Pianistas guatemaltecos brillan en Turquía: Yahaira Tubac y Roberto Pérez Chamalé se presentan en escenario internacional

Yahaira Tubac y Roberto Pérez Chamalé, músicos guatemaltecos, ofrecieron una memorable presentación en Ankara, capital de Turquía.

María Alejandra Guzmán

1 de octubre de 2025 | 21:00h

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En la imagen se encuentran Eduardo Hernández, embajador de Guatemala en Turquía, el maestro Roberto Pérez Chamalé, la pianista Yahaira Tubac y Aydin Özü, cónsul honorario de Sri Lanka en Estambul. La actividad se llevó a cabo en Ankara y tuvo una buena recepción por parte del público.(Foto Prensa Libre: Cortesía Eduardo Hernández)

Las notas musicales guatemaltecas resonaron en suelo turco gracias al recital brindado por Yahaira Tubac y Roberto Pérez Chamalé en el CSO de Ankara.

El concierto se efectuó el 28 de septiembre, como parte del Festival de los Caminos Culturales, con el apoyo del Ministerio de Cultura y Turismo de Türkiye, informó Eduardo Hernández, embajador de Guatemala en ese país.

Según Hernández, el repertorio de Tubac incluyó melodías clásicas europeas y piezas guatemaltecas para marimba. Pérez Chamalé, por su parte, presentó un programa de música académica guatemalteca, resultado de su labor de investigación.

Asimismo, el pianista compuso arreglos a cuatro manos especialmente para los conciertos. Ambas interpretaciones fueron bien recibidas por el público turco, entre ellas Katibim, así como versiones de Ferrocarril de los Altos y Luna de Xelajú.

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¿Quiénes son Yahaira Tubac y Roberto Pérez Chamalé?

Yahaira Tubac es una joven pianista guatemalteca de origen maya kaqchikel. En sus redes sociales oficiales ha compartido sus experiencias, entre ellas esta presentación en Ankara. En su cuenta de Facebook, expresó:

“Gracias a la invitación del señor embajador Eduardo Hernández y el apoyo incondicional de Stephanie García, fueron dos conciertos de éxito. Fue un honor tocar junto al maestro y amigo Roberto Pérez Chamalé”.

Pérez Chamalé, también pianista guatemalteco de origen kaqchikel, se dedica a la difusión de la música pianística de compositores nacionales. En sus redes, agradeció la oportunidad:

“Muchas gracias al señor embajador Eduardo Hernández y a la Embajada de Guatemala en Türkiye por la invitación y organización de los conciertos para presentarnos con Yahaira Tubac en Turquía. Muchas gracias por el apoyo al arte guatemalteco”.

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Exponen obra visual elaborada con material reciclado en ciudad de Guatemala

Elisabeth Barrios de Natareno, artista visual guatemalteca, aprovecha material reciclado para convertirlo en arte. Conozca más detalles sobre su exposición.

María Alejandra Guzmán

3 de septiembre de 2025 | 20:33h

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La obra de Elisabeth Barrera de Natareno se produjo con material reciclado. (Foto Prensa Libre: Cortesía Roberto Cifuentes)

La biblioteca César Brañas abre sus puertas a una exposición visual que muestra distintas obras elaboradas con material reciclado. Se trata de cuadros de la autoría de Elisabeth Barrios de Natareno.

La exposición inició el pasado 1 de septiembre; sin embargo, se exhibirá hasta el día 30 del mes, por lo que puede asistir y conocer esta propuesta visual.

Según información oficial de la exposición, esta actividad se realiza con el apoyo de la Universidad de San Carlos de Guatemala (Usac), la Dirección General de Extensión Universitaria (Digeu), la Biblioteca César Brañas y Exposiciones Artísticas.

Además de la exhibición, el recinto será sede de otras actividades culturales, como la exposición de libros del escritor Mario Monteforte Toledo, la cual estará abierta al público entre el 8 y el 18 de septiembre de 2025. Todas las actividades de la biblioteca son gratuitas y de entrada libre.

Fecha

La exposición permanecerá abierta de lunes a viernes, todos los días de septiembre de 2025.

Hora

De 8 a 15 horas.

Lugar

Biblioteca César Brañas, ubicada en la 6 calle 0-60, zona 3 capitalina.

Precio

Entrada libre.

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10 artistas de Guatemala y hechos culturales que marcaron el 2024

Hitos a nivel nacional e internacional definieron nuevas páginas en el arte y la cultura del país durante los últimos meses.

Alejandro Ortiz

29 de diciembre de 2024 | 07:00h

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En 2024 se celebró a lo grande música, tradiciones, cine, gastronomía, entre muchaa otras expresiones culturales de Guatemala. (Arte: Marco Gálvez)

356 días no son suficientes para abarcar la riqueza en el arte de Guatemala, y este año que recién concluye lo afirma.

En un país donde abundan los artistas, 2024 nos recordó cómo la desbordante creatividad guatemalteca rinde una utilidad a que podamos seguir comprendiendo nuestro presente, reflexionando sobre el pasado y a la vez, imaginar nuevos capítulos como sociedad.

Ya sea a través de expresiones musicales, propuestas visuales, hechos patrimoniales o gastronómicos, Guatemala dejó ver en los últimos meses la abundancia de su imaginación como vehículo para entender nuestra historia y nuestro cuerpo social.

Más allá de concebir el arte como un producto de entretenimiento o disfrute, durante los últimos meses hemos observado hechos culturales con sello nacional que reflejan cómo la globalización y la tecnología facilitan nuesto diálogo con otras latitudes.

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De esa cuenta podríamos pensar en hechos que nos han conectado con el resto del mundo, cómo el Grammy otorgado a Gaby Moreno a principios de año o el reconocimiento de la Unesco a la técnica de elaboración de los barriletes gigantes como Patrimonio de la Humanidad.

Si bien la proyección internacional coloca al país como un territorio con posibilidades de expresión artística auténtica, no debemos olvidar que los acontecimientos locales también poseen relevancia, ya sea por su trascendencia histórica, su valor patrimonial o, simplemente, por su capacidad de inspiración a la sociedad.

Tomando en cuenta estas premisas, continuación le presentamos 10 hechos artísticos y culturales que marcaron el 2024 en Guatemala:

Grammy para Gaby Moreno

En febrero, la guatemalteca obtuvo el Grammy en la categoría Mejor Álbum Pop Latino, por la producción X Mí (Vol. 1), la cual se estrenó en el 2023. La producción de Moreno compitió a la par de los discos La cuarta hoja de Pablo Alborán, Beautiful Humans Vol. 1 de AleMor, A ciegas de Paula Arenas, La neta, de Pedro Capó y Don Juan de Maluma. Al igual que este año, en 2023 Gaby Moreno fue nominada a la misma premiación dentro de la categoría a Mejor Álbum de Rock Latino o Alternativo. En su momento, obtuvo la nominación gracias al álbum Alegoría..

Artistas de Guatemala en la 60ª Bienal de Venecia

El 20 de abril de este año se inauguró la 60ª Bienal de Venecia en Italia, donde también fueron visibles piezas de los artistas de Guatemala Margarita Azurdia y Carlos Mérida, así como los artistas maya kaqchikeles de San Juan Comalapa: Paula Nicho, Andrés Curruchich y Rosa Elena Curruchich. Durante la Exposición Internacional de Arte Venecia, las piezas de estos cinco artistas fueron parte de un guión curatorial, titulado Stranieri Ovunque – Extranjeros en todas partes. Los cinco artistas guatemaltecos incluidos en la reciente edición de la Bienal de Venecia también se vieron moldeados en algún momento por los tránsitos.

Anuncio del retorno de los restos de Miguel Ángel Asturias

Durante el acto conmemorativo del año dedicado a Miguel Ángel Asturias, que coincidió con los 125 años de su nacimiento y los 50 de su fallecimiento, realizado el 9 de junio de 2024, el Ministerio de Cultura y Deportes (MCD) anunció, a través de Miguel Ángel Asturias Amado, hijo del escritor, que los restos del Nobel de Literatura serían repatriados de Francia a Guatemala. Hasta el momento, no se ha definido una fecha para su retorno.

Ernesto Boesche Rizo obtuvo el Premio de Artes Plásticas “Carlos Mérida”

En agosto se celebró la entrega anual del Premio “Carlos Mérida”, otorgado al artista Ernesto Boesche Rizo. El galardón destaca la trayectoria del pintor, originario de Salamá, Baja Verapaz, quien ha dedicado más de seis décadas a la pintura y a la enseñanza de las artes plásticas. Según el Ministerio de Cultura y Deportes (MCD), el Premio “Carlos Mérida” busca reconocer a artistas que han “contribuido significativamente al enriquecimiento de la plástica guatemalteca y realizado importantes aportaciones en favor del arte y la cultura”.

Estreno de la película Rita

Luego de su participación en el Festival Internacional de Cine Fantasía de Montreal, Canadá, donde obtuvo el premio a la mejor cinematografía, Rita, la cuarta película de Jayro Bustamante, se estrenó en enero de este año en cines nacionales. El filme narra la historia de Rita, una niña de 13 años que escapa de su hogar y es trasladada a una institución estatal, donde es acogida junto con otras jóvenes con trasfondos sociales marcados por la violencia. La película también ganó el premio a Mejor Guion en el Festival de Cine de Terror de Brooklyn y Mejor cortometraje en el Fantastic Film Festival.

100 años de Roberto González Goyri

El 20 de noviembre se conmemoró el centenario del nacimiento del artista Roberto González Goyri, considerado uno de los máximos exponentes de la generación del 40, un movimiento que marcó las artes plásticas y la urbanística del siglo XX en Guatemala. El pintor, escultor y muralista es recordado por obras públicas como el Tecún Umán de la zona 13 capitalina, los murales del Instituto Guatemalteco de Seguridad Social y la fachada poniente del Banco de Guatemala, entre otras.

Chefs reconocidos internacionalmente

Los chefs guatemaltecos Débora Fadul, Sergio Díaz y Pablo Díaz fueron incluidos en la lista internacional The Best Chef, que distingue a los principales cocineros del mundo. Débora Fadul alcanzó el grado Tres Cuchillos, que corresponde a un puntaje del 80 % o más. Por su parte, Sergio y Pablo Díaz recibieron la distinción de Un Cuchillo, que premia a chefs que logran al menos el 20 % del máximo puntaje.

Elaboración de barriletes gigantes declarada Patrimonio de la Humanidad

En diciembre de este año, la técnica ancestral de elaboración de barriletes gigantes de Santiago Sacatepéquez y Sumpango fue declarada Patrimonio Cultural Inmaterial de la Humanidad por la Organización de las Naciones Unidas para la Educación, la Ciencia y la Cultura (Unesco). El reconocimiento se otorgó durante la 19ª reunión del Comité Intergubernamental para la Salvaguardia del Patrimonio Cultural Inmaterial de la Humanidad. La inscripción destaca el valor cultural de una práctica ancestral transmitida de generación en generación.

Premio Impact a la poeta Rosa Chávez

La poeta maya k’iche’-kaqchikel Rosa Chávez fue galardonada a inicios de diciembre con el Premio Impact, otorgado por la Fundación Prince Claus a personas cuyas contribuciones al arte y la cultura “involucran a sus comunidades de forma innovadora y significativa, mientras abordan problemas contemporáneos”. Chávez ha desarrollado una labor multidisciplinaria que incluye teatro, performance, video y música.

100 años del Zoológico La Aurora

Inaugurado el 25 de diciembre de 1924 por el presidente José María Orellana, el Zoológico La Aurora cumplió 100 años esta semana. El mismo resguarda 273 especies y 2 mil 650 animales distribuidos en 21 manzanas. Desde 1963 el recinto es administrado por la Asociación Guatemalteca de Historia Natural.

Feria de Arte de Fundación Paiz: Más de 50 artistas exponen su obra en este festival

Este sábado se inauguró la Feria de Arte de Fundación Paiz, un evento artístico que reúne distintas disciplinas que abarcan la pintura, la música y otras expresiones.

María Alejandra Guzmán y Andrea Domínguez

30 de noviembre de 2024 | 18:10h

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La Feria del Arte Paiz reúne distintas expresiones artísticas. (Foto Prensa Libre: Óscar Vásquez)

Fundación Paiz inauguró este sábado 30 de noviembre la cuarta Feria del Arte en la Plaza Cristóbal Colón, ubicada en la Avenida Las Américas, zona 14 capitalina. De acuerdo con sus organizadores, el evento celebra el talento guatemalteco por medio de la promoción de la cultura.

Este evento continuará abierto al público el domingo 1 de diciembre de 10 a 14 horas y la entrada es gratuita, lo cual permite incentivar la asistencia de varios guatemaltecos amantes del arte según sus organizadores.

En esta exposición, los asistentes podrán disfrutar de pinturas elaboradas con distintas técnicas, tejidos, artesanía, escultura e incluso tatuajes. Se estima que este evento reúne alrededor de 50 artistas en todo el país.

Asimismo, este espacio ofrece espectáculos en vivo, música, talleres y otras sorpresas para los guatemaltecos que asistan al evento.

¿Qué ver en la Feria de Arte Paiz?

Al respecto, Sonia Hurtarte, directora ejecutiva de Fundación Paiz, comenta que se exhibirá la obra de artistas emergentes y consagrados para que los guatemaltecos tengan un mayor acercamiento con lo artístico: “el arte transforma vidas”, menciona.

En esta edición del festival, las personas podrán ver creación de arte en vivo, conciertos, actividades para niños, entre otros. Asimismo, habrá algunos estands con comida para quienes deseen degustar de algún platillo en especial.

Por su parte, Omar González, artista visual, indica que esta feria permite exponer obras en un paso peatonal donde la gente se puede acercar con mayor facilidad.

Asimismo, la pintora María Aguilar Balsells añade que estos espacios de expresión creativa son importantes y sanadores para las personas, ya que se ven las cosas desde otra perspectiva: “Es importante que la gente vea que tenemos otras posibilidades de ser”, finaliza Aguilar.

¿Qué actividades habrá este próximo domingo en la Feria de Arte Paiz?

• Estands artísticos
• Exposición Sanarte
• Taller de decoración de galletas navideñas de 11 a 12 horas
• Body Paint en vivo y pintura de mandalas navideñas de 10 a 14 horas
• De 11 a 13 horas, habrá realización de obras en vivo de los artistas Matías Estrace, Sebastián López Durán, Jorge Mazariegos y Milah
• Exposición de la obra de César Cartagena.

Si desea asistir, le recomendamos estar atento a las redes sociales de la fundación por cualquier actualización o cambio en los eventos.

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44ª edición de los Premios Artista del Año celebra el talento intergeneracional y regional de Guatemala

Artistas de distintas disciplinas, edades y regiones fueron celebrados en el evento promovido por la periodista María Eugenia Gordillo.

REDACCIÓN VIDA

29 de octubre de 2024 | 12:58h

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Guatemaltecos reconocidos en el Premio Artista del Año 2024. (Foto Prensa Libre: Emilio Chang)

El pasado 28 de octubre, el Club Alemán de la zona 15 capitalina fue escenario del Premio Artista del Año, evento que celebra a realizadores artísticos del país y que desde 1980 es impulsado por la periodista María Eugenia Gordillo.

La fiesta artística anual, que su creadora reconoce como la suma de varios esfuerzos autónomos, se destacó en 2024 por reunir a talentos de distintas regiones, incluyendo a artistas de Salamá, Quetzaltenango y San Juan Comalapa. Este año también fueron celebradas disciplinas diversas como artes visuales, música, danza, poesía, y teatro.

En la categoría de revelación musical, se distinguió a Esteban Xuruc, uno de los galardonados más jóvenes, quien tiene 20 años y se formó en el Conservatorio Nacional de Música Germán Alcántara. En algún momento de la celebración, Xuruc subió al escenario del para interpretar el Vals 38 del compositor ruso Alexander Scriabin.

Joshua Texaj, oriundo de Chimaltenango, fue otro de los destacados en el ámbito musical. El reconocimiento del pianista, compositor e intérprete estuvo a cargo de su padre, quien confesó al público: “Se me sale el corazón por ver que mi hijo ha logrado destacar tanto”.

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Texaj ha logrado fungir como director de espacios musicales y actualmente trabaja para la Orquesta Sinfónica Nacional como arreglista y acompañante de piano. Después de haber recibido el premio, el músico interpretó el clásico Fiesta de pájaros, de Jesús Castillo.

También en el campo de la música, Jeffrey Ortega fue premiado por su especialidad coral. El artista se ha destacado por su participación en ensambles como Capella Cantorum. Además de sus conocimientos musicales -que abarcan un dominio en guitarra y saxofón-, ha colaborado en el Centro de Danza e Investigación del Movimiento de la Universidad Rafael Landívar. También ha sido parte de residencias artísticas en México y Guatemala.

Otra de las galardonadas musicales fue Dani Toralla, quien ha hecho una carrera desde el jazz por más de una década. Graduada Cum Laude de la Universidad del Norte de Texas, la artista también fue celebrada por su trabajo de formación en lugares como la Universidad Da Vinci de Guatemala o el coro del Colegio de Ingenieros de Guatemala. Su trayectoria incluye colaboración con reconocidas figuras como Rose Aguilar y Barbara Bickford.

Entre los jóvenes artistas destacados de la noche, estuvo Luis Ixcoy quien fue galardonado por su desempeño en danza y teatro. Ixcoy ha trabajado con reconocidas productoras como Amadanza y La Casa de Producción. Sobre el impacto del arte en su vida comentó: “El arte nos permite conocer a otros a partir de nosotros mismos”. Ixcoy presentó un número de danza en el evento.

Además de los talentos emergentes, uno de los bloques de la celebración se enfocó en el reconocimiento de varias trayectorias. Entre ellos estuvo Miguel Oxlaj, poeta, comunicador y activista maya kaqchikel, quien fue reconocido por su contribución a las letras indígenas. Oxlaj es coordinador del proyecto Wikipedia en Idiomas mayas y ha representado a Centroamérica en plataformas de lucha contra la xenofobia. Además, su obra poética ha sido traducida a idiomas como el inglés, coreano, rumano y francés.

El segundo premio de trayectoria fue otorgado a Job Sis Morales, músico y compositor maya achí. Durante años, el experto en música en la composición y producción musical se ha dedicado a la investigación sonora autóctona. Por otro lado, también ha participado de películas y documentales nacionales, además de su trabajo en la Marimba de Bellas Artes.

La trayectoria de Nelson Ortiz, artista con más de 25 años de experiencia, también fue homenajeada durante la premiación. En el evento se reconoció su trabajo como director, escenógrafo y gestor de espacios para el teatro local. Ortiz es fundador de La Maleta Producciones, y ha desarrollado obras de dramaturgia original como El Agujero Negro y Ese terrible gusano de la ignorancia.

La Medalla Fabiola Perdomo en Danza, estuvo dedicada este año a la bailarina, maestra y coreógrafa Guisela Rosal, quien realizó estudios sobre ballet en Guatemala, Europa y Estados Unidos. Durante sus décadas como formadora ha enseñado tanto en el país como en Grecia. En México fue parte del Ballet de Jalapa. Fundadora de su propio estudio de danza, Guisela ha enseñado a generaciones de jóvenes, promoviendo la danza clásica y folclórica.

Por otro lado, la Medalla Ricardo Mata en Fotografía Artística fue entregada a José Carlos Flores, fotógrafo y docente universitario desde 1992, con más de 150 exposiciones en Guatemala y otros países. Flores, quien es graduado en Ciencias Políticas, ha documentado momentos únicos a través de su lente y ha publicado libros que exploran temas religiosos y culturales.

Los últimos reconocimientos de la noche llegaron bajo la propuesta de un Homenaje especial a las artes plásticas del país. Uno de los celebrados en esta categoría fue Ernesto Boesche, pintor y maestro. María Lourdes, su hija mayor, destacó su legado como investigador, promotor y docente de arte, quien además de su trabajo como docente independiente, ha sido profesor en la Escuela Nacional de Artes Plásticas por 36 años. En ocho de estos, fue director de la institución.

La noche se cerró con una presentación de la Marimba de Concierto de Bellas Artes, con músicos como Job Sis y Otto Xitumul, ambos de San Miguel Chicaj, quienes interpretaron tres obras representativas de la marimba guatemalteca desde una composición propia de Sis.

Listado completo de ganadores:

• Esteban Xuruc (Revelación Interpretación Musical)
• Daniela Quiñónez (Revelación en Bel Canto)
• Luis Ixcoy (Destacado en Danza-Teatro)
• Joshua Texaj (Destacado en Música)
• Jeffrey Ortega (Destacado en Música Coral)
• Dani Toralla (Destacada en Canto)
• Miguel Oxlaj (Trayectoria en Letras)
• Job Sis Morales (Trayectoria en Música)
• Nelson Ortiz (Trayectoria en Teatro)
• Guisela Rosal (Medalla Fabiola Perdomo – Danza)
• José Carlos Flores (Medalla Ricardo Mata – Fotografía Artística)
• Ernesto Boesche (Homenaje Especial a las Artes Plásticas)
• Juan José Rodríguez (Homenaje Especial a las Artes Plásticas)

Centros de documentación artística en Guatemala: Algunos espacios y retos que enfrentan

Algunas instituciones preservan archivos y documentos sobre artistas nacionales a pesar de los retos de accesibilidad y conservación.

Alejandro Ortiz

27 de octubre de 2024 | 07:00h

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Archivos como el del Centro de Investigaciones Regionales de Mesoamérica (Cirma) ofrecen al público general datos antiguos sobre las artes en Guatemala. (Foto Prensa Libre: Cortesía Cirma)

Un archivo perdura en la historia como un conjunto de documentos que narran hechos importantes sobre épocas pasadas y que suelen registrarse en materiales impresos. Entre los acervos documentales que resguardan la historia del país, destacan aquellos elaborados a partir de recursos artísticos.

Uno de estos esfuerzos es el Centro de Documentación de las Artes, ubicado en el séptimo nivel de la Biblioteca Nacional Luis Cardoza y Aragón, donde se conservan libretos de teatro guatemalteco, partituras, libros de investigación sobre artes visuales, danza y música, entre otros materiales.

Bajo el resguardo del Ministerio de Cultura y Deportes (MCD), el centro documental cuenta, además, con partituras originales de artistas como Joaquín Orellana, fotografías y revistas del siglo XX e, incluso, un amplio registro de artesanías, las cuales pueden ser consultadas por cualquier persona dentro del recinto.

Al igual que el MCD, el Centro de Investigaciones Regionales de Mesoamérica (Cirma) ha construido un extenso acervo documental del país. En esta institución privada se pueden encontrar referencias artísticas y documentales desde el siglo XVI, las cuales pueden conocerse a través del Archivo Histórico de la institución.

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De acuerdo con Thelma Porres, Directora de Archivo Histórico, en este espacio se conservan colecciones de artistas y pensadores locales, como los textos que escribía Miguel Ángel Asturias cuando era corresponsal de El Imparcial en Francia. También se encuentran documentos del artista Jacobo Rodríguez Padilla, quien fue pintor, grabador y miembro del Grupo Saker-Ti, así como archivos de escritores como Mario Payeras, Yolanda Colom, José Batres Montúfar, José Barnoya García y Adrián Recinos. Por otro lado, están disponibles partituras de música colonial, materiales fotográficos de los últimos siglos y piezas hemerográficas de los grupos Vértebra, Saker-Ti y NuevoSigno.

Estos centros evidencian la construcción estética dentro de la historia del país, incluyendo tiempos recientes. Entre ellos, cabe mencionar el Centro de Documentación de la Galería El Attico, fundado en 1991, donde se conservan catálogos de exposiciones —varios de ellos donados por artistas como Roberto González Goyri, Daniel Schafer y Edna Rodas de Núñez—, recortes de prensa, publicaciones críticas, monografías y documentos de artistas del siglo XX.

Aportes a la historia

De acuerdo con el historiador de arte Guillermo Monsanto, quien además es director del archivo de El Attico, los centros de documentación son “fuente de memoria imprescindible para el futuro del país”.

Desde el Ministerio de Cultura y Deportes, Luis Fernando Soto Gramajo, encargado de la Dirección de Fomento de las Artes, señala que espacios como el Centro de Documentación de las Artes permiten darle valor a los artistas.

“Conocemos de nuestros artistas cosas muy pequeñas y escuetas, pero no se ha llegado a profundizar realmente en toda la labor que han hecho. Es importante preservar esto para que las futuras generaciones sepan quiénes son sus artistas”, dice el funcionario.

Además del público que puede llegar a estos centros de documentación, el hecho de que existan estos espacios también es un buen indicador para los mismos realizadores. Monsanto refiere que, si los artistas no dejan documentos o publicaciones en vida, “también van desapareciendo con el tiempo”.

El investigador señala que El Attico está abierto para recibir archivos de artistas. De igual manera, en el Centro de Documentación de las Artes se pueden donar recursos documentales a través de la Dirección de Fomento de las Artes.

Riesgos y desafíos de los archivos

Los entrevistados señalan que los centros de documentación tienen sentido en la medida en que son visitados. Esto supone un gran reto, ya que muchas veces las personas que se acercan a estos espacios son especialistas y no siempre un público general.

En el caso del archivo artístico del MCD, se ha incentivado dar a conocer la institución a centros educativos y escuelas de arte. Para Monsanto, este tipo de visitas es crucial no solo para visibilizar datos a los estudiantes, sino también para formar en perspectiva a los docentes.

Soto Gramajo comenta que, desde el Centro de Documentación de las Artes, el espacio físico es un reto, ya que de momento se encuentra en un recinto provisional. “Se espera tener en un futuro un lugar que sea mucho más accesible para el público y que puedan llegar”, explica.

Monsanto coincide en que, desde su experiencia, el espacio para preservar archivos es algo por mejorar y ofrecer una mejor experiencia de contacto con los materiales. Actualmente, el centro documental de la galería se encuentra en transición puesto que sus primeros años estuvo en la ciudad capital y actualmente se está montando en La Antigua Guatemala.

Por otro lado, Soto Gramajo menciona que la participación de académicos que puedan trabajar con los materiales archivados es una gran necesidad que han ubicado. En paralelo, menciona que la digitalización es otra urgencia que de a pocos se va resolviendo en la entidad.

El funcionario agrega que para continuar con ese trabajo es necesario contratar más personal. De momento hay documentos que están digitalizados, pero hacen falta más, de los cuales, muchos tienen materiales más delicados.

Pintura de San Miguel Arcángel hecha por ‘Chrispapita’ podrá observarse en la Catedral Metropolitana

La pieza se suma a la lista de obras que Escobar ha exhibido en espacios públicos de Guatemala.

REDACCIÓN VIDA

26 de octubre de 2024 | 18:33h

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La pieza se suma a una lista de obras exhibidas en espacios públicos de Guatemala por parte de Escobar. (Foto Prensa Libre: Esbin García)

Desde el 27 de octubre de 2024 y hasta enero del próximo año, una pintura creada por el artista nacional Christian Escobar, conocido como Chrispapita habitará la Catedral Metropolitana de Santiago de Guatemala. La pieza muestra una imagen evocativa de San Miguel Arcángel y permanecerá en la iglesia hasta enero de 2025.

Escobar menciona que decidió hacer esta pieza considerando que el arcángel es el patrono y protector de la Catedral Metropolitana de Santiago de Guatemala. Asimismo, el artista concibe esta obra como un homenaje “a la representación de la victoria de la luz sobre la oscuridad y el ego”.

Recordado en la tradición católica como el ángel que expulsó a Lucifer –un demonio que antes habría sido el ángel rebelde Luzbel– San Miguel es uno de los 13 arcángeles más venerados de la religiosidad cristiana.

La obra representa a San Miguel Arcángel en el momento en que ha vencido a Satanás, por lo que pueden notarse detalles de cansancio y transpiración, visibles gracias a la técnica hiperrealista de Escobar.

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Según el artista, su nueva obra propone una narrativa de fe, espiritualidad, valores y de lucha por ser luz en momentos de oscuridad. Este mensaje plasmado se podrá ver en la primera pared lateral derecha, luego de la Puerta Santa en la catedral La pintura tiene una dimensión de 2 por 1.82 metros.

De acuerdo con el párroco del Sagrario Catedral Metropolitana, José Luis Colmenares, la tenencia de esta obra tiene un significado especial para la parroquia, ya que al ser el patrón de la archicofradía del Santísimo, en la parroquia se cuentan con otras dos imágenes de él.

“Teniendo la ocasión con un lienzo tan grande, creemos que es una cosa muy bonita que la gente lo vea y tenga presente cómo Dios vence sobre el mal en estos momentos difíciles para la humanidad“, dijo Colmenares en referencia a la obra de Chrispapita.

El sacerdote cuenta que durante muchos periodos de la Catedral Metropolitana, representaciones artísticas de los ángeles custodios permanecieron en la entrada del templo.

Escobar explica que la obra no fue un encargo de la Catedral Metropolitana. Se trata de una pieza solicitada por un coleccionista que la recibirá en enero del próximo año. “Platicando con el padre Colmenares le pregunté por las posibilidades de exhibir esta pieza en la Catedral ya que es muy importante”, comparte Escobar.

Dentro de la Catedral, las obras son pensadas para la veneración pública. “En el caso de Christian, ya conocía la obra, y cómo es temporal no hubo necesidad de pedirle permiso al Arzobispo, solo comentarle; él estuvo de acuerdo“, comparte el sacerdote.

Colmenares agrega que si otros artistas desean compartir su trabajo sacro en el templo, se debe procurar una revisión de su trabajo desde la parroquia para que estas no “desentonen” dentro de las instalaciones.

El proceso de creación de la pintura de San Miguel Arcángel contó con el acompañamiento crítico de la Galería El Attico. Según Guillermo Monsanto, historiador de arte y director de la galería, apunta que la obra de Chrispapita surge de una exhaustiva investigación y además, se distingue por un “pincel depurado y muy limpio”.

Asimismo, el director de El Attico recuerda que desde la galería se realizaron las dos primeras exposiciones del artista hace algunos años. “Es de los artistas que ha explorado, en sus investigaciones, el centro de documentación y en un área poco visitada como la de arqueología maya en su búsqueda del inframundo y sus misterios”, señala Monsanto.

Hasta la fecha, Escobar ha logrado llevar sus obras a espacios públicos de Guatemala, como el Museo Nacional de Arqueología y Etnología, donde se ha exhibido el mural Xibalbá; el Museo Nacional de Arte de Guatemala; y el Centro Cívico del Sur en Ciudad Reformadores, Villa Nueva, cuyo edificio cuenta con un mural en el exterior titulado Héroes Anónimos, que celebra a los trabajadores del país.

Fuera de Guatemala, Escobar ha presentado su trabajo en espacios como la Bienal de Venecia de 2022 y Miami Art Basel. También ha expuesto en España y México.

Quién era Ulises Rolando Vásquez Castro, cantante de los Internacionales Conejos

El cantante Ulises Rolando Vásquez Castro deja un vacío en los corazones de sus allegados y en la escena musical guatemalteca, especialmente entre los miembros de la banda Internacionales Conejos.

María Alejandra Guzmán

4 de agosto de 2024 | 13:52h

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Ulises Rolando Vásquez Castro formó parte de la banda Internacionales Conejos de Guatemala. (Foto Prensa Libre: Hemeroteca PL)

La historia de Ulises Rolando Vásquez Castro alias “El Mazo” empezó a escribirse un 31 de agosto de 1955 en municipio de San Pedro Sacatepéquez, San Marcos.

Lamentablemente, el pasado sábado 2 de agosto de 2024 se dio a conocer la noticia de su deceso, cerrando uno de los capítulos más importantes de la historia musical en nuestro país.

Se trata de una de las principales voces del conjunto marimbístico Internacionales Conejos de Guatemala, una banda con más de cien años de trayectoria en nuestro país.

Vásquez se caracterizó por su carisma, energía escénica y otras cualidades que perdurarán en el recuerdo de sus seres cercanos y los fanáticos de la banda.

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¿Quién fue Ulises Rolando Vásquez Castro?

Ulises Rolando Vásquez Castro fue un cantante guatemalteco miembro de la banda Internacionales Conejos de Guatemala, tal como se mencionó anteriormente. Castro fue parte de la banda por más de 42 años. En la actualidad, la agrupación cuenta con más de 91 mil suscriptores en su canal oficial de YouTube.

Se ha mencionado que fue una figura clave en el éxito de la agrupación musical, ya que su voz inigualable y presencia permitieron que la banda sobresaliera en la escena artística de nuestro país.  

Medios locales mencionan que Vásquez inició su carrera a los 12 años, así como su paso por diferentes bandas musicales, entre los cuales se encuentran:

• Marimba Occidental
• Conjunto Estrella Occidental
• Juvenil Campanita
• Marimba Maderas del Sur
• Lalo Tzul
• Combo Brasilia
• Gran Continental
• Lira marquense

En entrevistas brindadas a medios de San Marcos, Vásquez Castro expresó la felicidad que sentía por haber incursionado en el ámbito musical: “Me siento feliz de estar con Internacionales Conejos (…). Le doy gracias a Dios por haberme dado la vocación de cantar lo poco que yo pueda, es un camino que Dios me abrió para estar feliz”, afirmó Vásquez en una ocasión.

Entre las canciones más emblemáticas de la banda se encuentran El Norti – Rollo 1, Tropicumbias del Recuerdo, Cuando cae la lluvia, entre otras. Esta es una de sus últimas interpretaciones de la melodía Así soy yo, en voz de Vásquez:

En la esquela publicada el pasado sábado, se indica que Vásquez dejará un vacío en los corazones de quienes le conocieron. Así también, algunos admiradores se pronunciaron en redes sociales respecto al fallecimiento del cantante, ya que es un artista que deja un legado significativo para nuestro país.

Arte y tecnología en Guatemala: Así crean e innovan artistas del país con nuevos medios

Códigos QR, videoarte, experiencias inmersivas y NFT’s son algunos soportes con los que también se hace arte guatemalteco. ¿En qué se distingue esta forma de crear y qué tan accesible es?

Alejandro Ortiz

30 de junio de 2024 | 07:00h

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Una mujer interactúa con una de las obras inmersivas del artista guatemalteco Balam Soto, enfocado en arte de nuevos medios. (Foto Prensa Libre: Balam Soto)

No solo de pinceles y esculturas vive el arte. Con la cada vez más dominante aparición tecnológica, las narrativas artísticas han tomado nuevos rumbos hasta llegar al alcance de nuestras pantallas y nuestros cuerpos.

Desde la creación de obras a partir de Inteligencia Artificial hasta festivales internacionales de arte que celebran los llamados nuevos medios, la actual época supone un tambaleo de aquella idea del arte totalmente quieto, contemplativo y añejado.

Los algoritmos, las pantallas y la luminosidad distinguen nuevas prácticas que incluso son creadas por artistas guatemaltecos. La complejidad de estos nuevos medios podría radicar sobre la pregunta de qué tan accesibles son para la población a la hora de interactuar.

Durante los últimos años el diseñador, artista visual y entusiasta tecnológico Bryan Castro ha elaborado obras físicas que tienen inscritos códigos QR los cuales despliegan experiencias de realidad aumentada in situ desde cualquier lugar en el que se lea el cifrado.

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A partir de sus códigos, Castro busca señalar narrativas sociales y políticas que han abarcado salidas desde la realidad aumentada en obras como monument[AR] donde se desplegaba una enorme cabeza del expresidente Alejandro Giammattei, o en otras donde se desplegaban rostros luego de haberse escaneado cifras de personas asesinadas.

“Cuando empecé a trabajar con los códigos QR me parecían un soporte novedoso. He aprendido que lo más importante es llegar al grueso de la gente reivindicando lo que haya que reivindicar”, apunta refiriéndose al acceso democrático del arte a través de dispositivos comunes y fáciles de asimilar como los dispositivos celulares.

Aunque se trata de una práctica accesible dada la portación de celulares en gran parte de la población, Bryan Castro apunta que sería ingenuo pensar que todo el grueso pueda comprender el arte de esta índole. Argumenta que en su caso sería incluso limitante valerse de un solo soporte tecnológico.

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“Tenía claro que crear un cuerpo de trabajo con la tecnología iba a ser complicado por la forma en la que está cambiando el mundo. Es tan solo parte de mi intento de ir probando y respondiendo a los medios que se democratizan en el tiempo“, comparte el realizador.

Para la artista María Adela Díaz, radicada en Estados Unidos, la apelación emocional y el entendimiento inmediato de los gestos en sus obras suele ser un valor central.

Aunque trabaja en distintos soportes artísticos el vídeoarte ha sido entre los lenguajes más constantes de su carrera. Prueba de ello son piezas como Borderline, de casi dos minutos, donde se observa una caja sobre las olas del mar flotando a la deriva y que contiene el cuerpo de María Adela.

Motivada por la fluidez del movimiento y la rapidez de los vídeos, la artista ha creado una serie de obras más allá del formato bidimensional cruzando el performance y la imagen. A la hora de mostrarlas al público, su ideal es generar atención rápida por parte de los espectadores.

“En este tiempo el vídeo es muy importante. Estamos en una época que consume información visual 24 horas al día. Para mí es la forma más sencilla de expandir conceptos desde el arte. Hoy todos pueden entrar a ese mundo al editar sus vídeos con el celular”, comparte la artista.

Si bien las obras en vídeo de María Adela Díaz no superan los dos minutos y carecen de subtítulos, detrás de ellas hay meses de trabajo en los que se pasa por la conceptualización de la performance, así como de la construcción de un guion audiovisual y la producción de los clips.

Ante el involucramiento de la audiencia con su obra, María Adela Díaz asegura que en Estados Unidos ha logrado percibir una mayor y constante retroalimentación en comparación a Guatemala. A decir de la artista, todo efecto del público pasa por un contexto y un plano relativo. “Mi interés es crear una emoción en cualquier persona a partir de un lenguaje universal”, argumenta.

El arte que se vale de la tecnología, así como el más tradicional y antiguo, no importa tanto como las experiencias que se desprenden de él. El propósito tiene que ver con aquello que se queda en las personas sea en su mente, su emocionalidad o en su mismo cuerpo.

El guatemalteco Balam Soto, también radicado en Estados Unidos es un realizador que desde hace años ha explorado el arte de los nuevos medios. Según apunta, este tipo de práctica implica el desarrollo de códigos, interfaces y software .

Sus obras, consideradas también experiencias inmersivas, abarcan ese tipo de insumos a la par de otros materiales como la madera o el plexiglás que llevan a dar vida a ensambles en los que puede participar la audiencia.

“Para que un individuo pueda comprender mi trabajo, debe estar dentro de él. Él trabaja en colaboración con los algoritmos que yo creé. Otra cosa importante de mi obra es que quiebra con el estigma de que el arte no debe ser tocado“, comparte el realizador.

Soto, quien además participará del primer Congreso Iberoamericano de Arte Digital en Centroamérica, coordinado por la Fundación Paiz, argumenta que para él, el involucramiento va más allá de solo fomentar cercanía con el público y sus obras, ya que su exposición propone una ruptura con el arte pasivo y una invitación a la curiosidad.

El guatemalteco cuenta sobre un episodio en el que exhibía una instalación con varias computadoras dentro de una galería y conoció a una mujer de 80 años que no tenía contacto con la tecnología.

“La señora me dijo que no le gustaba mi trabajo porque ella no usaba computadoras porque no eran humanas. Luego de un rato la vi interactuando con la pieza y cuando me miró por segunda vez me dijo que se sentía como una niña. Pasó de odiar la tecnología a interesarse. El mensaje del arte es que puede ser más profundo y personal”, comparte Soto.

¿Quién compra el arte tecnológico?

El formato NFT (token no fungible) ha sido uno de los más novedosos dentro del arte durante los últimos años. No obstante, en la actualidad se habla de su cambio de rumbo y la aparente disminución en sus inversiones.

Si bien esta industria tuvo un auge entre 2018 y 2021, alcanzando ventas de hasta US$17 mil 600 billones de dólares, de acuerdo con la plataforma NonFungible.com, actualmente creadores, plataformas y compradores en la industria adoptan acercamientos más regulados y cuidadosos, según una publicación hecha por la empresa ChainUP en febrero de este año.

En Guatemala este formato también es una realidad. Plataformas como BabySkulls promueven el coleccionismo de tokens no fungibles, mientras que también es utilizado por artistas como Diego Morales-Portillo en su obra Banana Republic #3 o por la realizadora Sofía Novella en su serie Rosa es una rosa es una rosa.

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¿Qué pasa con los otros formatos? ¿Se vende el íideoarte o los códigos QR? ¿Quiénes compran arte de nuevos medios?

En su caso, debido al contenido social de sus piezas, Bryan Castro no suele intencionar sus formatos para la venta. No obstante, hay coleccionistas que han comprado sus códigos QR.

El realizador segura que prefiere que su trabajo artístico sea remunerado en cuanto a asesorías, así como procesos de aprendizaje o de comisión junto a otros realizadores.

En el caso de Balam Soto, sus obras se han vendido de forma conceptual y física a museos o galerías siendo la propiedad intelectual la que rige la venta frente a las instituciones.

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María Adela Díaz asegura que museos o coleccionistas también compran vídeos de obras. No obstante, y desde su perspectiva, esto ha sido algo poco usual, pero cada vez más es notorio en Estados Unidos. De acuerdo con la artista, los compradores adquieren no solo un vídeo, sino un mensaje.

Prueba de ello ha sido el caso de Antonio Pichillá, artista maya t’zutujil cuya pieza audiovisual Bailando con una piedra 2022, forma parte de la colección permanente del Museo de Arte de Denver en Estados Unidos desde julio del año pasado.

San Juan Comalapa: un recorrido por la vida de 5 habitantes que llevan el arte en las venas

Las obras de los artistas comalapenses retratan la memoria del pueblo y la vida cotidiana se convierte en una obra de arte. 

Belinda S. Martínez

19 de junio de 2024 | 08:00h

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Las obras de San Juan Comalapa rescatan del olvido historias y tradiciones de la región. Obra sin título de la artista Maria Elena Curruchiche (Foto Prensa Libre: Belinda S. Martínez)

Situado entre los valles al norte del departamento de Chimaltenango, a unos 82 kilómetros de la ciudad capital como un tesoro escondido repleto de colores vibrantes, murales artísticos y un clima templado se encuentra San Juan Comalapa.  

Basta con subir una pequeña colina localizada antes de la entrada del pueblo para deleitarse con las primeras obras de arte. Murales que representan la cotidianidad de la región.

Cuna de artistas, así le llaman. Para los habitantes de Comalapa, en su mayoría originarios del pueblo maya kaqchikel, el arte es una herencia genética que ha transformado su vida.

Con una extensión territorial de 76 kilómetros cuadrados, San Juan Comalapa también es conocido como Chixot —que significa en o sobre el comal—.

Aunque también en el libro Arte Naif, Pintura Maya Guatemalteca Contemporánea —de la Unesco y Fundación Paiz—, Lucrecia Méndez de Penedo lo describe como la “Florencia de América”.

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El arte de Comalapa

El legado artístico del pueblo comienza en la década de 1920 cuando Andrés Curruchich se interesó por el arte. Su obra partió de su contacto con la naturaleza, pintando sobre trozos de madera, tapaderas de lata, plumas de ave y jícaras. Andrés pintaba para entretenerse.

Al inicio, la mayoría de los artistas de Comalapa fueron autodidactas, Curruchich por ejemplo, utilizaba pinturas preparadas por él mismo con tintes vegetales y minerales para retratar el día a día de los comalapenses destacando la luminosidad y el color en la composición de sus obras.

En el libro de Arte Naif, citado anteriormente, Linda Asturias de Barrios y Mónica Berger describen como la pintura kaqchikel de Comalapa se distingue por tres estilos: el primitivismo o costumbrismo, el realismo y el surrealismo.

El primer término hace referencia al estilo que representa las costumbres y ambientes del pueblo; el realismo se guía por la línea de representar algo que existe; y el surrealismo se conceptualiza como la representación de los sueños, leyendas y mitos, mezclando lo que existe y lo que no.

Curruchich en sus pinturas evocaba escenas cotidianas del pueblo y en su arte anecdótico predominaban las tradiciones, las figuras humanas, desfiles, funerales, y las abundantes escenas urbanas dentro del pequeño pueblo de Comalapa, y este legado ha perdurado hasta las nuevas generaciones de artistas.

Inspirado por Andrés Curruchich, Francisco Telón otro de los pioneros en el arte comalapense, aprendió también de manera autodidacta. Sin embargo, Telón a diferencia de Curruchich montó un taller para enseñar a quienes estuvieran interesados en aprender a pintar, entre ellos Santiago Tuctuc y Vicente Curruchiche.

Las pintoras comalapenses

Por casi medio siglo la pintura estuvo dominada por hombres. Pese a ello, en la década de los setenta, incursionaron las primeras mujeres pintoras, de las que se puede nombrar a Rosa Elena Curruchiche como una de las pioneras femeninas.

Rosa Elena, al ser nieta de Andrés creció inmersa en el arte, pero al ser la pintura en ese entonces una ocupación exclusivamente masculina, su incursión fue muy criticada.

La historiadora Nudia Andrea Pineda Cópin destaca la visión femenina y rebelde de Rosa Elena, pues en su momento su familia no le permitió pintar, pero a pesar de esto ella decidió continuar.

Pineda destaca el aporte de las mujeres en la historia del arte, pues “las artistas de Comalapa tenían algo que decir, muchas de ellas plasman en sus obras la visión cotidiana de la región desde un punto de vista femenino, y sin esa visión nuestra historia no estaría completa”, comenta Pineda.

A esta visión femenina de lo cotidiano también aportan artistas como Maria Elena Curruchiche, Paula Nicho, Joaquina Castro Luis entre muchas otras quienes con su estilo particular dejan un precedente artístico para mujeres del futuro.

“Todas ellas en sus cuadros logran contar historias y es interesante ver que a pesar de que toda una sociedad estaba en contra de que las mujeres ejercieran como pintoras, logran hacerlo y plasmar ese espíritu y esas ganas de decir lo que ellas sentían para que nosotros como espectadores logremos ver ese punto de vista femenino del arte comalapense” añadió Pineda.

Una nueva generación de artistas

El legado artístico de Comalapa sigue floreciendo, ya que los hijos, nietos y hasta bisnietos de los pioneros del arte, como los Curruchiche, Tuctuc, Perén, Simón, Chex, Xocop, Cúmez, González, Mich, Otzoy, Mux, Nicho por mencionar algunos, continúan dedicándose no solo a las artes plásticas, sino también a la música, los textiles y la literatura, sin embargo, es la pintura la que sigue destacando entre los comalapenses, convirtiendo así a San Juan Comalapa en una tierra de artistas.

La ruta del arte de San Juan Comalapa

Aunque está claro que San Juan Comalapa ha pintado su historia de arte, basta con recorrer sus calles para asombrarse de las diversas expresiones artísticas.  En una visita organizada por la Fundación Paiz para promover el arte del país, nos adentramos a los estudios, galerías y hogares de algunos de los artistas comalapenses, con el objetivo de conocer su esencia y el valor que le dan a la cultura guatemalteca.

Oscar Perén

Un día cualquiera, el pequeño Oscar pasó frente a una casita de adobe sobre la calle principal de San Juan Comalapa, vio una puerta entreabierta en la que se asomaba un señor pintando, acompañado por algunas visitas de extranjeros apreciando sus obras. Contemplar esta escena llamó su atención y decidió entrar a la casa a husmear. 

Al principio no entendía qué pasaba, pero observar cómo Andrés Curruchich se desenvolvía frente a otras personas pintando y haciendo arte, lo inspiró. Cuando Oscar volvió a su casa luego de confesarle a su mamá que quería pintar y ser artista, tomó un trozo de papel y se puso a dibujar la escena de una cocina tradicional de la época, con piso de tierra, tres piedras, un comal, unos jarritos de barro, sus tías haciendo tortillas y cocinando el tradicional jocón. 

Contento con el resultado, Oscar le mostró el dibujo a su madre y ella, en un intento de protegerlo del racismo de aquel entonces le dijo “está bien que querás pintar, te apoyo, pero dentro de nuestro hogar, te pediría que no lo hicieras”. Estas palabras provocaron en Oscar un bloqueo artístico que lo llevó a abandonar los lápices y los pinceles por un tiempo. 

Muchos años después, luego de regresar de trabajar de la capital guatemalteca, Oscar conoció a su actual esposa, quién lo apoyó para que él pudiera desarrollarse en el arte. 

Al igual que muchos exponentes, él pintaba de manera autodidacta. “Obviamente sus primeros lienzos no lucían como ahora, sus técnicas eran muy básicas y en muchas ocasiones él no podía comprender cómo era trabajar con el óleo”, comentó su hijo Cesar Perén que también mencionó que su padre le contaba cómo utilizaba aceite de cocina para disolver el óleo. 

Su interacción con otros artistas de Comalapa le permitió a Oscar conocer más técnicas de arte para aplicarlas a sus pinturas y así con muchos intentos, años de práctica y experiencia, Oscar se convirtió en unos de los exponentes de arte más emblemáticos de San Juan Comalapa. 

Su arte se identifica por la manera en la que se organiza, posiciona y relaciona las figuras, los diseños geométricos y su sentido de balance. La mayoría de sus cuadros estaban inspirados en leyendas e historias relatadas por su padre o sus abuelos. Sin embargo, como artista, Oscar también tuvo que involucrarse en distintos escenarios como el baile de los feos, o la quema de un torito de fuego, además de destacarse por plasmar en sus lienzos escenas que no eran común retratar como por ejemplo la violencia política o la separación de las iglesias. 

Actualmente Oscar Perén, cuenta con una trayectoria artística de más de 60 años. Ha expuesto sus obras en países como Suiza, Noruega, China, Estados Unidos, entre muchos otros, y también ha participado en exposiciones como la XXII Bienal de Arte Paiz. Sus obras, así como las de sus hijos Edgar, Orlando y Cesar, llenan las paredes de su galería en la entrada del pueblo de San Juan Comalapa.

Maria Elena Curruchiche

Criada en un ambiente donde el arte fluía en la sangre familiar, de pequeña una curiosa Maria Elena mostró un interés innato por la pintura, sentándose junto a su padre, Vicente Curruchiche, mientras este daba vida a sus cuadros.

Sin embargo, en una época donde el papel de la mujer en el arte no era bien recibido, María Elena encontró dificultades para desarrollarse plenamente como artista. En ese entonces, que las mujeres se dedicaran al arte no era bien recibido, por eso ella pintaba con mucha irregularidad. 

Fue el terremoto de 1976, que devastó Guatemala, lo que marcó un punto de inflexión en su carrera llevándola a pintar con mayor frecuencia. La muerte de su padre en 1988 fue otro golpe que la impulsó a dedicarse por completo a su pasión artística, sintiendo la responsabilidad moral de mantener viva la tradición familiar a través de sus pinturas.

María Elena encontró su inspiración en el trabajo de las mujeres de Comalapa y la cosmovisión maya. Consciente de la importancia de dar voz a las vivencias de las mujeres, decidió centrar varias de sus obras en este tema, viendo en el arte una herramienta poderosa para rescatar la cultura de sus antepasados y las tradiciones y costumbres del pueblo desde un punto de vista femenino. 

Durante muchos años, ella junto a otras artistas comalapenses formaron un grupo de mujeres artistas lo que la llevó a tener aún más reconocimiento tanto a nivel nacional como internacional y su talento ha sido reconocido al ganar el máximo galardón en la Bienal de Arte Paiz. 

Pese a esto María Elena reconoce el profundo impacto que el arte ha tenido en su vida y en la de su familia. Ella admite que de no tener la oportunidad de desarrollar sus habilidades artísticas su destino hubiera sido muy diferente. 

Su proceso artístico actualmente es bastante versátil, pues además de pintar también se dedica a las labores domésticas y al arte textil. “Yo trabajo como toda mujer indígena comalapense, hago mis oficios y luego me pongo a tejer un rato, y en la tarde ya me pongo a pintar. Hay días en los que pintó, otros en los que mejor tejo”, comentó la artista. 

En la actualidad Maria Elena también es miembro del Movimiento Nacional de Tejedoras en el que tiene la oportunidad de dar clases a personas que aún no han aprendido de estas técnicas, y así preservar el arte textil. “Estamos también en la lucha para proteger la propiedad intelectual y colectiva de los tejidos”, añadió. 

El legado artístico de la familia Curruchiche finaliza con ella, pues su hija Iveth también se encuentra aprendiendo a desarrollarse como artista. 

Con cada pincelada Maria Elena continúa compartiendo las historias y las experiencias de las mujeres mayas, recordándonos que todas tienen algo valioso que decir.

Edgar Calel 

Al haber crecido en un lugar rodeado de arte, la cosmovisión y las tradiciones comalapenses, la obra de Edgar Calel destaca por su profundidad y conexión con sus raíces ancestrales. 

Pertenece a una nueva generación de artistas proveniente de la región de San Juan Comalapa, pues nació en 1987, y fue precisamente esta región y el mundo artístico en el que se crio lo que inspiró a Edgar para que desde muy pequeño se dedicara a explorar y expresar la cosmovisión maya de su comunidad a través del arte.

Desde que empezó en el mundo del arte, el trabajo de Edgar reflexiona sobre la movilidad y los procesos de cambio, en constante tensión con la ancestralidad y la conservación cultural. Desde muy joven las enseñanzas de su familia, inmersa en las tradiciones kaqchikeles, lo guiaron en el arte de pintar. 

A los 19 años, Edgar recibió una beca para estudiar en la Escuela Nacional de Artes Plásticas en Ciudad de Guatemala, lo que marcó el inicio de una vida como artista.

El joven artista dedica su trabajo a su cultura ancestral y reflexiona sobre el movimiento y la transformación de la vida. Su temática principal gira en torno a las prácticas indígenas de su comunidad, la espiritualidad, los rituales, la identidad y la migración. 

Su arte, profundamente conceptual, se manifiesta en diversas formas, incluyendo performances, instalaciones, pinturas y dibujos. Estas obras evocan recuerdos de su familia y rinden homenaje a las comunidades indígenas guatemaltecas. 

La Casa Kit Kit

“Esta era la casa de mi abuelita, ella trabajaba aquí.  Antes había más árboles, pájaros y gallinas. El nombre de la casa está basado en un canto que ella utilizaba para llamar a las aves y gallinas para darles semillas de maíz. Yo traduzco ese canto como un llamado al espíritu para venir a alimentarse; antes se alimentaban a las aves, ahora alimentamos el espíritu de la gente con arte y basado en eso construimos el concepto de la casa como Casa Kit Kit”, comentó el artista. 

Este concepto de la casa se puede traducir como la esencia de su obra: un llamado al espíritu para nutrirse, una traducción de la cosmovisión maya a un lenguaje contemporáneo que resuena en el mundo actual.

Calel trabaja en una variedad de medios, explorando las complejidades de la experiencia indígena a través de la cosmovisión maya kaqchikel, la espiritualidad, los rituales y las prácticas comunitarias. 

La obra de Edgar se podría considerar como un puente entre el pasado y el presente, entre lo ancestral y lo moderno. Su arte no solo es una expresión de identidad y resistencia, sino también un medio para fomentar la comprensión y el diálogo intercultural. A través de sus creaciones, el artista invita al espectador a reflexionar sobre la movilidad, la transformación y la permanencia del ser, y a reconsiderar las formas en que percibimos y valoramos las culturas indígenas en el mundo contemporáneo.

Paula Nicho Cúmez

Como era usual entre las mujeres de Comalapa y la familia Nicho, Paula aprendió el arte textil desde muy joven, una enseñanza proveniente de su madre. 

Su abuelo, uno de los pintores pioneros del pueblo, vio algo más en ella, una chispa artística que podía explotar más allá del textil, y fue así como ella, motivada por él comenzó a sentir cierta afinidad por el dibujo y la pintura. 

En ese entonces, en San Juan Comalapa el mundo de la pintura era dominado por hombres que retrataban la cotidianidad del pueblo desde un punto de vista muy masculino, así que la incursión de Paula a la pintura no fue un camino fácil. 

Durante muchos años ella se resistió a pintar, pues era muy complicado desarrollarse en este ámbito, pero impulsada por las palabras de su abuelo y de su esposo se animó a retratar su arte y no limitarse solo a lo textil. 

Ella quería pintar algo más allá de lo que los hombres de Comalapa ya venían trabajando, sus cuadros se inspiraron principalmente en la naturaleza, la cosmovisión maya y el poder de la mujer inclinándose al arte surrealista. 

En sus cuadros, Paula utiliza diseños de los huipiles, fajas y otros tejidos como elementos fundamentales de su composición, resaltando siempre elementos naturales, sin dejar atrás su aprendizaje sobre el arte textil, combinando sus dos pasiones artísticas: tejer y pintar. 

Con su trabajo Paula también cuenta historias, en cada uno de sus cuadros sobresale el espíritu y las ganas de decir lo que ella siente. 

Ella recuerda cómo en una oportunidad de pequeña sufrió discriminación por utilizar su vestimenta originaria. “En una ocasión no tuve la dicha de ir a desfilar porque para hacerlo las niñas debíamos llevar un uniforme, mi mamá no podía comprármelo así que me tejió un huipil, pero la directora de la escuela me dijo que no lo podía usar para desfilar y no me dejó hacerlo. Al ser un poco más grande me di cuenta de que esto era discriminación y que pasaba en muchos lugares del país, ya que en colegios y hasta universidades no había libertad para la gente indígena”, comentó. 

Esta experiencia causó mucho dolor en Paula, “la gente piensa que la indumentaria no vale. Cada pueblo tiene su propia indumentaria y colores y esto es parte de lo que plasmo en mis obras”, añadió la artista. 

En muchos de sus cuadros ella retrata a mujeres tatuadas con diseños de textiles sobre su piel, que más allá de tatuajes, son historias, colores y representaciones de diferentes lugares del país. 

Su arte ha sido reconocido a nivel nacional y recientemente regresó de Venecia Italia, en donde debutó en la 60 Bienal de Arte Paiz. Ella alienta a todos a estar orgullosos de dónde venimos y qué mejor el arte para plasmar esa historia. 

Angélica Serech

En el arte de San Juan Comalapa además de destacar la pintura y las piezas conceptuales también brilla el textil.  En su mayoría las mujeres del pueblo aprenden esta disciplina desde muy pequeñas, siendo este el caso de Angélica Serech.

“Cuando yo nací, a mí no me entregaron un libro, a mí me obsequiaron un huipil”, recuerda la artista quien se introdujo en los textiles desde muy pequeña.

Angélica relata cómo aprendió a tejer junto a su hermana, aunque recuerda que, de las dos, ella era la “peor” tejedora, ya que sus tejidos estaban lejos de ser convencionales, siempre buscando ir contra la corriente. Esta actitud por parte de Angélica preocupó a su madre y a sus tías, pues notaron cómo mientras su hermana avanzaba ella estaba “en otro mundo”.

Consternada por no avanzar, Angélica decidió dar un paso gigante a algo que ella no imaginaba, y empezó a intentar hacer arte con el tejido, ella lo recuerda como un proceso de “experimentación, búsqueda y encuentro”. Al no poder trabajar con los tejidos tradicionales, su tía la introduce en el telar vertical y es allí donde por fin sintió la libertar de “gritar, correr, y ser libre”, de hacer las locuras que siempre soñó.

En 2003 Angélica finaliza su primera pieza creyendo firmemente que ese telar era una obra de arte. No sabía con quién consultar esta inquietud, pues ella no tenía ni idea de qué es arte y qué no.

Finalmente decidió consultar con un referente del arte contemporáneo del pueblo de Comalapa, y se llevó la sorpresa de recibir una respuesta negativa sobre su pieza. “Esto que hiciste no es arte, es cualquier tipo de artesanía, una alfombra o lo que sea, pero no es arte”, relató la artista. Estas palabras “matan” sus expectativas llevándola al punto de querer dejar de tejer.

Años después, su amigo Fernando descubre su trabajo y la alienta a darlo a conocer.  Sin embargo, Angélica tuvo miedo, pues siempre fue una niña muy tímida que le costaba mucho alzar la voz, pero a pesar de ese miedo se animó a exponer sus piezas.

Angélica recuerda cómo los primeros que adquieren sus tejidos fueron personas que pertenecían a la Junta Directiva del Museo Ixchel, ellos la motivan y ella nuevamente empieza a crear.

Sus textiles se destacan por ir más allá de lo convencional, entre los materiales que ella utiliza se pueden encontrar cáscaras de maíz, ramas de árbol y elementos que entrelazan la vida cotidiana y la naturaleza de San Juan Comalapa.

Cada uno de sus tejidos son un lienzo en blanco que le permite contar historias y los materiales afianzan su amor por el textil y la naturaleza que destaca el arte de comalapense.

Sus obras han sido reconocidas tanto en Guatemala como en el mundo y se siente muy orgullosa de representar a su pueblo y a las mujeres tejedoras en países como Corea del Sur y Canadá, Francia, entre muchos otros.

Fin de la ruta

Hablar de todos los artistas provenientes de un pueblo que destaca por el arte es prácticamente imposible. Sin duda San Juan Comalapa seguirá resaltando más allá de sus pinturas, textiles y composiciones.

Destaquemos que sin Comalapa nuestra historia del arte estaría incompleta, y recordemos que no podemos hablar de arte sin hablar de Comalapa.

Ser artista de larga trayectoria en Guatemala: Una desmemoria en rebalse

Vivir del arte en Guatemala significa asumir retos económicos, históricos y colaborativos. ¿Qué implica insistir en la obra de artistas de larga carrera en un país con poca memoria?

Alejandro Ortiz

10 de junio de 2024 | 15:55h

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'El fin del mundo', obra hecha por el artista Francisco Tún en 1973. (Foto Prensa Libre: Hemeroteca PL)

En el 2018, un año después de haber presentado en la capital de Grecia su Sinfonía desde el Tercer Mundo, Joaquín Orellana logró lo que muchos otros artistas guatemaltecos de gran trayectoria verían como uno de los máximos hitos de su vida personal y profesional: obtener, después de años de dedicación laboral y creativa, el reconocimiento público del Estado.

El decreto 22—2018, a través del reconocimiento a Orellana, establece que al compositor le era “difícil ubicarse económicamente” en el sector productivo del medio nacional. Por tal razón, 82 diputados votaron a favor de que se le diera una pensión vitalicia de Q7 mil mensuales, además del honor público por ser una de las mentes “más prodigiosas de la música”, como resultado de su arduo trabajo.

Cinco años más tarde, el artista sigue gozando del apoyo estatal a sus 93 años, según habría constatado su familia en una nota publicada por Prensa Libre en diciembre de 2023.

Sin duda, la trayectoria de Orellana es una de las más distinguidas en la historia del país, no solo por su extensa carrera experimental, sino también porque se convirtió en uno de los pocos artistas a quienes el Gobierno ha instituido de forma directa un apoyo económico.

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Aunque para muchos ha sido motivo de celebración y de interés el apoyo al compositor, surgen dudas sobre quiénes son los artistas de larga carrera merecedores de este tipo de asistencia económica.

De acuerdo con Victoria Godoy Palala, diputada integrante de la Comisión de Cultura del Congreso, la junta directiva no ha discutido las posibilidades de otorgar pensiones vitalicias a otros artistas. La legisladora enfatiza que este tipo de asistencias son insostenibles a largo plazo. “Son muchísimas las personas que lo merecen, pero la situación en todo caso es cómo generamos ese respaldo y las condiciones dignas para el artista”, añade.

Godoy Palala señala que muchos profesionales del arte no tienen registros de contratación formales, ya que los convenios para varios de sus trabajos están orientados a eventos o proyectos en los que no hay una contrato. Por ende, no existe la figura de un patrono, persona individual o jurídica que figure como su empleador.

Esto ha llevado a que muchos no puedan acceder a beneficios como una pensión, seguro social o un crédito bancario. Aunque es cierto que esto no aplica a todos los artistas, es preciso saber cuáles son las opciones para quienes carecen de una protección social.

“El arte no se considera como un trabajo en Guatemala. Desde ahí ya hay un problema de origen”, expresa la parlamentaria. Según dice, algunas dependencias públicas han considerado que el pago es “la oportunidad de darse a conocer”, con lo cual evaden remunerar su trabajo. “Es una vergüenza”, comenta.

Otro reto que destaca la Comisión de Cultura es el concepto de “trabajo artístico” y la poca importancia que se le otorga. “Hay que buscar y verificar cómo, desde el Ministerio de Trabajo, se pueda formalizar esto para que luego los artistas puedan tener acceso a seguridad social”, hace ver Godoy Palala.

La Comisión de Cultura trabaja para reconocer la dignificación del trabajo artístico a través de discusiones y propuestas que abarcan, como incorporar a cerca de 200 artistas jubilados al Instituto Guatemalteco de Seguridad Social (IGSS).

Magda Angélica García von Hoegen, cantautora con más de 25 años de carrera e investigadora sobre diversidad sociocultural e interculturalidad, coincide que la inscripción de artistas independientes al IGSS es una asignatura pendiente en la dignificación del trabajo cultural.

Una posible solución sería la de afiliarse en el instituto a partir de una cuota fija, como ha ocurrido con las trabajadoras domésticas, quienes desde el 2021 pueden inscribirse al IGSS y gozar de sus servicios mediante un programa de cuotas trimestrales. En este caso, las trabajadoras pagan un porcentaje y sus empleadores el resto.

De acuerdo con el Programa Especial de Protección para Trabajadoras de Casa Particular, la cobertura ofrecida incluye protocolos de maternidad y cuota de servicios funerarios. Los esfuerzos por visibilizar la urgencia de protección social a los artistas no son algo nuevo.

En mayo del 2021, el diputado Alberto Sánchez presentó la iniciativa 5788, fondo del apoyo cultural, con el fin de garantizarles el acceso al IGSS, sin necesidad de que los artistas estuvieran afiliados a una organización, la cual se diferencia con la Ley del Instituto de Previsión Social del Artista Guatemalteco, cuya normativa se restringe a garantizar el resguardo social a través de una institución.

No obstante, la entidad ha sido fiscalizada y puesta en duda durante los últimos años. Después de que Sánchez presentó la iniciativa, la entonces viceministra de Trabajo, Johana Salazar, estimó que la integración de los artistas al IGSS debía ser analizada de “mejor forma”, pero transcurridos tres años, las discusiones no han dado frutos.

La búsqueda en Google con el texto “Protección de artistas IGSS” no muestra ninguna información relacionada con el gremio. La única que aparece se relaciona con los murales del edificio central del Seguro Social, ubicado en el Centro Cívico capitalino, obra de Roberto González Goyri y Carlos Mérida, antes de 1960.

Acerca del mural de Mérida que lleva por nombre La Seguridad Social, el sitio web del IGSS indica que la obra alude a la función de la entidad y de sus beneficios a la familia y la comunidad. Agrega que la imagen busca mostrar “al hombre con sus atributos físicos y espirituales, bajo la protección y cuidado de la Seguridad Social”.

El arte no es visto como una profesión

En los tiempos actuales nuestras utilidades y valores se miden a partir de lo que logramos producir en términos económicos. En este aspecto, cabe destacar la oportunidad que ocupan las artes para la inversiones de la sociedad. Del 2013 y 2022 el Banco Interamericano de Desarrollo invirtió US$732 mil en operaciones vinculadas a la industria cultural y económica de Guatemala.

Aunque se trata de un antecedente notorio, lo cierto es que subsiste un limbo en cuanto a qué se puede denominar arte. A criterio de García von Hoegen, este desconocimiento tiene una estrecha relación con paradigmas y formas erróneas que hemos heredado del sistema educativo.

“Nunca se nos enseña qué significa la cultura o el arte. Las clases que tenían que ver con temas artísticos eran vistas como innecesarias y tomadas como de segunda categoría. ¿Qué le vamos a pedir a un país con esas carencias?”, cuestiona.

Asimismo, hace ver que el artista en Guatemala es considerado un foráneo o desconocido a quien se ubica, pero no como profesional, como sí se les considera a la Medicina, el Derecho, la Ingeniería o la Administración de empresas. “Es el contexto al que nos enfrentamos y no podemos obviarlo”, sostiene.

Memoria borrosa

Max Araujo, investigador cultural, abogado y exasesor del Ministerio de Cultura y Deportes, expresa que el arte tiene muchos sentidos. “Hay obras que han transformado cambios sociales, otras han sido utilizadas para crear denuncia y conciencia. Por ejemplo, El señor presidente es una crítica a la dictadura. Hay que reconocer que el arte es sanador”, subraya.

En Guatemala, apunta, el arte es excluyente desde su origen como país. La huella de la colonización ha conducido a los rezagos sociales que persisten en nuestros tiempos, como desestimar a diversos grupos; entre ellos, el de los artistas, remarca.

“Hay una idea de que los artistas no son productivos y esto ha llevado a que muchas veces se olvide al sector, y más cuando llegan a una edad avanzada”, agrega, y a ello se suma que los artistas no son reconocidos en vida, y muchos ni siquiera después de fallecidos.

Regina José Galindo, galardonada con el León de Oro como Mejor artista menor de 35 años en la Bienal de Venecia del 2005, coincide en que el olvido llega “con la muerte y la no valoración de las obras”, que en ocasiones incluye que el artista “muera en vida”.

La realizadora pone como ejemplo a Aníbal López —primer guatemalteco en ganar el León de Oro en Venecia—, quien este año es recordado a una década de su fallecimiento. “Este año cumple 10 años de muerto y no ha tenido el reconocimiento que merece. Su obra tendría que estar exhibiéndose en espacios internacionales”, puntualiza, al comentar que en su caso no ha necesitado del Estado para trabajar, pues su práctica es independiente.

Desde el 2005, Galindo es representada por Prometeo Gallery, una plataforma italiana para artistas internacionales. “Yo no vivo del arte en Guatemala, es muy poco lo que puedo vender acá. Vivo de pagos y compras en otros países. He tenido mucha suerte y he trabajado mucho para circular mi obra en el exterior”, cuenta la realizadora, cuyas performances se han basado en temas como el olvido social y la memoria histórica en Guatemala, que se observan en la obra de López, también conocido como A—1 53167.

¿Qué hace que un artista sea recordado? ¿Por qué, a pesar de haber fallecido, tenemos presentes a unos y a otros no? El sociólogo, artista del movimiento e investigador de políticas culturales André de Paz opina que el olvido quizá obedece a que no tuvo el impacto esperado en las personas.

“Me atrevería a interpretarlo como esa posibilidad que queda en algo que no fue significativo, representativo o que no generó sinergia en una comunidad y que, por lo tanto, no es relevante”, matiza. También puede haber una ambivalencia en el recuerdo, ya que tal vez hay artistas que son recordados, pero a pequeña escala, en determinados círculos.

De Paz reflexiona sobre el lugar de los “grandes artistas” que son recordados en Guatemala. “Tenemos que admitir que los grandes genios del mundo del arte vienen del mecenazgo. Sin duda, fueron el producto de alguien que tenía recursos económicos y los llevaba a la visibilidad a través de la adquisición económica material. Y de eso, creo que seguimos heredando cosas. El mundo del arte sigue siendo de las élites, del poder adquisitivo y del capital simbólico que tienen un grupo de personas”, precisa.

A juicio de Araujo, en muchas ocasiones los artistas recordados también deben su fama a una lógica “perversa” construida en vida, ya que el mismo poder las creó. “Esto ocurre cuando el mercado decide crear una figura para tener más rédito. Luego vienen los medios de comunicación y van mitificando a los artistas”, se lamenta.

El entrevistado valora que Ricardo Arjona podría calzar en este parámetro, ya que las condiciones físico-estéticas y las cualidades de su voz llamaron la atención, permitiendo que una industria —musical— se fijara en él. “Son situaciones excepcionales, porque el mismo sistema da la oportunidad”, añade.

De Paz señala que muchos artistas sortean el olvido por la insistencia de un circuito dentro de la sociedad. Esto puede ocurrir a través de homenajes, revisiones o dedicatorias póstumas por parte de determinados gremios, aunque no niega que otros son recordados por los alcances de la influencia que dejó su obra.

Otro aspecto que se debe tomar en cuenta es que por las condiciones en que se desarrollan las prácticas culturales en el país, los artistas se vuelvan susceptibles al olvido, puesto que son infravalorados. “Nosotros mismos contribuimos a perpetuar el olvido y eso podría ser una responsabilidad para los artistas. Deberíamos pensar en procesos organizativos que nos permitan transitar la vida con dignidad. El registro nos puede dar eso”, manifiesta.

El concepto de artista del MCD

Ante la pregunta sobre cuáles, de las trayectorias de largo aliento, deberían ser recuperadas, destacadas y apoyadas a través de subvenciones o pensiones económicas, el Ministerio de Cultura y Deportes (MCD) responde que “el perfil idóneo de un artista guatemalteco es aquel que no solo destaca por su talento y creatividad, sino también por su capacidad de trascender fronteras y dejar una huella imborrable en el corazón de nuestra cultura”.

Al respecto, como ente rector de la promoción del arte y la cultura nacional, la cartera ha establecido algunas distinciones para reconocer a los más relevantes. El más conocido es el Premio Nacional de Literatura Miguel Ángel Asturias, que otorga Q50 mil y la publicación de una obra escrita por la persona galardonada. A este se suman los concedidos por Trayectoria y Aportes al Desarrollo en Marimba, Teatro, Danza, Música —cada uno de Q10 mil— y Artes Plásticas —Q50 mil—.

Los acuerdos que instituyeron estos premios y fueron avalados en la gestión de José Luis Chea Urruela establecen que los artistas premiados son elegidos por un comité convocado por el MCD.

Si los artistas en Guatemala quieren aplicar a un apoyo económico devengado por la cartera, existen opciones como el programa Espacios, cuya iniciativa brinda un fondo económico, por medio de convocatoria, para que los interesados desarrollen una producción que después será compartida durante varias temporadas a nivel nacional.

Artistas en las ramas de teatro, circo, danza, cine, artes plásticas, música y canto pueden aplicar a esta plataforma, la cual, en su tercera edición, ha seleccionado 65 propuestas de más de 300 aplicaciones.

En el 2023, el colectivo de teatro Artistas Trabajando fue una de las aplicaciones escogidas. Sus integrantes postularon la obra de títeres El extraordinario viaje de Juanita, que después de las presentaciones fue ganadora en la categoría Adolescentes en el Premio Hispanoamericano de Dramaturgia para las Nuevas Infancias con sede en Argentina.

Margarita López, actriz e investigadora social desde hace 21 años y también integrante del citado colectivo, comparte que el fondo de Espacios permitió una parte de la producción de la obra, aunque no cubrió todo lo proyectado.

Del total de Q50 mil otorgados por el MCD, las integrantes recibieron Q47 mil, porque se descontaron impuestos. Con esta suma pudieron cubrir un 40 por ciento del espectáculo, que implicó diseño de producción, composición y producción de música original, derechos de dramaturgia, materiales y mano de obra para la elaboración de escenografía, vestuario, utilería, títeres e iluminación específica.

“El 60 por ciento restante fue subvencionado por fondos de otros trabajos efectuados por nuestro grupo y por el aporte de cada integrante. El fondo no alcanzó para pagarnos los meses de ensayo”, enfatiza.

Estos procesos llevan a pensar de qué manera los artistas se están garantizando una remuneración justa por el proceso de investigación y ejecución de piezas para el público. En muchas ocasiones, los fondos otorgados por entidades o instituciones están destinados a la elaboración de proyectos, pero pocas veces se establecen rubros como una remuneración.

“Es necesario reconocer la actividad artística como una laboral, al considerar los servicios artísticos como un bien público y a partir de ahí poder gozar de beneficios básicos como la salud, la previsión social o un salario”, plantea López.

Articulaciones propias

Manu Tzoc es escritor y poeta con 20 años de trayectoria. Su obra, compuesta de publicaciones, performances y “libros—objeto”, como denomina a los artefactos intervenidos con propósitos de consumo poético, ha sido reconocida tanto en Guatemala como en Estados Unidos.

A finales de mayo Tzoc visitó Nueva York para presentar varias de sus piezas. Universidades estadounidenses como la North Carolina Chapel Hill, en Carolina del Norte, o la de Northridge, en California, han exhibido la obra del autor maya k’iche’ en sus bibliotecas y otros eventos.

Gran parte de estos logros son atribuidos al mismo trabajo del autor, quien ha utilizado sus propios recursos para subsistir como artista a lo largo de dos décadas. “La constancia, la pasión y el compromiso son mi base para crear. A lo largo de estos años se presentaron muchos desafíos y momentos en que quiero tirar la toalla, pero esto es algo que me sostiene. El arte es mi columna vertebral”, afirma.

Para Tzoc, como ocurre con la mayoría de artistas, las opciones para acceder al Seguro Social también son limitadas. No obstante, desde hace un par de años, junto a sus hermanos es beneficiario de un patrimonio familiar que le permite ir ahorrando. “Es un dinero simbólico que me va a servir para mi vejez, a mediano plazo, y me quita la angustia de que mi único sustento sea la venta de mis creaciones. Si no lo tuviera, creo que me generaría mucha ansiedad”, admite.

Tzoc asegura que de no ser por ese patrimonio, su panorama económico sería de inestabilidad. En cuanto a qué piensa del escaso apoyo institucional para los artistas, dice que se “debería empezar por debatir con personas a cargo de la gestión de gobierno y sobre los fondos que se entregan a los artistas”, como el MCD o las galerías de arte.

Una de las iniciativas que acompaña los procesos de creación, promueve el apoyo al colectivo de artistas y que además se ajusta a esta postura es la Asociación Guatemalteca de Autores y Compositores (Agayc), con 73 años de existencia. El proyecto cuenta con la única marimba declarada Patrimonio Cultural de la Nación por parte del MCD, de tecomates y construida en 1951 por el marimbista Filiberto López, y que a su vez resguarda centenares de composiciones.

“Buscamos el fortalecimiento del patrimonio cultural y artístico de nuestro país apoyando al gremio de autores y compositores de Guatemala creando espacios”, expone Walter Renato Izzepi, director de la junta directiva de la Agayc. En los últimos años ha desarrollado iniciativas para que los guatemaltecos no olviden a sus compositores ni a la marimba.

Los integrantes de la junta directiva gestionan conciertos cada mes, reciben a estudiantes de escuelas y divulgan libros con información sobre compositores nacionales. El problema es que la Agayc no cuenta con fondos asignados y se sostiene de una cuota común que aportan 75 agremiados, de Q15 al mes cada uno.

La cuota incluye la prestación de auxilio póstumo para la familia del compositor fallecido, cuota de aniversario, Día del Compositor y una pequeña parte para sostener los servicios de la asociación. Lo demás se recibe a través de donaciones.

“Es muy poco como para poder mantener una institución como la nuestra. La gente que llega a la asociación sale muy contenta de este tipo de actividades. Por eso creo que es importante que nos apoyemos”, sostiene Izzepi.

García von Hoegen menciona que los desafíos para los artistas suponen ver más allá de las dependencia de gobierno, puesto que los propios colectivos pueden constituirse en un apoyo entre sí. Agrega que gremios como la música o el cine pueden ser referentes en la manera de operar entre pares, puesto que ambos implican a técnicos en distintas áreas, quienes deben coordinarse para sacar adelante un producto.

No obstante, queda mucho por aprender, reconoce. Asimismo, considera que si ocurren complicaciones en la implementación de políticas culturales, también las hay en la articulación de los propios artistas.

“No todo es el Estado, hay que unirse. Es un reto, porque dentro del arte subyace la descalificación del otro y es difícil trabajar por objetivos comunes con tantos egos enfrentados. Por otra parte, los espacios son reducidos. Cada quien asume una lucha y competencia feroz, pero ya se ha demostrado que cuando hay unión articulada, los resultados son buenos. Esa articulación y agencia son fundamentales como urgentes”, concluye.

Colecciones de arte en Guatemala: Otras bibliotecas para sumergirse en la historia del país

Pinacotecas públicas y privadas resguardan obras de arte que ofrecen un amplio relato de Guatemala a través de sus identidades, épocas y territorios.

Alejandro Ortiz

20 de mayo de 2024 | 09:45h

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El Fondo para la Imagen, Palabra y Pensamiento Ventura Puac—Coyoy exhibe obras de artistas mayas y otros realizadores de la provincia, muchas de las cuales plasman vivencias de sus comunidades. (Foto Prensa Libre: Cortesía Diego Ventura Puac—Coyoy)

Guatemala no solo tiene una historia escrita en papel. El arte, con sus diversas expresiones, ha sido una manifestación significativa para narrar los acontecimientos que han moldeado a sus habitantes. En este marco se puede hablar de historias locales que se encuentran en pinturas, grabados, esculturas, dibujos, fotografías, entre otros.

Hacer referencia a un “arte guatemalteco” es posible por un sistema económico en el que se basan las oportunidades de muchos artistas que a veces contribuyen con sus obras a enriquecer colecciones de museos, galerías y organizaciones con enfoque cultural.

Por ello es preciso poner en valor las colecciones de arte, no solo para mostrar que en el país los artistas pueden generar ingresos con sus realizaciones, sino también porque con dichos espacios la población puede acceder a ellos y conocerlos.

El historiador de arte Guillermo Monsanto, también curador e investigador, dice que “las colecciones son bibliotecas que narran una historia local que hacen patente un tiempo, inquietudes, y cómo van avanzando algunos artistas o cómo otros se quedan estancados”.

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Coleccionar arte es un ejercicio contra el olvido, asegura Monsanto, quien además codirige la galería El Attico, un espacio cultural que desde hace 40 años alberga piezas de artistas locales.

“Originalmente la galería iba a ser un anticuario, pero nos decantamos hacia el arte moderno”, refiere. Junto a su socio Luis Escobar ha llegado a coleccionar obras de grandes figuras del siglo XX como Efraín Recinos, Dagoberto Vásquez y Magda Eunice Sánchez, entre otros artistas.

El coleccionismo regala la oportunidad de indagar en el pasado y en el presente, puesto que las obras que integran las colecciones pueden adquirirse de artistas fallecidos y vivos.

Monsanto cuenta que en Guatemala muchos realizadores de arte empezaron a vivir de su obra en 1989, cuando una pintura de Roberto González Goyri se vendió por más de Q100 mil.

En el presente, para que el trabajo de los artistas sea considerado como tal, es necesario que vendan sus obras. Más allá del propietario —un particular o una institución— que adquiera las piezas, muchas de estas llegarán a formar parte de una colección.

Pinacotecas públicas y privadas

Según Silvia Herrera, crítica y curadora de arte especializada en Filosofía, Arte y Estética, las colecciones son “memoria condensada”, porque “arrojan luces en muchas direcciones y también oscuridades”.

Expone que varias de las colecciones —resguardadas en pinacotecas— en el país se han originado en concursos de arte y procesos de adquisición impulsados por iniciativas de organizaciones como la subasta Juannio o la Colectiva de Arte Junkabal.

Asimismo, cabe resaltar que los certámenes del Banco de Guatemala, así como los de las bienales de la Fundación Paiz y los más actuales de Arte en Mayo, de la Fundación Rozas—Botrán han dado a conocer artistas cuyas obras se han integrado a sus colecciones, que a la vez son de las más longevas y nutridas del país. Por su lado, la primera obra de la colección del Banco de Guatemala se ingresó en 1952, mientras que la de la Fundación Paiz inició en 1978 y la de Rozas—Botrán, en 1984.

“Las colecciones de arte institucionales dejan ver lo que ha sido detectado como interesante o valioso por el coleccionista”, manifiesta Herrera, para quien una obra se convierte en coleccionable siempre que su contenido esté bien ejecutado, sea el tema que fuere. “Creo en el don de ser artista que pocos tienen y pocos han cultivado con honestidad”, puntualiza.

En Guatemala existen dos tipos de colecciones: las privadas y las públicas o institucionales. Las primeras son creadas por amantes del arte que adquieren las obras siguiendo un gusto personal y que preservan en sus espacios privados. Las colecciones públicas, asociadas a instituciones, son exhibidas para que todas las personas puedan acceder a ellas.

El carácter institucional de las colecciones se manifiesta por su contenido e intención y exhiben piezas con temáticas que beben de la historia social, política, económica y estética de un territorio.

“La colección institucional tiene una responsabilidad, porque en ella hay valores históricos, culturales y artísticos. Tiene que ser más parejo. En el coleccionismo individual se compran por gusto”, explica Waseem Syed, artista, coleccionista y coordinador de producción y curaduría de la Fundación Paiz.

Entre las colecciones institucionales más amplias del país destacan las del Banco de Guatemala, museos del Ministerio de Cultura y Deportes, así como las de las fundaciones Paiz, Rozas—Botrán o Nacional para las Bellas Artes y la Cultura. En menor escala se sitúan las que se pueden apreciar en distintas galerías.

A los espacios mencionados se suma la relevancia de otro tipo de colecciones institucionales como las de los museos Ixchel del Traje Indígena, de Arqueología y Etnología, Popol Vuh, Miraflores o de Paleontología y Arqueología.

Además, los de Historia Natural, Nacional de Historia, del Ferrocarril y Tipografía Nacional. Estos recintos cumplen una labor de curaduría y socialización de las piezas con sus respectivas temáticas, en estrecha relación con la historia de Guatemala.

Identidad maya y comunitaria

Lejos de la óptica urbana y ladina de Guatemala existen otras colecciones que no han ocupado tanto espacio en dicho ámbito. Una de ellas es la del Fondo para la Imagen, Palabra y Pensamiento Ventura Puac—Coyoy, que empezó a gestarse en Chichicastenango, Quiché, en 1990, y ha generado un extenso archivo con obras de artistas y creadores mayas, así como de otras comunidades de la provincia.

“Nos valimos de los mecanismos del arte y su mercado para preservar una parte de la historia de nuestra comunidad y de otras circunvecinas. Frente a la lógica hegemónica de la historia del arte, en la cual los pueblos originarios son categorizados como inferiores —en el museo Carlos Mérida la pintura maya estaba en el pasillo de los baños—, deseamos posicionar esta colección donde el pensamiento e historia de las naciones indígenas es protagónica y lúcida”, hace ver Diego Ventura Puac—Coyoy, artista, curador y representante del Fondo.

Durante más de tres décadas, los integrantes de este proyecto familiar han adquirido cerca de 300 obras del siglo XIX y XX realizadas por artistas como Rosa Elena Curruchich —presente en la última edición de la Bienal de Venecia—, Oscar Perén, Diego Isaías Hernández, Juan Francisco Yoc y Samael Simón Calí, entre otros.

“El ejercicio de investigación para cada pieza también influye, porque no seguimos una tendencia de moda o estilo como propone el mercado del arte en general”, agrega Ventura Puac—Coyoy.

Varias de las piezas de esta colección son exhibidas en los muros de la Villa de los Cofrades, una pequeña cafetería ubicada en el mercado de Chichicastenango, y el hotel y restaurante Los Cofrades, ubicado en el km 147 de la ruta a Santa Cruz del Quiché.

Aunque no se trata de un recinto pensado con fines económicos, el Museo Ixchel del Traje Indígena cumple, al igual que el Fondo Ventura Puac—Coyoy, una importante labor en cuanto a preservar la cultura maya en el país.

En la citada entidad se resguardan y exhiben huipiles, fajas, cortes, tocados, camisas, pantalones, sobrepantalones, sacos, capixays, sutes, velos y sombreros, entre otras piezas que suman un total de 7 mil 841.

El Museo Ixchel cuenta, además, con una colección de 49 pinturas del primer artista de San Juan Comalapa, Andrés Curruchich, cuyas obras también se encuentran en la Bienal de Venecia, así como una colección de joyería, formada por collares y chachales.

Violeta Gutiérrez, curadora y directora técnica del Museo Ixchel, dice que la colección se inició en 1973, cuando un grupo de personas interesadas en preservar los tejidos indígenas de Guatemala creó el Comité Textil, que llevó a cabo diversas actividades para recaudar fondos que les permitieran adquirir prendas y tejidos a fin de formar una colección. Con el transcurso del tiempo se fueron adquiriendo más piezas a través de donaciones.

“Para que estas ingresen a la colección hay varios parámetros que se evalúan, puesto que cada una requiere de una inversión permanente para darle el resguardo adecuado. (…) Se aprovechan las investigaciones etnográficas de campo que se efectúan desde hace varias décadas para darle el andamiaje intelectual y documental que permite otorgar el contexto necesario a la persona a cargo de adquirir piezas. También se analizan factores como costos, el significado y la relevancia que tienen”, explica Gutiérrez.

En el caso del Museo Balam de Todos Santos Cuchumatán, Huehuetenango, fundado por el maestro e historiador Fortunato Pablo Mendoza, se aprecian colecciones integradas que exhiben varios objetos y artefactos de la comunidad mam.

Otras colecciones

Al dar un paseo por el circuito de museos de la zona 13 capitalina que son administrados por el Ministerio de Cultura y Deportes, las personas pueden encontrar el de Arte Moderno “Carlos Mérida”, con obras de los creadores más relevantes del arte guatemalteco moderno y contemporáneo de los siglos XX y XXI.

En el recinto, inaugurado en 1939, se encuentra una extensa obra de Carlos Mérida, reconocido por explorar la vorágine de formas y colores que confluyen en la identidad del país durante las primeras décadas del siglo XX.

Además del artista que da nombre al museo, se pueden apreciar obras de Efraín Recinos, Rina Lazo, Dagoberto Vásquez, María Dolores Castellanos y Aníbal López, entre otros.

En la 7a, avenida de la zona 1, en el Centro Cívico, se erige el Banco de Guatemala en el cual destacan los impresionantes murales de Roberto González Goyri, Dagoberto Vásquez y Carlos Mérida.

No obstante, dentro de sus instalaciones se encuentra una vasta colección de obras de Humberto Garavito, Alfredo Gálvez Suárez, Antonio Tejeda Fonseca, Efraín Recinos, Guillermo Grajeda Mena, Valentín Abascal, Rodolfo Abularach, Ernesto Boesche y Manolo Gallardo y muchos otros. Su pinacoteca consta de 711 pinturas, además de esculturas, grabados, dibujos y los murales.

De acuerdo con Francisco Fuentes Martinolli, encargado de la Pinacoteca y jefe sección de Relaciones institucionales y cultura, y Marvin Alexander Corado Gómez, el Banco de Guatemala cuenta con obras de “todos los estilos”, que van desde el paisajismo hasta la pintura abstracta, impresionista, realista, conceptual y expresionista.

Esto responde a una política establecida desde la creación de la entidad, en 1945. “El Banco de Guatemala también es conocido como el banco de la cultura y además de sus funciones como rector financiero, tiene como objetivo complementario apoyar la cultura y resguardar la colección de obras más completa de los siglos XX y XXI del arte guatemalteco”, se indicó.

Los entrevistados añaden que las primeras obras ingresaron en 1952. Al principio la intención era ornamentar las oficinas y pasillos, pero no fue sino hasta 1958 que a través de la Oficina de Relaciones Públicas se inició con la adquisición de obras de José Luis Álvarez, José Antonio Oliveros, Salvador Saravia, Julia Minguillón, y primitivistas como Andrés Curruchich y Juan Sisay.

Las obras se encuentran ubicadas en los pasillos, oficinas, salones, salas de reunión y la Pinacoteca. Muchas de ellas están disponibles al público y para visitarlas se debe hacer una cita a través del departamento de Relaciones institucionales y cultura.

Durante los últimos 46 años, la Fundación Paiz se ha convertido en un sitio de referencia para la divulgación y formación artística en Guatemala. A través de su bienal, que además es la segunda más longeva de Latinoamérica, seguida por la de São Paulo, la fundación ha fomentado la creación y adquisición de obras locales.

Su pinacoteca alberga más de 300 obras en distintas dimensiones y da cuenta de un salto de la modernidad a la contemporaneidad. Además de contar con pinturas de artistas de El Salvador, incluye un gran número de obras premiadas en las bienales.

José Roberto Vásquez, encargado de la pinacoteca de la Fundación Paiz, expresa que la colección ofrece una singular polifonía. “Creo que lo importante y lo que la caracteriza es que se encuentran todo tipo de artistas, desde muy destacados hasta otros que no se sabe bien quiénes fueron”, subraya, al hacer énfasis en el eclecticismo que se observa, porque muchos de los certámenes que la fundación llevó a cabo estaban abiertos a todo el público y no solo a los artistas, por lo que participaban y eran reconocidos hasta menores de edad, cuyas obras se siguen exponiendo.

“La colección es un esfuerzo que debe ser divulgado. Hay obras de diferentes épocas y nuestro trabajo es ordenar y generar otra narrativa”, subraya Waseem Syed, de la Fundación Paiz, al agregar que la entidad que representa se prepara para desarrollar el primer evento de nuevos medios digitales, un formato que cada vez tiene mayor visibilidad a través de NFT’s o videoarte.

Muchas de las obras de la referida Fundación se han dado a conocer en exhibiciones en su propia sede, así como también a través del préstamo de las mismas en establecimientos que coinciden con los intereses culturales, educativos y empresariales de la Fundación. Por dicha razón, se han prestado obras para exhibiciones en galerías y hoteles, por mencionar dos espacios.

Si bien es cierto que las colecciones proponen una narrativa local, también se extienden a la región. Es el caso de la Fundación Rozas—Botrán, que presenta piezas de realizadores guatemaltecos y de países vecinos. “Como el alma de Centroamérica y de Guatemala” describe el espíritu de este espacio José Rozas—Botrán, presidente de dicho espacio.

“La Fundación ha tenido el objetivo claro de ser una plataforma nacional e internacional para artistas de Centroamérica y Panamá. Es una región maravillosa, por lo que coleccionamos cualquier expresión que aporte a la cultura actual. Puede ser paisaje, pintura abstracta, escultura o arte conceptual, entre otros. Hay que ser inclusivos”, sostiene, al compartir que el proyecto dio inicio en 1984 al comprar su primera obra a Ingrid Klussmann, propietaria de la galería El Túnel.

Rozas—Botrán comenta que siete años después de creada la Fundación, en 1999, la entidad comenzó a recibir donaciones de obras por parte de artistas que decidieron contribuir a la misma, y hasta la fecha se utilizan para desarrollar proyectos educativos.

Así surgió el Museo Unis Rozas-Botrán Contemporáneo en el 2014, el cual está ubicado en la sede de la Universidad del Istmo, en Fraijanes, donde se exhibe la colección de la Fundación.

“—La colección— tiene una función de ayuda social y también la de sensibilizar y educar a los jóvenes a través del arte en la universidad”, dice José Rozas—Botrán, al puntualizar que en los últimos 10 años se han podido notar cambios en el criterio, toma de decisiones y la tolerancia social en muchos de los estudiantes universitarios a partir de ejercicios de mediación.

Cabe mencionar que las exhibiciones son actualizadas cada año y en su mediación intervienen estudiantes que son formados como guías de museo y ofrecen recorridos al público en general. Durante los últimos años han aumentado las visitas de escuelas y colegios al campus de la Universidad del Istmo, concluye Rozas—Botrán.

CULTURA

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El artista guatemalteco Walter Peter Brenner obsequió una escultura al presidente de Argentina, Javier Milei

“Atlas: Pilar del Mundo” es el nombre de la pieza que el guatemalteco entregó al mandatario argentino en la sede del Ayn Rand Center Latinamerica en Buenos Aires.

Alejandro Ortiz

7 de abril de 2024 | 07:00h

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Javier Milei, presidente de Argentina; María Marty del Ayn Rand Center Latinamerica; y el artista guatemalteco Walter Peter Brenner. (Foto Prensa Libre: Cortesía María Fernanda de Peter)

Recordado por haberle dado vida a esculturas como el famoso gigante de Ciudad Cayalá o el inmenso puño metálico que rompe el suelo de una esquina en la zona 4 capitalina, el artista Walter Peter Brenner ha hecho una carrera por más de tres décadas en la que ha esculpido figuras que representan a personajes, así como ideas alrededor de lo sublime y lo poderoso.

El artista guatemalteco entregó ayer en la tarde una réplica de su obra Atlas: Pilar del Mundo al presidente argentino Javier Milei, durante un acto del Ayn Rand Center, en Buenos Aires, Argentina.

Esta organización internacional de la sociedad civil promulga las ideas de la filósofa y escritora rusa Ayn Rand, recordada por su defensa del “objetivismo”, un sistema de ideas que, a grandes rasgos, plantea la búsqueda personal e individual de la felicidad a través del uso específico de la razón.

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Atlas: Pilar del Mundo es una obra que se acerca a simbolizar lo mismo, señala su autor. De acuerdo con Peter Brenner, esta escultura alude al hombre como centro del universo, así como su único generador de movimiento y valor. Algo que, considera, matiza con las ideas del recién electo presidente. 

¿Considera que el arte se puede leer con lentes políticos?

Creo que el propósito fundamental del arte es representar una relación con el mundo y su moral. Puramente un mensaje político, no creo. Yo no envío mensajes políticos, sino de simbolizaciones de valores y virtudes.

En el caso del Atlas, es el uso de la mente como fortaleza de carácter y la práctica de la honestidad indiscriminada buscando la verdad. Indirectamente podría decir que hay un mensaje político. Yo, en lo personal, defiendo el capitalismo y el libre mercado, pero no es lo que simbolizo directamente en la obra de arte.

¿Cómo concibe su proceso creativo a la hora de plasmar esas ideas?

Trabajo como en el Renacimiento: encuentro a un mecenas y analizo la necesidad de una escena. El 90% de mi mercado está en desarrollo inmobiliario, con edificios y casas privadas.

Propongo la idea de una obra escultórica que pueda ser monumental en el edificio y que exprese los valores y virtudes de la arquitectura, que es la madre de las artes.

¿Se limita la imaginación cuando se trata de obras comisionadas en comparación a cuando son obras personales?

Hay clientes que saben un poco mejor lo que quieren y hay otros que no lo saben tanto, pero cuando me dicen que quieren una escultura mía, tengo casi que libertad absoluta.

La idea es que el cliente y el público queden felices con la obra de arte. No hay una limitación en la parte creativa, pero siempre habrá retos que puedan ser mayores.

Una gran parte de su obra está representada por personajes masculinos. ¿Considera que se necesitan más figuras como estas en ser visibilizadas?

Últimamente he tenido la dicha y el honor de hacer esculturas femeninas. Es algo que me faltaba. Es cierto que había hecho mucha figura masculina, pero esa decisión no la tomo porque yo sea hombre y quiero exaltar más, sino porque estoy sujeto en el proceso creativo a hacer una simbolización de ciertos valores y virtudes.

Puede ser que en tal arquitectura se adapte mejor una figura masculina porque está representando mejor al valor. Varias mujeres también pueden hacerlo. Por ejemplo, La musa de la innovación, que está en 4 Grados Norte. Esa escultura fue un éxito rotundo, todo el mundo se toma fotos ahí. Su energía simboliza la innovación.

¿Qué hace que una escultura sea memorable?

Está muy de por medio el valor de la belleza, que a veces es mal comprendida y mal utilizada. Para mí, es 100% objetiva. Es decir, la belleza es armonía y la integración de cada una de las partes con el todo de manera integral y armónica. Si la idea de la obra de arte es clara, tiene sentido, y si al mismo tiempo es bella de manera armónica, será más exitosa.

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 Javier Milei ha solicitado grandes recortes en  varios presupuestos, entre ellos los de  cultura. Como artista, ¿qué opina sobre estas medida?

Estoy a favor del capitalismo, del libre mercado y de que haya una república que defienda los derechos individuales con la mayor libertad posible. En Argentina, con tantas décadas de socialismo y controles en la economía, se necesita una terapia de shock.

Va a crear anticuerpos en las personas que salen sacrificadas, pero creo que a mediano plazo los beneficios van a ser mucho mayores que los maleficios que estaban llevando a una inflación extrema. El presidente Milei todavía tiene que lograr sus apoyos.

¿A qué personajes aún no ha representado en sus esculturas pero le gustaría hacerlo?

Me encantaría representar a Odiseo. Lo admiro porque lo siento muy real, con actos de templanza, fortaleza y de carácter. Quisiera esculpir a Prometeo o Alejandro Magno. También he soñado con representar la aventura de unos niños que suben en un globo de helio con un motorcito que ellos mismos inventaron.

2° Festival Orellana: Artistas suman a la recuperación de Joaquín Orellana

A través de conciertos y proyecciones de cortometrajes, artistas guatemaltecos recaudarán fondos el 2 y 3 de marzo.

Alejandro Ortiz

16 de febrero de 2024 | 08:00h

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El maestro Joaqu’n Orellana presenta por primera vez en Guatemala la Sinfon’a "Desde el Tercer Mundo", su obra m‡s reciente. Cientos de personas se hicieron presentes en el Teatro Miguel çngel Asturias. Fotograf’a Esbin Garcia

El próximo 3 de marzo del 2024 se llevará a cabo la segunda edición del Festival Orellana, una iniciativa que surgió del músico Ale Gómez, como un apoyo al músico y creador Joaquín Orellana, de 93 años, quien fue ingresado al Hospital General de Enfermedades del Instituto Guatemalteco de Salud Social (IGSS) durante los últimos días del 2023 luego de haber presentado dolores abdominales, producto de una pancreatitis aguda.

En su primera edición en enero del 2024, el festival fue propuesto para recaudar fondos destinados al pago de gestiones administrativas hospitalarias, así como de asistencia al multi-instrumentalista, recordado por la invención de los llamados “útiles sonoros“ o por composiciones ambiciosas y experimentales como la Sinfonía desde el Tercer Mundo.

El total de la taquilla que se recaude en la próxima edición del Festival Orellana se orientará a los gastos de recuperación del maestro quien logró atravesar exitosamente una intervención quirúrgica el pasado 16 de enero. Actualmente el compositor es asistido por una enfermera 24 horas al día, por lo que lo recaudado será útil para mantener el servicio de atención, así como para solventar gastos médicos que surjan.

La primera actividad del Festival Orellana contó con la participación de los proyectos musicales de Francisco Páez, Oscar Conde, Ricmo, Magda Angélica, La City Band, Ale Gómez, entre otros. En beneficio del maestro Orellana, los invitados procuraron una velada donde conjugaron el talento y la solidaridad por el músico de 93 años.

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“Me da mucho orgullo ver que desde la música se está teniendo una incidencia grande y que ayuda a alguien que ha dado mucho por Guatemala”, comparte Gómez, quien tuvo la idea del festival el mismo día que se enteró del estado de salud de Orellana, el pasado 29 de diciembre.

El joven de 22 años, conocido por su nombre artístico Ale Gómez, cuenta que la iniciativa surgió con la necesidad de apoyar a un maestro que de forma indirecta le ha enseñado sobre la importancia de concebir la música desde perspectivas novedosas. “Los instrumentos de Joaquín Orellana no son algo común. Sus obras, que se han presentado internacionalmente, tienen un gran importancia y mérito“, comparte el cantante.

Reconociendo el peso histórico de Orellana y considerando su estado de salud, Gómez decidió preguntar el mismo 29 de diciembre en Twitter quiénes se sumaban a apoyar al maestro. “Luego del tuit no pasaron ni 30 minutos y varios artistas ya habían escrito. En cuestión de días, se logró el evento el 3 de enero en el bar El Ataque (Zona 4 capitalina). Fue increíble”, comparte Gómez.

Para el cantante y también vocalista de la banda Malacates Trébol Shop, Francisco Páez, la obra de Orellana es necesaria de rescatar: “Para muchos su música es bastante abstracta, para otros es muy elevada, pero para mí es un inventor de sonidos, de texturas, de notas, de melodías y como inventor que es él, se le respeta y se le honra“, argumenta el músico.

El músico, quien habría participado en la primera edición del Festival Orellana encuentra en el próximo evento una gran oportunidad para hacer comunidad musical y entender el apoyo mutuo. “Creo oportuno unirnos con la excusa de apoyar al maestro en sus dolencias y que él vea que los músicos de Guatemala estamos pendientes de él y que le tenemos cariño, respeto y admiración“, agrega Páez.

Festival Orellana en marzo

Para la segunda edición, el festival contará con la participación de Tavo Bárcenas, Matea Santa, Armando Bandas, Ale Gómez, Juan Aguirre, Magda Angélica acompañada de Sergio Zepeda y Pablo León, entre otros artistas más por confirmar.

El recital se llevará a cabo a partir de las 17:00 horas del domingo 3 de marzo en el Teatro Dick Smith del Instituto Guatemalteco Americano (Ruta 1, 4-05, Zona 4 capitalina) y la entrada tendrá un valor de Q. 200. Esta podrá comprarse dese la plataforma del instituto.

Magda Angélica, quien acompaña por segunda ocasión el evento, señala la importancia de apoyar a los artistas que han contribuido tanto al país, sobre todo, reconociendo el legado que han hecho en un territorio de oportunidades limitadas para la cultura.

“Creo que somos un país que deja en un estado profundo de vulnerabilidad a a personas que han aportado muchísimo a a Guatemala, sobre todo en el campo del arte. “, expresa la compositora, quien sostiene que el país que no tiene una “infraestructura de respeto y de apoyo económico a sus artistas”.

De esta cuenta, los conciertos del próximo 2 de marzo serán una oportunidad para desafiar la negligencia social frente a artistas del calibre de Joaquín Orellana.

Un día antes del concierto, el 2 de marzo a las 19:00 horas también se realizará una proyección de cortometrajes en el Centro Cultural Mosaico (10a. Calle 4-19, Zona 1). La entrada tendrá un valor de Q.50 y podrá pagarse en efectivo.

El encuentro audiovisual mostrará las producciones Sacrat​á​vica y Bambuvento, co-dirigidas por el realizador Ameno Córdova junto los cineastas Josué García y Pepe Orozco. Ambos cortometrajes exploran el proceso creativo y la influencia del maestro Orellana en el entendimiento de la historia contemporánea de Guatemala.

Además del recurso documental que presentan los cortometrajes, las propuestas regalarán nuevas imágenes interpretativas sobre la obra de Joaquín Orellana. En palabras de Ameno Córdova, la música del compositor “no es para ir caminando y escucharla en el carro, sino para sentarte en la oscuridad, ponerte audífonos y reflexionar, para pensar y para inspirarte.“

Durante sus décadas de carrera, Orellana han logrado no solo hechizar en su país de origen, sino también en latitudes como Grecia de donde se recuerda su participación en la exposición internacional Documenta 14 o hace poco en Nueva York, donde fueron expuestos sus útiles sonoros en la sede de la organización America’s Society.

“Según apunta Ameno Córdova, Joaquín Orellana es “el último genio que tiene Guatemala”. Por ello, y frente al escenario médico que le atraviesa al inventor musical, Córdova ve la participación de sus cortos en el festival como una oportunidad para extender el legado de imaginación que ha procurado Orellana.

El cantante Francisco Páez destaca la importancia en la obra de Orellana como una forma de inspirar a las nuevas generaciones. Según él, “lo importante es dejarnos influenciar por su genialidad.” Por otro lado, Magda Angélica enfatiza la necesidad de reconocer el legado conceptual del compositor. Para la compositora, Orellana es un genio que ha generado formas muy propias no solo de hacer música, sino también nuevos sonidos y formas de escritura.

La muestra, que será inaugurada este próximo sábado 3 de febrero a las 11:30 horas en el sexto nivel del Edificio Elma (8ª Calle 6-06 zona 1 capitalina), se podría entender como una exploración atemporal por las hebras multi-materialidades que supo traer a la vida Cabrera.

Un total de 35 piezas narran la exposición que estará en curso hasta finales de mes. Dibujos en cuadernos no antes vistos, una pintura en acuarela, una serie de collages, tres instalaciones sostenidas en madera y varios afiches dan cuenta de un micro paisaje caótico que además de sacudir e inquietar, lleva sin mucho problema a hurgar en los distintos rostros de Guatemala. 

Recorrer las tres salas de PuntoDContemporáneo es pasearse también por las indagaciones y las obsesiones que enfrentaban a Cabrera con Guatemala: Desde su interés por las huellas del Ri Laj Mam (Maximón o San Simón), hasta las críticas de la violencia, pasando por su análisis de las formas corporales o las expresiones psicológicas.

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“(…) he ejercido una docencia formal o informal, relacionando el arte con todo lo que pueda constituir una aproximación crítica al entendimiento del contexto histórico y sociocultural en general, que la da su consistencia y su razón de ser al arte en sociedades específicas como las nuestras en Latinoamérica“, dijo en 2005 el artista en el llamado Cuestionario para artistas precolombinistas de Centro América.

Cabrera, quien más allá de entenderse solo como un “artista”, podía enunciarse como un humanista crítico interesado en la antropología, la sociología, la docencia, la historia e incluso la historia. Su práctica en estas distintas áreas se ven reflejadas en varias de las imágenes que el artista comenzó a proponer desde 1953, cuando participó en su primera muestra colectiva en la Escuela Nacional de Artes Plásticas (Enap), donde además de haber estudiado, también fungió como maestro.

De acuerdo con Manuel Urbina, director y curador de PuntoDContemporáneo, revisitar las piezas del artista implica abrir una ventana de expectativas generalizadas entre los viejos conocedores de su obra. La nueva exposición de Cabrera sería la tercera consecutiva desde 2022. Ese año se realizó una exhibición en Estados Unidos donde se incluyeron sus obras y en 2023 se mostraron varias de estas en el centro comercial AVIA (Zona 10 capitalina).

Asimismo, el coordinador de la nueva muestra asegura que el evento podría verse como una nueva oportunidad para conectar nuevas generaciones con la mirada disruptiva de Cabrera. 

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“Para mí es una obra muy vigente. Es importante que los artistas más jóvenes puedan ver esa audacia porque él fue un hombre de ruptura. ¿Te puedes imaginar en los sesenta, ochentas qué habría sido su obra? Para mí es importante seguir expresando sin limitantes y sin censura“, comparte Urbina.

En la serie Refugiados, de la década de 1980, Cabrera propone en lienzos de 50 por 60 centímetros un cúmulo de imágenes  al collage compuestas de recortes de revistas, sobres para correspondencia, mapas, salpicaduras de acrílico, dibujos en tinta negra y esténciles. 

Las piezas de esta serie, lejos de complacer, sacuden ideas alrededor de la muerte, la complicidad, el abuso de las fuerzas armadas, pero también de la suavidad -presente en un grupo de negativos fotográficos donde aparece el mismo autor conviviendo cotidianamente-.

En su serie de instalaciones hechas a partir de madera y elementos como cuchillos, bolsas, lentes, piedras, entre otros, Cabrera desbordaba sus experiencias materiales.

Para conocer más de las obras de Roberto Cabrera en su nueva exposición, PuntoDContemporáneo puede visitarse martes y jueves de 11 a 13 horas y de 14:30 a 19 horas. Los sábados el espacio está abierto de 11:30 a 17 horas. 

Además de la exposición, la mayoría de piezas se encuentran a la venta para coleccionistas.

Otros datos del artista

Roberto Cabrera nació en la ciudad capital en 1939. Sus primeros pasos en el arte se dieron cuando habría alcanzado la adolescencia. En una entrevista con el escritor costarricense Adriano Corrales Arias, el artista habría contado que fue un maestro de la escuela quien logró ver su talento.

En 1953 ingresó  a la Enap, pero ya contaba con ciertos conocimientos de color y forma, ya que trabajó como vacacionista y fue aprendiz en un taller de pintura comercial donde estuvo cerca de un año y medio.

Luego de su paso por la Escuela Nacional de Artes Plásticas cursó en la Escuela de Arte y la Escuela de Comercio. A los 18 años años trabajó en un hospital como archivero. Allí se fascinó por las placas radiográficas al conocer qué se escondía en el cuerpo de las personas. Luego de este trabajo logró conseguir una beca en Panamá para aprender sobre cartografía.    

También tuvo una conexión familiar e intelectual con Costa Rica, puesto que vivió allí 14 años luego de exiliarse de Guatemala. En el otro país fue colaborador en la Universidad Nacional, la Universidad de Costa Rica y el Instituto Tecnológico de Costa Rica.

Más tarde se convertiría en un inquieto realizador como pensador. Fue coorganizador de grupos como la Asociación de Artes Plásticas y de publicaciones universitarias como Color y forma. También organizó la Asociación CERCA, la ACEIVPA (Asociación Costarricense para el estudio de la Vertiente del Pacífico) y la Asociación Nacional para el Desarrollo y la Promoción de las Culturas Populares (ANACUPO).

Desarrolló su carrera en el medio artístico como pintor, grabador, escultor, investigador y crítico de arte. También fue profesor en la Escuela Preparatoria, la Enap, la Universidad Popular y la Universidad de San Carlos.

En la década de los años sesenta integró el Grupo Vértebra junto a los artistas Marco Augusto Quiroa y Elmar René Rojas.

Durante la venidera Exposición Internacional de Arte de Venecia, espectadores de todo el mundo podrán ver una serie de piezas de los artistas originarios del territorio guatemalteco Margarita Azurdia, Andrés Curruchich, Rosa Elena Curruchich, Carlos Mérida y Paula Nicho.

Los realizadores, quienes destacan por haber empezado a desarrollar su obra artística antes del siglo XX, formarán parte de una exhibición que ha incluido a 332 artistas de cinco continentes, según reportó el sitio oficial de la Bienal de Venecia el pasado 31 de enero.

Esta nueva edición de la bienal, titulada Stranieri Ovunque – Extranjeros en todas partes, buscó incluir a artistas de todo el mundo que nunca han participado de la Exposición Internacional, aunque algunos de ellos puede que hayan aparecido en algún Pabellón Nacional o un Evento Colateral, según apunta el sitio oficial del evento.

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La conceptualización de la muestra internacional fue encomendada al brasileño Adriano Pedrosa, director artístico del Museo de Arte de São Paulo quien se ha convertido en el primer curador latinoamericano a cargo del guion de la Bienal de Venecia. 

De acuerdo con la organización de la bienal, el título, Stranieri Ovunque – Extranjeros en todas partes, remite a una serie de obras de la agrupación francesa Claire Fontaine y al nombre de un colectivo de Turín que luchó contra expresiones racistas y xenofóbicas en Italia a principios del siglo XXI.

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“La expresión tiene varios significados (…) En primer lugar, dondequiera que vayas y estés donde estés siempre encontrarás extranjeros: ellos y nosotros estamos en todas partes. En segundo lugar, que no importa dónde te encuentres, siempre eres verdaderamente, y en el fondo, un extranjero“, explicó Adriano Pedrosa a la bienal veneciana.

A propósito de esta idea medular, cabe mencionar cómo los cinco artistas guatemaltecos incluidos en la reciente edición de la Bienal de Venecia también se vieron moldeados en algún momento por los tránsitos.

Por su lado, Margarita Azurdia, nacida en La Antigua Guatemala, vio una gran influencia de sus estadías en Estados Unidos y Francia a lo largo de sus primeras pinturas y también en la elaboración de varios poemas que interpelaban su corporalidad en los espacios físicos y mentales.

Carlos Mérida, reconocida figura de la modernidad mesoamericana, engrosó su carrera en México, donde trabajó piezas gráficas, pinturas y hasta intervenciones en inmobiliarios como el Multifamiliar Juárez que desapareció luego del terremoto de 1985.

Los artistas de San Juan Comalapa/Chi’Xot (Chimaltenango) cuentan con un lugar especial en la 60ª Bienal de Venecia. La artista Paula Nicho, que se ha destacado por realizar obras que versan entre el onirsimo y la tradición kaqchikel, ha dedicado muchas de sus pinturas a la migración.

Por otro lado, las obras de Rosa Elena y Andrés Curruchich darán cuenta de un brote histórico, ya que ambos son recordados como pioneros de la pintura en Comalapa.

Andrés comenzó comenzó la tradición con pinturas “costumbristas” que narraban la cotidianidad del pueblo en la década de 1930, mientras que Rosa Elena, su nieta, se convertiría en la primera mujer en replicarlo años más tarde, cerca de los años 70 y 80.

Para que alguien pueda crear un cómic también debe “saber por qué  quiere contar una historia en particular, ya que así como cualquier otro tipo de arte”, puede crear una conciencia compartida, sugiere Gustavo Soria, diseñador gráfico y artista guatemalteco de 28 años quien desde temprana edad se ha especializado en crear historias dibujadas.

En Guatemala existen tiendas donde se distribuyen este tipo de publicaciones  gráficas y también puede hablarse de historietas creadas por autores guatemaltecos. Entre los esfuerzos nacionales destacan títulos como Mayakán, El perro en llamas, La leyenda del Guerrero Jaguar, entre otros.

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Aunque se se trata de un oficio y un arte reconocido en el país -considerando además la popularidad de las publicaciones gráficas sobre súper héroes populares, por ejemplo-, la normalización en el consumo o entendimiento de historietas suele ser muy limitada y a veces desapercibida en Guatemala. 

Gustavo Soria, quien ha trabajado historias gráficas en revistas, materiales didácticos, campañas o a través de su plataforma Zigma_Comics, argumenta que en el país no hay una cultura fuerte de historietas.

“La gente no está muy interesada. Quieren leer súper héroes. Al ver algo de acá es un grupo muy reducido. Un tema es que muchos cómics se basan en temas mayas. No es que esté mal, pero es la mayoría de historias. Otra situación es que la gente relaciona las historietas solo con niños, pero mucho del contenido puede ser variado”, añade Soria.

El diseñador y artista gráfico, que se graduó de la universidad con la tesis Novelas gráficas como medio narrativo para problemáticas sociales, ve en las historietas una posibilidad de canalizar hechos desconocidos que abarquen desde la salud mental hasta la sociedad.

“Uno puede hablar de temas psicológicos o cómo es el mundo interior de una persona, no importa incluso si está en Guatemala o no. Muchas personas que escriben hacen historietas autobiográficas. También pueden ser temas sociales. En el país nos estamos privando de eso”, añade.

Desarrolle su propio cómic

Con la intención de abrir las posibilidades de aprendizaje artístico y social, Gustavo Soria ofrecerá un taller de historieta el próximo 27 de enero a las 14 horas en las instalaciones de la Alianza Francesa (5a calle 10-55, zona 13, Guatemala).

Esta será la segunda actividad relacionada a la creación de cómics desde la Alianza Francesa que ofrece Gustavo Soria. El propósito del nuevo encuentro, abierto a todo el público de forma gratuita, consiste en aprender  ideas básicas para el desarrollo  de guiones gráficos.

“Estudiaremos cómo funciona cada historia. Veremos cómo contar una idea clara, cómo escribir el guion, aprender qué es una viñeta, un cómic; aprender a dividir escenas y pasar todo eso a papel. Cualquier persona puede hacer una historia. Solo necesita las ganas de contar esa historia y saber por qué la quiere contar”, apunta Soria.

La actividad del próximo sábado 27 de enero se basará en la observación de la historieta francesa Un monde sans fin (El mundo sin fin) de los autores Jean-Marc Jancovici y Christophe Blain quienes exploran el desgaste del cambio climático.

Tratándose de un aspecto social como al que suele inclinarse también la obra de Gustavo Soria, la Alianza Francesa explica que este taller se involucra en el proyecto Alianzas verdes. “Creemos que hoy es responsabilidad de todos, individuos e instituciones, actuar en el cuidado del medio ambiente”, se argumenta desde la Alianza Francesa.

A propósito de la reflexión ecológica que buscan promover desde la Alianza Francesa, el próximo 30 de enero se llevará a cabo una exposición sobre El mundo sin fin.

Sobre el tallerista

Gustavo Soria creció en un hogar donde abundaban revistas y  publicaciones gráficas. La familia, también moldeada por la pasión del abuelo de Gustavo por compendios ilustrados como los de El Llanero solitario, o la de su mamá por sagas como las de X-Men, terminó provocando que el joven reparara desde temprana edad en la importancia de los dibujos para contar una historia. 

Años después de haber creado sus primeras historietas -varias de las cuales solía vender a un quetzal en la escuela-, Gustavo optó por enlistarse a la carrera de diseño gráfico ya que era lo “más parecido” a involucrase en lo realmente quería: ilustrar su imaginación. 

Luego de haberse formado y de haber creado su propia empresa de diseño junto a otras dos colegas, Soria empezó a trabajar en proyectos de autoría más grandes, justo al lado de otras comisiones que iban surgiendo para empresas locales e internacionales.

En agosto de 2020, el guatemalteco publicó en Amazon su primera novela gráfica nombrada The Table. En las 212 páginas de la publicación, Soria narra la historia de un grupo de jóvenes estudiantes quienes deben hacerle frente a un conflicto armado interno.

Un año después, en 2021, el joven publicó su segunda novela gráfica, Anita! La historia recupera un compendio de viñetas cómicas donde aparece la intérprete del mismo nombre. Anita es una joven que entre el sarcasmo y las debacles personales, logra crear una reflexión sobre los pensamientos cotidianos. Antes de llegar al formato de novela gráfica, las escenas del personaje solían compartirse en redes sociales por el diseñador guatemalteco.

Tanto las situaciones críticas como la violencia son temas que interesan al autor. “Hay un cambio de temas más crudos en mis proyectos personales, que tienen que ver con temas introspectivos, no solo de la realidad guatemalteca, sino latinoamericana. Cuando hago algo mío, hago un comentario o crítica social“, comparte el autor.

En una conferencia convocada el 29 de diciembre pasado, Karla Orellana junto a su hermano, Joaquín Andrés, y la esposa del músico, Sheila Ramírez de Orellana, dieron a conocer que el compositor habría llegado a la pancreatitis aguda luego de haber desarrollado cálculos biliares.

Esto ha provocado que el músico también sufra una obstrucción en los conductos biliares, por lo que el siguiente paso supone realizarle una operación de vesícula y una endoscopia. Sin embargo, esto no puede proceder ya que el músico debe ser intervenido con un marcapasos.

En la actividad también se hizo presente el maestro de música Julio Santos quien durante los últimos años ha fungido como mano derecha en la gestión de actividades culturales de Joaquín Orellana.

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“Estamos luchando para que permanezca más tiempo con nosotros. Si no se logra ver mejoría pronto, el plan es llevarlo a un centro privado“, mencionó Santos quien además subrayó que este mismo día empezaría a circular en redes sociales una publicación con el número de cuenta bancaria y número de teléfono mediante el cual se puede ayudar a la familia Orellana.

El también músico indicó que durante el día también se estaría enviando una carta al ministro de Cultura y Deportes, Felipe Aguilar, para darle a conocer el cuadro del maestro Orellana. Según apunta Santos, la carta implica buscar posibles formas de ayuda por parte del ministerio.

El pasado sábado 30 de diciembre la familia también giró un comunicando en agradecimiento el apoyo que están recibiendo de la población.

Además, de informar que habían recibido comunicación con el Ministerio de Cultura y Deportes y con las autoridades del Igss para dar seguimiento al caso.

Solicitaron seguir con las oraciones y pensamientos positivos por la salud del artista que ha puesto el nombre de Guatemala en la escala internacional.

Unión Musical

A sus recién cumplidos 93 años, Orellana se encuentra internado en el Hospital General de Enfermedades del Instituto Guatemalteco de Salud Social (IGSS). El ingreso se dio hace 17 días luego de que el artista presentara un intenso dolor abdominal, derivado de lo que oficialmente se ha detectado como una pancreatitis aguda por parte de los médicos del IGSS.

En una conferencia convocada este 29 de diciembre, Karla Orellana junto a su hermano, Joaquín Andrés, y la esposa del músico, Sheila Ramírez de Orellana, dieron a conocer que el compositor habría llegado a la pancreatitis aguda luego de haber desarrollado cálculos biliares.

Esto ha provocado que el músico también sufra una obstrucción en los conductos biliares, por lo que el siguiente paso supone realizarle una operación de vesícula y una endoscopia. Sin embargo, esto no puede proceder ya que el músico debe ser intervenido con un marcapasos.

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“Estábamos con la idea de que él se pudiera operar en lo privado. Hablamos con algunos médicos en el IGSS, se hicieron estudios y había salido bien de los exámenes, excepto el del Holter (dispositivo que mide la actividad cardíaca)”, agregó Karla Orellana.

La hija del multiinstrumentista galardonado señaló que la intervención del marcapasos estimada por la familia tendría un costo de entre Q.20 mil y Q.30 mil. Por otro lado, la operación de la vesícula costaría cerca de Q.20 mil en un centro hospitalario privado.

Para proceder con la operación de Orellana es necesario que el músico se someta a exámenes de resonancia para determinar el estado de sus vías y a una endoscopia. No obstante, en días recientes, mientras los familiares de Orellana esperaban retroalimentación de los médicos, el compositor recayó.

“El tratamiento por pancreatitis aguda es de cero alimentos y sueros intravenosos. Precisamente ayer lo pude ver y después de 17 días está totalmente débil. Entró caminando muy bien pero ahora no puede caminar. No ha comido. Ahora está con sueros y medicamentos. Aún no le han dado fecha para la operación“, explicó Karla Orellana durante la conferencia de prensa.

Solicitan apoyo

En la convocatoria de este 29 de diciembre también se hizo presente el maestro de música Julio Santos quien durante los últimos años ha fungido como mano derecha en la gestión de actividades culturales de Joaquín Orellana.

“Estamos luchando para que permanezca más tiempo con nosotros. Si no se logra ver mejoría pronto, el plan es llevarlo a un centro privado“, mencionó Santos quien además subrayó que este mismo día empezaría a circular en redes sociales una publicación con el número de cuenta bancaria y número de teléfono mediante el cual se puede ayudar a la familia Orellana.

El también músico indicó que durante el día también se estaría enviando una carta al ministro de Cultura y Deportes, Felipe Aguilar, para darle a conocer el cuadro del maestro Orellana. Según apunta Santos, la carta implica buscar posibles formas de ayuda por parte del ministerio.

“El pueblo de Guatemala le ha brindado apoyo al maestro, ha asistido a sus conciertos, le ha ovacionado de pie… Es necesario que sepa que no anda muy bien. No nos vayan a pedir cuentas después por qué no avisamos”, dijo Santos.

Asimismo, durante la conferencia el maestro aprovechó para aclarar que esta solicitud de apoyo a Guatemala “exonera” al IGSS por parte de él, allegados y familiares de Orellana.

Durante la conferencia de este 29 de diciembre, la hija del compositor comentó que, como familia, han logrado ingresar a las instalaciones del hospital donde se encuentra Orellana para visitarle dos veces por semana. No obstante, en la última visita le comentaron que la llamarían para avisarle cuando podía volver a visitar al músico.

“Sabemos que es una institución que maneja de una forma diferente. Simplemente, si no logramos una mejoría pronto, vemos de trasladarlo en el momento que algo no nos parezca”, comentó Julio Santos quien además subrayó que la situación económica de Orellana es compleja para atenderle en un centro hospitalario privado.

En octubre de 2018, Joaquín Orellana fue declarado por el Congreso como guatemalteco ilustre. A través del decreto 22-2018, fue beneficiado con una pensión vitalicia mensual de Q.7 mil por el legado musical que ha dejado al país.

Con el voto favorable de 82 diputados para la creación del beneficio vitalicio, la pensión ha sido entregada a Orellana hasta la fecha, según confirmó su hija.

De acuerdo con Karla Orellana, la salud de su papá habría decaído hace cinco meses, específicamente en la vesícula. Por otro lado, Sheila Ramírez, esposa del músico agregó: “Él estaba muy bien, con mucha energía. Caminaba tanto que no le creían su edad”.

En horas de la tarde del 29 de diciembre, a través del Departamento de Comunicación Social y Relaciones Públicas, el Instituto Guatemalteco de Salud Social dio a conocer que Joaquín Orellana ingresó por una pancreatitis biliar que ya estaba resuelta.

Asimismo, se dio a conocer que el compositor padece de colelitiasis y que el área de cirugía solicitó una Colangio resonancia para determinar si amerita cirugía.

“Se documentó, al estar ingresado, que tiene una arritmia. El área de Cardilogía indica que en el caso de ameritar una cirugía de emergencia, se coloque marcapaso temporal“, se explicó desde el departamento.

Asimismo, el IGSS indicó que Orellana se encuentra asintomático y estable, así como en proceso “de alta con tratamiento ambulatorio”.

Sobre el compositor

Joaquín Orellana es recordado por su amplia visión. Inventó los llamados “útiles sonoros”, esculturas hechas con objetos de distintas materialidades, que además de ensamblar orquestas, han logrado ser expuestos en el país, así como en otras latitudes como Grecia o Estados Unidos.

Sus piezas musicales han sido interpretadas por muchos. Además, ha logrado desarrollar 130 composiciones de distintos estilos. Más allá de la música, ha incursionado en la poesía y han sido editados cuatro libros suyos.

En julio de este año se publicó Sacratávica (Las Voces de Río Negro), una pequeña recopilación en disco de acetato de cuatro obras musicales que Orellana ha compuesto a largo de sus más de 40 años de carrera. Las canciones datan de entre 1983 y 2014.

Sobre sus composiciones y el lanzamiento de Sacratávica, Orellana habría dicho a este medio: “En el pasado lejano y aún en el inmediato fui muy criticado, incluso me rodearon detractores. Creo que lo que más he encontrado es la incomprensión y la indiferencia cultural. Se sufre eso, y al mismo tiempo se sufre el ser anónimo, porque nadie quiere reconocerlo y no se comprende porque cuando un mensaje es muy original, no está comulgando con la generalidad“.