La pieza de Gandarias, doctor en Artes Musicales, cuyas obras se han apreciado en escenarios de Europa, América y Asia, en múltiples simposios y festivales de música contemporánea, en los cuales ha participado como ponente, expositor o profesor, se trata de una composición de cámara, electrónica y video, en la que se utilizarán instrumentos tradicionales de Guatemala y Europa.

Gran parte del trabajo creativo de De Gandarias, especialista en música académica, muestra interés por proyectar y magnificar musicalmente las esencias culturales de raíz indígena y mestiza de la sociedad guatemalteca, por lo que ha creado una serie de instrumentos derivados de los de tradición oral.

A partir de 1982 ha desarrollado, junto con el cineasta venezolano-salvadoreño Guillermo Escalón, el concepto Música para ver y, al trasladar la dinámica musical a lo visual, favorecer un discurso audiovisual sin texto ni parlamentos. Entre las obras de este concepto destaca Suite Asturias (2007).

En este espacio, el compositor expone no solo las características de su nueva creación, que aún no tiene nombre, sino que describe, de manera muy breve, su trayectoria musical de tres décadas y la influencia de las gestas independentistas en la música nacional de esa época.

Su talento es innato y heredado, ¿qué nos puede contar sobre su familia de artistas?

Mi abuelo, de parte de padre, Justo de Gandarias, era escultor y pintor. Llegó de España a inicios del siglo XX, para dirigir la Escuela de Bellas Artes. Mi tío abuelo materno, Agustín Iriarte, pintor, fue alumno de Justo y uno de los introductores de la técnica impresionista en nuestro medio. Su hermano, Francisco, mi abuelo, tocaba el piano.

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¿Cómo fue su primer acercamiento con la música y cómo se dejó llevar por ella?

Durante mi niñez, mi abuelo escuchaba, con regularidad, música académica del siglo XIX por Radio Faro Cultural. Siendo adolescente, empecé “rasgueando” la guitarra en grupos de barrio en las cercanías de —barrio— la Parroquia. Luego, me incorporé a la marimba del Instituto Técnico Vocacional, donde estudié diversificado. Ingresé en la carrera de Ingeniería en la Universidad de San Carlos de Guatemala, pero al finalizar el primer semestre, la abandoné, para dedicarme de lleno a estudiar música en el Conservatorio Nacional de Música.

¿Cómo influyeron los movimientos independentistas en las composiciones musicales?

En la música académica se manifestó una gradual secularización, diversificación de los espacios públicos dedicados a las manifestaciones artísticas —coliseos, teatros, plazas o casas particulares— y desarrollo de la música instrumental junto a la continuidad de modelos vocales sacros anteriores. La música tradicional no fue afectada, pues, al igual que sus portadores, fue
soslayada e ignorada en la consolidación y seguimiento de un estado que mantuvo paradigmas estéticos coloniales, ahora en manos de criollos y ladinos emergentes.

José Eulalio Samayoa (1781-1866), el primer compositor de sinfonías del continente, fue uno de los músicos guatemaltecos más importantes de la época independentista.

¿Cómo plasmó los pensamientos de ese momento en sus obras?

Samayoa fue testigo directo de la gesta libertaria que culminó con la declaración de la independencia guatemalteca el 15 de septiembre de 1821, a la que continuaron años de sangrientas luchas fratricidas provocadas por ambiciones de poder entre partidos polarizados y que dieron al traste con el fallido movimiento federalista de las naciones centroamericanas.

Samayoa se involucró en esos vaivenes políticos bajo una ideología expresamente liberal, siendo perseguido, a inicios del régimen conservador de Rafael Carrera (1844-1865), por el cual tuvo manifiesta aversión. Esta circunstancia contribuyó para que en los últimos 20 años de su vida su obra sinfónica fuera relegada, y no se encontró registro de su ejecución en ese período. Títulos de sinfonías conocidas de su autoría denotan su conexión o alusión a movimientos cívicos, históricos o militares de su tiempo como Sinfonía número siete, dedicada al triunfo de las armas federales en la batalla de Xiquilisco —Usulután, El Salvador—, Sinfonía Cívica o Sinfonía Histórica, donde encontramos pasajes marciales encomendados a instrumentos de viento metal que aluden a gestas militares particulares, así como majestuosas introducciones que pronuncian la grandiosidad de su contenido.

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¿Cuál es la obra más relevante de su carrera y por qué?

Sinfonías del Trópico es una pieza multimedial que describe el recorrido de un río (el Nahualate) en la selva tropical guatemalteca hasta su desemboque en el mar. Fue generada a partir de la contemplación de la naturaleza local, desde el ángulo poético de Flavio Herrera, plasmada en sus colecciones de hai ku —poemas en miniatura de estilo japonés—, de una de las cuales la pieza toma el título. Ha sido la composición de la cual he tenido las más efusivas reacciones del público de todo tipo, desde la más humilde vendedora de tortillas hasta severos críticos europeos, desde niños hasta personas de la tercera edad.

Algunas personas me han referido su periódica audición por el desestresante efecto que les causa; otros jóvenes han hecho escuchar a sus padres la obra, y mayores a su hijos. Un psiquiatra estadounidense me contó que le ha sido útil en sesiones de musicoterapia. Desde que fue premiada en la 32 edición del concurso internacional de Música Electroacústica en Bourges, Francia, en 2005, se ha dispersado su presentación en múltiples escenarios españoles, estadounidenses y latinoamericanos. Luego de ser presentada en Moscú, Rusia, fue motivo de un análisis comparativo con el trabajo audiovisual de Igor Matsiewski , realizado por los profesores Vladimir Lisovoi y Angelina Alpatova.

¿Cómo nació la idea de crear su más reciente pieza con motivo del bicentenario de independencia?

De la necesidad de expresar contenidos estéticos e históricos que he manejado en los últimos 30 años, para una ocasión trascendente en la vida social guatemalteca, como los 200 años de independencia. Me resultó congruente plantear la resiliencia sonora de la gente local desplazada por la independencia, resaltar la fuerza de expresión sonora silenciada de los que vieron consolidada su situación como grupos subalternos, en la búsqueda de un estado, una república y una nación.

Poner en primer plano desde un enfoque estético contemporáneo sonidos, formas, dinámicas y ritmos de las músicas afrodescendientes y mayas, cuyos portadores debieran compartir equitativamente los beneficios del Estado. La pieza, que se presenta como una composición de cámara con electrónica y video, prevé seguir una línea histórica (la de Guatemala), de discurso audiovisual, que buscará plena interacción entre sonido en vivo, producido por instrumentos mixtos de los pueblos maya, garífuna y de la tradición europea, con sonido grabado (o procesado electrónicamente en tiempo real) e imágenes cinematográficas proyectadas de manera simultánea.

¿Cuándo se divulgará?

Con el apoyo de la Dirección General de las Artes, del Ministerio de Cultura y Deportes, el trabajo inició en junio. Actualmente nos encontramos en fase de producción —filmación de motivos pregrabados, edición de secuencias sonoras, prueba y selección de procedimientos de videoescena—. La grabación del concierto será el 13 de octubre por la tarde, en el Teatro de Cámara del Ministerio de Cultura y Deportes. El programa resultante será subido a plataformas en red, en noviembre.

Trayectoria

• El doctor Igor de Gandarias (1953) es compositor e investigador que enaltece la música nacional.
• Obtuvo el doctorado en Artes Musicales en la Universidad Católica de América, Washington.
• Sus obras han sido reconocidas en incontables certámenes, entre los que destaca el 32 Concurso de Música Electroacústica en Bourges, Francia, por su obra Sinfonías del Trópico, en el 2005, entre 636 composiciones de 49 países.
• Diversas facetas de sus obras se han expuesto en libros, tesis, artículos y estudios sobre música latinoamericana, publicados por compositores y académicos de varios países.
• Entre sus innumerables obras destacan Encuadres (1995), Trópico (1979), Mayastral (1975), Interiores del crisol (1995), Desde la infancia (1994) y Guarimba (1993).
• Ha documentado y compilado cinco antologías, tres libros y ocho producciones discográficas con más de cien piezas, anteriormente inéditas, de obras vocales, de cámara, orquestales y electroacústica de compositores nacionales de los últimos dos siglos.
• Sus obras han sido interpretadas por solistas, ensambles y orquestas de varios países.

La composición de arte sonoro, con motivo del bicentenario de independencia, de Igor de Gandarias, buscará la interacción de los sonidos producidos por los intérpretes en escena  con sonidos y filmaciones pregrabadas y/o procesadas en tiempo real, haciendo sensibles elementos tecnológicos (electroacústica y videoescena) de una manera integrada.

Este sábado cumpliría cien años de edad uno de los músicos norteamericanos mejor conocidos y aclamados del siglo pasado, Leonard Bernstein (1918-1990). Director de orquesta, compositor y pianista, su carrera alcanzó muchos puntos altos a lo largo de una vida dedicada no solamente al ejercicio musical, sino a compartir música con infinidad de personas, desde jovencitos prometedores hasta virtuosos consagrados; desde el común de los oyentes hasta el especialista.

El talento de Bernstein se concretó de múltiples maneras. Habilidoso intérprete del piano, frecuentemente dirigió orquestas completas mientras tocaba, aunque su fama principal reside en su notable y longeva labor al frente de la Filarmónica de Nueva York, aparte de las principales orquestas del mundo, así como su vocación como creador. De su pluma se desprende música sinfónica, coral, ópera, de cámara, para cine, danza y teatro, entre la cual destaca especialmente West Side Story. Diestro para escribir en un estilo ecléctico, las características de su composición, derivada de haber asimilado géneros y prácticas de la música popular tanto como las exigentes demandas de lo erudito, le permitieron llegar a una audiencia heterogénea en todo el planeta. Por otro lado, su predilección por la obra de Mahler lo llevó a revitalizar el interés general en este autor del romanticismo europeo, típicamente a través de las numerosas grabaciones que realizó a lo largo de 45 años. Igualmente, fue un gran impulsor de la música de sus paisanos contemporáneos, tales como William Schuman, David Diamond y Aaron Copland. Y, como suele suceder, Bernstein fue blanco de críticos que obviamente no poseían su genio ni veían llenadas sus expectativas de un artista estirado y conservador. Todo lo contrario, no era sólo su gestual sui géneris; era su compromiso con el arte, su activismo y su innata disposición a la docencia, que desembocó en la filosofía educativa del “Artful Learning” el arte integrado en todas las asignaturas escolares.

Sobre eso, Bernstein se distinguió como conferenciante y escritor. Recuerdo la impresión de lucidez que hace decenios me causó la lectura de su primer libro, The Joy of Music (en la versión original publicada en 1959), por la combinación de claridad y apasionamiento con que abordaba temas musicales sin perderse en los vericuetos de lo escolástico. Pese a los ejemplos impresos de partituras intercaladas en el texto —que la mayoría de lectores no podrían descifrar—, se vale incluso de conversaciones con interlocutores imaginarios para esclarecer conceptos y temáticas propias de lo académico. Qué privilegio apreciar sus dotes como disertante, ejecutante y director musical, todo a un mismo tiempo, cuando de adolescente vi filmaciones de sus Young People’s Concerts. Eran películas en 16 milímetros proyectadas sobre una pared de mi casa, cuando no existía el videocasete ni mucho menos un DVD o youtube, y el público consistía en los vecinos de la cuadra…

Una brevísima pero efectiva muestra de este compositor podrá disfrutarse al inicio de la próxima presentación de la Orquesta Sinfónica Nacional, este jueves. La función comenzará precisamente con una de las piezas más populares de Leonard Bernstein, la obertura a la opereta Candide. Esta chispeante introducción servirá como preámbulo a un concierto para violín —con el solista guatemalteco Luis Vital, en homenaje al recientemente desaparecido Survier Flores— y dos obras orquestales de Debussy —también de centenario este año—, bajo la dirección del maestro español Joan Pages. Un momento para regocijarse con el arte de uno de los personajes musicales más significativos del siglo XX.

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La lista incluye también a los miembros de la banda de rock Chicago -Robert Lamm, James Pankow y Peter Cetera- así como el fundador del sello Motown, Berry Gordy, quien postergó el homenaje el año pasado, informó la organización en un comunicado de prensa.

“Con nuestra lista de designados el Salón de la Fama de Compositores pretende reconocer de forma definitiva a los creadores de música de siglo XXI mientras que seguimos rindiendo tributo a los grandes de décadas anteriores”, dijo en el comunicado la junta directiva del organismo, que anunciará próximamente a otros que serán reconocidos en la misma ceremonia.

Jay Z, que nació en Brooklyn como Shawn Corey Carter y está casado con la famosa cantante Beyonce, es también un productor y empresario de éxito.

“Recuerdo cuando se decía que el rap era una moda pasajera, y ahora estamos junto a algunos de los mejores compositores de la historia”, dijo en su cuenta de Twitter Jay Z horas después de conocerse su nombramiento, el cual calificó como una “victoria” para ese movimiento musical, iniciado en la década de 1970 en Nueva York.

Scratch that! Not just the first rapper to be nominated, JAY Z becomes first rapper to be Inducted Into Songwriters Hall of Fame. #SHOF pic.twitter.com/6kEQICEAXL

— JAY-Z Daily (@JAY_Z_Daily) February 22, 2017

¿Por qué eligió ese título (An der schönen, blauen Donau, en alemán) para un río de color verde plateado? No se sabe con certeza, responden los comisarios de una exposición conmemorativa organizada en la Biblioteca de Viena. Es posible que Strauss  (hijo) se hubiera inspirado en los versos del poeta austríaco Karl Isidor Beck, o en el proyecto de regulación del Danubio, del que se hablaba mucho por aquel entonces.

La versión original de la obra se escribió para el coro de hombres de Viena, pero cuando el músico entregó las partituras, Austria no estaba de humor para bailes. Los prusianos la habían derrotado en la batalla de Sadowa, también conocida como Küniggrtz, al echar por tierra el sueño de los Habsburgo de dominar la confederación germánica.

Como consecuencia de esta aflicción nacional, el “poeta”  de la coral, un funcionario policial llamado Joseph Weyl, escribió para la música un texto entre sátira y lamentación, al hacerse eco de la depresión que se respiraba en la capital imperial. Nada tenía que ver con la hermosura del gran río de Europa central.

En 1889 se escribió una nueva letra que elogiaba el “danubio tan azul, tan brillante”, pero finalmente se impuso la versión orquestal.

Cuenta la leyenda que por un tiempo la versión inaugural de febrero de 1867 fue un fracaso entre el público vienés, pero los historiadores demostraron lo contrario.

La exposición organizada en Viena incluye numerosas críticas elogiosas después del estreno; una de ellas utiliza, quizá por primera vez en la historia de la música, la palabra alemana “schlager” que significa canción de moda.

Catapulta a la fama

Pero fue en el extranjero, primero con motivo de la exposición universal de París de 1867, y unos meses más tarde en Londres, cuando el Danubio azul comenzó a conquistar el mundo.

Durante una gira estadounidense en 1872, Strauss dirigió el Danubio azul al frente de 2 mil músicos y 20 mil coristas.

Un siglo más tarde, fue la conquista del espacio. Stanley Kubrick integró el vals de Strauss en la banda sonora de su película Una odisea del espacio (1968).

¿A qué se debe el éxito de esta obra cuando Strauss compuso casi 500 vals? “No hay una respuesta tajante”, reconoce el comisario de la exposición Thomas Aigner.

Aparte de las cualidades musicales de la obra, el título, que evoca una Austria eterna, tiene mucho que ver. “Un título patriótico pero no demasiado, cada uno proyecta un recuerdo relacionado con el río, con un viaje a Viena…”

La obra se identificaba tanto con Austria que el 27 de abril de 1945, cuando se proclamó la independencia tras la anexión alemana, se interpretó el Danubio azul delante del parlamento, a falta de un himno nacional para la nueva república austríaca.

Sus violines acompañan desde hace años a los pasajeros de Austrian Airlines durante los aterrizajes y despegues y así seguirá siendo porque un sondeo realizado en el 2016 por la compañía avala la tradición.

A Reckless le siguió el disco Into the fire,Live! y Live! Live!. En 1991 Bryan Adams publicó el tema Everything I do, I do it for you, que fue incorporado como tema principal de la banda sonora de la película Robin Hood, Príncipe de los ladrones. Con este tema Bryan Adams consiguó un enorme éxito, además de ser nominado a los Oscars, cita el sitio Todomusica.com

La discografía de Adams también incluye Waking up the neighbours, So far so good. Así como el tema All for love, escrita por Adams y que interpretó junto a Sting y Rod Stewart. Esa fue incuída en otra banda sonora, la de la película Los tres mosqueteros, por la que Adams volvió a ser nominado a los Oscar.

En 1996 Bryan Adams lanzó Have you ever really loved a woman, junto al guitarrista español Paco de Lucía, un tema que se convertiría en la banda sonora de la película Don Juan de Marco.

Vea una breve recopilación de sus videos y canciones más famosas.

Straight from the heart , en 1983.

En 1984 lanza Run to you.

Summer of ’69  se incluye en el álbum Reckless.

It’s only love alcanzó los primeros lugares en las listas de popularidad de EE.UU.

(Everything I Do) I Do It For You lo lanzó en 1991 y fue banda Sonora de la película Robin Hood.

All for love, lanzada en 1993.

Have You Ever Really Loved A Woman?

Su afición por la experimentación lo vuelve un ser inquieto y muy observador. “Me entusiasma presentar tres obras que el público podrá escuchar en el concierto que estamos preparando —31 de agosto—”, comenta Orellana.

El maestro es una persona sencilla, con una mirada que parece dibujar constantemente música con sus pupilas. “Siempre estoy creando, tratando de crear los sonidos de lo que veo”, dice con una voz discreta, casi como si contara un secreto.

Orellana prepara el concierto Ramajes de una marimba imaginaria, en el que presentará sus obras Ramajes de una marimba imaginaria, Híbrido a presión, y Sacratávica.

El concierto contará con una marimba integrada por músicos, un coro de 60 voces, 20 percusionistas que interpretarán los útiles sonoros, bajo la dirección del maestro guatemalteco Julio Santos.

¿Qué busca este concierto con sus piezas?

Estas son obras emblemáticas de mi trabajo. Mi intención es que las piezas sean un material de estudio para las futuras generaciones. Quiero que se vuelvan puntos en la historia para comprender nuestro presente. Por otro lado, la música también ofrece un referente político de una época.

¿La música es un tipo de discurso político?

Las artes en general tienen una influencia importante en el mundo político, más allá de lo que los mismos artistas se imaginan. Ellos no ven —muchas veces— que su impresión social trasciende en el tiempo, gracias a la emotividad que le ponen a sus piezas. El arte siempre influye en los acontecimientos políticos.

A usted se le considera uno de los destacados compositores de Guatemala, ¿qué piensa al respecto?

Yo nunca me he propuesto hacer cosas nuevas. Solo son el resultado de observar un objeto e imaginarlo más allá de él. Los artistas encontramos detalles en el mundo que para otros pasan inadvertidos. David de Gandarias me dijo alguna vez: “Vos fuiste un parteaguas”; él fue alguien que me hizo ver que yo hacía las cosas diferentes, aunque nunca fue mi intención. Me dicen que soy una especie de compositor de ruptura.

Detalles

• Joaquín Orellana nació en Guatemala en 1930.
• Estudió en el Conservatorio Nacional de Música y en 1967 recibió una beca para estudiar por dos años en el prestigioso Instituto Torcuato di Tella en Buenos Aires, Argentina.
• Orellana es el creador de los llamados útiles sonoros, que son  instrumentos musicales inventados con cualidades escultóricas para música experimental.
• El concierto se ofrecerá el miércoles 31 de agosto, a las 20 horas, en el Centro Cultural Miguel Ángel Asturias, 24 calle 3-81, zona 1. Entradas, Q300, Q200, Q100 y Q50.

“A inicios de este año el alcalde de San Juan Sacatepéquez me llamó para pedirme autorización de poder nombrar la canción de mi padre La Sanjuanerita himno del municipio”, indica su publicación.

“Me llamó el entusiasta y activo profesor René Belarmino Diéguez Hernandez de la Escuela Eorm José Ernesto Monzón Reyna indicándome que me invitan para la actividad especial donde la canción será declarada himno de San Juan”, agregó la también gestora cultural.

La Sanjuanerita es una composición escrita por José Ernesto Monzón conocido como El cantor del paisaje, en junio de 1939.

El acto que hará oficial ese anunció se hará el 9 de septiembre en la Escuela Oficial Rural Mixta José Ernesto Monzón, que se ubica en el Caserío los Sajquies, de la aldea Montufar, de aquella localidad.

Monzón nació en 1917 en el departamento de Huehuetenango y falleció en la Ciudad de Guatemala en el 2003. Monzón compuso 250 canciones, entre las que resaltan Soy de Zacapa, La Sanjuanerita y Milagroso Señor de Esquipulas, Soy de Zacapa, Mi lindo Joyabaj, Barberena, Morazán, Canto a mi Guatemala, Madre, Así es Jalapa y Chimaltenango.

“En ese entonces las damas estaban vedadas de muchas actividades y más si eran artísticas, por eso ninguna de mis tías aprendió a ejecutar marimba. Ahora mi hija es una excelente marimbista”, dice Francisco Román Bethancourt Maldonado, sobrino de Domingo Bethancourt, quien desde hace 45 años es el director general de la marimba.

La foto  de la marimba   2 de octubre data de principios del siglo XX y se observa a sus integrantes de ese entonces. (Foto Prensa Libre: Cortesía del conjunto musical).

En 1928, el maestro Domingo Bethancourt decidió llamarla Marimba Ideal.

Domingo Bethancourt destacó por ser un virtuoso de la marimba, además de ser compositor y arreglista. Su talento y creatividad dio vida a la melodía Ferrocarril de los Altos. Cuando falleció, en 1980, los integrantes decidieron agregarle el nombre del destacado músico. Veinte años después, la marimba cumplió un siglo y la llamaron Centenaria.

El Ferrocarril de los altos, interpretado por la marimba Ideal Domingo Bethancourt.

En el 2006, el Ministerio de Cultura y Deportes la reconoció como Patrimonio Cultural de la Nación. A partir de ese momento se nombra Centenaria Marimba Ideal, Domingo Bethancourt, Patrimonio Cultural de la Nación.

La Marimba Ideal ha grabado 10 LP. Esta realizó la primera grabación de la marimba en vivo desde el Teatro Municipal de Xela, en 1978, cuando aún vivía Domingo Bethancourt.

Sin embargo, tal idea, apoyada por su abuela, fue reprobada por su padre. Joan Sebastian insistió y a sus 14 años ingresó al Seminario Conciliar de San José, en Cuernavaca. Ahí creció su pasión por la música e incluso compuso una misa. Fue tal trabajo que lo encaminó hacia su verdadera vocación.

Un día laboral en la vida de Joan Sebastian se convirtió en un golpe de suerte gracias a la presencia de Angélica María, quien lo escuchó cantar y le recomendó comunicarse con Eduardo Magallanes a quien sin dudar buscó hasta la ciudad de México sin mucho éxito, por lo que comenzó a tocar nuevas puertas.

Con nostalgia “la novia de México”, recordó hoy su primer encuentro con Joan Sebastian, hace 47 años en un balneario de Oaxtepec, Morelos. “Me llevo las malteas, porque era maletero, me dijo que me admiraba mucho y creía que era la persona que le podría dar un buen consejo y le dije, ‘a ver, llévame tus canciones’, me llevó un montón de hojas con sus canciones”, añadió.

Fue entonces que el joven José Manuel Figueroa, de tan sólo 17 años, con guitarra en mano le cantó algunos de sus temas, los cuales le encantaron a Angélica María pero se dio cuenta que eran temas hechas para un hombre y a pesar que él ofreció hacerles arreglos para que ella las cantara, la mamá de la Angélica Vale tuvo una mejor idea.

“Le dije ‘¿Sabes qué? Creo que tú debes cantar tus canciones, porque cantas fenomenal y tienes un estilazo, son tuyas”.

Seis meses después grabó su primer disco que incluyó el tema Descartada, que se convirtió en un éxito.

Descartada (Video tomado de YouTube)

Después de adoptar su nombre artístico debutó vendiendo 127 mil copias de El Camino del Amor, pero aún no podía vivir de la música así que seguía trabajando, ahora vendiendo autos, y cuando lograba conseguir trabajo como cantante cobraba aproximadamente US$50.

El camino de amor. (Video tomado de YouTube)

Poco a poco la fama comenzó a llegar y empezó a viajar al extranjero para darse a conocer, igual que sus letras y más de 38 discos lo avalaron muy pronto como “El Rey del Jaripeo”, al presentarse primero en toros para después montar sus propios caballos, tarea que aprendió de niño.

Con el alma devastada, la periodista Mara Patricia Castañeda contó de la última entrevista que ofreció el cantante hace un mes para hablar sobre las falsas noticias de su muerte y que ella realizó en el rancho en el que hoy dejó de respirar, ubicado en la colindancia entre Morelos y Guerrero. No en Juliantla como manejaban las primeras versiones, señaló. Ahí, hablaron de una producción musical que no logró presentar con vida.

Mara Patricia, junto al cantautor. (Foto Prensa Libre, tomada de eluniversal.com)

“No tenía miedo a la muerte porque Joan hizo lo que quiso, siempre fue un hombre generoso con su familia, con todos sus hijos, los quiso por igual,de hecho al segundo día que lo fui a visitar (al rancho), al siguiente día tenía una fiestecita de su hija de las más chicas que tuvo con Alina”, añadió.

Vida personal

Cinco mujeres han sido pilar fundamental de Joan Sebastian y juntos han procreado a ocho hijos, la mayoría de ellos son ahora todavía jóvenes.

Sin embargo, la felicidad no estuvo siempre presente pues tuvo que ver partir a manos de la violencia a dos de sus hijos con su primer pareja Teresa, Trigo y Sebastián, en el 2006 y 2010, respectivamente, de los cuales sólo le quedó José Manuel Figueroa.

Juan Sebastian, hijo del cantautor, asesinado en Cuernavaca, en el 2010.

Abuelo de siete, mantuvo relaciones que lo ayudaron a sostenerse y que tuvieron como fruto a Zerelea, Julián (también hijo de Maribel Guardia), Marcela y Juliana.

Maribel Guardia rindió un sentido homenaje en las redes a su exesposo el cantante y compositor mexicano Joan Sebastian tras su muerte.

La actriz costarricense, quien fue pareja de Sebastián entre los años 1992 y 1996, dedicó unas emotivas palabras a su expareja.

La actriz costarricense Maribel Guardia fue esposa de Joan Sebastian.

“Un aplauso a la vida del amigo, el padre, el gran ser humano. Hoy nace la leyenda de uno de los grandes ídolos del pueblo: Joan Sebastian.Mi más sentido pésame a toda su familia que tanto quiero y respeto”, escribió la actriz junto a una foto de Sebastián junto al hijo de ambos Julián, quien también recordó a su padre en las redes.

Víctima en cuatro ocasiones del cáncer, el primer diagnóstico se lo dieron en 1999, enfermedad situada en los huesos que volvió a aparecer tanto en 2007 como en 2012.

A principios de 2014 decidió retirarse del jaripeo a raíz de una caída durante uno de sus espectáculos. Sin embargo, durante un show en la ciudad de Zacatecas anunció que el cáncer le regresó y no lo sabía, por lo que nuevamente se estaba sometiendo a quimioterapias.

Su carrera y vida, en cifras

• Siete Grammy Latino
• Cinco Grammy
• Diecisiete años empezó carrera musical
• Dos hijos asesinados
• Ocho hijos procreó con cinco mujeres
• Trece años le llegó su primera guitarra
• Ocho años compuso su primera canción dedicada a su pueblo natal
• Doce millones de discos vendidos

En 2010, se embarcó en “Los Tres Tour”, una gira que realizó al lado de Alejandro Fernández y Marco Antonio Solís.

El próximo 15 de octubre el artista salvadoreño será parte de ese rincón que reúne a los cantautores y compositores más influyentes de la música hispana. Junto a él se galardonará a Emilio Estefan, Myriam Hernández, Gustavo Santaolalla, Diego Torres y Héctor Ochoa Cárdenas.

Esta será la tercera edición de la gala y se realizará en The Fillmore Miami Beach Jackie Gleason Theater de Miami Beach, Estados Unidos.

“Para mí es un honor, es el reconocimiento más grande que he recibido en mi carrera, porque mi dedicación principal es escribir canciones, ya sea que las cante yo o que las cante alguien más; es la vitrina más importante para mí”, indicó Torres vía telefónica desde Miami, Florida, EE. UU., donde reside.

Selección

Este año participaron 24 artistas, de los cuales el público seleccionó a seis.

“Que la gente me eligiera tiene un significado mayor, porque es auténtico; es el público que me ha escuchado por décadas y estas canciones han formado parte de su propia película”, dijo el salvadoreño, quien compuso su primer tema a los 12 años, Dulce amiga.

De esas primeras frases han transcurrido ya 49 años, en los que ha escrito más de 400 canciones y grabado 46 discos.

“Sigo escribiendo, componiendo canciones, y sigo aportando a este reglón cultural”, confesó.

¿Pero de donde viene la inspiración? “Cuando se viene de países tan básicos, en los que se ha sufrido tanto, el que no se vuelve duro y malo, se vuelve sensible y más humano. Yo soy de esos. El carecer de tantas cosas en mi niñez y haber salido de mi país para buscar una oportunidad… todo eso lo sensibiliza a uno, lo convierte de alguna manera en poeta”.

Además de las lecciones de vida, Torres confiesa ser un admirador del género femenino, y es a la mujer a quien honra en cada escrito y en cada melodía. “La mujer ha sido mi coestrella, el croquis del mapa que me ha traído hasta acá”, refirió.

Lazos con Guatemala
El cantautor habla del agradecimiento hacia los guatemaltecos y sus nuevos proyectos.

• Álvaro Torres  confiesa  guardar en su corazón un agradecimiento especial a Guatemala: “El amor especial; un agradecimiento especial al país que fue como mi madre adoptiva, que me acompañó, y eso no lo olvidaré. Me daría mucho gusto volver; lamentablemente todos los cambios  que han habido en la industria no me ha permitido, pero sé que volveré y les agradeceré el cariño y el apoyo que  me ha brindando”.
• Actualmente, Álvaro  Torres trabaja en su disco  Otra vida, del cual se desprende el sencillo Sería perfecto, un tema bailable, además de la canción que da título a esta nueva producción con un aire fresco.
• Del 12 al 16 de julio realizará una gira por Cuba.

“Era un enamorado de la vida, un apasionado por lo que hacía que dedicó su vida a su obra, a su personaje”, señala en una entrevista con Efe Walter Santoro, el director ejecutivo de la Fundación Industrias Culturales Argentinas, propietaria de los objetos y documentos originales que no habían sido expuestos al público y que ahora llegan al Museo Histórico Nacional de la capital argentina.

Una corbata, un mate, una pitillera, una guitarra, regalos, imágenes y telegramas son algunas de las piezas que conforman la muestra “Carlos Gardel, del hombre al mito”, una denominación que el artista se ganó al morir en 1935 en un accidente aéreo en Colombia cuando se encontraba en la cúspide de su carrera.

La exposición recorre su vida, su relación con la música y el cine y las circunstancias de su fallecimiento, que cuenta con una sección propia en la que se recogen las portadas de prensa posteriores a la tragedia área, así como restos recuperados del accidente y la última fotografía que se tomó de Gardel antes de subirse al avión en el que realizaría su último viaje.

La verdadera historia

Santoro cree que el halo de misterio que existe en torno al cantante y compositor surge, sobre todo, porque los coleccionistas guardaron toda la documentación durante estos 80 años, lo que provocó que surgieran muchas “ideas e invenciones” que durante los próximos años van a derribarse y, por fin, se sabrá “la historia verdadera”.

El director de la fundación define a Gardel como un “estudioso” que “se construía todos los días”, alguien que estaba “casado con su trabajo” y sin el que el tango no podría entenderse.

“No niego que existiría igual, pero sería algo completamente diferente” , sostiene, pero insiste en que el aporte del artista a la música popular argentina es “casi extremo”.

Según Santoro, Gardel marcó un estilo “que hace que hoy el mundo reconozca” al género del tango.

Tango “Por una cabeza”, uno de los temas más reconocidos de Gardel.

La fama de Gardel no fue momentánea para Santoro, sino que “superó el tiempo” y sigue “atrapando” , porque siempre cantó “con emociones” y cualquiera que lo escuche “quiere escuchar más y no se detiene ahí”.

Por ese motivo, reclama que se cree en Argentina un museo del tango en el que este tipo de exposiciones sean permanentes y no lleguen solo para efemérides como la del próximo 24 de junio que conmemora el 80 aniversario de su muerte, cuando Buenos Aires se llena de homenajes al intérprete de tango por excelencia.

Santoro considera que existen pocas cosas más populares que Gardel y el tango, género que surgió en los suburbios porteños en los que creció el artista supuestamente nacido en Francia pero que él define como “rioplatense”.

“Su corazón lo tenía acá”, asegura, aunque cree que, al final, pasó a ser un “ciudadano del mundo”.

Aporte

Para Santoro, Gardel se convirtió en un representante del folclor argentino y realizó un aporte “indiscutible” al cine al llegar a las salas de Francia y Estados Unidos para convertirse en el “principal exponente latino”.

Sin embargo, el estreno de Gardel en la gran pantalla fue en Argentina en 1917 de la mano de la película muda Flor de durazno, algo que a Santoro le parece extraño, como todo lo que rodea al artista, porque en ese momento él no era famoso, pero adjudica todo eso a la historia de Gardel y de su “karma”.

Dos cosas que Santoro ahora busca transmitir a los más jóvenes para que entiendan que Gardel fue el “precursor” del tango, alguien “impresionante” que hizo que las clases altas comenzaran a bailarlo y puso a la cultura argentina en el foco internacional.

“Sos Gardel era una frase que era como decir: sos lo mejor. Eso era Gardel”, sentencia.

Otras películas para las que hizo la banda sonora fueron Death and Maiden y The Portrait of a Lady.

En mayo del 2012 Kilar recibió la Orden del Águila Blanca, el reconocimiento más alto que puede otorgar el Estado polaco.

El músico nació el 17 de julio de 1932 en Lemberg, localidad actualmente perteneciente a Ucrania.