El artista guatemalteco radicado en Canadá, Roberto “Popy” Godoy Herrera, presenta la litografía experimental con su exposición El Eterno Retorno a Ítaca, en la Galería Enrique Acuña Orantes, en la Escuela Nacional de Artes Plásticas Rafael Rodríguez Padilla.

Ítaca es la forma poética o metáfora de todo aquel que quiere regresar al ombligo, al nido. “Yo me fui a vivir fuera por muchos años, sigo viviendo fuera. Yo siempre tengo el gusanillo de regresar a Guatemala, de estar presente”, dice el artista mientras explica que se inspira en los poemas homéricos.  El eterno retorno de Ulises a Ítaca ahora es el regreso de su trabajo hacia el público guatemalteco.

“Desde el 2005, yo no exponía mi trabajo en el país.  Me siento muy emocionado y agradecido con la vida por darme la oportunidad de exponer de nuevo aquí”, puntualizó Godoy.

La vida en su lugar de origen

Godoy es más conocido como Popy, como firma su trabajo.  Este sobrenombre surgió porque su padre le llamaba así.

El artista nació el 17 de diciembre de 1950.  Actualmente tiene 72 años y una vida productiva en el arte que no se ha detenido.

Desde niño sus padres le estimularon a mantener la percepción de la belleza, la estética, el gusto por la luz, el espacio, color y forma de las cosas.  Sus primeras clases de dibujo y escultura fueron en sus primeros años en la Universidad Popular.  

Al graduarse de nivel medio decidió entrar a estudiar arquitectura. El gusto por esta carrera también lo ligaba de alguna manera al arte y a la estética que ha marcado su vida.   “En esta formación siempre estamos ligados al tema del espacio y no solo en la concepción de habitáculos sino porque aprendemos la decoración del mismo, el paisajismo y todo se integra, tanto el exterior como en el interior de los espacios…ahí me inicié en el grabado de una manera autodidacta, me gustaba mucho el tema del estampamiento, de dejar huella”, recuerda.

En ese tiempo muchos de sus trabajos fueron tallando pedazos de papa, haciendo sellos de agua y otras técnicas, aunque no define que este sea parte de su formación artística sino más bien experiencias ligadas a su cotidianidad y en la búsqueda  de resolver situaciones con armonía y equilibrio, expresa. 

En 1979 se fue a México  a vivir durante varios años.  Ahí siguió trabajando el estampado, pero en un sentido de aficionado. Conoció a un maestro en Yucatán llamado Mark Calagan, de origen estadounidense y a partir de ahí si tuvo un punto de inflexión que le llevó a conocer más de cerca distintas corrientes y procesos que le ha llevado a evolucionar en su propuesta.

A su llegada en Canadá en 1984 siguió practicando en forma individual.  En 2003 formó parte de un taller de grabado colectivo llamado Atelier Circulaire, al cual pertenece hasta la actualidad.

En este lugar se apoya a los artistas interesados en las artes visuales.  Tienen un espacio de trabajo al que llegan el tiempo que requieran es responsabilidad de los artistas dejar limpio el espacio para la siguiente persona que lo utilice, ahí pueden estar 24 horas los 7 de la semana.

Tienen todas las facilidades y maquinaria para serigrafía, litografía, estampa digital, fotografía.  Aquí su maestro ha sido el portugués Carlos Calado.

Regresó a Guatemala un tiempo, pero las facilidades que le daban en Canadá para su trabajo le hizo volver y desde el 2005 ha vivido allá en forma permanente.

Esto le llevó a que sus últimos años se dedicara más a litografía como una manera de recuperar viejas prácticas de estampado.  La litografía  nace en el  siglo XIX y se desarrolla como un arte visual que ha sido sustituido por la fotografía y otras maneras de impresión moderna.

La impresión se realiza a partir de una piedra que se prepara con su ácidos y en procesos artesanales que han dado resultado a la muestra del trabajo que se presenta en la Galería Enrique Acuña Orantes.

“Es sobre la piedra, una materia primitiva, en la que se dibuja con un crayón grasoso”, explica Godoy, mientras comparte más del proceso complejo que lleva, la cual requiere de otros materiales, ácidos y químicos que hace quede la pieza se entinte y se traslade a papel.  En ocasiones también la litografía puede hacerse con plancha metálica, ahí toma el nombre de fotolitografía.

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La Enap ha preparado a grandes artista guatemaltecos

Cada uno de ellos ha continuado su relación con la escuela, ya sea impartiendo clases o bien en diferentes proyectos que influyen en las nuevas generaciones de artistas.

En las 54 piezas que conforman esta exposición, organizada por el colectivo Artistas de Maíz, se observa la habilidad técnica en óleo, lápiz, carboncillo, crayón, acuarela, entre otras.

Este recorrido visual pretende mostrar artísticamente un cambio de generaciones.

Distintas décadas

En la muestra, Gallardo y Boesche representan la época estudiantil del Enap de la década de 1950.

Gallardo, a sus 83 años continúa con su trabajo y ha participado en más de cien exposiciones personales y colectivas, entre ellas la del Museo Regional de Chiapas, México; en el Museo del Vaticano, en Roma; Expo 92 en Sevilla, y en el Instituto de Cultura Hispánica en Madrid, España, entre otras.

Desde 1954 hasta la fecha, Gallardo ha recibido más de 50 reconocimientos nacionales e internacionales.

En el trabajo de Boesche, referente del arte moderno, se destaca su trayectoria académica. Estudió también en el Círculo de Bellas Artes de Madrid, España. Domina las técnicas de óleo, lápiz, pastel, tinta, acrílico, crayón, entre otras. También fue director de la Enap.

Por su parte, Olivares y Rodas fueron estudiantes de la Enap en la década de 1980 y actualmente representan al colectivo Artistas de Maíz.

Olivares se graduó en Artes Visuales por la Universidad San Carlos de Guatemala. Entre sus reconocimientos destaca la medalla Moncrayón, por su aporte en caricatura, en el 2013. La Medalla Vicenta La Parra, Pintor joven, en el 2007; un glifo de bronce en la categoría de pintura, y en la Bienal de Arte Paiz.

Se ha presentado en diversas exposiciones y ha participado en más de cien muestras colectivas en Guatemala y el extranjero.

Para Rodas sus comienzos fueron en la Escuela del Cerro del Carmen Max Saravia Gual. Ha trabajado como diseñador gráfico e ilustrador en varias agencias de publicidad, así como en litografías. En su trayectoria cuenta con múltiples exposiciones colectivas y personales desde 1980.

Fue homenajeado en la Exposición Rojo Erótico en Santa Thekla Atelier, entre otros reconocimientos.

La última generación de los maestros invitados a esta muestra la representa Escobar. El artista, de 27 años, después de culminar sus estudios en la Enap viajó a Suecia para continuar con su preparación y luego se trasladó a Noruega, en el Nerdrum Art Studio fue seleccionado por el artista Odd Nerdrum como estudiante de la academia 2019. Ahí también recibió clases con Gottfried Helnwein.

Escobar es especialista en la técnica flamenca de los siglos XVI, XVII Y XVIII por el Rubens- Museum, en Bélgica; el Rembrandt-museo, en Ámsterdam y el Vermeer- Museo, en Delf 2019. Obtuvo el primer lugar en el certamen Arturo Martínez en su 50 edición 2019 y es ganador del Premio Maestro de la Acuarela, en la primera bienal de la acuarela celebrada en la Sala de Exposiciones Enrique Acuña de la Enap el año pasado.

Por el aniversario

Esta actividad es la primera del año que se programa como parte de las fiesta de aniversario de esta escuela que cumple en mayo próximo, cien años.

Otto Arana, director de la Enap, comenta que durante estos años de esta institución han egresado destacados artistas de la plástica guatemalteca. Como estudiantes o catedráticos podemos mencionar a Roberto González Goyri, Dagoberto Vázquez, Guillermo Grajeda Mena, Ingrid Klussmann, así como artistas de la Generación Vértebra, entre ellos, Elmar René Rojas, Roberto Cabrera y Marco Augusto Quiroa. En junio del 2008, la Enap fue declarada Patrimonio Cultural de la Nación.

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Cuando se habla del maestro Enrique Anleu Díaz es reconocer su talento polifacético: músico, artista visual, docente e investigador son algunos de sus roles con los que ha destacado.

Durante agosto y septiembre se abren espacios para vivir de cerca distintas fases de sus obras con la exposición Legado.

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El Museo de Arte Moderno Carlos Mérida y la Alianza Francesa, ambos en la zona 13 presenta en Legado una retrospectiva del artista Anleu Díaz que estará abierta desde el 6 de agosto hasta el 22 de septiembre.

Acercarse a esta muestra que suma más de 100 de sus obras es estar en contacto con piezas que serán muy difíciles de reunir nuevamente.  La mayoría pertenecen a colecciones privadas y cada una de ellas guarda una historia y una fase del artista.

Visitarla también representa estar cerca del artista que recibió una ovación de un público que permaneció aplaudiendo de pie 15 minutos cuando su sinfonía Atlántida se estrenó dirigida por Ricardo del Carmen en la década de 1970.  Al siguiente día se presentó de nuevo como solicitud del público.  Es solo una de la diversidad de obras escritas.

Una exposición que une los universos de Anleu Díaz

El trabajo de este homenaje nació hace un año aproximadamente.  Este es el tiempo que ha llevado acercarse a amantes del arte y coleccionistas que guardan parte de la obra de Anleu Díaz.  El maestro desde hace algunos años deseaba hacer algo como esta retrospectiva y ahora su sueño se ha materializado.

Una iniciativa de diferentes instituciones entre las que se encuentra Fundación Paiz, Corporación Donovan Werke, el Ministerio de Cultura y Deportes y las sedes que resguardan este mes el trabajo de Anleu Diaz: El Museo de Arte Moderno y la Alianza Francesa.

Adrián Lorenzana, Coordinador Programa Permanente de Cultura de Fundación Paiz comenta que al comenzar la recopilación el proyecto creció a gran magnitud que se habilitaron los dos espacios para presentar la obra del reconocido artista.

Entre las obras que se presentan le ha sorprendido la cantidad de trabajos que Anleu Diaz ha dedicado a la ilustración y también las anécdotas que se tienen de cada una de las obras.  Un gran número de ellos fueron regalos.

“Anleu Díaz es un ser muy sensible no solo ha trabajado en el campo visual sino en la música, esto hace de él alguien especial con mucho mérito.  Es un homenaje merecido y además su obra es de actualidad y la oportunidad de que nuevas generaciones la conozcan cómo el arte a través de sus vínculos demuestra las grandes lagunas del pensamiento colectivo”, dice Ruddy Cottón, director del Museo de Arte Moderno.

Lo anterior se refiere a la manera en que el artista plasmó su entorno siendo uno de los críticos a nivel social y político a través de su arte.

“De los mitos y leyendas guatemaltecas, Anleu Díaz desgarra nuestra inconsciencia a través de ilustraciones permanentes y documentales que resguardan la memoria colectiva, testimoniando la elocuencia del dibujante. Su serie de tintas y acuarelas nos envuelven de nuevo en un grafismo, en donde los personajes de nuestra cotidianidad nos abordan y nos embargan con su profundo sentido de la oralidad y de lo ilustrativo de la Guatemala de anteayer y de pasado mañana, ante la que sólo queda el desacato de la virtud y la maestría que Anleu Díaz trasladó de un siglo al otro”, agrega Cottón en una reflexión escrita para Legado.

Entre la muestra se encuentra todo tipo de detalles curiosos.  Incluso algunos dibujos que ganaron premios cuando se encontraba en la Escuela Nacional de Artes Plásticas.  “Existen otros trabajos de gran importancia que marcan el aporte de Anleu Díaz a la evolución de las artes plásticas de Guatemala”, agrega Cottón.

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Por su parte, Rémy Carrère, director cultural de Alianza Francesa comenta que una de las sorpresas dentro de este recinto es la participación de las obras de los alumnos del artista, ya que esto es parte del legado que también ha construido como catedrático.

Para la inauguración Paulo Alvarado ha preparado una selección de música entre la favorita de Anleu Díaz y también parte de su obra.

Lorenzana comenta que a lo largo del mes se tendrán talleres y otras actividades para seguir profundizando en la vida del destacado guatemalteco.

Un recorrido por su trayectoria

El maestro Anleu Díaz nació el 7 de junio de 1940. Estudió violín en el Conservatorio Nacional de Música Germán Alcántara y también pintura en la Escuela Nacional de Artes Plásticas, Enap.

Tiene diversas obras musicales para dúos, tríos y música de cámara.

Ha asegurado que considera como sus grandes maestros a Carlos Mérida y a sus contemporáneos del grupo Vértebra, Roberto Cabrera, Élmar Rojas y Marco Augusto Quiroa, quienes marcaron una época del arte guatemalteco.  Él fue parte también de Vértebra, en el segundo llamado de este grupo.

Una de las técnicas que destacó fue la pintura matérica, es decir aquella que utiliza elementos y texturas además del color.  Es una de sus favoritas y ha sido un referente en ella.

Anleu Díaz, además de su trabajo en el arte también trabajó en la investigación en artes visuales y música en el Centro de Estudios Folklóricos de la Universidad de San Carlos, donde trabajó casi tres décadas.

Celeste de Anleu, su esposa, explica que durante gran parte de su vida artística sus horarios han sido extendidos porque su gran creatividad no se detiene con facilidad y además de artista también ha compartido en su fase de padre y esposo.  Agrega que la familia se siente agradecida por este homenaje y por cumplir uno de los sueños del artista.

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Conversar con Leonel Gustavo del Cid Díaz es acercarse a conocer anécdotas y vivencias de su caminar por el arte guatemalteco en las que ha coincidido con otros grandes artistas como Max Saravia Gual, a quien considera su padre en el arte.

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Nació en 1961 y apenas a los 13 años llega a estudiar a la Escuela de arte al aire libre del Cerrito del Carmen, que lleva el nombre de Saravia Gual.  Ahí comienza su aprendizaje y una puerta que le ha llevado a destacar en distintas técnicas y trabajos.

Su vida de artista y su talento le han convertido en un personaje polifacético.   A partir de 1980 y durante más de una década trabajó como escenógrafo en el Centro Cultural Miguel Ángel Asturias y después estuvo como grabador en la Casa de la Moneda del Banco de Guatemala, con el maestro Francisco Delgado.

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Realizó algunos diseños como modificar la desparecida moneda de centavo que todavía era de latón, darle rasgos más indígenas a la moneda de 25 centavos en la que aparece la imagen de Concepción Ramírez, conocida como Chonita.

También hizo la primera moneda conmemorativa de un quetzal realizada en plata 999, en homenaje al nacimiento de Carlos Mérida y ganó un tercer premio iberoamericano por el diseño de El hombre y su caballo como parte de las celebraciones del quinto centenario del descubrimiento de América.

Es licenciado en artes visuales de la USAC y en la actualidad se dedica a su taller personal, a crear sus obras, además de dar cursos en la Escuela Superior de Arte, de su alma máter.  En esta última ofrece un curso de materiales en la que lleva a las nuevas generaciones a conocer cómo hacer sus propios colores y experimentar con técnicas antiguas para que estas no se pierdan.

Sin palabras

Ha presentado exposiciones a nivel nacional e internacional como en Honduras, Nicaragua, El Salvador, México, Ecuador, Suecia, Francia y Estados Unidos. Nos habla de esta nueva exposición Sin palabras, en la que ofrece una guía para vivirla.

La exposición está durante julio en el Salón Enrique Acuña Orantes, de la ENAP, de 9 a 17 horas, de lunes a viernes, y sábados de 8 a 12 horas.

1. En el recorrido tendrá más de 40 obras a descubrir colores, líneas, formas y texturas.  Esta muestra es una retrospectiva del artista, aunque no se encuentran todas las etapas.
2. Leonel del Cid desde el 2012 aproximadamente ha decidido no ponerle título a ninguna de sus obras. Expresa que con esta acción quiere que las personas se involucren más en apreciar el arte.  “Acerca de esta obra no hay nada que decir, de hecho, no hay nada que decir acerca de ninguna obra, ni siquiera nombrarla con un título a menos que como mera identificación así lo amerite”, dice Del Cid.
3. La propuesta de Del Cid se enfoca en que cada persona frente a las obras descubra emociones.  Invita a ver su obra sin describirla.  “…no quiero profanar con otro lenguaje el código del lenguaje de éstas obras, ellas solo hablan con colores, formas, líneas, puntos, tonos y valores…”, expresa.
4. En esta muestra verá además las diferentes técnicas que utiliza el destacado artista.  Óleo, grabados y acuarelas serán parte de la misma.
5. No se limite solo a ver la exposición.  En la ENAP también puede admirar los murales que ha trabajado el maestro.  Uno de los últimos inaugurado este año es Los fundadores en los que se representan a  Rafael Rodríguez Padilla,  Jaime Sabartés y Hernán Martínez-Sobral, fundadores de la escuela.  La hizo con el apoyo de estudiantes de la ENAP y de Escuela Superior de Arte.  También en el lugar están otros dos murales, uno de Max Saravia Gual y otro de Rodríguez Padilla.  Actualmente están trabajando nuevos murales.

El artista añade que su objetivo es que las personas se involucren más en la composición. “Es acercarlos al mundo del pintor.  Cuando uno pinta no está pensando si cambiará el mundo a través del arte, podría hacerlo, pero es solo un reflejo”, agrega.

Cuando no tiene título la obra se enriquece más, agrega.  En 2017 su exposición llamada El verdadero compromiso llevaba también esta temática de que el público no se quedara en la superficie de las obras y disfrutaran de las obras.

Antes de esta fecha tiene exposiciones con nombre llamadas Cristos, Bufones y Quijotes, por dar algunos ejemplos.

Del Cid también ha recibido reconocimientos por su trabajo y trayectoria.  Ha tenido dieciocho premios en los certámenes internos en la ENAP, primer premio en el certamen Rincones del Cerro del Carmen (1987), Premio Opus para las artes por mejor carrera artística (1992), premio Muni a la excelencia teatral por la escenografía de la obra La herencia de Alvarado (1998), por mencionar algunos.

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Esta es una oportunidad para que los amantes del arte nacional se acerquen al legado Zipacná de León y José Víctor Vásquez Kestler, quien firmaba como Váskestler.  Una muestra organizada por el Colectivo Artistas de Maíz y la Escuela Nacional de Artes Plásticas, ENAP.

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Los dos han dejado para Guatemala no solo sus creaciones sino una historia fascinante de trabajo por el arte guatemalteco.  En este artículo conoceremos parte de su vida y también algunos lineamientos para comprender su forma de expresión.  Un acercamiento que nos explican el artista Marvin Olivares, uno de los organizadores del Colectivo Artistas de Maíz y la escritora Delia Quiñónez.

Un maestro y promotor: Vaskéstler

Vivió de 1927 a 1944.  Estudió en México de 1945 a 1952. A su regreso a Guatemala continuó estudios en la Escuela Nacional de Artes Plásticas, ENAP y recibió la beca anual del Banco de Guatemala (1958).

Víctor Vásquez Kestler fue jefe del departamento de Artes Plásticas de la Dirección de Cultura y Bellas Artes.

En 1980 fundó el Salón Nacional de la Acuarela, junto a Delia Quiñónez.   El Certamen 15 de Septiembre y el Certamen Arturo Martínez, son algunas muestras de una constante dedicación al estímulo del creador plástico.  Admira la mística con la que honró su trabajo cotidiano y su significada participación en la búsqueda de espacios para Guatemala, en importantes eventos internacionales.

“Vaskéstler solía capturar la realidad con una visión multiplicada: la del creador y la del maestro.  Ventanas en permanente apertura a las legítimas esencias del ser humano.  De ahí su trayectoria ancha y propia.  Su búsqueda de rutas para quienes, como él, revitalizan los árboles de los viejos caminos y los horizontes gastados a fuerza de mirarlos con angustia o con amor”, describe Quiñónez.

La obra creadora de Vaskéstler tiene un itinerario breve y conciso, que se  revela en su fidelidad a la línea, al desdoblamiento permanente de las formas y en los matices de ternura cuando las impregnaba de color.

“Su apoyo al arte guatemalteco rebasó siempre las barreras del egoísmo institucional. Su oficina en la antigua Dirección General de Bellas Artes era una puerta abierta a los esfuerzos o iniciativas de artistas, promotores o directores de entidades culturales.  Memorables relaciones  aquellas con  los diplomáticos o directores de los institutos binacionales de cultura, con quienes don Víctor mantuvo contacto profesional y en algunos casos, larga y constructiva amistad”, agrega la escritora.

Es considerado un pintor, escultor y grabador de la generación del 50.  Contemporáneo de Oscar Barrientos, Efraín Recinos y Rodolfo Abularach.  También ilustró algunas obrasde los poetas del Grupo Nuevo Signo y diferentes libros que vieron la luz en la desaparecida Editorial “José de Pineda Ibarra”, del Ministerio de Educación.

Su obra se caracteriza porque es evidente el estudió el cubismo.  Las líneas de su obra dan forma a cuerpos femeninos y escenas rurales.

Zipacná

Zipacná De León nació 1948 y murió en el 2002.  Su trabajo pasó por  diversas técnicas como óleo, acrílico y collage.

El artista Marvin Olivares comenta que Zipacná fue uno de esos personajes extraños que aparecen muy pocas veces. Educado en Francia, pasa toda su infancia en París rodeado de los artistas e intelectuales que frecuentaban sus padres, el escultor Adalberto de León Soto y la pintora Fantina Rodríguez Padilla.

El suicidio de su padre los trae de vuelta. Zipacná recordaría años después que al venir a Guatemala le parecía que todos los días eran domingo. Esto se debía a la cantidad de sol, las flores y la sensación de ser siempre primavera, que era la temporada que en Europa lo llevaban al parque. El color y su amor por Picasso marcarían toda su producción pictórica”, agrega Olivares

En un paso más de su historia, Olivares recuerda que su paso por la Academia de Bellas Artes, hoy Escuela Nacional de Artes Plásticas- ENAP-, fue como observador del establecimiento que había fundado su abuelo materno, el pintor y escultor Rafael Rodríguez Padilla.

En esa época se hizo amigo de los artistas Erwin Guillermo, Alfredo Guzmán Schwartz, Rolando Ixquiac Xicará, Alejandro Urrutia, Arnoldo Ramírez Amaya, entre otros. Al mismo tiempo que entablaba amistad con otras generaciones.

En su vida  creó algunas escuelas de arte en el interior del país, así como la Bienal de Arte Paiz, entre otras maneras de expresión.

Cuando Zipacná fundó la Bienal Paiz, junto con Rodolfo Paiz, tenía 28 años de edad. Para ese entonces ya había fundado la Casa de la Estampa Max Vollemberg y la agencia de diseño Trinovación; además de haber vendido tres veces su colección completa de pinturas, para luego armarla una nueva. “Las colecciones deben estar vivas” solía decir, agrega Olivares.

Para poder manejar la Bienal Paiz, se fundó simultáneamente el Programa Permanente de Cultura, ahora la Fundación Paiz. Zipacná convirtió a la Bienal Paiz en el evento artístico más importante de Guatemala. Hizo algunos proyectos tan notables como La Casa de la Estampa “Max Vollmberg” (1974) y Trinovación (1977).  Entre sus publicaciones más importantes se encuentran 100 años de retrato en Guatemala, 100 años de paisaje en Guatemala, Grabado de Guatemala, Arte contemporáneo guatemalteco en Taiwán, Grabado latinoamericano, Miniaturas de Francisco Cabrera, entre otros.

Aunque es autodidacta en pintura, se especializó en grabado en México (1968 y 1971); cursó estudios sobre Arte Moderno y Museogafía en el Centro Georges Pompidou, de París.

En 1997 en una entrevista a Prensa Libre en se le preguntó al mismo Zipacná qué le faltaba a su obra.  El respondió que serían las personas quienes la valorarían.  “Yo no puedo decir qué es más importante si mi pintura o mi proyección plástica, artística hacia cientos y cientos de gentes”, dijo en esa oportunidad.

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Pero, es solo una de las piezas  que se pueden apreciar en el jardín. También se observan los famosos murales en mosaico realizados por Leonel del Cid, entre otros detalles que son parte de la historia del arte guatemalteco.

Los estudiantes de las carreras que se ofrecen y  los asistentes de los cursos libres también disfrutan de un recorrido en que cada uno de los niveles del edificio construido en la década de 1970.

Los salones especializados  llevan los nombres de grandes exponentes del arte y se aprecian otros murales y bustos. La sala Enrique Acuña Orantes, por explicar uno de los espacios, se llama así porque impartía dibujo natural y hoy es el área especializada en las exposiciones.

La institución está abierta durante el año, regularmente en horarios de 9 a 17 horas, de lunes a viernes. Los sábados también se reciben algunos cursos.

Uno de los grandes propósitos del lugar es ser un sitio que permita a los artistas mostrar su creatividad, así que se tienen muestras frecuentes de grandes nombres del arte, así como de estudiantes y nuevos talentos.

Durante mayo, acérquese a ver la exposición 99-100, organizada por Artista de Maíz.  La exposición lleva este nombre porque se cumplen 99 años de la fundación de la escuela y además el maestro Saravia cumpliría 100 años en septiembre próximo.

“Max Saravia Gual nos dejó un gran legado y fue el principal gestor de que se construyera el edificio donde se encuentra actualmente la escuela”, dice Otto Arana, director administrativo de la ENAP.

En ella encontrará cerca de 50 obras de amigos, estudiantes y compañeros del maestro Max Saravia Gual.  Entre las que se encuentra dibujo, pintura, grabado y escultura.

Como parte de las actividades la familia del artista también recibió este mes la Orden Rafael Rodríguez Padilla, en forma póstuma.

Más de la historia

Esta institución se fundó el 30 de mayo de 1920 y al principio era conocida como la Academia Nacional de Bellas Artes

Empezó en un salón del actual Congreso de la República y también estuvo en la 8a. Avenida y 12 calle de la zona 1.  En 1948 adoptó el nombre de Escuela Nacional de Artes Plásticas, durante el gobierno de Juan José Arévalo, y el 7 de mayo de 1990, se agregó el nombre de Rafael Rodríguez Padilla, como un homenaje al maestro, artista, fundador y primer director.

En junio de 2008 fue considera Patrimonio Cultural  de la Nación.

Otro de los grandes atractivos que este año es el mural dedicado a sus fundadores, Rafael Rodríguez Padilla,  Jaime Sabartés y Hernán Martínez-Sobral.  Una obra impresionante de Leonel del Cid, que realizó con el apoyo de estudiantes de la ENAP y de Escuela Superior de Arte.

Guillermo Monsanto, dramaturgo, historiador y crítico de arte expresa que en esta escuela han pasado los artistas más lúcidos del arte guatemalteco, algunos como estudiantes y otros como catedráticos.

Entre ellos aparecen nombres como Roberto González Goyri, Dagoberto Vázquez, Guillermo Grajeda Mena, Ingrid Klussmann, así como artistas de la Generación Vértebra, como Elmar René Rojas, Roberto Cabrera y Marco Augusto Quiroa, entre otros.

Arana comenta que los más de 130 jóvenes que asisten a la Escuela actualmente tienen la oportunidad de convertirse en lo que ellos sueñas ser, artistas y gestores culturales. “La cultura es la paz de un pueblo, un pueblo sin arte es un pueblo sin paz y es importante para nuestra sociedad en este momento”, agrega.

Para Monsanto la historia de esta institución está llena de perseverancia, a base de la voluntad de quienes la han dirigido y han sobrepasado penurias porque a veces no hay presupuesto. También reconoce que esta es una buena época.

Para concluir Monsanto invita a frecuentar el lugar, por las distintas actividades y los espacios para integrarse a diferentes aficiones artísticas.

Los nuevos retos

El catedrático Juanmanuel Gatica, catedrático de ENAP expresa que es importante seguir actualizando la educación y explotar todo el potencial artístico de las nuevas generaciones.

En ese sentir la sede ha sido sede de diferente eventos dedicados a la actualización y el arte.

Actualmente se tienen profesionales de la Escuela becados en México, España, Estados Unidos e Italia. Embajadas e instituciones les han dado la oportunidad y esto también motiva a otros estudiantes a superarse, agrega Gatica.

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Los elementos de la composición  —la pirámide el Gran Jaguar, las tres deidades de la cosmovisión maya, el fervor religioso y la imagen de Jesús mercedario— de esta obra giraban en torno al sincretismo y el desarrollo de la ciudad, dice Corleto, quien también es muralista.

Las alfombras constituyen una fuente especial de análisis antropológico, puesto que en la época precolombina se hacía este tipo de ofrendas para  gobernantes, quienes salían en cortejos y se les tributaba elementos para que las andas y ellos nunca pisaran el suelo, refiere el historiador Mario Alvarado.

“Buscamos mantener la tradición  guatemalteca y llevar el arte a las calles, como ha sucedido con los murales que hemos hecho en el Tribunal Supremo Electoral, en el Parlacen, y en Quetzaltenango, Escuintla y Cobán —Alta Verapaz—, para que la gente aprecie el arte”, refiere.

La diferencia de estas alfombras “pisales” —como el artista  las llama al emular una pintura— de las artesanales radica en que no se utilizan esténciles o moldes para crear los diseños, sino que se aplican técnicas de murales, que incluye realización del boceto, ampliación y reproducción y trazo a mano alzada.

Estas destacan por las degradaciones, siluetas, medios tonos, sombras, luces y altos contrastes con colores de aserrín creados por los artistas, para tener una amplia gama de tonalidades. Se aprovechan las naturales de la madera: pino, amarilla; palo blanco, clara, y cedro, rojiza.

Proyectos

El 31 de marzo último, el colectivo creó una alfombra  frente al templo de la Parroquia Santa Cruz del Milagro, zona 6, para celebrar el retorno de Jesús Nazareno de las Tres Potencias, que fue restaurado y que será consagrado el Viernes de Dolores.

“También haremos una alfombra relacionada con los 300 años de la consagración de Jesús Nazareno de la Merced  —el Martes Santo— y vincularla con las leyendas de Guatemala, como El sombrerón, El cadejo y La tatuana”, indica Corleto.

El colectivo ha inspirado a otros artistas en esta modalidad artística. Estudiantes de la Escuela Nacional de Artes Plásticas (Enap) han elaborado obras  de este tipo este año.

“Hay sucesos del pasado de los que los jóvenes estamos disasociados. Es importante remarcar  este proceso de alfombras para lograr una unión generacional e involucrarnos en la historia y fe de un país  influenciado por la cristiandad”, indica Samuel Escobar, de la Enap.

“No son simples calles de piedra o el arco de Santa Catarina, quise mezclar la desnudez del cuerpo femenino con los monumentos antigüeños”, dice el artista.

Lo que distingue a este artista son sus finos trazos, sus realistas detalles y la pasión con la que retrata el cuerpo de la mujer. “En mis primeras clases de arte me pusieron a dibujar cuerpos desnudos y encontré esos hermosos detalles en la figura femenina. Decidí, entonces dedicarme, a esta corriente”, indica.

Pero sus comienzos no fueron con desnudos, recuerda. “Mi primera exposición fue en 1957 y yo andaba en busca de una identidad”, dice. “En ese entonces me incliné por varias vertientes: cubismo, arte abstracto y otras corrientes”, añade Gallardo.

Sin embargo, eso no lo convencía. “Necesitaba encontrar mi lenguaje y mi forma de darle color a las ideas. No me dejé llevar por las modas, por las nuevas corrientes o por lo que pintaban los demás. Simplemente hice lo que quería hacer”, dice Gallardo.

El resultado de esa convicción es que Gallardo es considerado uno de los artistas de mayor renombre en Guatemala, y uno de los más polémicos también. “Me gusta que el arte dé para hablar”, comenta.

En el 2012, el artista colocó una escultura en contra del femicidio en la Plaza Central del Teatro Nacional, y las autoridades de ese entonces la retiraron. “Fue algo inconcebible, era una obra de arte que recordaba la muerte de las mujeres y que reprochaba este acto. La quitaron por ignorancia”, recuerda el artista. Ahora la escultura se puede apreciar en los jardines de la Escuela Nacional de Artes Plásticas (Enap), en el complejo del Centro Cultural Miguel Ángel Asturias, zona 1.

La muestra

La exposición de Manolo Gallardo, Los 80’s se puede visitar en la 6a. avenida 22-00, zona 1, de 13 a 18 horas. Entrada libre. Cierra el 25 de junio.

Además se develizará un busto de Asturias, obra del escultor Manolo Gallardo, y se dará el nombre de este ilustre guatemalteco a uno de los salones de la Enap, ubicado en el cuarto piso de ese edificio. El acto incluirá la presentación de la marimba de Concierto de Bellas Artes, y la Orquesta Sinfónica Nacional del Conservatorio Nacional de Música “Germán Alcántara”.

El hijo de premio Nobel presentará la conferencia “Miguel Ángel Asturias, mi padre”, para culminar el acto con la colocación de una ofrenda floral en el monumento al premio Nobel, ubicado frente al teatro Efraín Recinos, del Centro Cultural Miguel Ángel Asturias.

“Miguel Ángel hijo, es ingeniero en electrónica y vive desde hace 23 años en Argentina. Vino estos días a Guatemala a pronunciar varias conferencias a la Universidad de San Carlos, y aprovechando su estadía se le invitó a develar un escultura y nominar una aula con el nombre de su padre”, dijo Otto Arana, director de la Enap.

Agregó que esta actividad tiene el propósito de exaltar a los guatemaltecos que han dado brillo a nuestro país y por ello las pinturas presentadas por los estudiantes de la Enap están inspiradas en los libros y obra del Asturias.

Guatemalteco universal

Miguel Ángel Asturias Rosales es el más universal de todos los guatemaltecos. Con una pluma insuperable dibujó el pensamiento local, desde el valor de la cultura maya y su influencia en el mestizaje de una nación que se formaba a principios del siglo XX.

Asturias nació en la ciudad de Guatemala el 19 de octubre de 1999; hijo de Don Ernesto Asturias y Doña María Rosales. Sus primeros años de educación los recibió en el Instituto Nacional Central para Varones, entre 1912 y 1916, sitio en el que cursó el bachillerato.

Estudió en la Facultad de Medicina y la Facultad de Ciencias Jurídicas y Sociales, de la Universidad de San Carlos de Guatemala. En 1922 fue uno de los fundadores de la Universidad Popular. Se graduó como abogado y notario, con la polémica tesis llamada El problema social del indio, escrito que planteaba que la desigualdad del indígena, respondía a su condición étnica.

Estudió lingüística y antropología maya. Estudió Antropología en la Sorbona de París, ciudad en la que recibió la influencia del poeta surrealista francés André Breton.

Fue diputado y embajador en México, Argentina y El Salvador, hasta que, en 1954, salió al exilio de Guatemala.

Recibió el Premio Lenin de la Paz en 1966 y el Premio Nobel de Literatura en 1967. Murió en 1974, en Madrid, España. Sus restos están enterrados en París, Francia.

Entre su vasta obra destaca Leyendas de Guatemala (1930), El Señor Presidente (1946), Hombres de maíz (1949), Week-end en Guatemala, (1955), y El espejo de Lida Sal (1967).

El escritor, abogado y periodista Miguel Angel Asturias en la ceremonia de entrega del premio Nobel de Literatura, 1967, En Suecia.

https://www.youtube.com/watch?v=jnBp8YycKb8

Video de la entrega del premio Nobel de literatura 1967, al guatemalteco Miguel Ángel Asturias, en Suecia.  (Video Prensa Libre: tomado de You Tube).

La ENAP celebró la semana pasada su 95 aniversario con una serie de actividades que se inauguraron con una exposición de obras del maestro Rodolfo Abularach, a quien se dedica el ciclo escolar 2015 y los estudiantes participaron en una experimentación artística con materiales de reciclaje, al aire libre.

Estuvieron presente los maestros de la plástica, Manolo Gallardo, Ana María Sobral, Ernesto Boesche, Luis Díaz y César Cartagena.

Se presentó con éxito una jornada de Body Paint, con la participación de 18 estudiantes y sus respectivas modelos. Esta técnica, que es una tendencia mundial en el arte pictórico, considera el cuerpo humano como un medio para la expresión gráfica en base al dibujo y la aplicación de pintura.

Como parte de la capacitación teórica presentaron conferencias el artista visual César Cartagena, quien habló del desarrollo personal de un artista, y el crítico en arte Guillermo Monsanto, que compartió historia de los monumentos de Guatemala, con el tema Mi Pequeño París, 1881.

Los alumnos presentaron show de magia, danzas, cantos e interpretaron guitarra y teclado. Las actividades concluyeron con la presentación de la Escuela Nacional de Arte Dramático y un concierto de alumnos del Conservatorio Nacional de Música.

La ENAP

La escuela está dedicada a la formación de artistas de la plástica y contribuir al desarrollo del arte en todas sus dimensiones. Su visión es ser la mejor escuela de artes plásticas en Centroamérica con enseñanza de calidad, por medio de tecnología y docentes especializados en el tema.

Fue fundada en mayo de 1920, por iniciativa de Rafael Rodríguez Padilla, escultor y pintor guatemalteco, con la ayuda de Jaime Sabartés, Hernán Martínez y del doctor Manuel Arroyo Arévalo, primer ministro de Instrucción Pública del entonces presidente de Guatemala, Carlos Herrera.

En 1947, durante el gobierno de Juan José Arévalo se le cambió el nombre de Academia a Escuela Nacional de Artes Plásticas, y el 7 de mayo de 1990, se agregó el nombre de Rafael Rodríguez Padilla, como un homenaje al maestro, artista, fundador y primer director, cargo que ocupó durante ocho años.

La ENAP está situada en la 6a. Avenida 22-00 zona 1. Centro Cultural Miguel Ángel Asturias, de la capital de Guatemala.