En la esquina superior izquierda de “El grito”, del artista noruego Edvard Munch, podía leerse un enigmático mensaje escrito a lápiz: “Solo pudo haber sido pintado por un hombre loco”.

Ahora, con la ayuda de escáneres infrarrojos, el Museo Nacional de Noruega ha podido confirmar que la oración fue escrita precisamente por Munch.

Conjeturas durante años

La pintura original, expuesta por primera vez en la casa de Munch en Oslo en 1893, se ha convertido en una expresión radical y atemporal de la ansiedad humana.

Su influencia es tal que inspiró películas de terror en Hollywood en los 90 y actualmente está representada por un emoticono que usamos frecuentemente en nuestros chats.

En los últimos meses, la pieza ha atravesado por procesos de conservación y preparación porque se instalará en un nuevo museo que abrirá el próximo año en la capital noruega.

Durante años, los curadores de arte conjeturaban sobre si el mensaje se trataba de un acto de vandalismo de un espectador o si había sido escrito por el propio Munch, conocido por sufrir problemas de salud mental en su vida.

El museo finalmente concluyó que las palabras fueron escritas por Munch, tras comparar el trazo con la caligrafía que dejó el artista en sus diarios y correspondencias.

“No hay duda de que el escrito es de Munch”, dijo Mai Britt Guleng, curadora del museo.

“La caligrafía por sí misma, y los eventos que sucedieron en 1895 cuando Munch exhibió su pintura en Noruega por primera vez, apuntan todos en la misma dirección”, añadió la experta.

En 1994, “El grito” fue robado de un museo de arte noruego. Años después, en 2006, la obra fue recuperada en una operación encubierta de detectives británicos.

“Sentimiento profundo de ansiedad”

La obra provocó fuertes críticas en su momento. También se especuló sobre la salud mental de Munch.

El artista, según sus diarios, se sintió profundamente herido por la reacción a su obra. Se cree que fue entonces cuando volvió al cuadro y, con un lápiz, dejó el mensaje que ahora le atribuyen.

Tanto el padre como la hermana de Munch sufrían episodios de depresión y el artista fue hospitalizado en 1908 debido a una crisis nerviosa.

Su madre y hermana mayor murieron antes de que Munch cumpliera 14 años. Doce años después, murió su padre y otra hermana fue ingresada con trastorno bipolar en un psiquiátrico.

“Desde que tengo memoria he sufrido un sentimiento profundo de ansiedad que he tratado de expresar con mi arte”, escribió Munch.

“Sin esta ansiedad y enfermedad yo habría estado como un barco sin timón”, dijo.

En 2019, BBC Arts escribió que el trabajo era “una expresión de su ansiedad en un punto de inflexión en la historia, en un mundo cada vez más alejado de las viejas tradiciones”, y señaló que “existen claros paralelos con el mundo de hoy”.

“Esta es sin duda la razón por la que ‘El grito’ conserva su poder a pesar de su ubicuidad: es un espejo de nuestros propios miedos contemporáneos. Por dentro, ¿no estamos todos gritando también”?

“El grito” se exhibirá en el Museo Nacional de Noruega a partir de 2022 junto con otras obras de Munch, como Madonna, La danza de la vida y Autorretrato con cigarrillo.

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Celebramos los 30 años de los Simpson con 30 curiosidades

El colombiano Ariel Ramos detalló por medio de un hilo de Twitter, el pasado 11 de noviembre, varias de las referencias que hace la familia animada. Con más de 15 años viendo las aventuras de Homero, Marge, Bart, Lisa y Maggie, el joven dio a conocer varias de las obras que han sido interpretadas o que han tenido una sutil interpretación en la serie.

“He sido fanático de Los Simpson desde que tenía 11 años. Desde pequeño también me ha interesado el arte, por lo que aprendí mucho de corrientes artísticas. Ya había visto algunas referencias de la serie con el arte, pero cuando presté atención vi que son muchas y muy divertidas, entonces cada que las veía las guardaba. En mi cuenta de Twitter me gusta hablar de arte, cine y moda, por eso me cuestioné si los demás sabían de las referencias y sino, pues quería darlas a conocer”, explica Ramos.

Sus personajes favoritos son Homero y Lisa, pero el humor, audacia y similitud que tiene toda la serie con cualquier familia convencional, así como la crítica que hacen a la sociedad son algunas de las motivaciones por la que el joven continúa viendo la serie.

Homenaje al arte

En el episodio Juego de Parejas de Marge y Homero de la temporada 17, estos personajes ayudan a resolver los problemas matrimoniales de dos famosos, pero cuando los demás habitantes de Springfiled se enteran colocan una imagen de Marge y Homero en el noticiero de Kent. Dicha fotografía es igual a la pieza Piedad del Vaticano, de Miguel Ángel del año 1498.

Abro hilo de Los Simpson y sus referencias en el mundo del arte comienzó.

Pietà by Michelangelo

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La pieza representa a la Virgen María, muy joven por la delicadeza de sus facciones, quien sostiene a Cristo muerto. La obra muestra el dolor de una madre al tener a su hijo muerto en sus brazos. Esta es una de las tres esculturas que hacen que Miguel Ángel sea considerado uno de los mejores artistas de todos los tiempos.

En la segunda parte del capítulo Mum & Pop Art, de la temporada 4, Marge da una visita al museo. Le da a Homero detalles de diferentes obras y muestra piezas de William Turner y Pablo Picasso. Sin embargo, Homero queda asombrado con La Sopa Campbell de Andy Warhol, decide dormirse un rato y sueña que es atacado por el Hombre de Vitruvio, obras que también son de Picasso y Dalí.

En este recorrido se muestra una de las primeras obras de Pablo Picasso, que fue Cabeza de Hombre (TÊTE D’HOMME), del año 1908, que está sobre un óleo de madera. Con esta pieza Picasso pintó las facciones de un rostro usando formas geométricas, en vez de crear una figura con rasgos suaves.

Tête d’homme by Pablo Picasso

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El viejo guitarrista ciego, de Picasso también hace su aparición en este episodio. El cuadro fue pintado en 1903 con la técnica óleo sobre lienzo. Actualmente se encuentra en el Instituto de Arte de Chicago, Estados Unidos.

The Old Guitarist by Pablo Picasso

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También se observa Las señoritas de Avignon (Les Demoiselles d’Avignon), del mismo autor. Esta obra resalta el inicio del movimiento artístico llamado cubismo, que se desarrolló entre 1907 y 1914. “Picasso al principio pintaba con realismo, pero después pasó al cubismo y al final solo pintaba cartas amenazadoras a su editor”, dice Marge a Homero mientras que de fondo se ven las tres obras antes descritas.

Mientras Homero duerme se recrea la obra La gitana dormida (The Sleeping Gypsy) de Henri Rousseau, que es un óleo sobre lienzo pintado en 1987. El artista describe la obra como una “negra, bandolinista, que yace en un profundo sueño vencida por el cansancio. Un león que pasa por allí siente su olor, pero no la devora”.

The Sleeping Gypsy by Henri Rousseau

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Como es costumbre, Los Simpson celebran Halloween con un especial de terror. En La Casita del Terror IV, Bart es curador de un museo, por lo que explica varias obras que están en el lugar como El Sueño, de Salvador Dalí; Ascendiendo y Descendiendo, de M.C. Escher. También se observa Perros Jugando al Poker, de Cassius Marcellus Coolidge. Esta pintura es parte del conjunto de otras obras que muestran a perros con actitudes humanas. En algunas están fumando, bailando, jugando béisbol, entre otras actividades.

En ese mismo museo también se encuentra El Grito, de Edvard Munch que fue pintada en 1893 con técnica óleo, temple y pastel sobre cartón. Esta obra es considerada una de las más importantes de la historia del arte. Aunque no se sabe exactamente el origen, varios críticos del arte indican que el artista se inspiró en su vida atormentada.

Skrik “El Grito” by Edvard Munch

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La obra Los Tres Músicos de Pablo Picasso también fue explicado por Bart en ese episodio. Esta pintura es un óleo sobre tela, que fue pintado en 1921 mientras el artista estuvo en Fontainebleau, Francia. Picasso hizo dos versiones, que se encuentran en el Museo de Arte de Filadelfia y en el Museo de Arte Moderno de Nueva York.

La muerte de Marat (La mort de Marat) de Jacques-Louis Davis también fue recreada por Homero en ese especial de Halloween. La obra es una pintura de estilo neoclásico y una de las más famosas de la Revolución Francesa. Representa el fallecimiento del líder revolucionario Jean-Paul Marat, en 1793.

La mort de Marat by Jacques-Louis David

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En la segunda temporada, el episodio Bart es Atropellado, se hace referencia a la obra El Jardín de las Delicias de Jheronimus Bosch. El Señor Burns atropella a Bart y muere por unos minutos, por lo que primero va al cielo pero luego al infierno. Cuando llega a este lugar, la primera imagen del panorama que se ve representa la obra del Bosco.

La obra es un tríptico pintado al óleo, considerada la más compleja y enigmática del artista. En el tríptico abierto, la obra tiene como principal denominador el común pecado, que se inicia en el Paraíso presentado en el panel izquierdo, con Adán y Eva, quienes reciben su castigo en el infierno, representado en el panel derecho. Este es el que aparece en el capítulo de Los Simpson.

El Jardín de las delicias by Jheronimus Bosch “El Bosco”

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También en la segunda temporada, el capítulo Intercambio Cultural narra la historia de cómo Bart viaja a Francia por una broma que hizo en la escuela. Cuando llega a ese país reside en un viñedo ilícito y sus dueños lo explotan. Cuando hace un recorrido, aparecen varias recreaciones de pinturas.

Primero aparece Campo de Trigo con Cuervos del holandes Vincent van Gogh, que fue pintada en 1890 con la técnica óleo sobre lienzo. Varios historiadores de arte explican que esta es una de las últimas obras del artista, que representa un cielo dramático y nublado, lleno de cuervos sobre un campo de trigo.

Segundo se ve representada El Sueño (La Rêve) de Henri Rousseau. Esta obra fue pintada en 1910 y se considera que fue el último trabajo que logró completar el artista antes de su muerte. En el cuadro se aprecia a Yadwigha, el amor de Rousseau, sobre un sofá. En un sueño la mujer aparece en una selva exótica, conviviendo con bestias salvajes.

La Rêve by Henri Rousseau

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La tercera referencia del capítulo es Almuerzo sobre la Hierba (Le Déjeuner sur l’Herbe) de Édouard Manet, que fue pintado en 1863 y actualmente se exhibe en el Museo de Orsay, de París.

Le Déjeuner sur l’herbe by Édouard Manet

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En la temporada cinco, en el capítulo La Última Tentación de Homero hay una escena en donde aparece una nueva empleada llamada Margo, entonces Homero se enamora de ella y se la imagina en el cuadro de Sandro Botticelli, El nacimiento de Venus. Esta obra fue hecha por el pintor renacentista en 1482, aproximadamente. En tiempo fue una pieza revolucionaria porque presentaba un desnudo sin justificarlo por ninguna corriente religiosa.

La Nascita di Venere by Sandro Botticelli.

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Cambio en la producción

En Los Simpson, sin duda se pueden encontrar muchas más referencias, no solo del arte sino también de celebridades, cine, música, religión y moda. A criterio de Ramos, varias de estas alusiones cambiaron a partir de la temporada 14 cuando hubo cambios en producción y guion.

“Algunos guionistas renunciaron, otros fueron despedidos o fallecieron. John Vitt, Bill Oakley, Mike Scully, Sam Simon, Al Jean y Matt Gröning son algunos que ya no están. Eso influyó en algunos cambios que ha tenido la serie, pero continúa llamando la atención de las nuevas generaciones, por eso llevan 30 años”, concluye Ramos.

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Fabricado a partir de la trituración de un insecto llamado cochinilla, el misterioso tinte lanzó a España hacia su papel como superpotencia económica y se convirtió en una de las principales exportaciones del Nuevo Mundo, a medida que la moda del rojo se posaba sobre Europa.

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En la Europa clásica y medieval, artesanos y comerciantes competían entre sí en la búsqueda de colores saturados y duraderos que les traerían riquezas en un mundo pleno de telas de tonos débiles y acuosos.

El gremio de los tintoreros guardaba celosamente sus secretos y realizaba casi mágicos actos de alquimia para fijar los colores a la lana, la seda y el algodón.
Usaban raíces y resinas para crear amarillos, verdes y azules satisfactorios. Triturando una especie de caracol marino obtenían un tinte que les permitía crear tejidos color púrpura imperial que valían más que su peso en oro. Pero seguían sin hallar un rojo realmente vibrante.

Durante muchos años, el rojo más común en Europa procedía del Imperio Otomano, donde para obtener el “rojo Turquía” empleaba la raíz de la planta rubia roja (Rubia tinctorum).

Los tintoreros europeos intentaban desesperadamente reproducir los resultados de Oriente, pero sus éxitos eran parciales, dado que el proceso otomano requería meses de trabajo e implicaba el uso de una pestilente mezcla de estiércol de vaca, aceite de oliva rancio y sangre de ternera, de acuerdo a Amy Butler Greenfield, autora del libro “Un rojo perfecto”.

También usaban palo Brasil (Caesalpinia echinata), laca y líquenes, pero los resultados usualmente eran decepcionantes y con frecuencia el proceso ofrecía unos rojos de tonos marrones o naranjas que rápidamente perdían su intensidad.

Para la realeza y las élites, la Sangre de San Juan y el rojo de Armenia (cuyo uso data de un periodo tan antiguo como el siglo 8 A.C., según Butler Greenfield), ofreció los rojos saturados más vibrantes disponibles en Europa hasta el siglo XV.

Pero al ser hecho con distintas variedades de insectos, su producción era laboriosa y su disponibilidad escasa, incluso pese a que se cotizaba a los mayores precios.

Los pueblos de Mesoamérica, en el sur de México, usaban la cochinilla al menos desde el año 2000 A.C., mucho tiempo antes de la llegada de los conquistadores, de acuerdo con la experta en tejidos mexicanos Quetzalina Sánchez.

Los aborígenes en Puebla, Tlaxcala y Oaxaca tenían sistema para criar y manipular los insectos para obtener los mejores resultados y usaban el pigmento para crear pinturas para códices y murales, para teñir telas y plumas e, incluso, como medicina.

La cochinilla en el Nuevo Mundo

Cuando los conquistadores llegaron a Ciudad de México, donde tenía su sede el imperio azteca, el color rojo estaba por todas partes. Las comunidades del extrarradio pagaban sus impuestos a los gobernantes con kilos de cochinillas y rollos de tejidos de color rojo.
“El escarlata es el color de la sangre y el grana de la cochinilla conseguía que (…) el color siempre tuviera un significado, a veces mágico, otras veces religioso”, le dijo Sánchez a la BBC.

Cortés inmediatamente reconoció las riquezas de México, sobre las cuales informó en varias cartas el rey Carlos V.

“Debo hablar de algunas de las cosas que he visto, las cuales aunque mal descritas, sé muy bien que causarán tal maravilla que difícilmente serán creídas, debido a que incluso aquellos que las han visto con sus propios ojos son incapaces de comprender su existencia”, escribió Cortés al monarca.

En cuanto al gran mercado de Tenochtitlan, que era “dos veces más grande que el de Salamanca”, escribió “ellos también venden madejas de distintos tipos de algodón en todos los colores, así que se parece bastante a los mercados de seda de Granada, aunque este tiene una escala mayor; también tiene tantos colores para los pintores como los que pueden hallarse en España y con excelentes tonalidades”.

Sus narraciones de primera mano indican que Cortés no estaba totalmente prendado de la cochinilla, pues tenía mayor interés en saquear el oro y la plata.

De vuelta en España, el rey estaba presionado por la situación económica y por la necesidad de mantener unidos sus inmensos dominios en relativa paz, así que, aunque inicialmente no estaba seguro de la promesa de América, quedó fascinado por las narraciones exóticas y vio en la cochinilla una oportunidad para engordar las arcas de la corona.

Para 1523, el pigmento de la cochinilla viajó a España y atrapó la atención del rey, quien le escribió a Cortés para exportarlo a Europa, escribió Butler.

“Con leyes y decretos absurdos (los españoles) monopolizaron el comercio del grana”, dice Sánchez. “Ellos obligaron a los indígenas a producir tanto como fuera posible”.

Los aborígenes mesoamericanos que se especializaban en la producción del pigmento y no murieron por la enfermedades ni fueron asesinados durante la conquista recibían una paga ínfima mientras que los españoles “se enriquecían enormemente como intermediarios”.

El rojo en la historia del arte

El pigmento del insecto de la cochinilla era 10 veces más potente que la Sangre de San Juan y producía 30 veces más tinte por onza que el rojo de Armenia, según Butler.

Así que cuando los tintoreros europeos comenzaron a experimentar con él, quedaron fascinados con su potencial. Lo más importante: era el rojo más brillante y saturado que jamás hubieran visto.

A mediados del siglo XVI se estaba usando en toda Europa y para 1570 se había convertido en uno de los productos más rentables y más vendidos en el continente, creciendo de unas 22 toneladas en 1557 a 150 toneladas en 1574.

El Palacio de Bellas Artes de México presentó recientemente una exposición en la que se mostraba el impacto del rojo de la cochinilla en la paleta europea desde comienzos del siglo XVII.

La muestra incluía obras de pintores barrocos como Cristóbal de Villalpando y Luis Juárez, padre de José Juárez, quienes trabajaron toda su vida en México, junto a trabajos del artista español Sebastián López de Arteaga y maestros como Peter Paul Rubens.

La obra “La incredulidad de Santo Tomás” de López de Arteaga palidece en comparación con la versión de Michelangelo Merisi da Caravaggio del mismo tema, en el que la consternación y la sorpresa del santo es evidente en la piel de su frente surcada.

Pero la túnica roja vestida por Cristo en la pintura de López de Arteaga, mostrando su santidad, salta totalmente desde el lienzo. Ambos artistas usaron la cochinilla, cuya introducción ayudó a establecer el contraste dramático que caracterizó el estilo barroco.

Un retrato de Isabella Brandt (1610), pintado por Rubens, muestra la versatilidad de la pintura hecha con el tinte de cochinilla. La pared detrás de la mujer es representada con un rojo profundo y brillante, de la cual ella emerge dentro de una suerte de aura luminosa.

La Biblia en sus manos también fue retratada con detalles exquisitos gracias a la inconfundible maestría del pincel de Peter Paul Rubens en el manejo del rojo cochinilla, gracias al cual los personajes parecen tan vivos como si estuvieran frente al espectador.

Avanzando hacia el modernismo —no fue sino hasta mediados del siglo XIX que el rojo cochinilla fue sustituido con alternativas sintéticas para el tinte rojo predominante en el mundo— los pintores impresionistas siguieron haciendo uso de las tonalidades rojas importadas desde México.

El análisis de obras de Paul Gauguin, Augusto Renoir y de Vicent van Gogh han mostrado que habían utilizado el rojo de la cochinilla.

Como Rubens, los personajes de Renoir parecen estar vivos dentro del lienzo, pero como impresionista sus retratos se disolvían en abstracciones enérgicas.

Gauguin también usó el color, especialmente el rojo, para crear acentos juguetones, pero ninguno comparable con la saturación lograda por Van Gogh. Su obra, “El Dormitorio” (1888), un préstamo del Instituto de Arte de Chicago, ponía un punto final a la exposición con un único y ardiente foco de rojo brillante.

Después de que los pigmentos sintéticos se volvieran populares, fuera de México, el tinte rojo fue producido de forma masiva como colorante industrial para alimentos, su principal uso en la actualidad.

Aunque el entonces independiente México ya no controlaba el valioso monopolio de la cochinilla, sí logró recuperar algo: el rojo sagrado que había sido expoliado y propagado por los españoles.

“En Europa, como ha ocurrido en muchos casos, la historia de los pueblos aborígenes de México ha importado muy poco”, le dijo Sánchez a la BBC.

Pero en México “el color sigue estando asociado con la magia ancestral y con la protección de quienes usan vestimentas teñidas con el rojo de la cochinilla”.

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En uno de los barrios más antiguos de la Ciudad de Guatemala, el de Candelaria, en la zona 1, creció el historiador Luis Fernando Urquizú Gómez (1959), en una “casona” donde aún reside y que está llena de imágenes de ángeles, retratos de Jesús Nazareno, colecciones de niños Dios y otras piezas que dan fe de su pasión por el estudio del arte y la imaginería.

En ese ambiente de devoción por los rezados, las procesiones de Jesús Nazareno de Candelaria y la música sacra, transcurrió la niñez de este cronista, quien con los años y la distancia, pues estudió en México y España, se convirtió en un especialista en historia del arte guatemalteco.

Urquizú acaba de escribir el libro Historia de las ideas y del arte en la Nueva Guatemala de la Asunción 1776-2015, el cual presentó la semana pasada, con el afán de enriquecer el discurso en esta rama de la historia.

En esta entrevista comparte su lucha por el rescate y conservación del patrimonio religioso del país.

¿Cómo transcurrió su infancia?

Nací en una vieja casona solariega con árboles centenarios sembrados para que florecieran al paso de Jesús de Candelaria. Desde muy joven tuve conexión con los santos y las iglesias. Mi padre, Héctor Urquizú, fue músico militar durante el gobierno de Jorge Ubico, por eso aprendí a ejecutar clarinete, acompañando a Jesús en la 13 avenida, así como a confeccionar alfombras y a tocar la marcha Cristo Rey, de Fabián Rojo.

Ese patrimonio se lo he transmitido a mi hijo Jorge, quien también interpreta el clarinete. Somos una familia de músicos; cada quien tiene una profesión, pero la música es parte nuestra.

Viví bajo la influencia de mi madre, Teodora Gómez Carrera, y mi madrina, Herlinda Paz García, vecina del barrio, de quien heredé el menaje de su Nacimiento. Los tres influyeron mucho en mí, en el amor por el arte y a vivir intensamente las fiestas tradicionales.

¿Cómo sociabilizaban los vecinos?

Era un barrio de músicos devotos integrado por un grupo de damas o “divas” a quienes admiraba por su dominio del canto. Las recuerdo acompañadas al piano por mi padre, entre ellas, Carolina Monterroso, Carmen Reyes y Blanca Estévez. También doña Alicia Bravatti, famosa por su novena a San Antonio de Padua.

El barrio de Candelaria es uno de los más tradicionales de la ciudad.

Desde el siglo XIX ha sido el segundo más poblado de la ciudad. Son cuatro los más antiguos: El Sagrario, El Calvario, San Sebastián y Candelaria. Hasta la primera mitad del siglo XX se conservaba un sentido ritual de vida.

¿Qué significa eso?

Tanto en la Antigua Guatemala como en la Nueva Guatemala se nos inculcó que uno viene al mundo para trabajar como una preparación para la vida eterna, no precisamente para disfrutarla.

Este pensamiento fue cambiando con el tiempo.

Estudié en el colegio Loyola, poco a poco fui descubriendo que había sacerdotes de una línea conservadora y popular, como también los de la teología de la liberación, quienes contradecían el discurso tradicional.

Ahí me percaté de cómo la religión ha sido usada como estrategia política, cómo dentro de la iglesia hay grupos simpatizantes del Papa, las líneas de pensamiento conservadoras y otros que proponían el despojo de los bienes para entregarlo a los demás.

¿Cuál es su postura sobre esto?

La Iglesia es la rectora del patrimonio y los valores del país. Ofrece un modelo perfecto de vida, el cual debemos conciliar con el mundo actual.

El barrio de Candelaria, al igual que muchos otros, se transformó por el ritmo de vida. ¿Qué sucedió en este?

Con el capitalismo comenzaron a instalarse una serie de fábricas en el vecindario. A la par, por ejemplo, estuvo la de chicles Peter Pan, con más de mil trabajadores. Mi padrino tuvo la fábrica de calcetines Nueva York con 500 empleados; los tejidos Princesa y el aserradero Jiménez, entre otros, se instalaron en el barrio.

Con la industrialización se rompió ese sentido de convivencia, alrededor de 1967.

Luego vino el terremoto de 1976, unido al comienzo urbano del conflicto armado interno.

Algunos vecinos migraron y las viejas casas contrastaron con los edificios modernos. En ese tiempo tuve la suerte de salir del país. De los siete hermanos que somos, solo yo decidí regresar al país.

Después de la industrialización, ahora resulta que somos muchos en la capital. Las grandes fábricas quebraron y abandonan los edificios, mientras tanto se construyen nuevos y ahora el barrio es repoblado.

¿Qué lo decidió volver a Guatemala?

Alguien debía cuidar a mi padre y poner en valor todo lo que aquí estaba guardado en cajas: turnos, fotografías y libros que eran vistos como una cuestión de cosas viejas; pero les construí un discurso propio.

Fue una labor de rescate y puesta en valor de las costumbres y tradiciones de su barrio.

Exacto. Nadie le daba mérito. Ordené la colección familiar de los turnos de Jesús de Candelaria desde 1903 hasta la fecha. Los enmarqué y presenté en un discurso historiográfico, por lo que ahora valen mucho. Se conoce como patrimonio industrial, porque son objetos producidos en serie, que la misma sociedad destruyó y del cual se conservan pocas piezas.

Esto lo aprendí en la Universidad de Valencia, con los cursos de archivo y catalogación.

¿Tomar distancia le hizo apreciar el valor de estos recuerdos?

No, me permitió salir del círculo de los historiadores nacionales y apreciar el patrimonio industrial.

El maestro Aurelio de los Reyes García Rojas me hizo comprender el valor de las cosas guardadas en cajas y el espíritu del barrio de Candelaria.

Otra maestra de quien recibí grandes consejos fue Miriam Cabrera Mérida, ella me transmitió que no se trabaja por la paga, sino por amor al arte.

¿Cuál es su especialidad en la historia del arte?

Conozco el arte guatemalteco y un poco del colonial hispánico nacional.

En Antigua Guatemala tenemos identificados los monumentos, pero no encuentro la lectura ritual de estos templos y su relación con los siete dolores y gozos de la Virgen, por ejemplo.

La urbe se concibió como un preparación para la vida eterna; pero nos quedamos en el discurso de la ciudad romántica colonial o en el levantamiento frívolo de los monumentos.

Tenemos el registro de sus inmuebles, pero falta la concatenación lógica de la ideología que llevó a construir todos estos monumentos religiosos.

¿Este mismo concepto se trasladó a la Nueva Guatemala?

De manera que las imágenes procesionales cumplen una función social.

Dentro del imaginario colectivo, estas esculturas tienen diferente utilidad a cada uno. Para algunos será un medio de devoción, para otros político y otros más lo verán como un bien económico.

De manera que un imaginario colectivo tiene diferente acepción en los particulares. Todo depende de dónde yo me coloque para contemplar la imagen milagrosa.

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