Luigi Lanuza: “Haz lo que te apasione y que no te importe lo que digan los demás”

El hijo del reconocido director Rafael Lanuza, además de haber incursionado en la medicina, ha dedicado más de 40 años al cine guatemalteco con más de 40 producciones audiovisuales.

Pavel Arellano

16 de diciembre de 2024 | 11:00h

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Luigi Lanuza, actor y productor de cine, habló en Prensa Libre acerca de su trayectoria, cómo su padre, Rafael Lanuza fue una inspiración para él y cómo se ha dedicado con pasión al mundo del cine. (Foto Prensa Libre: Keneth Cruz)

Ha sido un niño del espacio con la piel dorada, un vagabundo mudo, un conde, un anciano enamorado e incluso un oficial de migración. En cada una de esas facetas, Luigi Lanuza siempre ha estado al servicio de la cámara y del guion, y plasma en sus producciones no solo el legado de su padre, sino su pasión por el cine.

Con 65 años, Lanuza no parece detenerse en lo que se refiere a producir, dirigir o actuar en todo tipo de producciones y, bajo su filosofía de vida de hacer lo que le apasiona sin importar las opiniones ajenas, ha trazado su camino para ser, junto a su padre, Rafael Lanuza, en uno de los referentes más importantes del cine guatemalteco.

De estar metido en el mundo de la medicina a plasmar sus ideas a la pantalla, Lanuza habla de sus inicios, el trayecto que tuvo con su padre, los retos que se presentan al momento de hacer una producción, los momentos que más tiene presente y lo que ha aprendido en los más de 40 años de experiencia que tiene a sus espaldas.

Algunas de sus participaciones más recordadas son en La Sonrisa de mi Madre (1970), Superzán y el Niño del Espacio (1972), El Cristo de los Milagros (1973), Soy de Zacapa (2011), Ambiguity (2013), El Señor de Esquipulas (2015), Nerea (2017), Tranquilo don Camilo (2023) y Cambalache (2024).

¿Cómo la medicina y el cine lograron entrar a su vida?

Realmente el cine vino primero, porque mi papá era productor y director, entonces desde que yo nací, crecí en el ambiente del cine. Desde pequeño, cuando tenía cuatro o cinco años comencé a modelar, porque mi papá también hacía comerciales de televisión, y en realidad es lo que más vivía él en esa época.

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Entonces, yo comencé a modelar desde chiquito para comerciales de dulces. De hecho, una foto mía de niño montado en una patineta fue mi primer trabajo en un comercial. crecí en ese ambiente y ya como a los 9 años participé en una película de mi papá que se llamó La sonrisa de mi madre, de 1970.

Lamentablemente esa película se perdió, pero después mi papá comenzó una coproducción con México y entonces me llamó para ser el protagonista de la película de 1972 Superzan y el Niño del Espacio, y fue así como empecé en el mundo del cine y la televisión.

Con el paso de los años me gradué de médico aquí en Guatemala y trabajé en el Centro Médico de zona 10, después fui a vivir a Estados Unidos y, dada a la experiencia que tenía me nombraron portavoz del Departamento de Salud Pública para conceder entrevistas a cadenas de televisión como Univisión o Telemundo.

¿Cuál fue ese momento que despertó su interés por el cine?

Cuando tenía 50 años y ya estaba para jubilarme en Estados Unidos, regresé a Guatemala y comencé a revisar muchas cosas que tenía mi papá. Fue ahí cuando encontré el guion de la película Soy de Zacapa, y recordé que a mi papá le hacía mucha ilusión hacer esa película.

Cuando leí el guion, me entraron esas ganas de querer producirla. Cabe aclarar que en ese momento nunca había hecho eso, solo había actuado. Cuando finaliza la producción y la película sale al cine, me doy cuenta de todas las cosas que le aprendí a mi papá, ya que no me presentó ningún problema como pensé en un inicio.

Cuando tomé la decisión de hacer más producciones y retirarme del jubilado, yo aún tenía una clínica en un centro de vacunación para adultos, entonces me pregunté ¿o el cine o la medicina? Y la verdad, ya había estado más de 30 años en el campo de la medicina, por lo que cerré la clínica y me dediqué de lleno al cine.

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¿Cuál considera que son esos retos que se presentan al momento de hacer una producción?

Considero que puede ser la falta de recursos económicos, porque claro, si no tengo dinero no puedo hacer una película, y cuando comencé en esto de la producción no tenía una gran cantidad de dinero.

Pero a los actores a veces no se les pagaba, solo a los técnicos y todos los involucrados en el procedo de producción y posproducción. Y fue ahí donde aprendí, de una buena y mala manera, que siempre hay que pagarle a los actores y actrices.

Si voy a hacer una película o cortometraje debo tener los fondos suficientes para darles a todos, aunque no sea una gran cantidad, pero si reconocer su trabajo y esfuerzo.

Claro, me gustaría a veces tener quien me patrocinara, pero a la hora de tener quien me patrocine, la persona o empresa tiene el derecho de decidir muchas veces en cuestiones de la historia, personajes, temáticas, etc.

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¿Y la parte más satisfactoria de hacer una producción?

Primero ver en pantalla, ya sea en cine o en televisión el producto ya terminado. Segundo, me da mucha satisfacción ver a los actores y actrices contentos de trabajar en mis producciones. Muchas personas me han pedido trabajar conmigo en alguna de mis producciones y es algo muy halagador para mí.

Para mí es importante darle oportunidad a los jóvenes que incursionan en el mundo del cine, y que se desenvuelvan en áreas como la fotografía, maquillaje, luces, sonido y otros aspectos del cine.

¿Qué experiencia tiene más presente de toda su carrera?

Realmente cada producción ha sido una experiencia, ya que todas han sido muy diferentes entre sí. En Soy de Zacapa yo soy el villano, en El Señor de Esquipulas soy un indigente mudo, en otra soy un oficial de migración racista que maltrata a su mujer.

Cada uno de estos papeles me ha dejado bonitas experiencias. Pero por mencionar alguna, diría mi aparición en Superzán y el niño del Espacio, porque yo tenía como 12 años y, en ese momento no entendía en realidad lo que ocurrió, para mí eso era un juego porque tenía mi platillo volador, me maquillaban y era muy divertido para mí.

Y en el caso de la película Terremoto en Guatemala ¿Cómo fue vivir esa experiencia?

Cuando ocurrió yo tenía 16 años, y mi papá, como buen cineasta agarró su equipo y a las seis de la mañana, tres horas después del terremoto, comenzó a filmar lo que ocurrió.

Yo lo acompañé en todo momento, y conforme más documentábamos los estragos del terremoto, veíamos cosas como casas e iglesias destruidas.

En un principio mi padre pensó hacer un documental, pero tenía tanto material sensible y crudo, como por ejemplo el momento en que lanzaban varios cadáveres a fosas comunes, que pensó que sería algo horrible.

Por eso tomó la decisión de combinar su material con una historia ficticia que pudo haber ocurrido. Entonces escribió la historia de una pareja de recién casados que contraen matrimonio el día del terremoto. Fue así que nació Terremoto en Guatemala, que en un inicio se iba a llamar “Al Final de una Esperanza”.

¿Qué géneros ha abarcado a lo largo de su trayectoria y cuáles siente curiosidad por desarrollar?

He estado haciendo mucho el género de comedia blanca, ese que pueden ver los niños, adultos y abuelos, además que es un género que me gusta mucho elaborar.

Me llama mucho la atención incursionar en el género del terror, pero más enfocado en lo que se veía en películas de Alfred Hitchcock, en donde es un terror más sutil e insinuado.

¿Cuál es su opinión del panorama cinematográfico de Guatemala?

A decir verdad, no hay una industria cinematográfica en Guatemala, hay personas que hacen cine y que han tenido mucho reconocimiento y apoyo a nivel internacional, pero no podría decir que aquí exista una industria como tal.

¿Cómo era la dinámica de hacer cine en Guatemala en aquellos años, a comparación con estos tiempos modernos?

Antes de la coproducción que mi padre tuvo con México, era muchísimo más complicado hacer películas, ya que él sacaba de su bolsillo para hacer sus producciones y entrenaba a la gente acerca del uso de la cámara, el maquillaje, el uso de luces. La mayoría de las personas que participaban en las producciones eran familiares como primos o tíos, además que el equipo que se usaba en ese momento era pesadísimo y era un dolor cargarlo ya que se usaban camiones de carga. No como ahora que todo el equipo cabe en el baúl de un carro.

Tras su experiencia ¿Qué es lo que ha aprendido de todas las vivencias y de la travesía que tuvo con su padre?

Es realmente bonito hacer lo que a uno le gusta y con lo que uno se identifica, aunque la gente diga que no le gusta o esté en contra. En mi caso yo sigo haciendo lo que me apasiona, aunque algunas personas digan que mis películas les parecen “cursis” o incluso que provenga de los mismos cineastas.

Pero aún con eso yo me siento satisfecho con lo que he hecho, me gusta que a muchas personas les agrade y reitero, una vez que haces aquello que te gusta, siempre lo harás con pasión.

¿Qué les diría a quienes que quieren incursionar en aquello que les gusta?

Lo más importante es tirarse al agua, porque cuando uno lo hace participará en muchas producciones, lo que hace que uno aprenda muchísimo, y puedo decirlo desde mi experiencia personal.

Cada producción es un aprendizaje y es bueno cometer errores, así no se repiten en el próximo proyecto. Soy muy creyente de que si a uno le gusta algo lo tiene que hacer aunque no le guste a nadie, porque eventualmente encontrarás a personas que compartan esa misma pasión.

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Al recibir su primer Óscar y agradecer a su nueva patria, Estados Unidos, se le notaba aún el fuerte acento checo. “América sigue siendo un país maravilloso, hospitalario y abierto”, se deshizo en elogios ante la selecta audiencia de Hollywood.

Ocho años antes, este joven director de cine había emigrado a Estados Unidos después de que los tanques soviéticos aplastaran la Primavera de Praga en 1968.

Su drama psicológico One Flew Over the Cuckoo’s Nest ganó cinco Óscar en 1976, entre ellos el de mejor director y el de mejor actor, para Jack Nicholson. En la categoría de mejor dirección se impuso a los consagrados Robert Altman, Federico Fellini y Stanley Kubrick.

Milos Forman obtuvo un Óscar en 1985 por su película “Amadeus”, en la 57 edición de los Premios de la Academia en Hollywood. (Foto Prensa Libre: AFP)
Forman vivía en Connecticut (Estados Unidos) con su tercera mujer, Martina, y sus hijos gemelos, nacidos en 1998. Tenía además otros dos gemelos varones de su primer matrimonio.

“Su partida fue tranquila y estuvo todo el tiempo rodeado de su familia y seres cercanos”, explico su esposa por teléfono. El último adiós tendrá lugar en la intimidad familiar, explicó.

Hace pocos años recordó las dificultades que tuvo para abrirse camino en Estados Unidos. En una carta leída en febrero de 2013 con motivo del galardón a su trayectoria por la renombrada Asociación de Directores, Forman agradeció a colegas como Sidney Lumet que lo apoyaron cuando corría peligro de ser deportado en la década de 1970.

La carta fue leída debido a que Forman no pudo acudir a Los Ángeles a recibir el premio por razones de salud.

Milos Forman fue galardonado con el premio “Giraldillo” en noviembre de 2004, por sus logros de toda su carrera en Sevilla Festival Film Spain. (Foto Prensa Libre: AFP)
Forman nació en 1932 en Bohemia Central, en la República Checa. Cuando tenía sólo ocho años, sus padres fueron apresados por la Gestapo y murieron en un campo de concentración.

Estudió en la Academia de Cine de Praga y se convirtió en uno de los precursores de la experimental Nueva Ola de cine checoslovaco con películas satíricas como Los amores de una rubia (1965) o ¡Al fuego, bomberos! (1967).

Su primer proyecto en Hollywood, la sátira generacional Taking Off, de 1971, recibió el premio del jurado en el Festival de Cannes, pero no tuvo éxito en las taquillas de Estados Unidos. Este fue el comienzo de una etapa difícil en la que perdió el permiso de trabajo y temió ser repatriado.

Milos Forman, durante una conferencia de prensa, en noviembre de 2006, en la que promocionó la película “El fantasma de Goya” en Madrid. (Foto Prensa Libre: AFP)
“Estaba esperando la oferta que cambiaría mi vida. Pero hasta entonces acepté todo lo que se me ofrecía, hasta un almuerzo gratuito”, contó en su biografía.

La suerte cambió con One Flew Over the Cuckoo’s Nest. Con Amadeus (1984), su película biográfica sobre Mozart, selló su triunfo en Hollywood. La cinta daba una nueva visión sobre el genio, no siempre amable, y ganó ocho Óscar, entre ellos también el de mejor dirección.

Forma encaró con valor temas espinosos y supo mostrar la otra cara de sus personajes. Las biografías clásicas en el cine “suelen ser aburridas”, dijo a dpa cuando promocionaba en 2006 “Los fantasmas de Goya” sobre el genio artístico español. “Siempre hay algo más dentro de esa historia”.

En el caso de Amadeus fue el conflicto entre los rivales Antonio Salieri y Wolfgan Amadeus Mozart. En One Flew Over the Cuckoo’s Nest, Forman tematizó el trato a los enfermos mentales.

Con El escándalo Larry Flynt (1997), la historia del editor estadounidense de la revista pornográfica Hustler, el director checo desató un debate sobre el papel de Flynt como precursor de la libertad de expresión en Estados Unidos. La cinta se alzó con el Oso de Oro del Festival de Berlín.

Milos Forman nació en la ciudad checa de Caslav y se mudó a los Estados Unidos después de la represión comunista. (Foto Prensa Libre: EFE)
En 2007 se embarcó junto con sus gemelos mayores en un proyecto singular, la puesta en escena en el Teatro Nacional de Praga de la ópera cómica Un paseo bien pagado. Su hijo Petr lo acompañó como codirector y el gemelo Matej como escenógrafo. Forman dijo entonces que era el “momento más feliz” de su carrera.

El cineasta documentó el proyecto en una película que presentó en 2009 en el Festival Internacional de Cine de Karlovy Vary. “Ya nada más de películas, ahora tengo vacaciones”, dijo en la ocasión, a los casi 80 años.

Sin embargo, en 2012 volvió a la pantalla grande, pero como actor. Encarnó el papel de un antiguo amante checo en la comedia Las bien amadas (Les Bien-Aimés) junto a la diva francesa Catherine Deneuve y la hija de ésta, Chiara Mastroianni.

Notas relacionadas

No en vano es llamado el Rey Midas de Hollywood, pues las historias que ha llevado a la gran pantalla han cautivado  masas y han logrado  millones de dólares en la taquilla. Según la revista Forbes su patrimonio  asciende a los US$7 mil millones. Pero más allá de su fortuna, es considerado uno de los grandes de la cinematografía cuya  imaginación no tiene límites.

“No deberías soñar con tu película, deberías hacerla”, ha confesado.

Su legado

Su magia detrás de la cámara es capaz de crear un universo donde todo es posible, en el que habitan extraterrestres, dinosaurios, gigantes y hombres comunes convertidos en héroes.

Todo comenzó en 1958. Tenía 12 años cuando tomó la cámara Súper-8 de su padre para hacer su primer cortometraje llamado el Duelo final. Ese fue el detonante para lo que vendría después: más de 40 películas como director y productor.  
  
Tiburón (1975) fue el título que le dio notoriedad dentro del género del suspenso y aventura, y destacó como el mejor estreno de ese año.  

Continuó dirigiendo y produciendo filmes, pero llegó  E.T. el extraterreste (1982), una historia casi autobiográfica de su niñez, que marcó su carrera para siempre.

El crítico de cine Roger Ebert dijo: “No se trata simplemente de una buena película. Es una de esas cintas que barre lejos nuestra cautela y gana nuestros corazones”.

Con Jurassic Park, Spielberg revolucionó el cine con sus efectos especiales. La historia  puso en evidencia  el tema de la clonación y llevó a la pantalla distintas especies de dinosaurios para que convivía con los humanos. La película es un referente del género de ciencia ficción.      

Fue con Rescatando al soldado Ryan (1998) que logró su segundo Óscar en este rubro, y demostró que también es un genio del cine serio, y al que han seguido otros como La terminal (2004), Lincoln (2012) y Puente de los espías (2016).

Por venir

En sus próximos proyectos se cuenta The Kidnapping of Edgardo Mortara, en el que fichó al actor de origen guatemalteco Óscar Isaac como protagonista. La cinta  relata la historia de un niño judio que es separado de sus padres por los inquisidores católicos, bautizado en secreto y dado en adopción, donde es criado como cristiano. El filme ambientado en 1858 comenzará a rodarse el próximo año.

“Muchas de mis películas tratan sobre la forma en que yo deseo que fuera el mundo, y eso forma parte de mi arte, que a fin de cuentas es un arte interpretativo”, ha indicado.

“Han pasado 10 años. Me siento bien. Estoy sobrio, todo esto  es una etapa oscura de mi pasado”, dijo a la revista Variety.

La película, Hacksaw Ridge transcurre durante la Segunda Guerra Mundial con la religión como hilo conductor.

Narra la  historia real de Desmond Doss —Andrew Garfield—, quien se alistó en el ejército para salvar vidas en el frente como médico, pero  se negó a empuñar un arma por convicción.

“He hecho un buen trabajo con Hacksaw Ridge y sé que para muchos estoy de vuelta, pero yo nunca me fui”, afirmó a EFE. “Nunca dejé de trabajar, simplemente no lo hacía de forma tan prolífica. Ahora vuelvo y quiero seguir haciendo esto. Se me da bien y me encanta”, dijo.

A juzgar por las críticas, el regreso de Gibson detrás de la cámara se prevé un éxito y podría llevarlo a  los premios Óscar, lo que supondría el “perdón” oficial de una industria con la que Gibson mantuvo un gran idilio gracias a Braveheart (1995), premiada con cinco estatuillas.

En su discurso de agradecimiento, Loach aprovechó la oportunidad para lanzar un vibrante alegato contra los peligros del neoliberalismo.

“El mundo en que vivimos está en un punto peligroso, al borde de un proyecto de austeridad que llamamos neoliberal, que corre el riesgo de llevarnos a la catástrofe”, declaró.

La clase trabajadora en caída libre es la protagonista del inquietante espejo que tiende a nuestra época la cinta de Loach, que muestra el calvario cotidiano de buscar un empleo o conservar la ayuda social en una Inglaterra en crisis.

Daniel Blake  (Dave Johns) es un carpintero de 59 años de la ciudad inglesa de Newcastle que se ve obligado a recurrir a esa ayuda después de padecer problemas cardíacos.

Aunque su médico le prohibió trabajar, el sistema lo obliga a buscar un empleo o exponerse a perder la escasa asistencia que apenas le alcanza para vivir.

En su visita cotidiana a la oficina que atiende a los desempleados, conoce a una madre soltera  (Hayley Squires) también en dificultades e igualmente atrapada, con sus dos hijos, en un sistema que la aplasta.

El actor, que cumplirá 80 años en junio, y con una larga filmografía militante, ratifica así su postulado de base: el capitalismo salvaje hunde al individuo.

Otros ganadores

Cannes coronó además a Juste la fin du monde, la sexta película del joven prodigio del cine, el canadiense Xavier Dolan, que a los 27 años y contra todos los pronósticos se alzó con la segunda recompensa más importante del certamen, el Gran Premio.

El filme, un drama familiar sobre un escritor homosexual que se entera que va a morir y decide regresar al núcleo familiar para anunciárselo a los suyos, había dividido a la crítica internacional.

Mommy, su primera cinta en competición en la sección oficial en Cannes, había recibido en 2014 el Premio del Jurado, aunque muchos habían apuntado que habría sido una buena Palma de Oro.

 “Todo lo que uno hace en la vida es para ser amado, para ser aceptado”, dijo Dolan, entre lágrimas. “Haré películas toda mi vida, me quieran o no”, agregó.

American Honey, un filme que retrata a una juventud estadounidense en busca de su sueño americano, de la directora británica Andrea Arnold, fue recompensado con el Premio del Jurado.

Protagonizado por Shia LaBeouf, esta “road movie”  sigue el periplo de un grupo de jóvenes que recorre Estados Unidos vendiendo suscripciones a revistas puerta a puerta, entre fiestas hasta el amanecer e historias de amor.

El premio a la mejor actriz se lo llevó la filipina Jaclyn Jose, de 52 años, por su papel en MaRosa, un grito contra la corrupción firmado por su compatriota Brillante Mendoza.

 Del lado de los actores, el galardón fue para el iraní Shahab Hosseini, de 42 años, por su papel de un actor de teatro en The Salesman. Este drama del iraní Asghar Farhadi sobre la clase media de Teherán se llevó también el premio al mejor guión.

El francés Olivier Assayas y el rumano Cristian Mungiu compartieron el premio al mejor director por Personal Shopper y Bacalaureat, respectivamente.

El francés Jean-Pierre Léaud, actor fetiche de Francois Truffaut y protagonista de La muerte de Luis XIV,  del español Albert Serra, fue galardonado con una Palma de Oro que recompensa su trayectoria.

Aunque Pedro Almodóvar se quedó por quinta vez sin Palma de Oro a la que aspiraba con Julieta, otro español, el catalán Juanjo Giménez, se llevó la Palma de Oro al cortometraje con su filme Timecode.

El brasileño Kleber Mendona Filho, director del filme Aquarius protagonizado por Sonia Braga, fue otro de los que se marcharon de Cannes con las manos vacías, al termino de este festival lleno de sorpresas.

El director británico estuvo al frente de los éxitos en taquilla Goldfinger,  Diamonds Are Forever,  Live And Let Die y The Man With The Golden Gun.

Moore tuiteó que estaba “profundamente entristecido de saber que el maravilloso director Guy Hamilton se ha ido a la gran sala de edición en el cielo”.

Hamilton nació en París el 16 de septiembre de 1922, hijo de padres británicos. Trabajó con la empresa noticiosa Paramount News en Inglaterra durante la Segunda Guerra Mundial, antes de rendir su servicio en la armada.

Tuvo su primer trabajo en el cine en 1948 cuando el legendario director británico Carol Reed lo contrató como asistente de director para The Fallen Idol, una historia de suspenso contada desde la perspectiva de un niño de 9 años.

Hamilton también trabajó con Reed en The Third Man protagonizada por Orson Welles, y con John Huston en The African Queen con Humphrey Bogart y Katharine Hepburne.

Hamilton dirigió varias películas en la década de 1950, rechazó la oportunidad de dirigir la película de James Bond Dr. No, pero aceptó el trabajo para Goldfinger.    

En una entrevista de 2003 con el cibersitio de internet Film Talk, Hamilton dijo que el guion de Goldfinger era bueno pero demasiado americanizado, y que tenía que trabajar para hacer que los villanos fueran más creíbles.

“Así que tuve que asegurarme de que todas las escenas Inglesas fueran más Inglesas” , dijo Hamilton.

“Me gustaba la idea de un villano intelectual. Un villano Bond tiene que ser el equivalente intelectual y un oponente digno para Bond”.

Hamilton dirigió 22 películas en total y estuvo casado en dos ocasiones, con las actrices Naomi Chance y Miriam Charriere, conocida por el nombre artístico de Kerima.

Una muestra de su carácter rompedor, el más revolucionario de la nouvelle vague, introdujo técnicas nuevas, como la de pedir a sus actores que improvisaran.

Entre sus obras más conocidas figuran Paris nous appartient, LAmour fou, Céline et Julie vont en bateau, Norot, Lamour par terre, Hurlevent  o Ne touchez pas  la hache.

En total, una treintena de filmes dirigidos entre 1949 y 2009, además de una serie de críticas en los años en los que trabajó en la revista Cahiers du cinéma, entre 1952 y 1965.

Durante su carrera tras las cámaras fue fiel a una serie de actrices, como Bulle Ogier, Juliet Berto, Jane Birkin, Géraldine Chaplin, Sandrine Bonnaire, Emmanuelle Béart o Jeanne Balibar.

Pero también a los guionistas Jean Gruault, Suzanne Schiffman, Pascal Bonitzer y Christine Laurent.

Su cortometraje Le coup du berger, rodado en 35 milímetros en el apartamento de Chabrol en 1956, es considerado el detonante de la nouvelle vague.

Un movimiento al que se mantuvo fiel durante medio siglo con su espíritu de libertad, que en su caso se tradujo en una permanente búsqueda de la trasgresión de las reglas.

Rivette nació en Rouen el 1 de marzo de 1928 y sus primeros contactos con el cine fueron a través de la crítica, a través de la cual siempre buscó la polémica.

Cuando en 1949 desembarca en París se encuentra en la cinemateca a Truffaut, Chabrol y Godard, con quienes funda La Gazette du cinéma, donde para muchos se establecen los fundamentos de la nouvelle vague.

En los años siguientes trabajó como auxiliar técnico para Jean Renoir, Truffaut y Rohmer, hasta que tras rodar varios cortos lanzó su primer largometraje, Paris nous appartient, tras superar problemas de financiación.

Gibson se ha mantenido en las sombras casi por una década tras un arresto explosivo por conducir ebrio y una disputa pública por la tutela de su hija.

Otros de los presentadores son Jim Carrey, Amy Adams, Helen Mirren, Kurt Russell, Jamie Foxx, Kate Hudson, Eddie Redmayne y Channing Tatum.

Ricky Gervais será el maestro de ceremonias en la gala que se transmitirá en vivo por NBC.

Zsigmond, nacido en Hungría, ayudó a definir la Nueva Ola del cine estadounidense en la década de 1970 a través de sus emblemáticas colaboraciones y su preferencia por la luz natural.

Alcanzó el reconocimiento por sus colaboraciones con Robert Altman en el clásico McCabe & Mrs. Miller (Del mismo barro) y en The Long Goodbye (Un adiós peligroso).

Por su trabajo en el clásico de Michael Cimino El francotirador (The Deer Hunter) fue nominado a un Óscar. También trabajó con Brian De Palma en películas que incluyen Blow Out (Estallido mortal).

Ganó un Premio de la Academia por Encuentros cercanos del tercer tipo, de Steven Spielberg.

Vestido con chaqueta y pantalón vaqueros, Tarantino relató a los seguidores que acudieron al acto sus primeras experiencias en Hollywood, cuando era un niño y sus padres le llevaban a ver películas en el Teatro Chino de Los Ángeles, como Butch Cassidy and the Sundance Kid, Airport o Diamonds Are Forever, el primer filme que pudo ver del agente secreto James Bond.

Añadió que consideraba a Hollywood su “hogar”, incluso antes de que viviera ahí, y afirmó que se sentía miembro de esta comunidad.

Tarantino fue presentado por el actor y compañero en muchos de sus proyectos Samuel L. Jackson, quien cumplía hoy 57 años, por lo que el público le felicitó cantando “Cumpleaños Feliz”.

Jackson destacó la influencia de las películas de Tarantino, le dio gracias al director por ser como es y subrayó su importancia en el cine concebido como una industria de entretenimiento para “hacer feliz”  a la gente.

Annie Hall (1977)

Su primer gran éxito y la que logró más óscar -cuatro-, incluido el único a mejor película de su carrera para la que fue su mejor colaboración con Diane Keaton y con la que estableció esa mezcla de comedia y drama que tan bien le ha funcionado desde entonces.

Manhattan (1978).

Toda una declaración de amor por su adorada Nueva York y con la imagen que mejor representa su cine. Woody Allen y Diane Keaton sentados en un banco y contemplando el puente de Brooklyn, en un blanco y negro tan bello como melancólico. Desde entonces, lugar de peregrinaje para los fanes del realizador.

La rosa púrpura del Cairo (1985).

Mágica es la palabra que mejor define a esta historia que homenajea el cine, la imaginación y los sueños. Una dulce Mia Farrow para una historia que se alejó de la habitual contemporaneidad de Woody Allen pero no de las relaciones de pareja.

Hannah y sus hermanas  (1986).

Una historia de relaciones cruzadas, de nuevo un canto a Manhattan y la única en la que la pareja protagonista se llevo el Óscar: Diane Wiest y Michael Caine -único actor en lograrlo por un filme de Allen-. El mejor resumen, un verso de E.E. Cummings que el realizador utiliza en la historia: “Nadie, ni siquiera la lluvia, tiene las manos tan pequeñas”.

Crímenes y pecados (1989).

Un reparto de lujo, con Martin Landau, Alan Alda o Angelica Houston, para una historia de amor, religión, existencialismo, traiciones y remordimientos, un reflejo de la vida, con sus toques de ironía y la elegancia de un estilo narrativo único.

https://www.youtube.com/watch?v=oziELpB6Av0

Misterioso crimen de Manhattan (1993).

Woody Allen recuperó en esta película un poco de la locura de sus inicios, aunque pasada por el peso de los años y de la experiencia. Toques de Agatha Christie convenientemente mezclados con las neurosis del realizador neoyorquino.

Match Point   (2005).

La mejor de las películas que ha rodado en Londres. Un triángulo amoroso lleno de traiciones y mentiras, una de las historias de base favoritas de Allen, que se mueve como pez en el agua entre las falsedades y ambiciones de la clase media que aspira a más.

https://www.youtube.com/watch?v=5FhLjoreB1w

Medianoche en París (2011).

Allen recuperó en París la magia de El Cairo para una historia en la que saltaba en el tiempo sin justificación alguna. La única, ofrecer una película llena de luz, de literatura y de diversión con un montón de actores que se rindieron a su genio.