De esa intención hablan muy bien algunas de sus producciones, como el documental “El mocito” y el largometraje “Los perros”.

La cineasta y licenciada en estética, nacida en Santiago en 1972, es una de las pocas directoras latinoamericanas que ha estado al frente de producciones de acción alrededor del mundo, y lo hecho de la mano de la principal productora de contenidos para televisión del planeta: Netflix.

Con ellos estuvo al frente de varios capítulos de una de las joyas de la corona en América Latina: Narcos México. Su trabajo fue tan bueno que viajó a Francia para dirigir la popular “Lupin”.

Actualmente se encuentra en Londres dirigiendo otra serie de acción de alcance global: Gangs of London (Pandillas de Londres), producida por Pulse Films & Sister para Sky Atlantic y Cinemax.

BBC Mundo conversó con ella sobre su arte, su carrera como directora y cómo ha logrado estar al frente de proyectos tan grandes que antes parecían ser de dominio exclusivo de directores masculinos.

Empezaste con documentales y pasaste a dirigir series de acción, ¿cómo se dio ese salto?

Mi interés parte de lo político. Yo crecí en dictadura y lo que me interesaba en torno a ese tema era la noción del mal, cómo hay gente capaz de hacer el mal. De hecho, todos mis documentales apuntan a los modos de retratar al enemigo.

Y fui descubriendo de a poco que ese enemigo, el que uno llama el enemigo, es alguien capaz de hacer cosas horribles, pero que además todos tenemos esa capacidad propia del humano de hacer el mal. Eso era lo que me interesaba.

El paso siguiente no fueron en realidad las series de acción, sino la ficción, que curiosamente continúa siendo a partir de temas que salen de la realidad.

Por ejemplo, mi segunda película de ficción es “Los perros”, que está inspirada directamente en mi último documental “El mocito”, que es la historia de este hombre que había sido la mano derecha de (el jefe de la policía de inteligencia de Pinochet) Manuel Contreras, y testigo de todo el exterminio del Partido Comunista en el Cuartel Simón Bolívar.

Yo trabajé directamente con un periodista investigación, Javier Rebolledo, que luego escribió tres libros sobre esto.

Y en la investigación de este documental, corroborando la historia de Contreras, nos encontramos con un coronel, que incluso estuvo involucrado en la muerte del general (Carlos) Prats en Argentina en 1974, pero que también había sido profesor de equitación de un centro para niños en Chile.

Ahí lo conocí, pude hablar con él, tomé clases de equitación, y con esa mezcla de experiencias hice “Los perros”.

Entonces te diría que para mí el salto del documental a la ficción fue muy natural, porque pasé a estar hablando de lo mismo solo que con más libertad.

Y un día llegó la popularísima Narcos…

Luego pasó esto de que, casi de casualidad, el showrunner (productor y escritor) de Narcos, Eric Newman, vio “Los perros” y me contactó y me preguntó si yo tenía ganas de hacer Narcos, que le había gustado el tono, la dirección de actores.

La verdad es que yo conocía muy poco de la serie. No había muchas series, tal vez House of Cards o Breaking Bad. Entonces cuando Newman me propone eso sentí que era una súper oportunidad para hacer algo distinto. Así es como me fui a México.

Y de esta manera seguí en el mundo de los malos, por ponerlo de alguna manera, y seguí en un contenido bastante basado en la realidad, porque los personajes de Narcos están basados en narcotraficantes que existen o existieron.

Darle forma a Narcos que contaba la historia del narcotráfico en México, viniendo desde Chile… ¿fue difícil?

Fue bastante complicado tratar de ver qué es lo que yo podía hacer.

Mi aporte fue mucho más como directora porque los episodios no los escribí yo. Lo que intenté hacer fue trabajar en los personajes femeninos, darles un aporte desde la dirección.

Para mí todo esto era nuevo, pero lo que puedo decir es que fui absolutamente libre.

Llegaban los guiones, nadie me dijo cómo filmar esto o aquello, no tenía a nadie detrás mío. Pude hacerlo como sentía que había que hacerlo y solo traté de aportar desde mi experiencia con el documental, buscando que todos los datos fueran verídicos.

Yo no estaba preocupada a lo mejor tanto de la estética como de la veracidad de las escenas que estaba filmando.

Pero es un salto grande…

Lo que más me costó no tiene que ver con trabajar en México. Me gustó el país, me gustó la gente, no hubo choque cultural.

Lo difícil fue el estrés de los primeros días de no saber bien lo que iba a hacer y de repente darme cuenta de que hacer una película con 50 personas en Chile es muy parecido a hacer una película con 800 personas en México, porque el tamaño del equipo y el presupuesto pueden variar, pero tu trabajo es el mismo.

Me di cuenta de que mi trabajo con el director de fotografía, con mi primera asistente, no cambiaba mucho.

Algo que también descubrí, y que fue otro reto, es que ahora efectivamente le están abriendo las puertas a mujeres en este ámbito, que antes era bastante más difícil.

Antes no necesariamente llamaban a mujeres a dirigir y en parte gracias al #MeToo se han dado cuenta de que la industria del cine es una industria bastante patriarcal, dirigida y hecha por hombres, y que la mitad del mundo somos mujeres y que hay otras maneras de empezar a mirar el mundo.

Y mi aporte a un tema como este ha sido ese: una mirada femenina y chilena.

No solo trabajaste en México, también es Francia e Inglaterra donde se manejan otros códigos…

Sí. Ahora que estoy teniendo la experiencia en Inglaterra es muy distinta. Aquí encuentro que hay un poco de choque cultural. Los ingleses son distintos. Hay mucha jerarquía y son menos directos que los latinoamericanos en general.

Pero las diferencias son siempre culturales, no con el hecho de ser mujer o directora, aunque hay algunas cosas diferentes.

Me pasó en Inglaterra por el tema de ser madre. Mi condición para venir a filmar Gangs of London fue que mi hijo, que tiene 17 años, estuviese cerca mío.

Y no se lo esperaban. Empezaron a hablar de los protocolos -porque esto lo hemos hecho en medio de la pandemia- y todos fueron muy amables, pero sí se notó que eso es una condición que les pone una mujer. Las prioridades de un director hombre tal vez fueran otras, pero la mía como madre era esa.

Siendo una directora de series de acción, como Narcos, Lupin y Gangs of London, ¿cómo has visto cambiar estas producciones de géneros que siempre estaban mayormente orientadas a un público masculino y con mucha testosterona?

Bueno, se están incorporando personajes femeninos. Estamos saliendo del mundo binario, incluso en las series de acción.

Lo que estamos viendo ahora, y que ya sabemos que viene ocurriendo, es que a las mujeres también les gustan mucho las películas de acción.

Me parece hasta un poco caricaturesco que pensáramos que el mundo de la acción en el cine era algo que solo estuviera relacionado con el hombre. Vivimos en una sociedad que de hecho es bastante violenta y por eso a mí no me parecía tan extraño dirigir series de acción.

De hecho, una mujer ganó el Oscar a mejor director con una película de acción, de guerra: (la estadounidense) Kathryn Bigelow (directora de En tierra hostil, 2008). Y ella viene haciendo acción desde hace mucho tiempo.

Lo único que me extraña es que no haya más, pero a lo mejor es que faltan oportunidades.

Eres una mujer latinoamericana que está dirigiendo series de acción en Europa, ¿al final qué resulta lo más difícil de sacar adelante?

Ha sido mucho trabajo poder llegar hasta acá, y yo lo veo como un resultado natural de ese trabajo. No ha sido fácil, pero si algo te puedo decir es que no he tenido miedo de afrontar ese trabajo. No le tengo miedo a las cosas.

No te voy a negar que tengo ambición, pero esta no pasa por estar en Francia o en Inglaterra o en Netflix; mi ambición pasa por seguir haciendo películas y hacer, ojalá, las mejores películas. Y que esas películas y series sigan aportando al debate sobre los temas que me llevaron a ser directora.

Porque para mí uno de los desafíos que tenía cuando me propusieron hacer Gangs of London era cómo poder seguir contando ahí que el enemigo produce el mal, hacer el relato del monstruo, del abuso de poder.

Y me doy cuenta que en esta serie lo hago: sigo filmando malos, sigo reflexionando en torno a la violencia de género.

Pero a la vez tengo proyectos artísticos donde hablo de femicidios en Chile o de lo que está pasando en mi país actualmente. Esos son los temas que me interesan.

No estoy preocupada por ser una directora mujer latinoamericana trabajando en Europa, porque en realidad siento que sigo haciendo lo mismo, aunque haya más presupuesto o te valoren más.

Y solo espero que ojalá las personas sientan que su trabajo cada vez está mejor valorizado, porque así tiene que ser.

Omar Sy, el actor que interpreta a Lupin, dijo algo muy interesante de su trabajo: “con Marcela trabajamos más los sentimientos”. ¿Sientes que eso fue un aporte tuyo?

A ver, a mí me gustó mucho el tono en el que está basado Lupin: es una serie que tiene comedia, en lo que yo nunca había trabajado.

Cuando me llegaron los guiones de los capítulos que iba a dirigir, me di cuenta de que iban a tener menos acción que los cuatro primeros.

Y aunque me gustó mucho la historia, me di cuenta al mismo tiempo que era bastante difícil de realizar, porque si tú te fijas bien, es el único episodio donde no hay ningún flashback.

Entonces en esos dos capítulos pues teníamos que hacer énfasis en los personajes. Sentí que teníamos que enamorar a Lupin y a Claire, interpretada por Ludivine Sagnier.

Me concentré en ellos, y me dediqué a hacer lo que sé hacer, no me dejé llevar por hacer algo espectacular, sino por mostrar la intimidad de los personajes, con un cámara que se mueve porque respira durante la filmación.

Si te fijas en “Los perros” casi nunca hay una cámara estable, porque siento que siempre la cámara observa, me pongo en la posición de espectador y en esa observación hay una especie de respiración.

Las mujeres chilenas están ganando un territorio importante en la producción audiovisual en América Latina, ¿cuál crees que es el legado que va a quedar?

Lo principal es que las directoras jóvenes que estén estudiando en Perú, en Ecuador, en Colombia, en Chile, se den cuenta que pueden hacer lo mismo.

El problema finalmente es de confianza y de presupuesto. Y tal vez sea lo más importante que estemos logrando las mujeres directoras, no solo de Chile sino en el resto del continente: que confíen.

Hay que entender que las personas que están en cargos ejecutivos dentro de esta industria son mayoritariamente hombres.

Y por eso muchas de las grandes películas de acción son dirigidas por hombres, en quienes confían para manejar grandes presupuestos. Y eso tiene que cambiar.

Yo creo que el día que vamos a notar el cambio es cuando veamos el primer James Bond dirigido por una mujer. Eso va a tener que pasar.

Y cómo se logra ganar esa confianza…

En la mayoría de los cursos en los que he estado, siempre hago esta aclaración a todas las personas que aspiran a dirigir una película o convertirse en directores: ustedes tienen que saber por qué están dirigiendo. Porqué quieren ser directores. Para ser director no basta con querer dirigir, hay que tener algo que decir. Creo que eso es súper importante.

Yo por eso partí desde el documental. Porque quería comunicar algo.

Debe haber un interés y una necesidad en comunicar cosas. Y cuando esa pregunta tiene una respuesta clara, yo te diría que el camino se va a abrir solo. No hay otra fórmula.

Entonces aquellas que dicen que quieren ‘hacer una serie’ no tienen la respuesta. Porque lo cierto es que uno debe decir ‘tengo ganas de contar una historia y es esta’. Y a partir de allí comienza el trabajo.

Otra cosa que he aprendido es que el trabajo del director también pasa por la escritura. Uno debe saber escribir, poder responder lo que se llama la nota de intención, que es básicamente poder explicar por qué eres el director indicado para dirigir un proyecto audiovisual.

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La programación de películas de San Sebastián consta de alrededor de 200 películas seleccionadas en seis secciones competitivas y en siete no competitivas.   Dentro de las primeras está la de Horizontes Latinos, en la que Jayro Bustamante ha sido elegido como presidente.

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En este cargo él y sus colegas tendrán que seleccionar aquellas películas inéditas en España y que se produjeron total o parcialmente en América Latina.  El punto principal es que estos han sido dirigidos por cineastas de origen latino, o bien que estén relacionados en el tema de comunidades latinas.

Los ganadores en esta categoría reciben 35 mil euros o cerca de Q350 mil para el director o directora y a la distribuidora en España.

Bustamante compartirá jurado con la cineasta y guionista sevillana Celia Rico y la productora Valérie Delpierre.

El cineasta guatemalteco participó en esta misma categoría de la que hoy es presidente con  Ixcanul (2015), con su película Temblores (2019) se estrenó en la sección Panorama de la Berlinale, ganó en Toulouse el Premio del Público y el Rail d’Oc, compitió en Horizontes Latinos y recibió el Premio Sebastiane Latino del Festival de San Sebastián.

Mientras con La llorona (2018) recibió el premio EFADs-CACI de Coproducción Europa-América Latina en este mismo Festival.

Sobre el premio Bustamante comentó que “será un honor ser parte del jurado de tan prestigioso festival que me ha acompañado desde Ixcanul hasta La Llorona, siendo momentos bastante especiales en mi carrera como cineasta”.

Actualmente está produciendo varios proyectos de otros directores guatemaltecos y extranjeros. Además, ha sido jurado en la Berlinale 2016, el Festival de Cine de Bruselas 2018, el Festival de Biarritz 2018, los Premios Platino, los Premios Fénix, y el Festival de Cine de Los Cabos.

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San Sebastián también se ha caracterizado porque además de presentar las películas ante una audiencia de espectadores, medios de comunicación especializados y profesionales de la industria cinematográfica,  promueve proyectos en desarrollo y películas en fase de postproducción (los denominados ‘works in progress’) dirigidos más específicamente a los profesionales de la industria del cine.

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Toback embaucaba a las mujeres bajo el pretexto de ser una puerta de entrada a Hollywood y en encuentros posteriores, que tenían lugar en espacios privados como una habitación de hotel o incluso públicos como un parque, se masturbaba frente a ellas o se rozaba contra ellas.

Louise Post, guitarrista y vocalista de la banda Veruca Salt, que en 1987 conoció a Toback en la universidad Barnard, recordó que el director le dijo que quería autosatisfacerse en la intimidad mientras le miraba a los ojos, una petición libidinosa que se repite en los relatos de otras presuntas víctimas.

“Ir a su apartamento ha sido mi fuente de vergüenza de los últimos 30 años, el haberme permitido ser tan ingenua”, lamentó Post.

En el caso de Sari Kamin, a la que Toback abordó en la calle con el pretexto de ofrecerle un cásting, después de varios meses el director la convenció para reunirse a solas con él en una habitación del hotel y la presionó para que se desnudara con la excusa de que si no era capaz de hacerlo allí no podría hacerlo en un plató.

Kamin finalmente accedió y en ese momento Toback se le acercó y le frotó su entrepierna. Al preguntarle, “paralizada”, si estaba intentando estimularse sexualmente, el director le contestó que “por supuesto” y la joven salió corriendo.

“Estaba impresionada y helada y no sabía qué hacer”, declaró Terri Conn, una actriz que tenía 23 años cuando se reunió en una zona recluida en Central Park, en Nueva York, con el director y este comenzó a rozarse contra su pierna.

“Pensé que si me resistía, podría ponerse peor. Él podía avasallarme”, añadió.

Ninguna de las mujeres, algunas de ellas jóvenes aspirantes a actriz que dejaron la actuación tras los incidentes, contactó con la Policía.

Preguntado por el diario, Toback negó haber conocido nunca a las mujeres que lo acusan, o conocerlas solo de “cinco minutos”, por lo que no tiene “recuerdos”.

Asimismo, defendió que le resultaría “biológicamente imposible” realizar los comportamientos de los que se le acusa debido a una diabetes y una condición coronaria que sufre desde hace 22 años.

Además de hablar con el diario, Louise Post compartió su experiencia en las redes con la etiqueta “me too”, que se ha popularizado desde que salió a la luz el escándalo de abusos sexuales en Hollywood por parte del productor Harvey Weinstein.

Us too: by bosses, boyfriends, male babysitters, taxi drivers, strangers and movie director/pig #jamestoback #metoo

— Veruca Salt (@verucasalt) October 16, 2017

Asia Argento, una de las mujeres que acusan a Weinstein de abuso sexual y, en concreto, de violación, escribió en Twitter tras la publicación del reportaje: “Muy orgullosa de mis hermanas por derribar a otro cerdo: James Toback”.

https://twitter.com/AsiaArgento/status/922059546671112192

https://twitter.com/AsiaArgento/status/922053766668578816

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“Los hechos aún son desconocidos, ya que las autoridades continúan investigando lo sucedido”, agregó.

El estatal Instituto Mexicano de Cinematografía (IMCINE) lamentó también el fallecimiento de Muñoz, de 37 años y quien había trabajado seleccionando locaciones para películas como 007 Spectre, del director Sam Mendes, la cuarta parte de la serie Rápidos y Furiosos y Sicario, de Denis Villeneuve, entre otras.

Lamentamos el fallecimiento del cineasta Carlos Muñoz Portal https://t.co/icJG0Vdeof

— IMCINE (@imcine) September 15, 2017

Medios locales reportaron que Muñoz habría sido asesinado el pasado lunes en un paraje rural y poco habitado del Estado de México, vecino de la capital y segundo lugar en número de asesinatos en el país en lo que va del año, con 1 mil 174 crímenes hasta julio, según cifras oficiales.

El cineasta salió el lunes en su automóvil rumbo al estado de México para tomar algunas fotografías para la producción de Narcos, pero su cuerpo fue hallado horas después dentro del coche con varios disparos, según el testimonio de un amigo personal al diario español El País.

Lla fiscalía del estado de México no pudo ofrecer de momento información sobre las circunstancias del hecho o si existe una investigación en curso.

El popular actor mexicano Gael García Bernal, protagonista de la serie Mozart in the Jungle, en la que Muñoz había colaborado en la producción de dos episodios, también expresó su pesar en Twitter.

¡Carlos Muñoz! Compañero cineasta. Carajo, qué puta rabia y tristeza ¡Cómo duele! ¿Qué hacemos, compañeros del cine? https://t.co/XBnGQOoGpG

— Gael García Bernal (@GaelGarciaB) September 15, 2017

La exitosa serie Narcos, que tiene ya tres temporadas disponibles en la plataforma de Netflix, relata cronológicamente la historia del ascenso y caída de algunos de los más grandes capos del narcotráfico desde inicios de la década de 1980 en América Latina.

Siguiendo este curso narrativo, se espera que la cuarta temporada se desarrolle en México, algo que se anticipa en algunos capítulos de la tercera temporada.

Así comenzó una etapa muy creativa para luego trabajar en diversas producciones estadounidenses que se rodaban en España, como El Cid (1961)

Ganó el Óscar a mejor dirección de arte durante dos años consecutivos, en 1970 por Patton y en 1971 por Nicolás y Alejandra.

Parrondo colaboró en producciones como Lawrence de Arabia y Doctor Zhivago y cuenta con cuatro premios Goya, el último de ellos recibido en 2005 por su participación en Ninette.

La historia es real e inspiró al cineasta guatemalteco Kennet Müller a escribir el guion de su segundo largometraje titulado Septiembre, un llanto en silencio. Su primera película fue 12 segundos, con la que ganó el premio Netflix el año pasado. 

Los protagonistas de su nuevo proyecto son la actriz mexicana Costanza Andrade y el actor argentino Saúl Lisazo.

El rodaje comenzó hace dos semanas en escenarios del Centro Histórico capitalino, y terminará a mediados de este mes.
Müller habló con Prensa Libre sobre los detalles de esta producción que se ha convertido en un proyecto muy personal, pues quienes vivieron en carne propia el atentado fueron su madre y su hermano.

¿Por qué quiso contar esta historia?

La película parte de un ataque terrorista que ocurrió  el 5 de septiembre de 1980.  Es la historia de Josué, un padre que trata de sacar adelante a su hija (Teresa), quien queda sorda tras un bombazo, donde la madre muere.

Está basada en un hecho real que vivió mi mamá y mi hermano. Aunque es una tragedia, la película relata lo que es el amor  ante la adversidad.

¿Fue difícil realizar el guion?

Esta historia la traté de escribir muchas veces. No me sentía con la madurez suficiente para plasmar un guion. Siempre me quedaba en la premisa básica y no podía avanzar. Hace poco mi hermano falleció y fue algo que me afectó y en cierta manera me permitió desarrollar el script.

¿Cómo eligió a los actores?

Detesto hacer casting.  Creo más en conocer a las personas con las que trabajo y con Saúl (Lisazo)  fue algo especial.  Le envié el guion y aceptó trabajar en la película.

A  Costanza la conocí en Guadalajara (México) hace muchos años y hubo química. Ella era ideal para el personaje de Teresa, que es difícil de interpretar, pues está sorda.

¿Cuál es la diferencia entre 12 segundos, su primer filme, y este?

En la primera película hice un trabajo muy técnico, esta es más personal. He tratado de tirar al piso el ego y si la cámara no necesita moverse no la muevo. La historia en el guion se ve como una montaña rusa de emociones, pero no es un tráiler como el anterior,   también tiene suspenso, pero esta es un drama.

Ahora me enfoqué en una película que tuviera un contexto histórico y social,  que estuviera  más apegada a la realidad.

¿Su mamá, ya leyó el guion?

Le he contado parte. Con las primeras páginas que le leí lloró;  mi papá también. Él es de carácter fuerte y me impresionó que al leer el texto se le hiciera un nudo en la garganta.

¿Cuánto tiempo más filmarán en Guatemala?

Queremos terminar el 18 de diciembre. Saúl se va el 14, ese es el plan, y se ha mantenido.

¿Cómo ha sido este viaje por la dirección de cine?

Cuando comencé a filmar, creo que allí comenzó mi Universidad. Terminé la película (12 segundos) y me gradué, según yo. La idea ahora  es comenzar una maestría (con Septiembre, un llanto en silencio). Filmar en mi idioma también ha sido una sorpresa para mí… Hay cintas guatemaltecas pero presentar  la mía, desde mi percepción, ese cine no existe aún.

“El personaje es retador”

Nacida en México, la actriz Costanza Andrade, de 20 años, encarna a Teresa, una adolescente con sordera, que le fue ocasionada por una explosión cuando era bebé.

Para la estrella mexicana  esta ha sido una interpretación “retadora”, pues tuvo que aprender el lenguaje de señas.  “Aprendí los diálogos del guion y algunas señas para platicar con el hermano de Kenneth (Müller), quien inspiró la historia”, indicó.

Teresa es una adolescente de 16 años, de carácter fuerte, sensible y terca, aspectos que según Costanza comparte con el personaje. Para el papel, la actriz debió adelgazar con el fin de parecer más joven, y se rizó el cabello.

En la trayectoria de la  mexicana se incluyen  las series Dogma, del director Carlos Carrera (El crimen del padre Amaro), Sincronía, dirigida por Hugo Rodríguez, además de varios cortometrajes. Esta es la primera ocasión que visita Guatemala.

“Quería arriesgarme” 

“Cuando leí el guion no dudé ni un segundo en aceptar participar en esta película”, dijo el actor argentino Saúl Lisazo, quien tiene una larga trayectoria en melodramas mexicanos.

Él interpreta a Josué, el padre de Teresa, de quien  se ocupa luego de que su madre muere.

“Hay una etapa de mi carrera, de mi vida, donde quiero arriesgarme a hacer otras cosas. Ya hice una carrera bastante larga y a veces tediosa en la televisión. Yo necesito  hacer otro tipo de papeles. Siempre quise hacer cine y ahora tengo la oportunidad”, añadió el actor.

Josué, el rol que interpreta, es un argentino jugador de futbol que viaja a Guatemala para hacer carrera, pero nada sale como lo ha  planeado y debe trabajar en lo que sea para sacar adelante a su familia. El balompié es el único nexo que Lisazo tiene con su personaje pues también fue futbolista.  Para el papel debió bajar 15 libras.

Familiares confirman que Porres ingresó ayer al intensivo del hospital con un cuadro clínico asociado a problemas de páncreas y apéndice, pero a pesar de los esfuerzos de los médicos, falleció a la 1.35 horas.

El artista, de 56 años, era integrante de la Asociación Luciérnaga Guatemala, dedicada a crear material educativo audiovisual para abrir espacios de reflexión y discusión respecto a temas sociales.

También era director de Casa Roja, un espacio no convencional de arte, cultura y ciudadanía crítica. 

Porres también es un reconocido poeta que participó en la creación de la antología poética “Los 7 con versos”. Su trabajo también fue publicado en “Los Novísimos”, una compilación hecha por el escritor Marco Antonio Flores.

Jugó un papel importante en la comunicación alternativa con su participación en el proyecto “Prensa Comunitaria Km. 169”.

El cineasta alemán Uli Stelzner, director del documental La isla, sobre los archivos secretos de la Policía Nacional, habla de esas dificultades para expresarse por medio del cine.

El realizador dirige la muestra Memoria, Verdad y Justicia, que comienza este lunes.

¿Por qué se aborda poco el documental en Guatemala?

Porque la autocensura siempre ha jugado un papel importante y nunca ha habido un apoyo al cine.

Hicimos una investigación hace un par de años y nos dimos cuenta de que la mayoría de las producciones de este tipo la hicieron extranjeros que venían en un momento específico para rodar un reportaje o una producción antropológica, pero filmaron y se llevaron el material. Acá hay muy poco.

Un documental no usa actores, no se inventa la historia, sino que encuentra la historia en la misma realidad. Eso es lo delicado, porque no se puede negar.

El cine es muy poderoso, puede conmover y mover muchas cosas.

¿De dónde viene esa autocensura?

En el caso de la muestra —Memoria, Verdad y Justicia— del año pasado fue directamente el Gobierno, por medio de sus ministerios, porque no le gustaron ciertas películas y comenzaron a presionar. Pero realmente lo que impide trabajar es el ambiente de violencia que se vive en el país y eso es preocupante.

¿Esto sucede en otros países?

Sabemos que en El Salvador fue asesinado un director francés que rodó una película sobre las maras; en México, mi cinta Asalto al sueño, sobre migrantes centroamericanos que intentan irse al Norte, fue censurada.

En Nicaragua, la historia de una médica que practica abortos a mujeres en riesgo de dar a luz recorre el mundo, pero en Centroamérica no se puede ver. Es un fenómeno que se da en otros países.

La gente quiere ese tipo de historias, pero es delicado producirlas. Si yo fuera documentalista también pensaría dos veces hacerlo.

¿Qué hace atractiva a Guatemala para que cineastas extranjeros vengan a retratar nuestra realidad?

Acá el trabajo del cineasta tiene resultados inmediatos al tener contacto con el público y eso es gratificante.

Personalmente me interesa producir, contar historias que tocan fondo, que ayudan a construir la memoria de un país y en el exterior ayudan a entender cuál es la problemática de Guatemala.

¿Ve algún avance en el país?

Llevo casi 25 años en Guatemala dedicándome al cine y a estar involucrado en el desarrollo cinematográfico. Las cosas mejoran, pero muy lentamente.

Hay más gente que hace cine y el acceso a la producción es mayor, pero se necesita de una industria cinematográfica propia, de una ley de cine, porque acá hay mucho talento.

Las pocas personas que se dedican al cine y han logrado terminar sus largometrajes, todos han tenido éxito en el exterior: Jayro Bustamante, Julio Hernández y Sergio Ramírez son algunos.

Ciclo documental

El cineasta luso era considerado el director más longevo del mundo, durante su carrera realizó cerca de 60 películas y su último largometraje fue “El Viejo Restelo”, proyectado en el 2014. Asimismo, él tenía en mente otro proyecto. Por increíble que parezca, su avanzada edad no le impedía realizar un filme por año, un ritmo absolutamente inusual.

Entre sus trabajos más aclamados, sobresalen “Aniki-Bobó” (1948), “Benilde o la Virgen madre” (1974) o “El extraño caso de Angélica” (2010). La vida misma era su principal inspiración, con unos personajes profundamente humanos y llenos de dudas constantes.

Actores de la talla de la francesa Catherine Denueve, el estadounidense John Malkovich o el italiano Marcello Mastroianni participaron en algunos de sus filmes durante las décadas de 1980 y los 1990, contribuyendo a dotar a su obra de una dimensión internacional.

Considerado un cineasta de culto en Europa y Brasil, entre los galardones que recibió durante su carrera destacan un León de Oro del Festival de Venecia (1985) y una Palma de oro del Festival de Cannes (2008).

El cineasta había superado en los últimos años algunos problemas de salud, entre ellos un internamiento hospitalario en el 2012 por problemas de insuficiencia cardíaca y otros episodios en el 2013.