Vive el verano luciendo increíble

En la ciudad o en el mar, en el lago, sin importar en que lugar del país se disfrutará de esta época de sol, Almacenes Siman se convierte en el aliado perfecto para equiparse con todo lo necesario para disfrutar y lucir espectacular con su campaña Vive el Verano.

Vida Empresarial

21 de marzo de 2024 | 23:28h

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Llega el momento de disfrutar vibrantes aventuras y merecidas pausas de lo cotidiano, y que mejor con la nueva temporada de Siman llega cargada de variedad, colores y estilos para todos, siempre hay algo para cada miembro de la familia.

“La propuesta de Almacenes Siman para este verano está llena de sorpresas y tendencias únicas para ofrecer una pausa a esa rutina cotidiana. Desde excursiones al aire libre hasta un relajante día de playa, la selección de productos de Siman está diseñada para complementar cada actividad con estilo y comodidad”, comentó Gabriela Retana, Gerente de Marketing de Siman.

Empecemos con ellas

Para las damas, Siman tiene en su portafolio trajes de baño de marcas Orange y Women Secret entre otros, así como las novedades del Corte Inglés y Sfera. La colección incluye una gama de vestidos, shorts y salidas de baño que prometen ser el centro de todas las miradas.

Para ellos

Con opciones que van desde la moda casual de las camisetas Jack & Jones, OP y Denim & Flowers; hasta la elegancia de las guayaberas Cubavera. Las marcas Hurley y Polo Ralph Lauren ofrecen trajes de baño que combinan estilo y confort, ideales para disfrutar de eso días de sol y calor.

Y para los peques

Con marcas como Sfera, Name it, Kily y Milon; los niños disfrutarán de colores vivos y diseños divertidos, en trajes de baño de las marcas Hurley, Tommy, Mermaids y OP. La sección para bebés se renueva con la marca de trajes de baño Allura, asegurando que incluso los más pequeños estén listos para la diversión bajo el sol.

El calzado veraniego es indispensable y para todos los gustos y edades hay. Desde las icónicas Crocs hasta sandalias de marcas como Tommy Hilfiger y Steve Madden, hay un estilo para cada personalidad. Se pueden encontrar además sneakers de las marcas Adidas, New Balance y Puma para damas y caballeros. La selección de carteras y sombreros de playa de Siman son la verdadera definición de moda.

La importancia del cuidado personal

Con la exposición al sol, el cuidado de la piel es prioritario. Almacenes Siman ofrece una variedad de protectores solares y productos de hidratación para mantener la piel saludable y radiante.

Tecnología y confort para la aventura

Para la casa o al aire libre, las marcas Sony, JBL y Klipsch ofrecen lo último en audio inalámbrico. Si se busca refrescar el ambiente, Siman dispone de aires Haier y frigobares marca Mabe y Whirlpool para tener bien equipado tu hogar.

Y para los viajes, hay una selección de maletas Samsonite, Swiss Brand y Travel Pro, junto con hieleras Igloo, las cuales son imprescindibles para cualquier escapada. Y para los amantes de la naturaleza, la marca Ecology ofrece todo lo necesario para el camping perfecto.

Bajo el título Mutaciones, el evento de este año propuso reflexionar la arquitectura como garante de la supervivencia ante el paso del tiempo y la obsolescencia, así como un elemento de transformación y superación de nuevas dinámicas.

Dentro de una alineación con panelistas de cinco países (México, Italia, Estados Unidos, Turquía, Inglaterra y Portugal), destacó  la participación de Sally Mackereth, arquitecta inglesa quien durante los últimos 25 años ha explorado la relación de la arquitectura con el medio ambiente y la vida de las personas.

En esta plática, Mackereth nos acerca a sus impresiones sobre el uso del espacio físico en un mundo postpandemia en el que las relaciones sociales han mutado a una forma híbrida.

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¿Cuáles cree que son las urgencias más recurrentes de la arquitectura y la urbanidad en este momento de la historia?

Vivimos en un mundo distópico, post-pandémico de rápido calentamiento global, con una gran crisis energética, escasez de alimentos, guerras, desilusión política, disturbios civiles y una brecha cada vez mayor entre riqueza y pobreza.

Por supuesto que los arquitectos no pueden salvar el mundo, pero como creadores de cambios, debemos garantizar un futuro que sea habitable para todas las personas. La pandemia nos ha enseñado a ser conscientes de los efectos potenciales del diseño, así como de los edificios. Ahora nos queda reconocer la deuda que tenemos con el entorno natural.

¿Considera que estas emergencias estructurales refieren específicamente a lo que sucede en los países del Norte Global?

Diría que se trata de una crisis global pero no hay una solución arquitectónica universal, ya que la arquitectura debe hacerse en relación con cada contexto. Nunca puede concebirse como una “talla única” para adaptarse a cada lugar.

¿Qué puede decir sobre las emergencias urbanísticas y arquitectónicas en países subdesarrollados como Guatemala?

Soy consciente de las complejidades de la política aquí, pero simplemente diría que los gobiernos de estos países deben pensar a largo plazo, invirtiendo en una arquitectura considerada y contextual que aborde las necesidades de vivienda, salud, cultura y educación de su gente.

¿Qué relación cree que tiene la arquitectura con la identidad de quienes habitan un territorio?

Es fundamental que la arquitectura refleje los valores y culturas de su gente para que sea una expresión tridimensional de sus esperanzas y sueños colectivos. Los edificios deben ser inclusivos en su diseño, ser fuente de orgullo cívico y generar un sentido de verdadera identidad y pertenencia.

¿Cuál cree que es la importancia de desarrollar proyectos urbanos que respeten los entornos naturales y las personas originarias de las comunidades de esos territorios?

La arquitectura debe ahora más que nunca respetar, preservar la tierra y el orden natural, así como los pueblos indígenas y sus territorios.

¿Cuáles tendencias están impulsando nuevas formas de ver la arquitectura hoy en día?

Hay un creciente sentido de responsabilidad que sienten los arquitectos por cuestionar el modelo doméstico serio y de volver a concebir formas sostenibles de vida tanto en la ciudad como en la tierra. La revolución tecnológica ha traído soluciones inteligentes que están a la altura de los desafíos sociales planteados por la pandemia global para crear un hogar híbrido.

Esto se manifiesta como un entorno flexible con espacios multifuncionales que permiten la ocupación multigeneracional y un hogar que puede transformarse para la adaptación a ese cambio inevitable en la forma en la que trabajamos, descansamos y jugamos ahora.

 

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¿Qué impresión le deja el territorio arquitectónico y urbano en Guatemala?

Vivo en Londres y he tenido la suerte de trabajar en muchas ciudades importantes del mundo, pero tenía curiosidad por visitar Guatemala y vine sin ideas preconcebidas. Aparte de sus locos atascos de tráfico, estoy sorprendida por la arquitectura modernista junto con edificios art-deco y otros más tradicionales del patrimonio hispano. Quedé fascinada con el Palacio Nacional de la Cultura y totalmente asombrada por el Teatro Nacional.

¿Cuál cree que es la importancia de hablar de arquitectura hoy en día?

Es una profesión noble que conlleva una gran responsabilidad, ya que los edificios que diseñamos sobreviven e impactan a las generaciones venideras. El debate arquitectónico es esencial si queremos habitar edificios que puedan inspirar con elegancia mientras se adaptan a nuestras necesidades.

¿Qué recomendaciones les daría a las personas interesadas en aprender más sobre arquitectura? ¿Cómo deberían empezar a involucrarse en información estructural y estética?

Internet es un punto de partida crucial ahora que se pueden consultar sitios web como Pinterest, Wallpaper, Dezeen, Architectigest, o Architecture. Es interesante viajar para la inspiración, pero recomiendo empezar con una exploración de las propias ciudades sin un mapa o un plan.

Las prestigiosas universidades de Stanford y Harvard y el Instituto de Tecnología de Massachusetts (MIT) tienen cursos dedicados a esta metodología. Y cada vez son más las marcas de renombre, como Apple, Google o Samsung, que adoptan este sistema.

¿Pero en qué consiste, en líneas generales, el design thinking?

“Consiste en mirar el mundo como un diseñador. Y eso significa preguntarte cómo mejorar el mundo desde la perspectiva de un diseñador“, le explica a BBC Mundo Sandy Speicher, directora ejecutiva de IDEO, una compañía de diseño global a la que se atribuye la popularización del método.

La empresa -fundada en Palo Alto, California, y con sedes en Europa, Asia y Norteamérica- no inventó el design thiking (ya se había escrito sobre ello en la década de 1960), pero se hizo conocida por practicarlo y aplicarlo a la resolución de problemas desde principios de los 90.

Speicher lleva casi 17 años en IDEO y es la primera mujer que asume el cargo de directora ejecutiva en la compañía. Es reconocida internacionalmente por su experiencia en el diseño de sistemas a gran escala y en educación, y lideró en Perú la implementación de un sistema escolar partiendo desde cero.

“Podemos usar el design thinking para involucrar a comunidades en diseñar mejores escuelas, mejores hospitales, sistemas de votación… ¡y tantas otras cosas! Especialmente en esta época de pandemia en la que hay tanto por diseñar y reimaginar”, dice Speicher.

El design thinking se aplica a muchos sectores, y no es exclusivo de quienes tienen formación en diseño.

Más allá del mundo del diseño

“Se originó con productos, luego se expandió a servicios y después a espacios y sistemas. Hoy se ha vuelto central en negocios para multitud de aspectos, desde ser más sostenibles hasta implementar una estrategia digital”, explica Speicher.

“Cuando aplicas el design thinking a un negocio empieza a cambiar la manera de trabajar”, añade la diseñadora.

“Aprendemos a ser más colaborativos, a involucrar a distintas ramas de un equipo o de una empresa”.

El design thiking también puede aplicarse a decisiones no empresariales.

“A veces, hacemos ejercicios de grupo en los que usamos el design thinking para desarrollar, por ejemplo, cómo sería una cena perfecta. Hay preguntas simples y específicas en las que puedes aplicar el design thinking, y otras más grandes y significativas”, dice Speicher.

Saúl Loriente Rodríguez, fundador y director de Design Thiking España -una empresa especializada en pensamiento de diseño, cuya web es la página en español con más información sobre design thinking– está de acuerdo.

Loriente, quien empezó su carrera como creativo publicitario y ahora se dedica a la estrategia de marcas, define el design thinking como una “metodología de innovación centrada en la creación de soluciones”.

“En un proceso de design thinking partes de un problema -al que llamamos reto- y tienes que encontrar una solución. Y podemos estar hablando de cualquier tipo de producto o servicio, desde una mejora en un sistema de autos compartidos hasta un viaje en familia”, añade Loriente.

Lo más importante, dice el especialista, es que tengas en cuenta a las personas a las que afecta ese problema (y para quienes vas a diseñar una solución).

Una pregunta vital: ¿para quién diseñas?

“Una cuestión muy importante del design thinking es que siempre ponemos en el centro a las personas, a los usuarios. Es vital entender al usuario para quien diseñas, generar soluciones a sus problemas o necesidades e implementarlas”, le explica Loriente a BBC Mundo.

“La idea es encontrar una solución rápida y económica que puedas mostrar al usuario, y que luego, a través de su feedback, obtener pistas para que tú vayas sabiendo si vas por buen camino (a eso lo llamamos prototipado)”, resume Loriente.

“Esto supone que cuando diseñas soluciones no lo haces pensando en intuiciones o en tus propias ideas, sino que observas e investigasa las personas para quienes vas a diseñar“, dice Loriente.

Speicher añade que es vital preguntarnos no solo para quién estamos diseñando, sino con quién estamos diseñando, “e incluir a esa persona (o personas) en el proceso de diseño”.

El proceso creativo: imagina posibilidades

“A menudo se habla del design thinking como un proceso, que siempre empieza con una cuestión que hay que resolver”, dice Speicher.

“A todos nos educaron con diferentes clases de ciencias. Aprendimos una forma de pensar científica, que es el método científico: a examinar el mundo, a analizarlo, a elaborar hipótesis. Es un proceso básico que también existe en el diseño y que comienza con una pregunta: ¿qué puedes hacer mejor y cómo entender mejor lo que la gente experimenta y necesita?”.

“Sintetizamos todo eso en posibilidades imaginarias: ¿y si el mundo se viera así? ¿y si este producto fuera así? ¿y si un servicio fuera de esta otra manera? Como parte de ese proceso, probamos las ideas con la gente, y luego hacemos iteraciones”, explica Speicher.

Luego, dice Speicher, buscamos la inspiración abarcando todos los ángulos de la pregunta, fijándonos en cómo se abordó antes y escuchando a la persona para quien diseñamos.

“En esencia, es un proceso muy colaborativo que implica comprender a las personas, imaginar nuevas posibilidades, probar y aprender cosas, recibir feedback y repetir constantemente”, señala la diseñadora.

En muchas webs especializadas en design thinking se habla de un proceso de cuatro, cinco, seis y hasta 10 pasos distintos.

El primero suele basarse en la empatía, dice Speicher, “porque es vital escuchar y comprender para hacerse la pregunta adecuada y buscar inspiración”.

Pero la directiva de IDEO subraya que no siempre es necesario seguir una estructura lineal.

No obstante, si quieres tener una referencia, puedes seguir este esquema:

• (EMPATIZA) Formula una pregunta: piensa en para quién diseñas.
• (DEFINE) Busca inspiración: sal al mundo a buscar inspiración, observa, descubre.
• (IDEA) Genera ideas: usa la inspiración más allá de lo obvio para encontrar soluciones nuevas.
• (PROTOTIPA) Haz que las ideas sean tangibles: crea prototipos preliminares y descubre qué funciona y qué no.
• (PRUEBA) Prueba y error: pon a prueba tus prototipos, itera (repite teniendo en cuenta el feedback).
• Comparte la historia: una vez que encuentres la solución adecuada, elabora y comparte la historia para presentarla a tus colegas y clientes.

“Podemos usar estos pasos para estructurar nuestros pensamientos, pero debemos recordar que no estamos limitados a esa secuencia”.

“Siempre estamos escuchando, aprendiendo, creando, iterando e imaginando. Todas esas capacidades entran en juego todo el tiempo”, agrega Speicher.

Veamos un ejemplo…

“Imagínate, por ejemplo, que tú lo que quieres hacer es mejorar el uso de un servicio de autos compartidos y potenciar su uso en personas jóvenes”, propone Loriente.

Empezamos por empatizar y observar: “Si lo abordas desde el design thiking, en la primera parte de ese proceso harás entrevistas a personas jóvenes o las observarás para ver qué es lo que realmente les está faltando en el sistema de autos compartidos”.

Y aquí llegamos a la definición: “Supongamos que, de todo lo que investigas y encuentras, te parece que lo más interesante es que los jóvenes ven un problema al aparcar porque tienen que gastar más dinero, puesto que tardan más tiempo”, añade Loriente.

Entonces estamos en la fase de ideación: “Ahora que tú has descubierto eso – y que te vas a centrar en ese problema – es cuando empiezas a generar soluciones. Y a lo mejor dices: ‘pues voy a poner a personas de la empresa que aparquen el coche, o voy a poner en una característica en la aplicación que avise a un usuario dónde puede aparcar”.

Ahora llega el prototipado: “Se trata de materializar las ideas que se te han ocurrido, pero de una forma muy sencilla. Por ejemplo, en lugar de rediseñar la aplicación entera o la nueva funcionalidad que has pensado, lo que haces es hacer un dibujo, lo que llamamos un wireframe (guía visual)”.

“Lo haces de forma rápida y barata, pero lo suficientemente aterrizado visualmente como para que el usuario pueda entender lo que tú le estás proponiendo”, explica el creativo.

Finalmente, la validación: “Le enseñas al usuario lo que se te ha ocurrido para él, y él te dice qué le parece. Si le parece perfecto, pasas a producir esa solución. De lo contrario, aprendes de lo que te ha dicho, y ya tienes un punto de partida para hacer una versión mejorada de la solución”.

Una mentalidad innovadora

Loriente dice que el design thinking siempre promueve la creatividad porque una de sus fases está orientada a generar nuevas ideas.

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Él subraya que una característica importante para desarrollar esa creatividad es tener una mentalidad innovadora.

“Una mentalidad innovadora es creativa, tiene iniciativa y no le da tanto miedo equivocarse. A una mentalidad creativa le gusta explorar nuevas relaciones entre cosas, trabaja en equipo y no da nada por sentado”.

Loriente dice que si aprendes a tener una mentalidad innovadora podrás adoptar mejor cualquier proceso de diseño o que implique innovar y que, al mismo tiempo, poner en práctica el desing thinking te puede ayudar a desarrollar las características de una mente innovadora.

Para Speicher, la clave está en primar la creatividad.

“Hay métodos y hay modos de pensar. Es decir, están las cosas que hacemos y está la manera en que las orientamos, cómo estructuramos nuestra mente para encontrar saltos creativos“, dice Speicher.

“La razón principal por la que desarrollamos procesos de diseño no es porque nos den la respuesta a un problema, sino porque son la matriz para el proceso creativo; nos permiten priorizar nuestra creatividad“.

“El design thinking es una manera de ayudarnos a ser creativos, a sacar afuera esa creatividad y ponerla a prueba”.

“Todo el mundo tiene la capacidad de ser creativo, todo el mundo puede diseñar. Solo hay que atreverse a ponerlo en practica”.

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Argüello trabajó en los efectos visuales de películas como Las Crónicas de Narnia, Riddick, Fast and Furious 3, The Ring y Las Crónicas de Riddik, pero su trabajo también abarca la capacitación en entrenamiento digital.

Entre otras importantes iniciativas, Argüello lanzó en Guatemala el programa Animación Digital en Centro América, con el cual se capacitaría a 900 jóvenes para crear películas y quienes tendrían mejores perspectivas en el mercado laboral.

De acuerdo con una entrevista hace algunos años, su sueño era “crear nuevas oportunidades para desarrollarse en arte y tecnología en Centroamérica, y que nadie tenga que irse como lo hice yo, a buscar su sueño a otro lugar”.

Así, en 2003, empezó Studio C, en Antigua Guatemala, que luego crecería y se trasladaría a 4 Grados Norte, con el objetivo de que los años de experiencia que tenía los pudiera utilizar en proyectos locales que tuvieran un impacto visual en la sociedad, como él mismo lo afirmaba. 

En 2007 creo la Fundación CA, cuyo objetivo era promover la educación y cultura a través del arte y la tecnología. 

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Argüello estudió en la academia de artes de San Francisco, EE. UU., y se destacó como director creativo y artístico de famosas compañías como Walt Disney, Cinesite y Synthetic Video. 

En 2006 obtuvo una nominación en los Premios Óscar por mejores efectos especiales y colaboró en el video musical Black and White, del fallecido Michael Jackson.

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Si ese es su proyecto, párese frente a sus espacios, visualice los cambios que quiere hacer y antes de ponerse manos a la obra tome nota de las claves que le garantizarán el éxito de su remodelación.  El arquitecto Axel Mejía, de Rojoma Constructora, recomienda tomar como punto de partida: el presupuesto, mano de obra, trámites o permisos municipales y diseño.

Cada uno tiene varias características a seguir, pero no se desespere, porque le facilitarán la tarea y le asegurarán los buenos resultados.

Hablemos del presupuesto

Por muy pequeño o grande que sea el proyecto asegúrese de destinar una cantidad de dinero que amortice los gastos de materiales, mano de obra, incluso pago de impuestos si fuese necesario sacar permisos de construcción.

Calcule el monto en función de un presupuesto desglosado.  Para ello, una buena recomendación es cotizar servicios a contratar, calidad de materiales, incluso tiempos de entrega.  Eso le ayudará a tener idea de cuáles serán los costos y así saber cómo será el financiamiento.

En este punto también es preciso tener ideas claras del diseño, pues si en el transcurso de la obra hay cambios, debe tomar en cuenta que eso también variará en sus costos.  Por eso, tómese bien su tiempo para planificar el proyecto.

Los creadores, la mano de obra

Si no tiene habilidades con los materiales de construcción, ni mucho menos tiempo para hacerlo usted mismo, lo mejor será contratar servicios profesionales y especializados en el tema.  Asesórese mediante recomendaciones directas de trabajos ya realizados, verifique que el profesional a contratar valide sus referencias y observe portafolios de otras obras.  Utilice las herramientas de redes sociales para investigar a la empresa que le ofrecerá los servicios de construcción.

Al tener al equipo elegido, de preferencia realice contrato por los servicios y especifique rubros de trabajo, cantidades, costos, tiempos de entrega y cronograma de ejecución.  La duración del trabajo dependerá de la dimensión del  proyecto.

Ojo con los trámites municipales

Algunos proyectos menores de remodelación en el interior del hogar no requieren de permisos municipales.  Sin embargo, otros más planificados como la fundición de una terraza, ampliaciones de vivienda, cambios en la fachada o construcción de un segundo o tercer piso, requieren la autorización para realizarlas.

Además, los requisitos pueden variar dependiendo del departamento de planificación y construcción de la municipalidad en la que se encuentra la propiedad.  El arquitecto Mejía, menciona que entre esos están la licencia de construcción municipal, resolución favorable del Ministerio de Ambiente, del Ministerio de Salud, Conred y Empagua.

Sin esos trámites autorizados, no se puede dar inicio con la ejecución del proyecto.  Y si se omiten, se corre el riesgo de pagar multas que al final resultan más caras que la propia construcción.  Por ello, antes de ponerse manos a la obra asesórese bien en la Ventanilla única de la municipalidad.

El encanto está en un buen diseño

Tome en cuenta que debe realizar el diseño del proyecto de remodelación.  Para eso considere si desea una continuación de lo ya existente o si realizará un cambio total en acabados y espacios.

Busque ayuda profesional con arquitectos y diseñadores de interiores.  Ellos son profesionales en el tema y le brindarán la mejor asesoría para saber cómo aprovechar al máximo su espacio, determinar cuánto material necesita para un óptimo desarrollo del proyecto, dirigirlo y supervisarlo de manera profesional, e incluso hacer realidad la imagen de esa estancia que tanto anhela.

Si no cuenta con recursos económicos para pedir ayuda profesional, no se desanime.  También puede optar por el uso de herramientas digitales para consolidar una idea general de lo que quiere realizar.   Tome en cuenta que no se debe considerar como un sobrecosto, la contratación de un profesional, ya que al hacerlo se garantiza y se evita problemas en algún futuro cercano al tener un cálculo o diseño inadecuado, pues las correcciones en obra pueden llegar muchas veces a sobrepasar los costos de los proyectos originales.

La durabilidad está en los materiales

No escatime en la compra de sus materiales.  Al adquirir los mejores productos tendrá la garantía que su proyecto de construcción tenga una durabilidad de largo plazo.

Roberto Ortiz, gerente de instalaciones, comenta que dependiendo del diseño se podrá verificar el uso de productos, en el mercado hay varias opciones que se les denomina como prefabricados, los cuales minimizan el tiempo de construcción, o bien los regulares que suelen tener un poco más de durabilidad.  Con un buen plan de trabajo, la remodelación quedará lista para disfrutar de su casa con nuevos espacios.

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Posiblemente no estés familiarizado con ella pero si miras a tu alrededor, no será difícil verlos: los esqueuomorfos están por todas partes.

Pero, ¿qué son?

La palabra misma viene del griego: skeuos -que significa herramienta o contenedor- y morphé -forma-, pero no la encontrarás en el diccionario de la Real Academia de la Lengua.

No obstante, el término ha sido usado durante mucho tiempo, particularmente por historiadores y arqueólogos.

Denomina “la presencia en un objeto de rasgos formales que carecen de motivación en relación con sus funciones o condiciones de su producción y que tan sólo pueden explicarse como atavismos con respecto a un modelo diverso en su uso o en condiciones técnicas“, como explicó en su libro “Formas Elocuentes” el prestigioso medievalista Serafín Moralejo Álvarez.

Mmm… ¿aún no te queda muy claro? ¿Y la foto de arriba más que aclarar las cosas, te confunde?

Pues no te preocupes: con unos pocos ejemplos e identificarás esqueuomorfos sin dificultad.

• BBC Ideas – Qué es un esqueumorfo (Animación en inglés)

Empecemos por esa foto

En esos jeans de la foto, y quizás en los tuyos, los esqueuomorfos son los remaches, esas extrañas pero tan familiares piezas de metal.

¿Por qué?

Porque son una herencia estética de una época en que el jeanera demasiado grueso para mantenerse unido solamente con hilo. Aunque más tarde ya no se necesitaban, los remaches de metal se siguieron usando… y eso es un esqueuomorfo.

Son -como escribió Moralejo- “el testimonio más espectacular del profundo arraigo del instinto figurativo de la conciencia y subconsciencia humanas”.

Los esqueuomorfos se producen, explica, “porque las formas, adheridas por generaciones a determinados usos, acaban por sentirse como connaturales a ellos”.

Piensa en un automóvil.

Más bien en sus ruedas.

Las ruedas de los vagones de antaño y de las bicicletas necesitaban radios, pero después las ruedas de los automóviles no, y sin embargo muchos aún los tienen únicamente por su aspecto.

Es como si las ruedas sin los radios, no fueran ruedas.

Por otro lado, los motores fueron colocados originalmente en la parte delantera de los automóviles porque los caballos halaban a sus antecesores desde adelante.

El “caballo de fuerza” para medir su potencia es en sí mismo un esqueuomorfo, que se quedó con nosotros mucho después de que liberáramos a los caballos de esa tarea.

Y hay un ejemplo más en los autos de lujo: los adornos del capó, que solían ser simples tapas de radiadores.

Un ejemplo clásico de esqueuomorfismo lo encuentras en las decoraciones en las piedras de los antiguos templos griegos.

Los triglifos dóricos, esos diseños con tres bandas verticales separadas por acanaladuras, se derivaron de los de templos de madera anteriores y se crearon exclusivamente con fines ornamentales.

Los triglifos en la piedra están en el lugar que solían estar los extremos de las vigas con las que se hacían los tejados de las casas. Aunque la madera dejó de usarse, su huella quedó, como decoración, en la piedra.

“La forma de un objeto es más que su forma“, señaló el historiador del arte.

Ahora sí los verás por todas partes

Aunque los esqueuomorfos nos han acompañado desde tiempos prehistóricos, en el siglo XX se volvieron cotidianos.

Se colaron por todas las rendijas… hasta en los lugares a los que los fieles de las religiones van a orar.

¿Has visto que, en muchas iglesias, las velas de los altares de ofrendas ya no son de cera sino eléctricas?

La costumbre de hacer ofrendas encendiendo velas se mantiene, aunque esas “velas” sólo lo sigan siendo por su forma.

Así, hay muchos más ejemplos en el mundo físico, pero es en el mundo digital que vemos la mayoría de los esqueuomorfos hoy en día.

En pantalla

Con la proliferación de las computadoras en la década de los años 80, se abrió un nuevo mundo de esqueuomorfismo como un medio para hacer que los sistemas operativos fueran más “amigables” al forjar un vínculo intuitivo con el pasado.

Uno se sus grandes promotores era Steve Jobs, el pionero de la revolución de las microcomputadoras de los años 70 y 80, pues creía firmemente en que las computadoras debían ser tan sencillas de usar que un novato pudiera dominarlas basándose solamente en su instinto.

Entonces, si deseabas eliminar un archivo, debías arrastrarlo a una representación de una basura real, y si lo querías almacenar, lo metías en carpetas parecidas a sus contrapartes físicas.

Y, hablando de eliminar, en varios casos los diseñadores de los esqueuomorfos se valen precisamente de los objetos que la innovación está enviando al olvido.

¿Cuántos sobres se dejaron de usar con la llegada del email, cuyo ícono es un sobre? El reloj logró reinventarse pero ¿cuántas cámaras como las del dibujo al que le haces clic cuando quieres tomar fotos ya no se compran?

Lo que la moda se llevó y la intuición rescató

Entre tanto, en el ámbito del diseño de interfaz gráfica surgió otro modelo -el Flat o plano- como alternativa al esqueuomórfico.

Esa tendencia se puso de moda y consiguió destronar al esqueuomorfismo como paradigma en el diseño de interfaces.

• ¿Adiós al diseño esqueuomórfico?

Sin embargo, quizás es más apropiado en este caso usar el otro nombre que usan los diseñadores para el esqueuomorfismo –diseño realista– pues no siempre es fácil afirmar que el diseño flat dejó al esqueuomórfico atrás.

Fíjate por ejemplo en los íconos de la cámara, el video y los mensajes en esta imagen que tiene a la izquierda una interfaz realista y a la derecha, flat… ¿no te parece que ambas versiones son esqueuomorfas?

En cualquier caso, cuando el uso de teléfonos inteligentes se generalizó, el esqueuomorfismo regresó con fuerza.

Un nuevo léxico esqueuomorfista entró en uso para hacer de nuestro paso a esa nueva tecnología algo mucho más fácil.

Irónicamente, el icono del teléfono clásico ahora representa la funcionalidad del teléfono. O piensa en el carrito de compras o cestas que ahora encontramos cuando compramos en línea.

¿Y qué hay del futuro?

Pues, las tomas de corriente de los autos eléctricos, por ejemplo, a menudo retienen el diseño de sus contrapartes para los que usan gasolina, a pesar de no necesitarlo.

Si bien el diseño creativo puede llevarnos a un territorio más abstracto, parece haber una familiaridad tranquilizadora sobre el esqueuomorfismo.

Al final es esa extraña añoranza de la forma en la que las cosas solían ser.

Ahora sí…. ¿cuántos esqueuomorfos encuentras en esta ilustración?

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Se distingue por su capacidad de abastecimiento: Cuenta con oficinas propias en China e India, así como representantes internacionales en El Salvador, Vietnam, Turquía y Corea del Sur.

Además, cuenta con lo siguiente:

Portafolio de productos: Sombreros y gorras, ropa de trabajo, sombreros de paja, artículos de temporada y de novedad, juguetes, artículos de viaje, gafas de sol y más.

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Programas adicionales

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Gemma Riberti, experta en adecuación de viviendas de la referida compañía, indicó en una conferencia anual del sector en Hong Kong, el grounded living (“estar conectado a la tierra”): “La gente quiere sentirse en casa allá donde esté. Ha dejado de ser un lugar, es un sentimiento. Y el objetivo de su diseño es crear un espacio calmo al que siempre guste volver”.

En este contexto, la actitud FOMO (miedo a perderse cualquier ocasión social) está siendo sustituida por el JOMO (la alegría de perderse) y el FOGO (el temor a salir), un recogimiento que, contribuye a potenciar un organismo más saludable, según el sitio elpais.com

“Somos una máquina biológica, pero a diferencia de las electrónicas o mecánicas, no disponemos de recambios para su reparación o renovación”, refiere el médico Vicente Saavedra, de la clínica Medicina Integral de Barcelona.

“Nuestras células y órganos necesitan del descanso para repararse. Un cierto grado de diversión es necesario. Pero si se vuelve una forma de vida es absolutamente insano, física y mentalmente”, añade.

“Cada persona tiene su punto de equilibrio. Para encontrarlo, es necesario el autoconocimiento, pero la sociedad actual (con valores cada vez más alienantes y materialistas, de consumismo y prisas), no nos encamina a desarrollar la responsabilidad sobre nuestra salud. Somos infelices y ansioso”, concluye.

Gurús del orden como Marie Kondo, o sitios web como Apartment Therapy o Gardenista, ayudan a redescubrir el placer de crear nidos prácticos y amables a través del embellecimiento y la organización.

Janel Laban, directora ejecutiva de Apartment Therapy, indica que para lograr un oasis de serenidad se debe maximizar la luz, deshacernos de todo lo que no necesitamos, agregar autenticidad a través de objetos hermosos que evoquen buenos recuerdos y mantener un orden y limpieza regulares.

Actividades traen beneficios

De hecho, de todas las terapias ocupacionales para combatir la depresión, la repostería ha demostrado ser una de las más eficaces, según un estudio publicado en British Journal of Occupational Therapy.

Entregarse al placer de una buena novela reduce el riesgo de demencia, según BMJ. Pero si lo que le roba la paz es el estrés del día día, un estudio de Journal of Health Psychology recomienda la jardinería en la terraza, que baja los niveles de cortisol (hormona que provoca el estrés) en mayor medida que la lectura.

Cualquier cosa vale, incluso aburrirse, un sentimiento que lejos de adormecer la mente, vuelve al individuo más altruista y empático, según la Universidad de Limerick.

Su vida  dio un giro radical, gracias a su talento y emprendimiento.

“Después de tener una pérdida económica muy grande, un amigo me sugirió vender mis conceptos. Al principio, tenía miedo al rechazo, pero después de que mis diseños se usaran en varios desfiles de moda y que le gustaran a la gente, me enfoqué en  zapatos de mujer”, indica.

Así fue el comienzo de un emprendimiento que ha cosechado muchos éxitos, especialmente con su marca  Transitions, que consiste en combinar piezas y accesorios en un solo par de zapatos, para que se pueda lucir de diferentes maneras sin tener que comprar varios.

Lourdes Figueroa, la actriz Bai Ling,  las presentadoras Maya Di y Sahar Haji, Miss Canadá 2016 Siera Bearchell  y Miss Guatemala 2016 Virginia Argueta —quienes lucieron sus zapatos en el reciente certamen de Miss Universo—, son algunas de las personalidades, modelos internacionales y reinas de belleza que han deslumbrado con las creaciones de Chávez, que también es el calzado exclusivo para el reconocido diseñador Rocky Gathercole, que viste a Katy Perry y Jennifer López.

En los próximos días presentará su nueva línea de calzado en Hollywood, California. En junio de este año mostrará sus diseños en Guatemala.

En su página web se pueden admirar varios de los estilos que son de su creación.

En el 2012, cuando aún eran novios, la pareja decidió innovar y darle un giro a su vida, y además de amorosa convertirla en una experiencia empresarial.

“Trabajé para varias empresas pero decidí independizarme. Carlos renunció a su trabajo, y fue cuando decidimos emprender juntos”, cuenta Aguilar.

Carlos, por su parte, refiere que eso lo obligó a salir de zona de confort.

“Por muchos años laboré para empresas y tenía garantizado un ingreso mensual; sin embargo, me tiré al agua y confié. Hoy no me arrepiento de la decisión que tomé”, recuerda.

Al emprendimiento le llamaron Ardek; pero con el proceso de innovación que tuvo la empresa decidieron agregarle las letras AD, que significa Arte y Decoración. Las letras también coinciden con las iniciales de sus primeros apellidos: Aguilar y Díaz.

Ellos cuentan que el emprendimiento ha pasado por épocas buenas y malas, y recuerdan que hubo meses de crisis económica, pero eso no los ha desanimado.

“Hemos pasado momentos difíciles, pero esas situaciones nos han ayudado para crear e innovar, y nuestros logros son más gratificantes porque el trabajo es propio”, concuerdan.

En el 2013 la pareja decidió contraer matrimonio y algunas decoraciones de la boda fueron fabricadas por Díaz.

En ese proceso se dieron cuenta de sus habilidades para trabajar la madera, como lo hacía su abuelo.

La familia fue creciendo, y a la par el del negocio. Al nacer su primogénita, decidieron que para la celebración del bautizo ellos mismos decorarían el evento.

Díaz elaboró una escalera pequeña para colocar los caramelos del bar de dulces y días después le propuso a su esposa que la vendieran a través de Facebook.

Sin imaginarlo vendieron la escalera y les pidieron 20 más.Fue así como comenzó la nueva etapa de Ardek AD, que en la actualidad combina la idea original del proyecto de arquitectura y diseño con la fabricación de rótulos, muebles auxiliares y adornos, entre otros.

Por no contar con espacio para la elaboración de los accesorios decidieron pedir ayuda a su familia. “Comencé a fabricar los productos el jardín de la casa de mi mamá”, recuerda Díaz.

El proyecto fue ganando éxito y decidieron crear una cuenta en Facebook para promocionarse, elaboraron un catálogo con los productos e incluyeron muebles, ya que los clientes les fueron enviando fotos de lo que deseaban.

“Realizamos un trabajo personalizado. Les hacemos modificaciones a los diseños, lo hacemos al gusto y necesidad del cliente”, dice Aguilar.

Algunos de sus clientes son organizadores de bodas, restaurantes, empresarios y personas que buscan decorar el hogar o una fiesta.

Mezclar el tiempo para trabajar y compartir con la familia ha sido otro reto para los empresarios.

“Cuando comenzamos a trabajar juntos en ocasiones discutíamos, pero hemos encontrado un balance y ahora tenemos definidas nuestras atribuciones”, rememora Díaz.

“Yo soy el pintor de brocha gorda y mi esposa es la artista. Ese amor que los dos tenemos por lo que hacemos es lo que hace tan especial nuestros productos”, afirma.

Para los emprendedores, salir de la comodidad y seguridad que les proporcionaba un trabajo fijo fue un reto. En la actualidad se sienten felices de trabajar en un proyecto propio.

Tal fue el caso de Chanel, cuyas joyas estuvieron a juego con los colores del desfile de moda, que tuvo lugar el martes: el rosa y el gris fueron los protagonistas en una alegoría de la juventud de la diseñadora, Gabrielle Chanel.

La línea Coco avant Chanel  (“Coco antes de Chanel”, en español), se compone de once piezas, de las cuales cinco son únicas, bautizadas con los nombres de algunas de las elegantes mujeres que influyeron de alguna forma a la diseñadora antes de 1920.

La joyería de Chanel se vuelve simple y ligera al recurrir al oro y a las piedras preciosas como morganita, espinelas, piedra luna o zafiros padparadscha  (de color rosado) y también a diamantes y perlas.

Motivos como las camelias, flores y pájaros se entremezclan en los diseños que parecen dibujar encajes, como el que ocupa la parte trasera de un abanico en oro blanco, nácar y diamantes, el primero que la “maison” crea en toda su historia.

La pieza estrella ha sido sin embargo un collar con las icónicas camelias de la firma en efecto tridimensional llamado “Gabrielle Chanel”, en oro blanco de 18K con un gran diamante talla pera central y pequeños diamantes talla brillante.

También juveniles son las creaciones de Chaumet, cuya colección “Insolente” nace por la reinterpretación de las joyas con lazos que los antecesores de Joseph Chaumet en el siglo XVIII solían crear para la reina María Antonieta, así como versiones posteriores que la casa crearía durante la Belle Époque.

El lazo protagoniza ahora pendientes, collares, brazaletes y anillos en una combinación de oro blanco, oro rosa y diamantes jugando tanto en el diseño como en el espíritu con la dualidad.

Se trata de una mujer elegante, pero caprichosa, representada en un lazo casi en movimiento que parece a punto de deshacerse para evocar la espontaneidad y la libertad.

La línea se divide en dos, una de cinco piezas de Alta Joyería trabajadas con la técnica del “fil couteau”, exclusiva de Chaumet, basada en la unión de piedras con la ayuda de un hilo de oro amarillo y oro blanco logrando que la montura sea mínima y la joya más ligera.

Por último, siete piezas de joyería media, aunque siempre con ese lazo deshecho y la misma mezcla de metales preciosos.

Otra vuelta de tuerca histórica fue la de Boucheron, que recuperó igualmente uno de sus símbolos más recurrentes desde su fundación en 1858: la naturaleza.

Para esta colección, la casa recupera la hiedra, que Frédéric Boucheron comenzó a trabajar en su primera tienda, inspirado por esta planta que decoraba el Palacio Real de París.

Las hojas se transforman en una fina gargantilla abierta por delante en donde las hojas bajan por el pecho y en un anillo doble, que se lleva entre dos dedos, en oro blanco y diamantes.

En esta línea, la firma ha reinventado uno de los iconos de la casa, la colección de 1968 “Serpent Bohme”: una gota rodeada de bolitas que se repite en anillos, pendientes y colgantes, revestida este año en nuevas piedras como lapislázuli, ónix o nácar.

Cerrando así la semana, las firmas de costura Xuan y Galia Lahav fueron las encargadas de decir adiós a estas jornadas, como miembros invitados por trabajar este arte de la Costura en distintos rincones del mundo.

La diseñadora detrás de Xuan, la holandesa de origen vietnamita, Xuan-Thu Nguyen, se decantó por una presentación que sirvió de introducción a los numerosos mundos y elementos que inspiran la firma.

El agua, la luz y las flores se convierten en transparencias y detalles trabajados cuidadosamente en vestidos cargados de volantes superpuestos que dan forma a nuevas siluetas, asimétricas, ligeramente “oversizes” , acompañadas de grandes cinturones sombreros, en una línea, sin embargo muy femenina.

Finalmente, la firma ruso-israelí Galia Lahav se inspiró en la época victoriana de Inglaterra y en la Belle Époque francesa para crear vestidos con altos cuellos, mangas infladas y corsés adornados en tjidos ricos.

La paleta de colores se movió entre el negro, cálidos dorados y bronces con toques de rojo, violeta y rosa que, para obtener un efecto antiguo, fueron conseguidos mediante tintes trabajados a la mano.  

“Las parisinas de todas las edades quedaron impresionadas por el profesionalismo de todo el equipo, tanto modelos como fotógrafos y maquillista. Fue una actividad positiva por la belleza de nuestros textiles, que son el corazón de lo que hago. Soy chapina, los conozco, los uso y quiero poner el nombre de Guatemala al más alto nivel en cualquier parte del mundo”, explicó la diseñadora.

Personalidades importantes han lucido las creaciones de Unik’, como la sobrina de Carolina Herrera. “El mensaje es que nuestra compatriota tenga y se sienta orgullosa de lucir una prenda nuestra, que no sea solo en el extranjero que se aprecien nuestros textiles, sino también aquí”, refirió Lara, quien diseña desde los 20 años, pero tuvo una pausa de 30 años. Hace un año reabrió su tienda.

“En la actualidad está de moda lo tribal, lo étnico. Personas que antes nunca pensaron en ponerse una prenda típica, ahora la luce con orgullo”, agregó.

La modista trabaja con 11 comunidades para ayudar a las artesanas. “Si hacemos lana, usamos la de Momostenango, si son cortes jaspeados, usamos los de Quiché, si son güipiles, usamos los de San Pedro Sacatepequez. Ayudo a comunidades bajo el concepto de comercio justo, para valorar y poner el precio justo a sus productos, para que este arte no se desaparezca”, añadió.

Cada pieza de Unik’, como dice el nombre, es única. “El trabajo que hago lleva muchas horas de dedicación, cuido los detalles, el patronaje es perfecto, desde que se tiñe el tejido, hasta el telar y el bordado. Cuando llega a mis manos, transformo un güipil en chaqueta. Hacemos piezas extraordinarias y únicas”, puntualizó.

Su tienda está ubicada en la 20 calle 25-96 zona 10, centro comercial La Plaza Local 1B.

En el segundo día de la pasarela de moda más importante del país desfilaron diseños de los modistos noveles María Martínez, Silvia Caniz, Aguacate, Steffano Giammattei, Cesia Ramos y Studio II.

Ellos fueron elegidos después de una cuidadosa selección efectuada por un panel de expertos, indicó Alba Hernández, una de las organizadoras del evento.

Algunos son estudiantes de moda que no han participado en pasarelas prestigiosas como la del Mercedes Benz Fashion Show con anterioridad, donde dan a conocer su creatividad, junto a consagrados diseñadores. Silvia Caniz, Stefano Giammattei y Studio II son diseñadores de moda formados en la Universidad del Istmo.

Un ejemplo de la catapulta que representa para los modistos novatos este evento es Alexander Ayala, quien en la edición del año pasado se presentó como emergente con siete atuendos. Este año fue invitado como diseñador consagrado con 25 conjuntos, afirmó Hernández.

Los diseñadores emergentes en la noche del miércoles coincidieron en crear prendas de cortes geométricos y colores neutros como blanco, negro o gris. Muy poco colorido, algunos estampados, telas volubles, aberturas en faldas, escasos encajes y aplicaciones conformaron la tendencia de la segunda jornada.

El toque de la identidad guatemalteca la llevó en sus prendas Vessel by Liza Carrillo, que combinó el cuero con entramados de tejidos nacionales no solo en los atuendos sino en accesorios como bolsos, bandas de pelo, botines y cinchos.

La velada de moda dijo adiós con las colecciones del modisto costarricense Bryan Cecas, que dejó boquiabiertos a los asistentes con sus creaciones cósmicas y con aire extraterrestre, y Guishem, del reconocido modisto nacional Guillermo Jop.

Clausura

El cierre del viernes estará a cargo de los modistos nacionales Eduardo Figueroa y Karla Garzaro. Lugo, la pasarela de la marca Mayanz, que se caracteriza por crear prendas de tejidos nacionales, contará con la presencia de Celeste Morales Cruz, Rabín Ajaw 2016.  El evento finalizará con broche de oro con la colección de la española Ágatha Ruiz de la Prada.

Con la “transformación” y la “transición” como lemas de fondo, la edición 42 de la SPFW se realizó en una enorme tienda dentro del Parque Ibirapuera de Sao Paulo y acogió los desfiles de casi unos 30 diseñadores y casas brasileñas de moda. Estas son algunas de sus tendencias:

El negro, siempre

“Hay propuestas muy variadas, pero el negro siempre está presente”, comentó la reconocida consultora de moda brasileña Gloria Kalil, que destacó, sobre todo, la interesante colección de la diseñadora Fernanda Yamamoto, enteramente negra, con piezas muy trabajadas en los cortes y el volumen.

Muchas de las colecciones presentadas estos días tenían colores oscuros, si bien la SPFW ya no utiliza las categorías de invierno o verano para sus eventos, que se celebran dos veces por año.

Aspecto natural

La belleza de los desfiles de la SPFW mostró rostros muy naturales y bien iluminados. “El maquillaje para lograr una piel natural va a continuar por mucho tiempo más”, asegura Ina Arcanni, maquilladora de la firma brasileña de cosmética Natura, que es patrocinadora de los desfiles.

“Un look natural, luminoso y saludable”, explica. Las modelos del desfile de Helo Rocha mostraron una imagen así, con un labial que va ajustando su color en función de la temperatura de los labios, iluminador en los pómulos y un poco de gloss en los párpados. Muy natural.

Siluetas amplias y paso firme

“Veo que aún los zapatos son pesados, con plataformas, aún muchas botas. Creo que en ese sentido sigue primando la comodidad por encima de todo”, dice Camila Toledo, especialista del sitio de moda y tendencias Fashion Snoops.

En vestimenta, Osklen propuso una silueta muy amplia y cortes rectos, con muy pocas estampas. La idea también la planteó la casa Iodice con una colección de vestidos y túnicas aunque con tejidos más pesados, como el terciopelo, que las sedas de la marca carioca.

Puntos de color, estampados

En muchas de las colecciones dominaban los tonos neutros como beige y off white, con algunas piezas en colores vibrantes como rojo, naranja o verde. “Los colores neutros siguen con fuerza y vemos apenas unos puntos de color más intenso”, asegura Camila Toledo.

Se vieron pocos estampados, aunque la marca de ropa de playa Agua de Coco hizo honor a la brasileñidad con piñas, flores y hojas de palmeras que contrastaban con severas líneas rectas.

La representatividad está de moda

El lunes último, la mayor pasarela de América Latina, recibió a un grupo de modelos afroamericanos, muchos de ellos vistiendo la talla XL, para el estreno de la marca LAB en esta pasarela.

Creada por el rapero brasileño Emicida, su hermano Evandro Fioti y el estilista Joao Pimenta, LAB mostró una colección de street style con referencias asiáticas y africanas que gritó que Brasil es, ante todo, el país de la diversidad aún cuando todavía exista racismo y discriminación.

“Queremos mostrar un país poco o nunca visto dentro de esta estructura de semana de moda”, comentó Fioti a la edición brasileña de Vogue. Otro ejemplo más: el desfile del reconocido Ronaldo Fraga contó con casi 30 modelos transexuales en un país de cruda violencia contra la comunidad LGBT.

Por primera vez los organizadores le han dado prioridad al enfoque “mira ahora, compra ahora”, por lo que los desfiles se convierten en vitrina de sus productos y se produce ventas en tiempo real.

A pesar de que la organización ha decidido limitar las salas de desfile a solamente una -en los últimos años siempre habían sido dos- el número de ellos se mantendrá caso igual al de ediciones anteriores, con más de 30 presentaciones.

No obstante, en esta edición se notará ausencia de algunas marcas de renombre en el circuito brasileño de la moda, como las de Lino Villaventura, Ellus, GIG, Coven, o Lenny Niemeyer.

Las novedades en la pasarela vienen de la mano de la marca Lab do Emicia, la nueva Just Kids de Juliana Jabour y Karen Fueke y del proyecto conjunto Experimento Nohda de los diseñadores Patricia Bomaldi, Lucas Magalhaes y Luiz, este último presentado en el espacio del Teatro Oficina, fuera del recinto de Ibirapuera.

Entre las estrellas que estarán sobre las pasarelas paulistas se encuentra la pareja de Carol Trentini y Marlon Teixeira, que desfilaran en exclusiva para la marca de ropa de baño Agua de Coco, de Liana Thomaz, que ha escogido las Islas Maldivas como inspiración de su nueva colección.

Además de los desfiles, la SPFWTrans42 presentará paralelamente las exposición Lino+Miro-La construcción de la imagen, resultado de la colaboración del diseñador Lino Villaventura y el fotógrafo Miro, al igual que el ensayo fotográfico “La esencia”, de Rodrigo Bueno.

El Shopping Iguatemí, por su parte, lleva a la agenda oficial de la SPFWTrans42 el proyecto “Fio da Meada”, con una programación multidisciplinar que contará con una serie de talleres prácticos en moda y charlas con grandes figuras de la moda internacional.

Entre los invitados del proyecto figuran los editores Susy Menkes, encargada de la parte internacional de Vogue-CondeNast, y Hamish Bowles, de la edición americana de Vogue.

El pistoletazo de salida de esta edición SPFWTrans42, con un desfile previo externo a la apertura del lunes en Ibiripauera lo dará la marca Animale con la presentación de su colección firmada por el diseñador Victorino Campos, en una torre de edificios de la ciudad.

El próximo viernes la edición número 42 de la Semana de la Moda de Sao Paulo se despedirá con el desfile de la marca Coca Cola Jeans.

El estampado del tablero de damas, símbolo de Louis Vuitton, en dos tonalidades de marrón que se repite en bolsos, maletas y otros pequeños accesorios de la casa, se adaptó a la colección primavera-verano 2017 en una estética de la década de 1980 y en blanco y negro.

La firma ya ha practicado varias actualizaciones de este “print”, como en el 2012 cuando el entonces director creativo de la firma, Marc Jacobs, llenó la línea de maxi cuadros amarillos y blancos, o negros y blancos que se convirtieron en un éxito comercial inmediato.

El toque ha sido más discreto esta vez y ha coincido con una estética ligeramente punk a la que acostumbra Ghesquire, que suele apostar por prendas de cuero y pantalones ajustados.

También se vieron en esta ocasión partes de abajo súper ajustadas frente a cuerpos amplios y estructurados, con hombros rectos. Una silueta que recordaba a la década de 1980.

La presentación comenzó, en cualquier caso, con una larga línea de vestidos que jugaban con las simetrías: hombros al aire en unos, cortes en la cintura en otros, faldas asimétricas o aberturas que dejan ver toda la pierna.

La firma no mostró ningún bolso nuevo pero sí una funda de teléfono, precisamente para recuperar el estampado de damas en su versión baúl, con cierres dorados y un pequeño hueco al que añadir un llavero.

Entre los accesorios también quedaron en evidencia las botas, que Vuitton propuso en piel, a media pierna, puntiagudas y en toda una gama de colores: desde el dorado al negro, pasando por el beige y el rojo.

A media mañana, la firma YDE, del danés Ole Yde, mostró sus propuestas inspiradas en el amor, que para el creativo es “el paraíso”.

El amor, la pureza, las flores… En resumen, todo aquello que proporciona felicidad a su diseñador, y a tantos otros, reflejado en una colección cargada de volumen y movimiento para una mujer moderna que no tiene miedo de mostrarse.

Minivestidos de corte recto, con volantes o sin ellos en la falda pero también en las mangas, donde alternaron mangas globo con otras rectas a mitad del brazo.

Fueron precisamente los volantes los que crearon un hilo conductor durante el desfile, incluidos en románticos escotes asimétricos o en pequeños detalles en las mangas, el pecho o las faldas.

Una colección dirigida a una mujer moderna, joven y amante de la elegancia y la belleza, que busca sentirse especial mediante su pasión por la moda.

La “hermana pequeña” de Prada, Miu Miu, fue la encargada de cerrar la semana con un desfile que contó entre su casting de modelos con la top Gigi Hadid y la española Blanca Padilla, que desfiló con un traje de chaqueta retro a rayas en tonos pastel, con un fino cinturón colocado justo por debajo del pecho.

La estética vintage se mantuvo durante la muestra con vestidos ligeros de seda cargados de estampados de inspiración sesentera y en la que Miuccia Prada, la creadora, no dudó en incluir incluso gorros de baño como accesorio a los looks.

Los vestidos de la abuela, en evasé por debajo de la rodilla y con escotes en V, se repitieron durante el desfile junto a gabardinas y abrigos rectos -siempre estampados-, sobre culottes de talle alto combinados con cortas chaquetas o jerséis de punto en colores vibrantes.

Así quedó cerrado el circuito internacional de las presentaciones primavera-verano 2017, que en París ha sido especialmente ecléctico en cuanto a tendencias, aunque parece que de los tejidos metalizados, los vestidos y faldas años 50, las mangas globo y los pantalones de elefante no será fácil librarse el próximo verano.