar un paseo por el circuito de museos de la zona 13 capitalina que son administrados por el Ministerio de Cultura y Deportes, las personas pueden encontrar el de Arte Moderno “Carlos Mérida”, con obras de los creadores más relevantes del arte guatemalteco moderno y contemporáneo de los siglos XX y XXI.

En el recinto, inaugurado en 1939, se encuentra una extensa obra de Carlos Mérida, reconocido por explorar la vorágine de formas y colores que confluyen en la identidad del país durante las primeras décadas del siglo XX.

Además del artista que da nombre al museo, se pueden apreciar obras de Efraín Recinos, Rina Lazo, Dagoberto Vásquez, María Dolores Castellanos y Aníbal López, entre otros.

En la 7a, avenida de la zona 1, en el Centro Cívico, se erige el Banco de Guatemala en el cual destacan los impresionantes murales de Roberto González Goyri, Dagoberto Vásquez y Carlos Mérida.

No obstante, dentro de sus instalaciones se encuentra una vasta colección de obras de Humberto Garavito, Alfredo Gálvez Suárez, Antonio Tejeda Fonseca, Efraín Recinos, Guillermo Grajeda Mena, Valentín Abascal, Rodolfo Abularach, Ernesto Boesche y Manolo Gallardo y muchos otros. Su pinacoteca consta de 711 pinturas, además de esculturas, grabados, dibujos y los murales.

De acuerdo con Francisco Fuentes Martinolli, encargado de la Pinacoteca y jefe sección de Relaciones institucionales y cultura, y Marvin Alexander Corado Gómez, el Banco de Guatemala cuenta con obras de “todos los estilos”, que van desde el paisajismo hasta la pintura abstracta, impresionista, realista, conceptual y expresionista.

Esto responde a una política establecida desde la creación de la entidad, en 1945. “El Banco de Guatemala también es conocido como el banco de la cultura y además de sus funciones como rector financiero, tiene como objetivo complementario apoyar la cultura y resguardar la colección de obras más completa de los siglos XX y XXI del arte guatemalteco”, se indicó.

Los entrevistados añaden que las primeras obras ingresaron en 1952. Al principio la intención era ornamentar las oficinas y pasillos, pero no fue sino hasta 1958 que a través de la Oficina de Relaciones Públicas se inició con la adquisición de obras de José Luis Álvarez, José Antonio Oliveros, Salvador Saravia, Julia Minguillón, y primitivistas como Andrés Curruchich y Juan Sisay.

Las obras se encuentran ubicadas en los pasillos, oficinas, salones, salas de reunión y la Pinacoteca. Muchas de ellas están disponibles al público y para visitarlas se debe hacer una cita a través del departamento de Relaciones institucionales y cultura.

Durante los últimos 46 años, la Fundación Paiz se ha convertido en un sitio de referencia para la divulgación y formación artística en Guatemala. A través de su bienal, que además es la segunda más longeva de Latinoamérica, seguida por la de São Paulo, la fundación ha fomentado la creación y adquisición de obras locales.

Su pinacoteca alberga más de 300 obras en distintas dimensiones y da cuenta de un salto de la modernidad a la contemporaneidad. Además de contar con pinturas de artistas de El Salvador, incluye un gran número de obras premiadas en las bienales.

José Roberto Vásquez, encargado de la pinacoteca de la Fundación Paiz, expresa que la colección ofrece una singular polifonía. “Creo que lo importante y lo que la caracteriza es que se encuentran todo tipo de artistas, desde muy destacados hasta otros que no se sabe bien quiénes fueron”, subraya, al hacer énfasis en el eclecticismo que se observa, porque muchos de los certámenes que la fundación llevó a cabo estaban abiertos a todo el público y no solo a los artistas, por lo que participaban y eran reconocidos hasta menores de edad, cuyas obras se siguen exponiendo.

“La colección es un esfuerzo que debe ser divulgado. Hay obras de diferentes épocas y nuestro trabajo es ordenar y generar otra narrativa”, subraya Waseem Syed, de la Fundación Paiz, al agregar que la entidad que representa se prepara para desarrollar el primer evento de nuevos medios digitales, un formato que cada vez tiene mayor visibilidad a través de NFT’s o videoarte.

Muchas de las obras de la referida Fundación se han dado a conocer en exhibiciones en su propia sede, así como también a través del préstamo de las mismas en establecimientos que coinciden con los intereses culturales, educativos y empresariales de la Fundación. Por dicha razón, se han prestado obras para exhibiciones en galerías y hoteles, por mencionar dos espacios.

Si bien es cierto que las colecciones proponen una narrativa local, también se extienden a la región. Es el caso de la Fundación Rozas—Botrán, que presenta piezas de realizadores guatemaltecos y de países vecinos. “Como el alma de Centroamérica y de Guatemala” describe el espíritu de este espacio José Rozas—Botrán, presidente de dicho espacio.

“La Fundación ha tenido el objetivo claro de ser una plataforma nacional e internacional para artistas de Centroamérica y Panamá. Es una región maravillosa, por lo que coleccionamos cualquier expresión que aporte a la cultura actual. Puede ser paisaje, pintura abstracta, escultura o arte conceptual, entre otros. Hay que ser inclusivos”, sostiene, al compartir que el proyecto dio inicio en 1984 al comprar su primera obra a Ingrid Klussmann, propietaria de la galería El Túnel.

Rozas—Botrán comenta que siete años después de creada la Fundación, en 1999, la entidad comenzó a recibir donaciones de obras por parte de artistas que decidieron contribuir a la misma, y hasta la fecha se utilizan para desarrollar proyectos educativos.

Así surgió el Museo Unis Rozas-Botrán Contemporáneo en el 2014, el cual está ubicado en la sede de la Universidad del Istmo, en Fraijanes, donde se exhibe la colección de la Fundación.

“—La colección— tiene una función de ayuda social y también la de sensibilizar y educar a los jóvenes a través del arte en la universidad”, dice José Rozas—Botrán, al puntualizar que en los últimos 10 años se han podido notar cambios en el criterio, toma de decisiones y la tolerancia social en muchos de los estudiantes universitarios a partir de ejercicios de mediación.

Cabe mencionar que las exhibiciones son actualizadas cada año y en su mediación intervienen estudiantes que son formados como guías de museo y ofrecen recorridos al público en general. Durante los últimos años han aumentado las visitas de escuelas y colegios al campus de la Universidad del Istmo, concluye Rozas—Botrán.

Guatemala llega a la feria de arte contemporáneo Arco en España

Del 6 al 10 de marzo, cinco artistas visibilizarán reflexiones desde sus territorios locales en Guatemala y su relación con el mundo.

Alejandro Ortiz

28 de febrero de 2024 | 16:07h

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Antonio Pichillá, artista maya tz'utujil de San Pedro La Laguna presentará varias de sus obras textiles. (Foto Prensa Libre: Cortesía Antonio Pichillá)

Este año se llevará a cabo la 43ª edición de ARCOmadrid, catalogada como la feria internacional de arte contemporáneo más importante de España, puesto que desde su creación se ha convertido en una de las principales plataformas de exposición y venta de obra artística.

La feria es una extensa muestra a la que son invitadas galerías de todos varios países que seleccionan obras de varios de sus artistas representados para exhibirlas y ponerlas a la venta. Este espacio internacional suele estar dirigido a coleccionistas, galeristas, integrantes de museos, gestores culturales y artistas en general.

Bajo la curaduría de Carla Acevedo—Yates y Sara Hermann Morera, la feria propuso para este año La orilla, la marea, la corriente: un Caribe oceánico como unos de sus ejes centrales. De acuerdo con datos de la plataforma, la iniciativa está concentrada en escenas artísticas de los territorios conectados por dicho mar.

La feria también presentará obras dentro del Programa General, seleccionadas por el comité organizador, así como la sección Opening, comisionada por Cristina Anglada y Yina Jiménez Suriel, donde se presentará una selección de galerías jóvenes. Por otro lado, el eje Nunca lo Mismo. Arte Latinoamericano destacará obras de 11 galerías latinoamericanas.

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Durante la nueva edición, que se realizará del 6 al 10 de marzo en la capital española, serán exhibidas obras de artistas que suelen trabajar desde Guatemala.

Entre los nombres de la participación guatemalteca destacan Moisés Barrios, Esvin Alarcón Lam, Sandra Monterroso, Antonio Pichillá y Marilyn Boror Bor, quienes son parte de una selección de más de mil 300 artistas de todo el globo.

Guatemala será parte de la feria que a la vez exhibirá obras de artistas como Pablo Picasso, Francis Bacon, Joan Miró, entre otros. ARCOmadrid mostrará en total piezas de realizadores vinculados a 206 galerías de 36 distintos países.

Participación desde Guatemala

Las obras de los artistas locales se distinguen por una variedad de propuestas que surgen del reconocimiento de los cuerpos y las reflexiones en el entramado socio-político e histórico de Guatemala y la región sur del mundo.

27 años después de su primera participación en Arco, el guatemalteco Moisés Barrios presentará dos series de pinturas en las que explora los fantasmas de las repúblicas bananeras y los paisajes como postales heredadas de la geografía. Ambos proyectos servirán también como la representación de la Galería Extra desde Guatemala.

Bananópolis, una de las series que exhibirá Barrios en Madrid durante estos días, aborda con pinturas en acrílico y acuarela la narrativa del banano como símbolo de explotación, resistencia y memoria colectiva, partiendo del vínculo entre los gobiernos guatemaltecos y la United Fruit Company durante el siglo XX.

La serie se distingue por el derrame de tonalidades amarillas, asociadas a la piel del banano, sobre recortes de publicidad artística. Asimismo, el cuerpo de obra se completa con una serie de pinturas donde figuran vitrinas de la marca de ropa Banana Republic.

El segundo proyecto del artista que será mostrado en Arco, titulado Paisajes recientes, consiste en una serie con más de 10 pinturas en las que Moisés recrea lugares que fotografió alguna vez en zonas con cuerpos de agua.

“Son paisajes que he extraído de un gran archivo de fotos de paseos por el altiplano y el Caribe. Es un material que he estado guardado. En este momento mi pasión por el paisaje encontró una buena vía“, señala el guatemalteco en referencia a la participación de sus pinturas dentro de ARCOmadrid.

Barrios comenta que las primeras imágenes de esta serie fueron capturadas en la década de 1990. Para su nueva participación dentro de la feria española desarrolló la serie entre 2023 e inicios de 2024.

Continuando con la idea del paisaje, para su participación en Arco, el realizador Esvin Alarcón Lam mostrará una fotografía tomada en las playas cubanas donde destaca una fila de banderas de países caribeños, subvertidas en tonalidades rosadas.

MARICAribe, título que recibe la imagen, se acompañará de una instalación trabajada por el artista en Berlín; ciudad donde se encuentra actualmente completando una residencia dentro del programa DAAD Artists-in-Berlin.

“Ambas piezas se relacionan al hecho de que varios países aún criminalizan a la población no heterosexual. Al confrontar la idea de Estado Nación con un color que se considera femenino, se crea una disonancia que me interesa porque es capaz de generar una contra-narrativa de la playa como paisaje, y la visibiliza como territorio en disputa“, explica el realizador.

La obra de Alarcón Lam, que se presenta dentro del eje expositivo La orilla, la marea, la corriente: Un Caribe océanico, propone generar preguntas en “concomitancia al placer y a lo permitido“.

Para el realizador, acercarse con esta obra a Arco es una oportunidad para que tanto él como otros realizadores de Guatemala puedan ingresar a colecciones y exposiciones importantes en Europa y el mundo. “Esto a su vez, mal que bien, ayuda a legitimar nuestras voces”, expresa el guatemalteco.

El artista maya tz’tujil Antonio Pichillá, quien ha sido invitado a ferias de arte en países como México, Colombia y Brasil, señala que la nueva visibilidad de Guatemala en ARCOMadrid podría verse como un recordatorio al mundo sobre lo que ya ha logrado el arte local en España.

Actualmente en España se encuentran obras de varios artistas guatemaltecos dentro de colecciones como la del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía donde se resguardan piezas de guatemaltecos como Naufus Ramírez Figueroa, Margarita Azurdia, Antonio Pichillá, Sandra Monterroso o Marilyn Boror Bor.

“Ya estamos en Europa y esto es un gran aporte”, dice Pichillá, originario de San Pedro La Laguna, Sololá.

Las obras del artista en la segunda edición de ARCOmadrid se destacarán por una variedad de materialidades. El artista exhibirá pinturas geométricas, esculturas y vídeos. A través de estos soportes reflexiona sobre la ritualidad de sanación y las ofrendas, la arqueología en pausa y la ancestralidad en el espacio privado y público.

En esta ocasión el autor también compartirá espacio con Ayrson Heráclito, artista afrodescendiente de Brasil, junto a quien expondrá en el puesto de la galería brasilera Portas Vilaseca.

De acuerdo a un comunicado emitido desde Portas Vilaseca, ambos artistas desenvuelven sus trabajos dentro de una “zona política-histórica marcada por actos de violencia racista y circula en el territorio de la historia en busca de una voz que cuente lo no dicho”.

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Partiendo de las reflexiones indígenas en resistencia, las artistas Sandra Monterroso y Marilyn Boror también contarán con un lugar en la nueva edición de Arco en Madrid.

En su primera participación dentro de la feria española, Monterroso desplegará varias instalaciones. La primera de ellas, Abeja solitaria. Nido de colores consiste en una obra de dos metros de alto elaborada a partir de lienzos de algodón, lino y lana, teñidos con pigmentos naturales como cochinilla, cúrcuma, indigofera y achiote.

La pieza está inspirada en los nidos de abejas y a lo largo de su ensamble presenta recetas ancestrales para sanar heridas, enfermedades y soledades.

Nido Azul, la segunda obra de la artista en la feria surgió de la observación que desde años ha hecho Monterroso frente a las estructuras de las aves en Lanquín y las Verapaces. Esta obra se distingue además por el uso de indigofera, así como de cuero hilo y acero.

Su tercera pieza remite al uso histórico de las jícaras y el valor que han tenido dentro de las comunidades indígenas. En su propuesta, la artista desplegará sobre un muro de cuatro metros por uno y medio de ancho, varias jícaras intervenidas con textiles.

En esta ocasión, Monterroso llegará a Madrid en representación de la galería barcelonesa Zielinsky. Además de las piezas mencionadas, la guatemalteca también mostrará otras tres piezas concebidas entre 2021 y 2024.

La artista comparte que su llegada y la de otros guatemaltecos a Arco supone algo importante “para la historia y el arte nacional, ya que posiciona a Guatemala como un país creador y generador de artistas que están moviéndose a nivel internacional”.

Para la realizadora Marilyn Boror Bor, este año también supone su primera llegada a ARCOmadrid . En esta edición, la artista maya kaqchikel será respaldada en una muestra colectiva dentro del stand de la también galería barcelonesa RocioSantaCruz.

La obra con la que la artista participará será Diccionario de objetos olvidados, la cual desarrolló durante un año de investigación y que se presentó por primera vez en una de las bienales de Arte Paiz en Guatemala.

El Diccionario consiste en una serie de fichas e imágenes que describen objetos cotidianos que pertenecían a la comunidad kaqchikel de San Juan Sacatepéquez, localidad de donde proviene Boror Bor.

Dentro de ARCO se presentará una segunda edición de la obra, desarrollado por la plataforma Casa Editorial 19-84, y la cual tendrá una traducción al español, kaqchikel e inglés.

Sobre su participación en la feria española, Boror Bor puntualiza: “Me interesa mostrar el contenido en territorio internacional. La obra habla de mi relación con el territorio rural indígena de Guatemala versus lo urbano“.

El guatemalteco Ben Carrillo, quien migró a Estados Unidos a los 15 años buscando mejores oportunidades, fue nombrado el artista del año. A sus 28 años es productor y cantautor. “Esto es de todos ustedes que me impulsan a seguir mi sueño. Hoy estoy recibiendo este reconocimiento, así que les puedo decir que, si lo puedes pensar, lo puedes lograr. Yo estoy representando a todos los chavos de Villa Nueva, Escuintla y otros barrios de Guatemala”, dijo muy emocionado.

Ya avanzada la ceremonia, Carrillo también recibió el reconocimiento a Mejor canción reggae con Zoom Zoom.

Tanto Fabiola Roudha, como Dennis Arana recibieron tres galardones cada uno. La intérprete de Que todo esté bien ganó en las categorías de Mejor club de fans, Mejor interpretación femenina y Mejor colaboración. Esta última fue por la canción Tu huella, que interpreta con Arana.

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Mientras que el cantautor recibió el premio a Mejor canción regional, Mejor colaboración y al artista favorito en redes sociales (premio que otorga el público). Arana no estuvo presente en la premiación debido a que se encontraba en Estados Unidos participando del Festival Chapín.

Producción, trayectoria y lo más sonado

La celebración comenzó premiando a los encargados de producción, a aquellas personalidades que están detrás de los telones haciendo posible que un espectáculo y música suene lo mejor posible.

El primer premio de la noche fue para Leyton EME, como productor del año. “Es increíble tener los sueños de cada artista y poderlos materializar. Este reconocimiento es para cada uno de ustedes”, dijo. El talento quezalteco ha trabajado con personalidades como Mr. Fer y Rebeca Lane.

 

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Luego, el Premio Estela fue para Josue Cilea, quien fue nombrado sonidista del año. Debido a que se encontraba afuera del país, sus padres subieron al escenario para recibir el reconocimiento. Sin embargo, por medio de un vídeo dio sus palabras de agradecimiento.

El reconocimiento de trayectoria y calidad fue para el grupo musical Checha y su India Maya. “Quiero dedicar este premio a mi abuelo que fue el fundador. A mi papá, que a once años de su partida dejó un sueño que ahora es mío. Ellos, más que una herencia, dejaron un legado. Mi orquesta está trabajando en Sumpango, yo me escapé un rato para estar al lado de estas eminencias musicales”, dijo Bernardo Gálvez.

 

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Otros de los premiados en el primer segmento de la noche fueron para Mr. Fer, como autor del año; Francisco Páez, como compositor del año; El David, como artista revelación, y Pako Rodríguez, como DJ del año.

Así mismo, los Premios Estela también dedicaron un espacio para entregar una estatuilla a lo más sonado de Centroamérica. El Grupo Melao fue el más sonado de El Salvador; Cocofunka fue el premiado de Costa Rica y Marimbas Maderas Chapinas, de Guatemala.

 

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Por último, la producción cerró este segmento de la velada con el reconocimiento a Zelaya, por Proyección Internacional. “Este año, que tuve la oportunidad de estar representando a Guatemala afuera del país, sentí mucho la unión de todos. Es muy gratificante saber que otras personas dedican su tiempo para escuchar tu música. Me siento orgullosa de ser chapina”, dijo en su discurso de agradecimiento.

Presentaciones

La banda guatemalteca Filoxera fue una de las encargadas de poner a bailar al público con su último lanzamiento Las Horas y Quién diría.

Voelin, quien tuvo cinco nominaciones en esta edición, también deleitó con su música; así como el grupo venezolano Doble Sentido. Luego, fue el momento del género regional por parte de Javier Garistú; y por último, la presentación que cerró la velada fue la de Ben Carrillo, uno de los máximos ganadores de la velada.

Mejores canciones

Por segundo año consecutivo, el grupo Pepió ganó en la categoría a Mejor canción metal. Este 2023 fue con I got a reason, la cual habla acerca de luchar y no dejarse manipular por todos los engaños del exterior.

La Mejor canción instrumental fue para Ramix Big Band con Romance de otoño; Dios eterno, de Silas González, fue la Mejor canción gospel; Lorenzo, de Juan Carlos Murga, se nombró Mejor canción Jazz; y Encanto, de Adriana Rosso, fue la Mejor canción indie.

“Qué lindo estar acá. Cuando escuché las nominaciones, dije ‘qué talento’. Esto va para ustedes porque me inspiran. La música me sanó a mí, espero que lo haga en todos los guatemaltecos para que nos ayude a salir de las calles”, dijo Ben Carrillo al recibir el galardón a Mejor canción reggae con Zoom Zoom. 

 

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Luego, la agrupación La tripulación subió al escenario para recibir el premio a Mejor canción tropical por Virgen de concepción. “Quiero dedicarle este premio a mi abuelo que está en el cielo. ¡Que viva la música, San Pedro La Laguna y nuestro público!”, dijeron al recibir el reconocimiento.

La mejor canción electrónica fue Feels, de Jack Noise y Limerence; mientras que la Mejor canción hip hop/ trap/ rap fue Mejor sin mí de Leyton Eme. “Esta canción la escribimos hace dos años, cuando tenía un problema sentimental y lo transmitimos con música. Este premio es para todos mis amigos”, dijo el también productor Leyton Eme.

Daniela Carpio, conocida como Di Wav, ganó en la categoría Mejor canción rock con Ataúd. “Para mi ser reconocida en mi país es algo que llevo en el corazón. Agradezco a Dios por sembrar en mí la inquietud de crear”. dijo muy emocionada sobre el escenario.

 

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Volví a mi, le dio el premio a Mejor interpretación femenina a Fabiola Roudha. “Estamos viviendo en una era digital en donde todo es tan efímero. Pero hay personas, como los que estamos acá, que a través del arte podemos crear conciencia y transformar con nuestra música. Felicidades a las demás chicas que estaban en la categoría”, dijo

Por segundo año consecutivo, Thian V ganó en la categoría Mejor interpretación masculina. En esta ocasión con la canción ¿Y si nos vemos?. “Siempre es muy inesperado por estar en a misma categoría junto a grandes voces. Felicidades a ellos también. Gracias a todas las personas que estuvieron detrás de la canción”, dijo sobre el escenario. El premio se lo dedicó a su madre.

La Mejor canción pop fue Tanto, del grupo venezolano Doble Sentido junto con Samo; mientras que el Premio Estela a Mejor canción cumbia fue Peces e iguanas, de Los miseria cumbia band y Bohemia Suburbana

La Mejor colaboración fue para Fabiola Roudha y Dennis Arana, con su canción Tu huella. “Fue una colaboración que quería hacer desde hace mucho tiempo. Tenía la canción desde el 2020 y pude invitar a Dennis. Fue un honor”, dijo la cantautora al recibir su segundo premio de la noche.

Como pueda, de Zelaya, fue la Mejor canción pop femenina. “Esta canción me pone un nudo en la garganta porque me enseñó a soñar en grande. Esta canción me abrió las puertas a representarlos a ustedes, a Guatemala, en un escenario grande. Gracias Guate por todo el apoyo”, mencionó muy emocionada al recibir su segundo reconocimiento de la noche.

Luego continuó la premiación a Mejor canción masculina y el galardón se lo llevó Voelin, con Quitarme la culpa. “Muchas gracias. Estoy muy contento de compartir este premio. Se lo quiero dedicarlo a tres factores que me mueven: a Dios; a mi cosmos, que son quienes me escuchan; y a mi mamá que está en el cielo. Gracias a todos ustedes, que hacen posible todas estas locuras”, dijo muy emocionado.

“Es importante recordar que lo recaudado durante la Teletón 2023, nos permitirá continuar brindando servicio a las más de 13 mil familias que anualmente atendemos en los 21 Centros y Clínicas de Rehabilitación Fundabiem en todo el país”, dijo en un comunicado Fernando Cáceres, presidente en funciones de la Teletón 2023.

Además de unir a varios grupos televisivos y medios de comunicación, la Teletón 2023 contará también con artistas nacionales e internacionales, quienes se han unido a la causa.

Rodrigo Sánchez, encargado del elenco artístico de la Teletón, detalló la lista de artistas que se presentarán en el escenario de la Teletón.

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Conductores y artistas internacionales.

“Con relación a los artistas internacionales, tendremos a  Luis Enrique y a PeeWee, que estarán en el cierre el día sábado 15 de julio”, agrega.

Otro de los artistas internacionales que viene a  la Teletón es TIMO, una nueva banda colombiana que se presentará el viernes.

También participarán artistas internacionales que, aprovechando que se encuentran actualmente en una gira de medios, asistirán a la Teletón, Juandy, Dreya Starr y Doble Sentido. Ellos vienen de Colombia, Miami, EE.UU. y Panamá.

Artistas nacionales

Respecto al talento nacional llegarán más de 20 conductores de diferentes canales nacionales, entre ellos, Guatevisión.

Algunos de los artistas nacionales confirmados para la Teletón 2023 serán Sky Joe, Carlo Pappa, Enrique Aguilar, DJ Keiro, Pablo Pyson, Kanny Dandes, Josy Esteban, El Duarte, Voelin, Juan Pablo y Fiorella, Son Latino y La Saga.

De acuerdo a la información de Sánchez, el 14 de julio alrededor de las 21 horas es la apertura de la Teletón y continuará hasta la madrugada. El 15 de julio en la mañana, habrá una franja infantil con temática de circo. En la tarde habrá la franja juvenil y en la noche será el cierre del evento.

Invitación de los artistas

A raíz del anuncio de los artistas que se presentarán en la Teletón 2023, algunos de ellos han expresado su entusiasmo mediante videos que compartieron en redes sociales.

Algunos de estos saludos fueron por parte de la presentadores Azucena Cierco, la agrupación TIMO y los músicos internacionales Luis Enrique y Pewee.

Si está interesado en realizar un donativo, puede hacerlo mediante el siguiente enlace

Infiere que su edad es lo de menos cuando se le quiere ubicar dentro de la llamada historia del arte. “Nací en el 54 pero casi nunca lo destaco porque es algo que categoriza dentro del arte. Por ejemplo, si tenés cierta edad, sos tal cosa… A mí me gusta más la atemporalidad”, dice, mientras en sus manos sostiene un folleto de la exposición que presentó en el 2002 en la galería New York Generous Miracles y que llevó por nombre Oasis: The rivers of Alfredo Ceibal.

El colorido folleto muestra pinturas en las que plasmó ríos de Guatemala como el Motagua, el Usumasinta o el Magdalena. Alfredo cuenta que la serie fue mostrada en una época “decaída y deprimida” en la Gran Manzana.

Tan solo un año antes habían ocurrido los atentados del 11-S y su exposición en la Generous Miracles mostraba un acercamiento a varias geografías pictóricas plenas de matices verdes, azules y marrones.

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Pero más allá de mostrar un imaginario hidríco en lo que se suponía que era Guatemala, la serie trataba de poner sobre el diálogo artístico una narrativa del deterioro natural donde los ríos se secaban y de ellos permanecían ciertos resquicios de naturaleza en forma de pequeños oasis.

Durante su carrera, Ceibal ha perseguido una temática alrededor de las topografías existentes y el tiempo en soportes como pinturas, dibujos e instalaciones donde aparecen universos y personajes que desde topografías utópicas confluyen en la vitalidad, la finitud y lo melancólico.

Ceibal reconoce cierta nostalgia en sus obras y mucho tiene que ver con las escenas naturales que veía durante sus primeros años de infancia y juventud en Guatemala. Parte de esa lejanía lo siguió hasta Estados Unidos, donde empezó a vivir desde mediados de los setenta y durante los ochenta.

“Tenía familiares que por distintas razones migraron allá. A mí me interesaba conocer en general la cultura y me quedé”, cuenta el realizador, quien vivió temporadas en Florida, Boston y Washington, pero fue una atracción por la diversidad idiosincrática encapsulada en Nueva York lo que le obligó a permanecer allí por más de 30 años.

Fue dentro de esa gran jungla de concreto, donde, sin esperarlo ni planificarlo, terminó compartiendo con otros jóvenes alrededor de galerías, activaciones y propuestas que bullían en la creación, ya fuera desde la danza y la música hasta la confección de atuendos o la pintura. Aunque le parecía un ecosistema “adictivo” que no dejaba de sorprenderlo desde sus múltiples expresiones, Alfredo se comprendía más como espectador de las dinámicas y no se nombraba como artista.

“Nunca fui a una escuela de arte. En Guatemala tuve la oportunidad de ir, pero no me gustó. Recuerdo a un profesor que daba clases particulares y solo hablaba. Sucedió algo parecido en Nueva York, donde tuve opción de estudiar en varias de los mejores universidades, pero no lo hice. Hay algunas personas a las que les funciona la escuela, pero yo no soy una de ellas”, dice Alfredo, quien se reconoce como alguien disperso que encontró dificultades en su proceso de aprendizaje desde temprana edad, ya que a diferencia de otros menores, luchaba por retener y manejar toda la información que recibía durante la escuela. Él prefería el mundo.

Comenzó a leer pasados los 10 años. Durante su niñez rondaba en plantaciones de café, campos de frutos, pozas y ríos, sitios donde encontró su pulso por la creación: “Me gustaba buscar cosas en la naturaleza para armar. Hacía piezas con barro y a veces usaba plumas que se les caían a los pájaros. Una vez llegué a encontrar varias abejas muertas, las recogí para colocarlas alrededor de un panal y después le construí unos caminos de tierra. Con los años me di cuenta que esas eran mis primeras instalaciones”.

Con esa misma agilidad solía construir regalos con elementos naturales que entregaba a sus amigos en Nueva York. Por otro lado, gozaba de pintar, danzar y confeccionar atuendos. Toda creación la veía como un pasatiempo, pero su virtud artística generó interés en quienes le rodeaban.

En un punto, durante los ochenta, la vida dio un giro cuando fue invitado a mostrar varias de sus pinturas por primera vez en una exposición colectiva. No hubo vuelta atrás ni se detuvo. Con los años llegó a mostrar sus obras en distintos espacios alternativos y otros tantos más consolidados de Nueva York. Pasados los noventa, retomó su vínculo con Centroamérica, en especial con Guatemala, a donde regresó para seguir trabajando, imaginando y proponiendo sus universos.

En muchas de sus piezas suele destacar la presencia de personas en varios territorios idílicos. La huella humana puede verse, por ejemplo, desde situaciones como la industrialización o el consumo excesivo. ¿Qué opina acerca de estas situaciones?

Los seres humanos venimos a este mundo como consumidores. Cada persona es responsable de lo que va a heredar.  Recuerdo cuando iba al Lago de Amatitlán de niño y podía ver los peces de colores y nadar ahí.  Había heredado un lago que todavía estaba limpio, pero después llegó a ensuciarse y dejó de ser apto para la vida.

Siento que los seres humanos somos personas muy irresponsables; queremos parecer como seres de orden que protegen derechos universales, pero somos el centro nada más de cómo nos percibimos. Tal vez sí sabemos mucho, pero no ponemos en práctica todo. Basta con ver este mundo en el que cada vez hay más guerras, discordias y contaminación. Pareciera que este consumir y producir excesivo es lo que mejor estamos haciendo a raíz de todos nuestros avances.

¿Es por eso que tiende a repensar el mundo desde otras formas y perspectivas?

Muchas veces surgen del pensamiento detrás de la necesidad por encontrar nuevos mundos habitables, ya que la Tierra va a tener que abandonarse eventualmente por los problemas que hay. Esto lo propuse en la serie Jardines de otros mundos, donde elaboré asteroides con paisajes y formas idílicas que, imagino, podrían habitarse en algún momento.

¿A qué alude el planteamiento por esa nostalgia geográfica?

Estamos en un mundo paradisíaco. Todavía hay muchos recursos que pueden salvarse. Es una ironía, además, que tengamos tanta prisa por salir de aquí con los proyectos que buscan llevar a la población humana a Marte. Suena fantástico vivir en otros mundos lejanos, pero creo que solo algunos podrán lograrlo.

Muchos de lo paisajes en sus obras toman referencia de Guatemala. ¿Cuán presente estuvo esa melancolía por el país cuando vivió tanto tiempo en Nueva York?

Sí, pero venía poco. Hay otro componente en mi historia y es que cuando sucedía el conflicto armado interno no me gustaba regresar mucho a Guatemala. Me hacía sentir muy impotente todo lo que estaba ocurriendo. Era poco lo que podía hacer yo ante semejante poder. Desde mi punto de vista, creo que no todos hubiéramos podido o tuvimos la capacidad mental de reaccionar.

Por mucho tiempo dejé de venir y extrañaba la naturaleza del país. Lo bueno es que con el tiempo quedaron muchas cosas en el paisaje, aunque luego hubo varias situaciones que lo han amenazado como el envenenamiento a ríos o a los campos.

A estas instancias de su camino e historia, ¿cómo definiría eso que llamamos “arte”?

Lo llamamos arte porque queremos encontrarle una palabra. Muchas veces se dice que es una porción de situaciones, objetos o prácticas, pero siento que arte es todo lo que hay y lo que se puede ver. Es lo que siempre ha existido. Nadie de nosotros inventa nada. Solo estamos transformando cosas desde nuestro afán e impulso natural.

Tampoco es algo que se limita a lo que está en un museo, una galería o lo que esté colgado en las paredes. El arte es algo universal que no tiene tiempo y que tampoco se limita a este mundo ni a esta sociedad, ni a los continentes. Es todo.

Partiendo de ese sentido, donde ‘todo’ es arte, en sus obras ha habido una intención por ubicar las formas de vida existentes en sus geografías. ¿Qué importancia tiene el humano?

Siento que los seres humanos somos tal vez el componente más inspirador que pueda existir. Podemos ir desde lo más genuino e incluso hasta lo malévolo. El humano puede ser de todo. Ahí dentro de la mezcla de nuestras experiencias resultan todas las cosas que vemos.

Cuando la contacté por teléfono Delia me dijo con voz baja que estaba en una presentación y que me llamaba después porque “ahora viene la piñata”.

Al devolverme la llamada, me explicó cómo comenzó a representar a la Chilindrina, a quien desde siempre ha querido.

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Cuenta que su papá le decía “Mi Chilis” desde que era pequeña porque ella imitaba al personaje y le decía: “Papito lindo, papito precioso, dame cinco centavos…”

Sin duda, su carisma le ha abierto puertas.  Delia es maestra y cuenta que sus estudiantes fueron su primer público con este personaje.  Con la voz quebrada recuerda una carta que le hicieron sus alumnos de segundo primaria y que aún conserva, que decía: “no importa el lugar, lo importante es hacer lo que te guste y compartir”. Ellos le decían “la seño Chilindrina”.

Y es que para ella no hay nada como compartir la alegría de los niños sintiéndose una niña más entre ellos.  Le encanta la sinceridad de los pequeños y le gusta que la abracen.

La satisfacción más grande que le ha dado este personaje es haber representado a Guatemala en el Concurso Latinoamericano de Imitación Síganme Los buenos, organizado por Televisa en México en el año 2000.

Todo comenzó con un concurso de la Feria de la Alegría, el cual ganó aquí en Guatemala. Así nació su personaje “La Chilis” con el cual ha recorrido los 22 departamentos y hace la cuenta que le faltan alrededor de 70 municipios de los 340 que tiene el país. Cuenta que tiene un mapa en el cual va marcándolos.

Trabaja en escenarios grandes y pequeños. En la conversación menciona que con la Chilis ha ido a la UNOP, Anini, Asilo de San José y Hospital San Juan de Dios, entre otros.

Franco tiene 52 años y 30 años de trayectoria artística, comenzó a estudiar Arte Dramático en la Universidad Popular. Aunque no terminó porque se casó, sí trabajo en varias obras, como La Tía de Carlos, La Chalana y otras de teatro infantil, dirigida por Rubén Morales.

Además de la Chilindrina, ha interpretado otros personajes como Betty Marmol.

Con la pandemia se durmieron los personajes, pero poco a poco han comenzado a despertar y uno de los más buscados ha sido su querida Chilis. Actualmente también interpreta a la Payasita Moñita.

Para finalizar la conversación, Delia Margarita Franco Contreras me dice que orgullosamente pertenece a la Asociación de Payasos y Cómicos de Guatemala. Y me comparte muchas fotos de sus presentaciones.  Ella dice que los niños le transmiten felicidad y eso se escucha en su voz, mucha alegría.

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Durante estos años la Fundación ha desarrollado diversos programas de inclusión social para integrar a personas que tienen cualquier tipo de discapacidad, ya sea sensorial, mental e intelectual. “Lo que hacemos son talleres de danza creativa, expresión corporal, puntura y música. En esta última rama damos clases de percusión, de guitarra, piano y canto”, afirma Arleni Soto, directora Ejecutiva de Fundación Artes Muy Especiales.

Convencidos de que el arte, en cualquiera de sus manifestaciones, es una excelente herramienta para lograr la inclusión social, cada semana ayudan a aproximadamente mil personas. Para celebrar su aniversario y afianzarse de fondos cada año realizan una rifa. En esta ocasión se llevará a cabo el 26 de noviembre y la donación es de Q100.

Las piezas que serán rifadas corresponden a una pintura donada por el maestro Ramón Ávila, pintor, escultor y diseñador gráfico. Sus obras se caracterizan por una emulación de la realidad, en donde líneas y degradaciones pueden ser interpretadas como parte de la naturaleza.

También la artista Diana Fernández realizó la donación de su escultura “Tonalidades del Manglar”. Fernández estudió en la Escuela Nacional de Artes Plásticas y el taller escuela Cabrera. También tiene estudios en arqueología en la Universidad del Valle de Guatemala y Escultura con Guayo de León en París, Francia.

“Mi obra es un pájaro que está en las raíces del manglar, por eso tiene diferentes tonos de color café y de ahí viene su nombre. Cada día tenemos menos manglares, producto de diferentes problemas, entonces es tratar de hacer conciencia acerca de su importancia”, explica la artista.

Si desea participar en la rifa, puede hacer su donación de Q100 a las cuentas monetarias del Banco Industrial 325-008620-8 o del Banco Agromercantil BAM 30-2001277-4 a nombre de la Fundación Artes Muy Especiales. Luego envíe una foto de su depósito al número: 4166-0055.

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El Premio Artista del Año se entregó inicialmente en una residencia particular. Luego, se realizó en la sala del Teatro Abril y después se organizó en conjunto con la Società Dante Alighieri. La cuarta sede fue el Club Alemán, donde desde hace 20 años se reúnen los artistas e invitados para la gala.

En esta ocasión, debido a las restricciones por la pandemia del Covid-19, la ceremonia se realizó al aire libre y únicamente estuvieron presentes los organizadores, artistas premiados y quienes pondrían la medalla a los galardonados. Además, hubo una transmisión en línea.

“A pesar de los tiempos difíciles, María Eugenia nunca perdió la esperanza de premiar a sus artistas destacados. En estos 40 años ha sido un largo trabajo que ha dedicado a esta premiación. Estoy seguro de que disfruta mucho destacar a sus apreciados artistas”, dijo Wolfgang Schilling, representante del Instituto de Educación y Cultura “Alejandro Von Humboldt”.

Una celebración diferente

La licenciada María Eugenia Gordillo, fundadora del Premio Artista del Año, explicó que este año la selección de artistas había sido más complicada que en ocasiones anteriores porque desde hace más de seis meses los teatros, galerías de arte y otros lugares culturales han estado cerrados debido a la pandemia del covid-19. Sin embargo, se sentía orgullosa y feliz de que sus diez reconocidos estuvieran presentes.

La gran ausente de la gala fue la actriz María Teresa Martínez, quien falleció el pasado 16 de octubre.

Según explicó Gordillo, junto a María Teresa Martínez y Vicky Castillo, mezzo soprano, habían planificado una gran fiesta por los 40 años del premio. Además, crearon un comité de artistas expremiados, el cual iban a presentar en la gala. Sin embargo, por la reducción del número de invitados y la muerte de la actriz decidieron no hacerlo.

“María Teresa Martínez no solo deja un legado en el teatro de Guatemala, sino en todo el arte. Desde cualquier rama podemos poner en alto el nombre de nuestro país, por eso no vamos a celebrar los 40 años tristes y en silencio, sino que por todos los artistas que nos han dejado este año hagámoslo a lo grande y con muchos aplausos”, dijo Castillo al inicio de la ceremonia.

En la gala el actor y director de teatro Guillermo Monsanto dedicó la presentación de unos fragmentos inéditos del puñal de Godo de “José Zorrilla” a la actriz Maria Teresa Martinez. “Le dedico esta presentación porque la hicimos para ella, se la queríamos enseñar a ella. María Teresa es una gran mujer, hablo en tiempo presente porque sé que ahorita está acá, con nosotros. Ella era diversa, algunas veces podía ser tan frágil, pero en otras interpretaba aquellas grandes tragedias en el teatro. Era una gran amiga y maestra, por eso se lo dedicamos a ella”, dijo.

Los galardonados

Aunque no estaba en el programa, el primer reconocimiento fue hacia el cineasta Jayro Bustamante, quien ha destacado por sus producciones audiovisuales a nivel nacional e internacional. El guatemalteco no se encuentra en el país, por lo que la medalla fue entregada a su hermana.

Luego se continuó con la imposición de la medalla a los artistas destacados en las artes plásticas, revelación teatro y artes escénicas. En esta última rama se destacó a Andrea Bravo, quien forma parte del equipo de La Casa de Producción y La Sala de Cine. Además, participó en la dirección musical del tema “La Llorona de los cafetales”, interpretada por Gaby Moreno.

“Quiero agradecer a Dios y a María Eugenia Gordillo. Ella es una mujer admirable. Siempre he dicho que es una artista de todas las ramas y que este premio impulsa a continuar luchando. Me siento orgullosa de colocar este reconocimiento a mi nieta, porque sé que es fruto de su esfuerzo”, dijo Ana María Bravo, actriz y locutora, al colocar la medalla a Andrea Bravo.

Listado de artistas destacados

Artes plásticas

• Rodolfo Guevara
• Juan Bautista Navichoc
• Orlando Suchite

Revelación teatro

• Denis Martínez

Artes escénicas

• Andrea Bravo

Trayectoria artística

Homenaje especial Artes Plásticas

• Paula Nicho

Artista Extranjero Destacado en Letras

• Alexander Ferrar

Fotografía Artística

• Sergio Montufar

Locución Artística

• Luis Pellecer

Danza

• Francisco Almorza

Enchilada nació en Chiquimula el 28 de septiembre de 1931 en el seno formado por Jorge Dreyfus Ortiz y Carlota Castillo de Dreyfus. Estaba casado con la señora Lesbia Figueroa con quien procreó a Alfredo, Sarita, Jorge David y Germán. Antes de ingresar al mundo de la farándula, era luchador. En el ring era conocido como el Judío Dreyfus. Luchó durante 12 años, conquistando trofeos, medallas y varios campeonatos.

Ingresó al arte en 1951, cuando se presentó en el cine Alameda, al lado de Vinicio Méndez –Taco– y quien sería su compañero inseparable hasta su muerte. Viajó por Centroamérica y por el interior del país, al lado de Taco, contagiando con su ingualable estilo de comedia a sus miles de simpatizantes.

Honras fúnebres

Enchilada fue velado en una funeraria de la zona 9 a donde llegaron a decirle adiós miles de personas. ¡Don Enchilada, don Enchilada!, decía llorando sobre el féretro una anciana de condición humilde -secundada en sus lamentaciones por vendedores, señoras de las áreas marginales, limpiabotas y personas de los estratos donde Taco y Enchilada gozaban de gran popularidad.

El licenciado José Flamenco y Cotero, personero de la emisora La Voz de las Américas donde Enchilada se presentaba desde meses antes, declaró: “La muerte del señor Dreyfus Castillo ha sido una pérdida tan grande, como la que sentimos cuando murieron los artistas en el accidente de El Petén. Considero que es difícil dominar el arte de hacer reír, en el cual era un verdadero artífice nuestro amigo Enchilada”.

El día del sepelio el féretro de Dreyfus Castillo fue trasladado al edificio de la Voz de las Américas, donde se le tributó un homenaje póstumo. La afluencia de personas, esparcidas en un área de dos cuadras, suspendió el tráfico de vehículos, ante la masiva presencia de personas se temió una avalancha.  Se confundían las lágrimas de niños, mujeres y hombres; lágrimas sinceras por el inmenso cariño, simpatía y reconocimiento hacia el artista representativo de la alegría en un rancho de un campesino como en una casa de barrio residencial.

Enchilada fue sepultado en el panteón israelita del cementerio de La Verbena en la zona 7, de acuerdo con la nota de prensa se estimó que unas 30 mil personas abarrotaron el camposanto.

¡Maté a Enchilada!

Días después Prensa Libre informaba en su edición del 24 de noviembre de 1971 la confesión del asesino del cómico, quien fue identificado como Margarito Vicente Mazariegos, un zapatero vecino de la capital. “Maté a Enchilada porque me humilló” expresó Mazariegos. El crimen sucedió el sábado 13 de noviembre en las inmediaciones del bar María Linda en la 15 avenida “A” 12-04 zona 6.

En un principio Mazariegos indicó que no se percató de que era Enchilada a quien había atacado. “La verdad es que jamás me imaginé de quién se trataba. Se presentó al bar a eso de las once de la noche y sin existir ningún motivo llegó a humillarme y chocó mi cabeza con la de otro parroquiano, que me acompañaba. Como es natural, ante tal agresión, no podía quedarme tan tranquilo y busqué venganza”, indicó.

Mazariegos lo hirió tres veces con una cuchilla de zapatero, herramienta con la cual desempeña su oficio. A los dos días fue capturado por la policía y consignado a un tribunal, quien lo declaró culpable y lo condenó a diez años de prisión.

Obras de Leonel del Cid, Arnoldo Ramírez Amaya, Alejandro Urrutia y Zipacná de León se pueden apreciar en negocios como la pupusería San Miguelito, de Ramírez Amaya en los restaurantes La Mezquita y Fu Lu Sho, y de otros autores en el bar Las Cien Puertas, todos en la zona 1.

Esta forma de saldar cuentas no es exclusiva de los virtuosos locales. Una conocida anécdota del gran Pablo Picasso refiere que luego de una opípara vianda, cuando pasaron la cuenta en un bar, posiblemente ubicado en el barrio Montparnasse, en París, sus amigos lo voltearon a ver. En ese momento, el maestro apartó todo lo que tenía sobre la mesa e hizo un dibujo en una servilleta. La propietaria aceptó el trato y le preguntó ¿por qué no lo firma?, a lo que él respondió: “Estoy pagando la cuenta, no comprando el restaurante”.

Gesto de amistad

La pupusería San Miguelito es un pequeño negocio que funciona desde hace 63 años en la Avenida Centroamérica y 19 calle, zona 1. Nelson García, su propietario, fue integrante del Ballet Moderno en la década de 1970 y tras su retiro, este local se convirtió en punto de reunión de bailarines, artistas de teatro y pintores.

En sus dos salas principales cuelgan un par de óleos grandes de Leonel del Cid, y en otra sala, un tanto reservada, guarda una colección con pinturas de Urrutia, De León y del mismo Del Cid. “Las conservo aquí porque me traen buenos recuerdos”, cuenta.

García relata que durante algún tiempo exhibió varios dibujos de Guillermo Grajeda Mena, pero por temor a que se perdieran los retiró y guardó en su casa.

Una de sus obras favoritas es una misteriosa tinta de Del Cid, donde se observan rostros escondidos entre los árboles. Refiere que el artista, al igual que los mencionados, le obsequió varios cuadros como gesto de amistad y agradecimiento por sus invitaciones, además de que muchas veces pidió que lo llevaran a su casa.

Promoción

Sobre la Sexta Avenida “A” y 15 calle de la zona 1 está el restaurante español La Mezquita, con más de 60 años de historia. Su propietario, Nolo Domínguez, cuenta que por años ha sido punto de reunión de escritores, músicos y artistas.

Cerca de la cocina se encuentran dos tintas de Ramírez Amaya, el Tecolote. “Pocos artistas optan por canjear su obra a cambio de consumo”, comenta Domínguez. Ellos son el Tecolote y Alejandro Urrutia, quien ya falleció.

En sus mesas han departido personajes como el escritor Mario Monteforte Toledo y los artistas Efraín Recinos, Rodolfo Abularach, Manolo Gallardo, José Toledo, Luis Díaz, Rudy Cotton, Marco Augusto Quiroa y otros nombres que escapan de su memoria.

Domínguez resguarda la mayoría de obras de arte en su casa. ¿Que si es un negocio rentable? No lo sabe. Solo vendió un cuadro en una ocasión. No se considera un conocedor del arte y por tanto cuenta que la mayoría de obras las tiene empaquetadas. Sin embargo es consciente de que esa apertura le generó el acompañamiento de otras personas que se acercaron a conocer el local. Reconoce, entonces, que al final de cuentas es una promoción.

Una obra al año

En el emblemático Fu Lu Sho, sobre la Sexta Avenida, entre 12 y 13 calles de la zona 1; pueden apreciarse varios dibujos del Tecolote. El artista refiere que esto es producto de una larga amistad con su fallecido propietario y actualmente con la dueña, Marielos de Chang, pues durante años se han apoyado mutuamente, lo que al final le ha permitido tener carta abierta en el consumo.

“Pago con una obra al año por comer todos los días”, afirma el artista, donde suele ir a cenar y quizás acumulan ya unos 40 dibujos.

Sin embargo los ha apoyado con asesorarlos en la remodelación del inmueble, la carta y recientemente en la expansión de este negocio en otros puntos del país.

El canje no se limita al consumo. Ramírez Amaya afirma que de esta forma ha cerrado excelentes negocios como la compra de terrenos y vehículos.

“Nunca doy obra por deudas. Tampoco se trata de regalarla porque eso sería denigrante y faltaría el respeto a mi profesión”, sostiene el maestro de la plástica.

Fiada y robada

En una cantina olvidada por el Cerro del Carmen estuvo colgada durante muchos años, arriba de una refrigeradora, con visibles marcas de hollín por el descuido y el tiempo, un óleo del maestro Juan Antonio Franco.

“Fue dejada como prenda por don Tonito a cambio de una botella de licor que se le dio fiada”, contó la propietaria del local quien siempre se negó a venderla “pues no tardaría en llegar a pagarle”, recuerda el artista Ricardo Martínez, quien pudo apreciarla cuando el artista tendría más de diez años de fallecido. Con nostalgia se enteró que poco después se habían robado la obra.

Antros de artistas