El documental “Chaplin. Espíritu gitano” dirigido por la actriz Carmen Chaplin, nieta del célebre actor, se presentó en el Festival de San Sebastián como una exploración sobre los orígenes romaníes de su abuelo.

Hace más de una década se reveló en una carta que un nombre llamado Jack Hill confesó a Charles Chaplin que no había nacido en Londres, Reino Unido, sino en una caravana de una reina gitana en un campamento a las afueras de Birmingham. Esta información fue la razón que comenzó este proyecto, ya que Chaplin nunca tuvo un certificado de nacimiento.

El actor guardó la carta llave en un cajón de una mesa de su casa en Suiza. La actriz contó que su abuelo tenía un cuarto de raza gitana y no un octavo como dijo en una ocasión la hija mayor de Chaplin, Geraldine.

“A Michael, mi padre, siempre le había fascinado la cultura gitana, la música, la gente. Sabía instintivamente que había algo gitano en él, y algo más se despertó con la carta. Eso fue el punto de partida para él, para explorar todas las pistas sobre el origen gitano de Charlie (como llama a su abuelo). Y luego fue también mi punto de partida para el documental“, explica Carmen Chaplin en una entrevista con EFE.

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El documental es una producción entre España, Francia, Reino Unido y Países Bajos, con un guion escrito por Carmen Chaplin, hija de Michael, el segundo de los ocho hijos del cineasta, y de Oona O’Neill, 36 años más joven que su marido.

El lado gitano

El documental muestra cómo ese descubrimiento de su porcentaje de sangre gitana se convierte en una celebración para la familia.

Carmen destacó que para el actor significó demasiado tener sangre gitana y para ella también. “Hacer la película era honrar esa cultura”, añadió.

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Según la actriz, saberlo le permitió ver las películas de Chaplin a través del punto de vista de un artista gitano por la inmediatez de vivir y disfrutar el momento.

El actor estadounidense Johnny Depp y el cineasta Emir Kusturika también participaron en el documental, al igual que músicos y artistas gitanos, como la creadora multidisciplinar Lita Cabellut y el bailador de música flamenca, Farruquito, quién hablan de una manera de ser gitana.

Además recordaron los hijos de Chaplin como el famoso cineasta bebía demasiado vino y tocaba el acordeón.

El cineasta Pedro Almodóvar cumplirá 75 años el próximo martes en un momento dulce de su trayectoria en el que le llueven reconocimientos que hasta ahora se le resistían, como el histórico León de Oro de Venecia y a punto de recibir el honorífico Premio Donostia de San Sebastián.

La fecha de su nacimiento tiene anécdota porque, aunque nació el 24 de septiembre de 1949 en Calzada de Calatrava (Ciudad Real, centro de España), él mismo ha contado que no fue inscrito hasta el 25, por lo que tiene dos fechas para celebrar.

En todo caso, será un día después, el 26, cuando reciba el Premio Donostia en el 72 Festival de cine de San Sebastián de manos de la actriz Tilda Swinton, protagonista de ‘La habitación de al lado’, su primer largometraje en inglés, que le hizo ganar el León de Oro de Venecia el pasado 7 de septiembre.

Una película inspirada en la novela de la estadounidense Sigrid Nunez ‘What Are You Going Through’ que habla de amistad y de muerte digna, y que Almodóvar presentó como una invitación a rechazar “los discursos del odio”.

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En 44 años de trayectoria, el cineasta manchego no había logrado ganar hasta ahora el premio a la mejor película en ninguno de los grandes certámenes internacionales, aunque sí tenía el de mejor director de Cannes por ‘Todo sobre mi madre’ y el de mejor guion por ‘Volver’.

Por eso el de Venecia tiene un valor especial, también por ser el primer León de Oro para una producción española. No obstante, al recibirlo aseguró que le habría venido mejor ganarlo en sus inicios, la época en que visitó por primera vez el certamen con ‘Entre tinieblas’ (1983).

Almodóvar es el cineasta español con más proyección internacional desde Buñuel. Junto con el catalán Pere Portabella, son los tres únicos a quienes el MoMA ha dedicado una retrospectiva.

La de Almodóvar tuvo lugar en 2016, cuando fue reconocido como “una de las voces más distintivas del cine” y “un provocador contracultural” cuyo trabajo ha contribuido “a la creación de un nuevo orden cultural y social español”.

Si películas como “¿Qué he hecho yo para merecer esto?”, “La ley del deseo” y “Matador” fueron una prueba temprana de su talento y su capacidad para innovar, “Mujeres al borde de un ataque de nervios” o “Átame” fueron cruciales para su apreciación al otro lado del Atlántico.

Pero la consagración internacional llegó con sus Óscar por “Todo sobre mi madre” -mejor película extranjera- y “Hable con ella” -mejor guion-. También tiene el Premio Nacional de Cinematografía, la Legión de Honor francesa, el Príncipe de Asturias de las Artes y el León de Oro honorífico de la Mostra de Venecia.

Con el festival de San Sebastián la relación viene de lejos: su primera visita, como debutante, fue con ‘Pepi, Luci, Bom y otras chicas del montón’ (1980) y dos años después compitió en sección oficial con ‘Laberinto de pasiones’.

Pedro Almodóvar ha entregado el Premio Donostia del Festival de San Sebastián a Al Pacino, Woody Allen y Antonio Banderas. Este año él será el galardonado.

La actriz australiana Cate Blanchett, Premio Donostia 2024, reivindicó este sábado en San Sebastián (norte de España) el derecho de protesta como parte de la vida en democracia, pero lamentó que algunos conflictos “no pueden resolverse en la alfombra roja”.

En rueda de prensa poco antes de recibir el premio honorífico del festival de San Sebastián de manos del mexicano Alfonso Cuarón, Blanchett se refirió así a una pregunta sobre el vestido con los colores de la bandera palestina que lució en el pasado Festival de Cannes.

“Hay muchos conflictos sobre los que nos sentimos impotentes”, señaló. “El derecho a protesta es muy importante, es parte de vivir en democracia, escuchar todos los puntos de vista, pero hay muchas heridas que no pueden resolverse en una alfombra roja ni con una declaración que yo haga”, dijo la actriz.

La actriz australiana agradeció el reconocimiento de un festival como el de San Sebastián: “Los premios son maravillosos y cuando vienen de una cultura que no es la tuya adquieren un significado especial”.

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Ganadora de dos Óscar, por ‘Blue Jasmine’ (2013) de Woody Allen y ‘The aviator’ (2004) de Martin Scorsese, Blanchett es una de las actrices más reconocidas y reclamadas de la industria cinematográfica y ha trabajado con directores como David Fincher, Anthony Minghella, Wes Anderson, los mexicanos Alejando G. Iñárritu y Guillermo del Toro, o Todd Haynes, entre otros.

A punto estuvo de sumar a Pedro Almodóvar a esa lista con un proyecto, la adaptación del libro de Lucía Berlín ‘Manual de mujeres para la limpieza’, que no salió adelante porque el director manchego se echó atrás, una retirada de la que la actriz habló hoy por primera vez.

Dijo que Almodóvar es “un hombre con mucho gusto y discernimiento, que sabe lo que puede hacer y cómo” e insistió en que espera poder trabajar con él algún día: “Un artista sabe donde tiene que ir, él hace las cosas a su manera y yo lo respeto absolutamente”.

También habló de Jim Jarmusch, con quien volverá a trabajar en una película que tiene previsto su estreno el año que viene (‘Father, mother, sister, brother’), más de dos décadas después de ‘Coffee and cigarettes’. La estrella australiana aseguró que el cine independiente vive horas bajas y es cada vez más difícil de producir y de encontrar su público.

“Para Jim levantar una película hoy es más difícil que hace 20 años”, lamentó, “la posibilidad de que estas películas encuentren distribución es cada vez más complicado”.

Auténtica estrella contemporánea, Blanchett habló de algunos de los títulos más significativos de su carrera, como ‘Tár’ (2022), de Todd Field, que le valió una nueva nominación al Óscar, de la que destacó la profundidad con la que aborda el proceso creativo y los “abusos de poder sistémicos”.

De ‘Carol’ (2015) de Todd Haynes recordó lo difícil que fue producir esa película por la temática LGTBI. “Llevó diez años hacerla, nadie quería financiarla ni distribuirla”, afirmó, “pero afortunadamente hoy el paisaje ha cambiado mucho y hay más diversidad en la representación de la identidad y orientación sexual en la pantalla”.

A la hora de elegir sus trabajos dijo guiarse por el instinto. “Siempre me siento agradecida a los directores que te ofrecen algo que te sorprende, que ven algo en ti que tú misma no has visto”, aseguró, algo que le ocurrió por última vez precisamente en ‘Tár’.

Sacó a relucir en varias ocasiones su formación teatral, que considera clave. “En el teatro aprendí a transformar el miedo en excitación, ojalá pudiera hacerse eso a nivel geopolítico”, dijo.

Y reivindicó la diversidad cultural en el cine y la televisión. “Es peligroso creer que es posible crear algo que guste a todo el mundo (…), cuanto más culturalmente específica sea una historia, más poderosa”.

Blanchett presenta en San Sebastián la película ‘Rumours’, una sátira política de Guy Maddin y Evan y Galen Johnson, que sigue a los líderes del G7 en una cumbre anual en la que se pierden en un bosque en el que acechan peligros de todo tipo mientras intentan redactar una declaración provisional acerca de una crisis global.

Treinta años después de quedarse sin palabras al recoger su Concha de Plata al mejor actor en San Sebastián, Javier Bardem recibió este viernes el Premio Donostia reivindicando “la mirada” y “la escucha” en tiempos en que “es más fácil odiar”.

Bardem se lo dedicó especialmente a su pareja, Penélope Cruz, que le acompañó en la gala de inauguración del 72 Festival de San Sebastián (norte), a sus hijos Leo y Luna y a su madre, Pilar Bardem, fallecida en 2021.

El premio, correspondiente a la edición de 2023 y que no pudo recoger debido a la huelga de actores en Hollywood, lo recibió de manos de su “maestro”, el profesor de interpretación y director de teatro Juan Carlos Corazza y acompañado en el escenario por sus hermanos Mónica y Carlos Bardem.

El momento en el que Javier Bardem le dedica el Premio Donostia a su mujer, Penélope Cruz:

"Un agradecimiento muy hondo por el ser humano que eres y por cómo te responsabilizas de la vida". #72SSIFF pic.twitter.com/vmT4AAqoWZ

— Cine con Ñ (@CineCon_N) September 20, 2024

“Juan Carlos me enseña todos los días una lección humana, la importancia de respirar, sentir la planta de los pies, mirar y escuchar al otro, algo más importante que nunca, no solo porque estamos rodeados de móviles y pantallas sino porque es más fácil odiar”, señaló desde el escenario del Kursaal.

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A él, que le ha acompañado en “casi todos” sus trabajos, dijo deber el haber descubierto la dificultad de hacer el trabajo de una manera “digna”, desde “la verdad y la honestidad” y lejos de prejuicios, complejos, odios o rabias que “nos alejan de las personas”.

Bardem, que asistió por primera vez al festival en 1993 para presentar ‘Huevos de oro’, agradeció a sus hermanos haberle cuidado cuando su madre no estaba porque tenía que trabajar y a sus hijos les pidió “que no se traicionen, que sean honestos consigo mismos y no hagan daño a nadie”.

Carlos Bardem recordó que en aquella época se lo encontró un día reptando por el pasillo de su casa diciendo que era un gusano e intentando trabajar el aislamiento máximo. “Es un actor que va hacia el personaje, que desaparece, tiene una capacidad de crear al alcance de muy pocos intérpretes”, subrayó su hermano.

Actor camaleónico y comprometido, referente internacional, Corazza destacó de él un amor a su oficio “igual de vivo” que cuando llegó con 20 años a sus clases, “lleno de entusiasmo y curiosidad”.

“Siempre quiere ir más allá, es inspiración para muchos, un referente internacional”, subrayó del seis veces ganador del premio Goya como actor y del Oscar con ‘No hay país para viejos’.

La actriz Bárbara Goenaga, presentadora de la gala, recordó que su capacidad de transformación la demostró desde el principio en trabajos como ‘Jamón, jamón’, ‘Huevos de oro’ o ‘Perdita Durango’, antes de que el Reinaldo Arenas de ‘Antes que anochezca’ le abriera las puertas del mundo.

La gala estuvo aderezada por el humor de Andreu Buenafuente y Berto Romero que no dejaron escapar la oportunidad de poner alguna nota crítica mencionando la proliferación de apartamentos turísticos en la ciudad o el “empeño” del presidente Javier Milei en “silenciar al cine argentino”.

Entre los asistentes estuvieron la vicepresidenta segunda del Gobierno, Yolanda Díaz, el ministro de Cultura, Ernest Urtasun, el de Economía, Carlos Cuerpo y el de Transformación Digital y de la Función Pública, Óscar López.

También se entregó el premio FIPRESCI de la crítica a ‘Pobres criaturas’ de Yorgos Lanthimos.

Segundo largometraje de Camborda, nacida en 1983 en la ciudad del norte de España que acoge el festival, “O corno” narra la historia de una mujer llamada María (interpretada por la bailarina Janet Novás).

María es una mariscadora que vive en un pueblo costero gallego en los años 1970 y ayuda a mujeres a parir, pero también a interrumpir el embarazo, hasta que algo sale mal y tiene que emprender una huida desesperada.

“Es muy especial para mí recibir este premio aquí, en esta ciudad que me vio crecer y junto a tanta gente querida”, dijo Camborda.

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– Doblete de la comedia argentina “Puan” –

Por su parte, el argentino Marcelo Subiotto compartió ex aequo la Concha de Plata a la mejor actuación con el japonés Tatsuya Fuji (“Great Absence”).

Dirigido por los realizadores María Alché y Benjamín Naishtat, Subiotto encarna en “Puan” a Marcelo Pena, un profesor universitario de filosofía torpe y anodino que opta a una cátedra y al que le sale un competidor de altura, elegante y carismático, interpretado por Leonardo Sbaraglia.

“Gracias al festival de San Sebastián por honrar mi trabajo con semejante distinción, gracias a su público por haber recibido nuestra película con una actitud tan cálida y amorosa”, afirmó Alché en nombre de Subiotto, que no estuvo en la gala por encontrarse filmando.

Además, “Puan” logró el premio al mejor guión, firmado por los propios Alché y Naishtat.

La última Concha de Plata, a la mejor dirección, fue para las taiwanesas Tzu-Hui Peng y Ping-Wen Wang, por “Chun Xing” (“Un viaje en primavera”).

Por su parte, el premio Horizontes a la mejor película de la sección latinoamericana del festival Horizontes Latinos, recayó en “Un castillo”, del argentino Martín Benchimol.

Documental y primer largometraje en solitario de Benchimol, la película narra la herencia concedida a una humilde trabajadora por su empleadora, un castillo en las pampas argentinas.

“El cine es esto, mirarnos, encontrarnos, ponernos en la piel del otro, tanto cuando hacemos la película, como cuando la vemos y podemos acceder a lo que siente otra persona, y esa magia del cine hay que seguir celebrándola”, explicó Benchimol al recoger su premio.

– Un festival condicionado por la huelga –

Finalmente, el premio del público fue para “La sociedad de la nieve”, la película del director español Juan Antonio Bayona que vuelve sobre la milagrosa historia real de supervivencia de un grupo de uruguayos cuyo avión se estrelló en los Andes en 1972.

La huelga de actores y guionistas de Hollywood condicionó la programación del certamen de la ciudad del norte de España, pero no faltaron estrellas queridas por los aficionados, como Juliette Binoche, Jessica Chastain, Madds Mikelsen o Gabriel Byrne.

En cambio, se hizo manifiesta la ausencia del español Javier Bardem, que por respeto al paro no vino a recoger su Premio Donostia, aunque su rostro siguió adornando el cartel oficial omnipresente en San Sebastián, y se le entregará el año que viene.

Sí recogieron sus premios honoríficos el director español Víctor Erice, de 83 años, que creció en esta ciudad, y el de animación japonés Hayao Miyazaki, de 82, quien lo recibió desde su país, dos figuras legendarias del séptimo arte.

Aquí estoy recibiendo un premio “con todo el agradecimiento del que soy capaz”, porque “tiene como divisa el nombre de la ciudad a la que llegué con unos meses de vida”, explicó Erice, que nació en un pequeño pueblo vasco antes de mudarse a San Sebastián.

Las secciones paralelas ganaron peso y algunas de sus obras despertaron gran interés, como la excelente e hilarante serie gastronómica argentina “Nada”, que competía en la de cine culinario, o el documental sobre el músico español C. Tangana “Esta ambición desmedida”, que congregó a 3.000 personas en su pase al público.

En esa línea, la gran polémica del festival la protagonizó la entrevista/documental del antiguo dirigente de ETA José Antonio Urrutikoetxea, alias Josu Ternera, a cargo del periodista español Jordi Évole, por una carta firmada por más de 500 personalidades, entre ellas víctimas de la organización vasca, repudiando su programación.

Los reyes del mundo, que competía con otros dieciséis largometrajes internacionales en esta 70ª edición del festival, cuenta la historia de una pandilla que vive en las calles de Medellín y que emprende un viaje, tan peligroso como onírico, hacia una tierra prometida.

Los integrantes de la pandilla son interpretados por jóvenes que actuaban por primera vez, y que el equipo de la película encontró en la ciudad colombiana.

“Ha sido un esfuerzo enorme, fue una película muy difícil de hacer, llevamos años pedaleando con este casting absolutamente maravilloso, que nos ha enseñado todo sobre la vida, la belleza”, dijo Laura Mora al recoger el premio.

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“Espero que esta película sirva para entablar un diálogo, para, ojalá, tener la posibilidad de pensar en un mundo más justo”, agregó la cineasta originaria de Medellín.

Cuando presentó la película el pasado 21 de septiembre, Mora dijo que el trasfondo de la película es el tema de la tenencia de tierras, un problema que ha estado en el corazón del conflicto en Colombia por décadas.

Mora estimó que su cinta cobraba especial vigencia en momentos en que el presidente izquierdista Gustavo Petro promete una “reforma agraria” para redistribuir la propiedad rural en el país de Latinoamérica donde más se concentra la tierra en pocas manos, según la ONG inglesa Oxfam.

Madres adolescentes

Para el país anfitrión, cuyas películas fueron bastante aplaudidas este año, una de las mayores alegrías de la noche de premiación fue cuando la joven Carla Quílez ganó la Concha de Plata a la mejor interpretación, un galardón que compartió ex aequo con el francés Paul Kircher (“Le Lycéen”).

Quílez, quien debutó como actriz con este largometraje, da vida a Carla, la protagonista de La Maternal, la segunda película de la directora española Pilar Palomero, un emotivo retrato de un alberga para madres adolescentes.

Carla, una adolescente rebelde de 14 años con una madre ausente, se queda embarazada e ingresa al centro donde se apoyará en las otras menores que allí residen para saltar a la vida adulta sin haber dejado atrás del todo la niñez.

Quílez dio las gracias a las otras jóvenes del reparto, que en la vida real fueron madres adolescentes, y a las cuales describió como “unas mujeres guerreras y luchadoras, que lo dan todo en sus vidas”.

El otro gran premio de la sección oficial, a mejor dirección, recayó en el japonés Genki Kawamura, por su película Hyakka, adaptación de una novela del propio director sobre una mujer que sufre de alzhéimer y la relación con su hijo.

El cine en Costa Rica en “peligro”

En el apartado dedicado al cine latinoamericano, en este festival que es considerado escaparate por excelencia del cine de esa región en Europa, se impuso Tengo sueños eléctricos, el debut en el largometraje de la costarricense Valentina Maurel.

La cinta cuenta la historia de Eva, una joven de 16 años de padres recién divorciados, que vive a regañadientes con su madre y su pequeña hermana, porque anhela vivir con su padre, un hombre con arranques violentos.

En la gala de clausura, Valentina Maurel agradeció “este premio inesperado, fantástico y en una sección tan icónica para el cine latinoamericano”.

La directora aprovechó para advertir del “peligro” que corre el cine de su país, que en los últimos años ha cosechado premios en festivales internacionales, por los recortes presupuestarios.

La realizadora dijo esperar que “este premio sea una invitación al presidente (Rodrigo Chaves) y a la Asamblea Legislativa de Costa Rica para que reconsideren los recortes brutales que le acaban de hacer al presupuesto en cultura, porque ponen en peligro nuestro cine”.

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“La llorona”, película del guatemalteco Jayro Bustamante, gana el Premio del Director de GdA

Bustamante ha dado la vuelta al mito, lo ha transformado en “una madre tierra que llora a sus desaparecidos“. Esa “llorona” es la que empieza a escuchar por las noches un anciano, el general retirado Enrique Monteverde (Julio Díaz), que se enfrenta a un proceso por genocidio, del que resultará absuelto tras declararse nulo el juicio.

Mientras su familia cree que puede padecer Alzheimer u otra demencia, el general se sentirá cada vez más acosado por los fantasmas del pasado, lo que coincide con la llegada a la casa de una nueva criada, una misteriosa indígena llamada Alma.

La familia del general se encuentra además encerrada porque la casa esta rodeada por cientos de manifestantes que protestan por la nulidad de los juicios, un aislamiento que acrecienta la turbación de los protagonistas.

El filme planea sobre los crímenes del conflicto armado de Guatemala (1960-1996), que muchos quieren “esconder” o desean “olvidar”, señala el realizador.

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@aterafilms Además de TEMBLORES, Atera Films también distribuirá la 3ª película de Jayro Bustamante: LA LLORONA. Película por la cuál fue galardonado en la Mostra de Venecia con el Premio de las Jornadas de los Autores (gdA) y que clausurara la sección #HorizontesLatinos del #67SSIFF

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Opina que “no se puede mirar hacia adelante cuando el tapete está lleno de cadáveres” y por ello es especialmente crítico con esos “movimientos modernillos, positivistas”, que no son partidarios de echar la vista atrás.

“Es un movimiento que lo único que hace es quitarnos la responsabilidad, eso es muy grave”, afirma.

Recalca que es preciso hablar de lo ocurrido porque “las heridas no están cerradas” y que su generación -él nació en 1977- tiene “una necesidad” de “poner luz sobre esos problemas que el país quiere esconder, tanto desde el nivel político como social”.

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Eso explica, según él mismo comenta, que el otro director guatemalteco presente en Horizontes Latinos, César Díaz, un año más joven que él, participe con una película de la misma temática y tintes autobiográficos, “Nuestras madres”.

Bustamante es el único realizador con dos títulos en esta sección, ya que compite con “Temblores”, en la que aborda el tabú de la homosexualidad en Guatemala, y la cierra con “La llorona”, que se proyecta fuera de concurso.

Teme que cuando esta película llegue a los cines de su país sea objeto de un boicot mayor que el registrado con “Temblores” ante su estreno hace seis semanas.

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@aterafilms Estamos llegando a los últimos días del @sansebastianfes, pero todavía hay mucho cine por delante! Aquí os dejamos los pases para disfrutar de otra película de @jayrobustamante, LA LLORONA. Película ganadora del Premio de las Jornadas de los Autores en la Mostra de Venecia. @lacasadeproduccion @sansebastianfes @lalloronapelicula @tavomath @aperri #HorizontesLatinos #67SSIFF

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“Hablar en contra de la impunidad de los crímenes de guerra está visto de nuevo como ‘comunista’, la gente lo toma como que estás defendiendo a la guerrilla. Hay un orden lógico: los juicios habría que empezarlos por quien causó el mayor número de muertes. Hay que comenzar dando el ejemplo y juzgando al Estado primero, pero eso no quiere decir que no haya que juzgar a los otros”, asevera

Por ello, galardones como el de las Jornadas de Autores de Venecia con el que ha sido distinguida “La llorona”, no solo significan mucho para él como apoyo a una cinematografía que “no tiene luz propia”, sino también como “protección”.

“Dependemos mucho de la mirada internacional para poder existir, pero además no es un cine muy esperado ni querido en mi país. La prensa internacional nos ha servido para que no nos puedan destruir desde muchos lugares. Seguimos viviendo como en una olla de cangrejos, necesitamos aún el respaldo internacional para poder tener un mínimo de reconocimiento en el país”, destaca.

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Tras llegar ayer a la capital guipuzcoana, la actriz afronta su maratoniana mañana de entrevistas sin perder la sonrisa, ataviada con un vestido túnica color plateado que acentúa su aire de musa mediterránea, inalterable al paso del tiempo.

Tampoco le asusta el revuelo que ha causado su imagen nadando desnuda, con unas estrellas en el pecho, que fue portada de la revista Paris Match y censurada en Instagram después de que su autor, el fotógrafo Fred Maylan, la subiera a esa red social.

Enjoying the sun before Autumn? By the Great Woman photographer @dominiqueissermann ?? #monicabellucci#photography#dominiqueissermann#artofvisuals#sun#feelsgood#красота#моникабелуччи#soleil#closedeyes#monica_bellucci#malena#bond#onthemilkyroad

Una foto publicada por Monica Bellucci (@monicabellucciofficiel) el 17 de Sep de 2016 a la(s) 4:12 PDT

Bellucci afirma que “no es ridícula” esa actuación. “Hago muchas fotos, algunas más fuertes que otras, pero lo importante es que siempre necesitamos la belleza y debemos respetar”, asegura.

La película con la que llega al Zinemaldia, On the Milky Road, cuenta la historia de un lechero, al que da vida el propio Kusturica, que en plena guerra de los Balcanes cruza la línea del frente en un pueblo perdido de Serbia para transportar leche a los vecinos.

Los planes y las vidas de todos ellos quedan trastocados cuando aparece una bella italiana (Mónica Bellucci) con la intención de casarse con un héroe de guerra local.

Preview of the stunning Story in Paris Match this Week By Fred Meylan. Production and Copyright HandK @studiofredmeylan Hair@johnnollet Mua @letiziacarnevale #monicabellucci#preview#parismatch#photographer#fredmeylan#actress#swimmingpool#моникабелуччи#monica_bellucci#mostra#venezia#onthemilkyroad#emirkusturica#film

Una foto publicada por Monica Bellucci (@monicabellucciofficiel) el 7 de Sep de 2016 a la(s) 12:42 PDT

Bellucci cree que es un filme de “amor y de guerra” y en todo caso “no quiere ser una película política”.

“Hay violencia, pero, sobre todo, es una obra poética, onírica, con una historia de amor en la que se muestra a dos personas que ya no van a ser jóvenes que se enamoran, porque el amor no es cuestión de edad sino de la energía” que une a dos personas.

“Contiene un mensaje de esperanza”, afirma del trabajo que supone la vuelta al cine de Kusturica. El realizador de “Black Cat, White Cat” retoma sus habituales elementos, música, escenas trepidantes y humor, pero en esta ocasión busca un esperpento que se hace estridente.

In The swimming pool for Paris Match this week by Fred Meylan, @parismatch_magazine @studiofredmeylan Hair @johnnollet Makeup @letiziacarnevale Neckless @cartier @karinmodels_official Production and Copyright H&K #monicabellucci#parismatch#september#photographer#fredmeylan#моникабелуччи#monica_bellucci#actress#mostra#venezia#onthemilkyroad#director#emirkusturica#cartierdiamonds#cartier

Una foto publicada por Monica Bellucci (@monicabellucciofficiel) el 7 de Sep de 2016 a la(s) 10:06 PDT

Para encarnar su personaje, Bellucci aprendió serbio -“es el idioma en el que halaban todos los actores del reparto”- con una profesora que, una vez acabadas las clases y visto el resultado, reconoció que ella “habla un buen serbio”. “El idioma es una forma de expresión, pero las películas son una forma de expresión corpórea”, afirma.

No es la primera vez que Bellucci se afana en conocer otra lengua para meterse en un papel:, ya lo hizo en “Rhino Season”, de Bhaman Ghabadi, una película de pequeño presupuesto que rodó en persa.

Y es que la carrera de Bellucci es una constante alternancia entre filmes de autores menos conocidos con grandes superproducciones como “Matrix” o la serie de James Bond, en la que, según aseguró en su momento, no fue “una chica Bond, sino una mujer Bond”.

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Una foto publicada por Monica Bellucci (@monicabellucciofficiel) el 29 de Ago de 2016 a la(s) 5:47 PDT

Estos cambios de registro, con decisiones arriesgadas, “no son pensados”, según afirma, sino que se guía “por el deseo y por el instinto”. En el caso del filme de Kusturica se trata de “una coincidencia” que finalmente aceptara. “Me gusta ser sorprendida” por los proyectos que le ofrecen.

De momento, aparecerá en la tercera temporada de la serie televisiva Mozart in the Jungle, en la que interpreta a una cantante de ópera que actúa bajo las órdenes de un director de orquesta encarnado por Gael García Bernal.

At the beach by Vincent Peters @vincentpeters1 Hair @johnnollet Mua @christophedanchaud_makeup #monicabellucci#photography#vincentpeters#beach#sea#bnw#artofvisual#моникабелуччи#malena#bondlady#monica_bellucci

Una foto publicada por Monica Bellucci (@monicabellucciofficiel) el 13 de Ago de 2016 a la(s) 9:47 PDT

A continuación se proyectó el primer pase con público del último filme del actor mexicano, Neruda, dirigido por Pablo Larraín.

Fue precisamente el director quien presentó al premiado destacando su gran capacidad como actor, su potencia y su “misterio”.

“Tú le pones una cámara a Gael y nunca sabes qué va a pasar”, dijo Larraín, quien destacó el carácter de hombre comprometido del mexicano.
Lo demostró el propio galardonado al agradecer, primero, a toda su familia “que le enseñó a jalar del carro”; a su padre, que le enseñó a leer; a su padrastro, que le enseñó el cine, y a su abuela, que le enseñó todo lo demás; a su madre -entre el público- y a Larraín “por devolverle la alegría del cine”, además de a una lista de directores a los que aprecia y no quiso olvidar.

Poco antes se había proyectado un video con una selección de sus actuaciones, desde las primeras, en Amores perros  o Y tu mamá también , a la ultimas en No  y Neruda.

Y después, García Bernal, de traje gris y camisa azul clara, sin corbata, dijo: “Me gustaría que fuera un premio a la fraternidad, le dedico este premio sin más al acto fraterno del bien común, a aquellos que desde la compasión y la empatía se dirigen al universo”, manifestó el mexicano, para lamentar acto seguido las tragedias del mundo y la falta de justicia social.

“La falta de cariño y amor a nuestros ancianos y niños, es obscena”, afirmó, al tiempo que lamentó que se destruyan “las fronteras de lo humano para construir otras”.

amor amor! San Sebastian #neruda pic.twitter.com/6b04wEwmXo

— Mercedes Moran (@fimersea) September 17, 2016

Un panorama dolido el que mostraba García Bernal para resumir que, por eso, existe y hay que utilizar la poesía. Fue ese el momento en el que recitó a Neruda y dedicó a “toda Latinoamérica”  su galardón.

Sus orígenes

Nacido en Guadalajara  (México) el 30 de noviembre de 1978, de niño  Gael trabajó con sus padres en diferentes montajes teatrales.

Su llegada al cine se la brindó el director Alejandro González Iñarritu con el papel de Octavio en Amores perros  (2000), película que acaparó premios en distintos festivales y fue nominada al Óscar como mejor película de lengua no inglesa.

Por esta interpretación, la Academia de México le otorgó el Premio Ariel como mejor actor.

La película se presentará en Festival de cine de San Sebastián 2015, que se inicia mañana y finaliza el 26 de septiembre, como parte de la sección Horizontes Latinos junto a 13 propuestas de Argentina, Brasil, Colombia, Cuba, Chile, México, Perú, Venezuela y otro filme guatemalteco: Ixcanul, de Jayro Bustamante.

Te prometo anarquía también figura entre los títulos que se exhiben en la 40 edición del Festival Internacional de Cine de Toronto y este domingo será su proyección en el Scotiabank Theatre.

La película de Hernández participó recién en el Festival de Cine de Locarno como única propuesta latinoamericana entre 18 proyectos cinematográficos.