Joaquin Phoenix: el actor en constante evolución que ha desafiado a Hollywood cumple 50 años

Joaquín Phoenix celebra su 50 aniversario en un momento que marca un hito en la carrera de un actor que ha desafiado las convenciones y se ha convertido en una de las figuras más complejas y respetadas del cine contemporáneo.

Redacción EFE

28 de octubre de 2024 | 17:38h

Compartir en Facebook

Compartir en X

Compartir en LinkedIn

Compartir en Whatsapp

Copiar enlace

Guardar artículo

Joaquin Phoenix es un actor en constante evolución. (Foto Prensa Libre: EFE)

Con una trayectoria que abarca más de tres décadas, Phoenix ha sabido reinventarse, dejando una huella imborrable tanto en la gran pantalla como en el corazón del público.

Joaquín Rafael Bottom nació el 28 de octubre de 1974 en San Juan, Puerto Rico, como el tercer hijo de una familia numerosa y excéntrica. Creció rodeado de sus hermanos, River, Rain, Summer y Liberty, en un entorno profundamente influenciado por la contracultura hippie de sus padres, Arly y John Bottom.

En 1973, la familia se unió al controvertido culto religioso Children of God, y el padre pronto asumió el cargo de arzobispo para Venezuela y el Caribe, lo que implicó un estilo de vida nómada, sin una educación formal para los niños.

A medida que las enseñanzas del culto se volvían más perturbadoras, la familia comenzó a inquietarse. El culto promovía el sexo como un sacramento y practicaba el flirty fishing, una controvertida táctica en la que la seducción se utilizaba para atraer nuevos miembros, sacrificando la autonomía de las personas. Frente a esta situación insostenible, decidieron abandonar Children of God y regresar a Estados Unidos en 1978.

LECTURAS RELACIONADAS

¿Cuál fue la escena eliminada del beso de Lady Gaga en “Joker 2”?

Se grabaron 3 finales para “Joker 2” y Joaquin Phoenix se enfadó con el que escogieron

Durante ese periodo, River y Rain, los hermanos mayores, comenzaron a interesarse por el mundo del espectáculo, lo que supuso una oportunidad para la familia, que se mudó a Los Ángeles, donde adoptaron el apellido Phoenix como símbolo de renacimiento y nuevos comienzos. River fue el primero en destacar como actor, convirtiéndose en una estrella juvenil con su inolvidable papel en Stand By Me (1986). A los 18 años, ya recibía nominaciones al Óscar y a los Globos de Oro, consolidando su lugar en Hollywood con Indiana Jones y la última cruzada (1989) y My Own Private Idaho (1991).

La trágica noche de Halloween y el legado de River

La noche del 31 de octubre de 1993 marcó un antes y un después para la familia Phoenix. Joaquin, con tan solo 19 años, se vio obligado a hacer una angustiosa llamada al 911: “¡Está teniendo convulsiones! ¡Por favor, vengan! ¡Se está muriendo!”. Mientras tanto, Rain intentaba reanimar a River, quien había colapsado frente al club nocturno The Viper Room tras sufrir una sobredosis. A pesar de todos los esfuerzos, River falleció esa misma madrugada en el hospital a los 23 años, truncando una carrera que prometía hacer historia en el cine y dejando un vacío irreparable en su familia y en Hollywood.

Joaquin siguió los pasos de su hermano y comenzó a conseguir papeles en series populares de la época como Siete novias para siete hermanos (1982) y Hill Street Blues (1984). En 1989, protagonizó Parenthood junto a Steve Martin, donde demostró su capacidad para interpretar personajes vulnerables y complejos, a pesar de su corta edad. Aquel papel fue un punto de inflexión en su carrera, y muchos críticos comenzaron a señalarlo como una joven promesa de la interpretación.

Después de un tiempo alejado de la gran pantalla por la pérdida de River, su regreso al cine se produjo con Todo por un sueño (1995), de Gus Van Sant, donde comenzó a forjar su propio camino como actor. Sin embargo, fue con Gladiator (2000), dirigida por Ridley Scott, donde realmente alcanzó el reconocimiento internacional absoluto, obteniendo una nominación al Óscar como Mejor Actor de Reparto.

El arte de interpretar personajes oscuros y complejos

En el 2002, Phoenix continuó su ascenso en Hollywood con Señales, un thriller de ciencia ficción dirigido por M. Night Shyamalan, en el que encarnó a un exjugador de béisbol que debe proteger a su familia frente a una invasión extraterrestre. Su colaboración con Paul Thomas Anderson se convirtió en un pilar fundamental de su carrera, con una interpretación en The Master (2012) que le valió otra nominación al Óscar.

En el 2013, protagonizó Her, una innovadora película dirigida por Spike Jonze, en la que encarnó a un hombre solitario que desarrolla una relación romántica con un sistema operativo, consolidándose como una de sus actuaciones más memorables. En 2017, Phoenix brilló en You Were Never Really Here, dirigida por Lynne Ramsay, intensa actuación que le valió el premio al Mejor Actor en el Festival de Cine de Cannes.

La culminación de su carrera llegó con Joker (2019), dirigida por Todd Phillips. En esta aclamada película, Phoenix interpretó a Arthur Fleck, un hombre marginado que se transforma en el icónico villano de Gotham. Su desgarradora actuación, que incluyó una notable transformación física y una risa inspirada en videos de personas con risa patológica, le valió el Óscar al Mejor Actor y convirtió a la cinta en todo un fenómeno, recaudando más de US$1 mil millones en todo el mundo.

En Napoleon (2023), retoma su colaboración con Ridley Scott, interpretando al célebre líder militar Napoleón Bonaparte, en una actuación intensa que explora tanto la genialidad táctica como las inseguridades emocionales del personaje. La película destaca por sus impresionantes escenas de batalla y su enfoque en la tormentosa relación entre Napoleón y Josefina, interpretada por Vanessa Kirby, consolidando a Phoenix como un maestro en papeles complejos y cargados de tensión psicológica.

LECTURAS RELACIONADAS

“Tediosa y decepcionante”: la dura crítica de la BBC a la secuela de “Joker” con Lady Gaga como coprotagonista

Joker 2: ¿Qué significa y cuál es la traducción de “Folie á Deux”?

En el 2024, Phoenix regresó a su papel en la secuela Joker: Folie à Deux, también dirigida por Phillips, en la que comparte pantalla con Lady Gaga, quien interpreta a Harley Quinn. La cinta ha sido un fracaso absoluto en taquilla, con resultados desastrosos agravados por su alto costo, que supera en más de tres veces el presupuesto de la película original. En su primer fin de semana en Estados Unidos, la película recaudó menos de la mitad de lo que ingresó la primera entrega en el mismo período de estreno.

El desafío de hallar la autenticidad en Hollywood

Su actitud poco convencional y su deseo de permanecer fiel a sí mismo le han valido momentos memorables y, en ocasiones, polémicos. Un ejemplo notable ocurrió en el 2010, cuando anunció su retiro de la actuación para dedicarse a la música rap. Sin embargo, más tarde se reveló que esta decisión formaba parte del rodaje de I’m Still Here (2010), un falso documental que satirizaba la fama y la autenticidad. Aunque se trataba de una obra de ficción, el tiempo que Phoenix pasó en este personaje dejó una huella controvertida en su carrera, subrayando su disposición a desafiar las convenciones de Hollywood.

Recientemente, se anunció que Phoenix iba a protagonizar una película de Todd Haynes que exploraba una historia de amor entre hombres en Los Ángeles de los años 30, una obra que él mismo había coescrito. Sin embargo, se retiró del proyecto de manera repentina, solo cinco días antes de que comenzara el rodaje. Esta decisión ha generado interés y especulación, llevando a muchos a reflexionar sobre su enfoque artístico y su tendencia a priorizar la autenticidad personal por encima de las expectativas profesionales.

Phoenix es un ferviente defensor del veganismo desde hace más de 40 años, y ha utilizado su plataforma para abogar por el bienestar animal y la sostenibilidad. Ha participado en campañas de concienciación y activismo, denunciando la crueldad de la industria cárnica y sus devastadores efectos ambientales, como la deforestación y el cambio climático. Su compromiso con estas causas se evidenció durante su emotivo discurso en los Premios de la Academia 2020, donde instó a la audiencia a reflexionar sobre la urgencia de replantear nuestra relación con los animales, señalando que “la industria alimentaria es uno de los principales responsables del sufrimiento y la explotación de los animales”.

En el ámbito personal, Phoenix comparte su vida con la actriz Rooney Mara, con quien ha tenido dos hijos, nacidos en el 2020 y 2024. Su primer hijo fue nombrado River en honor a su hermano, a quien Phoenix siempre ha citado como su mayor inspiración: “Cuando tenía 15 o 16 años, mi hermano River llegó a casa del trabajo con una copia en VHS de Raging Bull y me hizo verlo. Al día siguiente me despertó y me hizo verlo de nuevo. Y me dijo: ‘Vas a empezar a actuar de nuevo, esto es lo que vas a hacer.’ Le debo mucho a él porque la actuación me ha dado una vida increíble”.

Se grabaron 3 finales para “Joker 2” y Joaquin Phoenix se enfadó con el que escogieron

El actor Joaquin Phoenix lució incómodo durante el Festival de Venecia, luego de ver la película y comentárselo a su compañera Lady Gaga.

Manfred Méndez

9 de octubre de 2024 | 10:54h

Compartir en Facebook

Compartir en X

Compartir en LinkedIn

Compartir en Whatsapp

Copiar enlace

Guardar artículo

Joaquin Phoenix en la Alfombra Roja en Londres para presentar Joker: Folie á Deux. (Foto Prensa Libre: AFP)

Joker: Folie á Deux se estrenó en cines el pasado 3 de octubre, secuela del aclamado filme de Joker (2019), que fue un rotundo éxito en taquilla, crítica y premios.

A diferencia de la primera entrega, la secuela no ha sido bien recibida sumando en su primer fin de semana US$39 millones, luego de haber tenido un presupuesto de US$200 millones.

Según indica Variety, la película no tuvo proyecciones de prueba previas, no contó con supervisión de los gerentes de DC Studios, porque el director Todd Phillips se negó.

Una de las razones por las que al público general desaprueba la cinta se debe a que es un musical, algo que se había anunciado desde que se confirmó la segunda parte de “Joker”.

LECTURAS RELACIONADAS

Joker 2: ¿Qué significa y cuál es la traducción de “Folie á Deux”?

¿Dónde ver “The Substance” en Guatemala 2024?

El enfado de Joaquin Phoenix

Durante la primera proyección de la cinta, en el Festival de Cine de Venecia, se le vio incómodo a Joaquin Phoenix, incluso le comentó a Gaga su inconformidad con el resultado de la película, según lectores de labios le dijo “Es horrible”.

Phoenix se fue del auditorio sin esperar a que terminara la respectiva ovación que se le da a cada película presentada en el Festival.

En una entrevista Phoenix y Gaga fueron cuestionados acerca del filme, pero las celebridades reaccionaron con una risa incómoda.

La reacción de Lady Gaga y Joaquin Phoenix cuando les preguntaron si el resultado de #Joker2 fue lo que esperaban. pic.twitter.com/9BrdQe8X23

— Nosotros Cine (@NosotrosCine) October 8, 2024

Finales alternativos de “Joker 2”

Todd Phillips rodó tres finales distintos para la secuela del villano más popular de DC Cómics, con el objetivo de evitar spoilers.

Uno de ellos es el que se vio en las salas de cine y que no fue del agrado de Phoenix, ni del público. El segundo se trataría de una escena en la que Harley Quinn entrega al Joker a la policía mientras canta en las famosas escaleras vistas en la primera parte, fue una filtración del set de grabación, y al no salir en la película se intuye que se trata de un final alternativo.

El tercer final, hay varios rumores pero se desconoce de qué se pudo haber tratado.

So, supposedly they filmed 3 different endings for #JokerFolieADeux in case the real one (which “it did”) leaked and they decided to NOT GO WITH THIS ONE??? pic.twitter.com/mMQao2A4LE

— Damien (@GagaUnderMike) October 5, 2024

¿Cuál fue la escena eliminada del beso de Lady Gaga en “Joker 2”?

El director de “Joker: Folie á Deux”, Todd Phillips, se vio obligado a descartar una escena de Lady Gaga en la película.

Manfred Méndez

9 de octubre de 2024 | 08:43h

Compartir en Facebook

Compartir en X

Compartir en LinkedIn

Compartir en Whatsapp

Copiar enlace

Guardar artículo

Lady Gaga da vida en el segundo filme sobre el "Joker" a la nueva adaptación de Harley Quinn, un personaje que inspira miedo porque "provoca a alguien que tiene problemas mentales". (Foto Prensa Libre: AFP)

La cantante estadounidense Lady Gaga ha dado el salto al cine de superhéroes, pero en una película que no la alejó del drama o de los musicales ya que desde sus primeras apariciones en la serie American Horror Story y Nace una Estrella, House of Gucci, en la actualidad ha dado de qué hablar por su rol protagónico en Joker: Folie á Deux.

En esta última película que participa junto a Joaquín Phoenix, no ha tenido el mismo recibimiento que tuvo la primera entrega, debido a la decisión de arriesgarse al hacer de la secuela un musical.

El director Todd Phillips volvió a ponerse al frente del proyecto. Además, en esta ocasión Gaga se pone en la piel de Lee Quinzel, que resulta ser una diferente Harley Quinn comparada con la presentada en las otras películas o series.

Phillips y Phoenix han halagado a la actriz y cantante, insistiendo en que fue una gran colaboradora en la realización de la secuela.

LECTURAS RELACIONADAS

Joker 2: ¿Qué significa y cuál es la traducción de “Folie á Deux”?

“Tediosa y decepcionante”: la dura crítica de la BBC a la secuela de “Joker” con Lady Gaga como coprotagonista

La escena eliminada de Lady Gaga en Joker 2

Algunas escenas fueron descartadas del filme, incluyendo una en la que Harley besa a una mujer rumbo a los tribunales.

En una entrevista para Entertainment Weekly, Phillips explicó que tomó la decisión de prescindir de la escena porque distraía de la musicalidad de la secuencia, ya que Lee está en medio de un número musical mientras sucede el beso.

“Para que el beso funcionara, necesitaba diálogo. Lo que significaba que la mujer dijera algo, y que Gaga se parara e hiciera esto, y eso cortaba el momento” explicó el director nominado al Óscar.

Lady Gaga’s Harley Quinn kissing a woman while filming for ‘Joker 2.’

pic.twitter.com/lOeHSLzYND

— Pop Base (@PopBase) March 26, 2023

¿Cuándo entrará el Joker en su papel? Esa fue la pregunta que me atormentó durante todo el galardonado drama de Todd Phillips de 2019, Joker, protagonizado por Joaquin Phoenix en el papel del supervillano.

La película pasó dos horas contando la sombría y cruda historia de la infancia de Arthur Fleck, sus problemas médicos, su eventual adopción de una nueva identidad con rostro blanco y traje de payaso, y la ola de asesinatos que desencadenó una serie de disturbios en Ciudad Gótica.

Incluso lo mostró conociendo al joven Bruce Wayne, es decir, el niño que acabaría siendo Batman.

Pero no lo mostró llevando a cabo ninguno de los elaborados robos que lo han convertido en el enemigo más infame de Batman desde su debut en DC Comics en 1940.

No lo mostró siendo el Joker.

Para ser justos, la idea de centrarse en el período de Fleck anterior al crimen organizado y de rendir homenaje a las películas de Martin Scorsese sobre la ruina urbana de los años 70 y 80 fue lo que hizo que Joker fuera tan innovadora.

Pero ahora que Phillips ha coescrito y dirigido una secuela, Joker: Folie à Deux, ¿no deberíamos finalmente verlo planeando atracos, aplastando rivales y tal vez incluso enfrentándose cara a cara con Batman?

Para el director, parece que no.

No vemos a los villanos

Phillips y su coguionista, Scott Silver, decidieron continuar con más de la historia de fondo de Fleck.

Es una decisión fascinante que subvierte valientemente las expectativas del público, pero da como resultado una película que es un trabajo pesado.

La sorpresa más grande es que la mitad de Joker: Folie à Deux se desarrolla en el asilo Arkham de Ciudad Gótica, donde el demacrado Fleck avanza con dificultad y casi sin vida durante su encarcelamiento, y la otra mitad se desarrolla en el tribunal central de la ciudad, donde un juez y un jurado evalúan su cordura.

El resto de Ciudad Gótica apenas se vislumbra.

En el sanatorio, Fleck es objeto de burlas por parte de un guardia (Brendan Gleeson) y es entrevistado por un reportero de televisión (Steve Coogan). Y en el tribunal, su abogada (Catherine Keener) discute con el fiscal de distrito (Harry Lawtey) sobre si Joker y Fleck son dos personajes distintos.

Los fanáticos de los cómics apreciarán el detalle de que el fiscal de distrito de Ciudad Gótica sea Harvey Dent, destinado a convertirse en el diabólico Dos Caras. Pero eso no hace que el prolongado debate en la sala del tribunal sea más atractivo.

Esto sólo significa que tenemos la frustración de ver a dos personajes diferentes que son casi, pero no del todo, villanos de Batman.

En realidad, tres: mientras Fleck está en una clase de musicoterapia en Arkham, conoce a Lee Quinzel, interpretada por Lady Gaga.

Lee es la versión de Phillips de la compañera del Joker, Harley Quinn, que fue interpretada en Suicide Squad y Birds Of Prey por Margot Robbie.

En esta versión de los hechos, Lee es una admiradora que anima a Fleck a dejar de ser un recluso tranquilo y sedado, y lo impulsa a convertirse en su extravagante alter ego una vez más.

Un ejemplo de esta extravagancia, cuando finalmente la recupera, es que Fleck se sienta en el tribunal con su traje y maquillaje característico (de alguna manera se supone que debemos creer que el juez toleraría tal tontería, incluso luego de afirmar: "¡No voy a dejar que conviertas mi tribunal en un circo!").

Se queda sin trama

Lee también es central para el "gran truco" de la película, que es que ella y Fleck cantan y fantasean con estar en musicales de Hollywood y especiales de televisión.

Estos números de canto y baile son una buena oportunidad para escuchar a Gaga cantando algunos de los temas más románticos del cancionero estadounidense, y una oportunidad menos bienvenida para escuchar a Phoenix con sus propias interpretaciones más roncas.

Pero ninguno de estos interludios está escenificado con la imaginación enloquecida que podría esperarse que poseen el Joker y Harley Quinn. Y en lugar de hacer avanzar la historia, como deberían hacer las canciones en los musicales, la ralentizan.

Te quedas con la sensación de que Phillips simplemente no tenía suficiente trama para llenar otras dos horas sin ellos.

Es una película decepcionante, pero sospecho que eso es exactamente lo que se supone que debe ser.

Lo que Phillips parece estar haciendo es responder a cómo recibieron a Fleck los fanáticos de Joker de 2019.

A mí siempre me pareció un hombre desafortunado y pasivo que provocaba disturbios más o menos por accidente, pero algunos espectadores lo vieron como un Robin Hood revolucionario, que asestó un golpe por los desposeídos.

En Joker: Folie à Deux, Phillips no quiere correr ningún riesgo. Ha dedicado su secuela al mensaje de que Fleck es un títere cobarde y egocéntrico que defrauda a todos los que lo rodean.

No es nadie.

Dependiendo de cómo lo mires, este ejercicio de desmitificación es atrevido o irritantemente presuntuoso, pero en definitiva no es muy divertido.

Phillips parece estar diciendo que si te dejaste llevar por la autoimagen mesiánica de Fleck la última vez, eres tú el objeto de la broma.

Haz clic aquí para leer más historias de BBC News Mundo.

También puedes seguirnos en YouTube, Instagram, TikTok, X, Facebook y en nuestro nuevo canal de WhatsApp, donde encontrarás noticias de última hora y nuestro mejor contenido.

Y recuerda que puedes recibir notificaciones en nuestra app. Descarga la última versión y actívalas.

• 5 revelaciones de la extraordinaria vida de Mon Laferte contadas en un nuevo documental de Netflix sobre la popular cantante chilena
• "El resplandor": los mensajes ocultos en la icónica película de Stanley Kubrick
• Ansiedad, vergüenza, envidia, tedio y nostalgia: qué podemos aprender de las emociones que son las nuevas protagonistas de Inside Out 2

Joker 2: ¿Qué significa y cuál es la traducción de “Folie á Deux”?

Este jueves 3 de octubre se estrenó la segunda entrega del “Joker”, titulada “Folie á Deux“, pero ¿Cuál es el significado de esta palabra?

Manfred Méndez

3 de octubre de 2024 | 10:35h

Compartir en Facebook

Compartir en X

Compartir en LinkedIn

Compartir en Whatsapp

Copiar enlace

Guardar artículo

Joaquin Phoenix (izquierda) y Lady Gaga (derecha) protagonizan la nueva película del Joker. (Foto Prensa Libre: AFP)

El villano más icónico de los cómics regresa para una segunda película, llamada: Joker: Folie á Deux; protagonizada por Joaquin Phoenix, ganador del Óscar por la primera parte. Ahora acompañado por Lady Gaga que interpreta a Harley Quinn, pareja del payaso del crimen.

La cinta está dirigida por Todd Phillips, aclamado por la dirección de la primera entrega e incluso nominado al Óscar. Al hacer la secuela se hizo con algunas otras personalidades que estuvieron en el 2019, como la compositora Hildur Guðnadóttir que se llevó varios premios como mejor banda sonora original.

La sinopsis de la película asegura que: “Tras crear el caos, Arthur Fleck ha sido internado en Arkham a la espera de juicio por sus crímenes como Joker. Mientras lidia con su doble identidad, Arthur no sólo se topa con el amor verdadero, sino que también descubre la música que siempre ha estado dentro de él. Secuela de Joker (2019).

En la previa a su estreno, Joker 2 fue nominada a mejor película en el Festival de Cine de Venecia, no ganó, pero después de su proyección recibió 12 minutos de aplausos por los asistentes.

LECTURAS RELACIONADAS

Médico acusado de la muerte de Matthew Perry se declara culpable en Los Ángeles

Batman recibe su estrella en el Paseo de la Fama de Hollywood y un Récord Guiness

¿Cuál es la traducción de “Folie á Deux”?

Folie à deux significa locura de dos y tiene su origen en Francia en 1877, cuando Lasègue y Falret la utilizaron por primera vez para describir el padecimiento del matrimonio de Margaret y Michael que experimentaron un trastorno psicótico compartido en el que los psiquiatras no consiguieron saber cuál de los dos comenzó el ciclo de la psicosis, reforzando así algunas de las teorías que aseguran que no existe un contagio mental.

Según lo define el Indian Journal of Psychiatry, la folie à deux  “es un trastorno mental idéntico o similar que afecta a dos o más personas, normalmente miembros de una familia cercana”.

Este trastorno psicológico genera delirios paranoides y además, se transmiten “de una persona a una o más, con quienes el aparente instigador está íntimamente asociado de alguna manera, de modo que él o ella llegan a compartir el mismo sentimiento e ideas delirantes”.

La broma que le hizo Joaquin Phoenix a la mamá de Harry Lawtey

La interpretación del Joker era una clase magistral cada, día dijo Lawtey.

Buena Vida

22 de septiembre de 2024 | 10:29h

Compartir en Facebook

Compartir en X

Compartir en LinkedIn

Compartir en Whatsapp

Copiar enlace

Guardar artículo

Joaquin Phoenix en una foto de archivo, cuando asistió al Festival de Venecia en agosto 2024. (Foto Prensa Libre: EFE/EPA/ETTORE FERRARI)

Harry Lawter es el joven actor británico, conocido por su papel de Robert Spearing en Industry de BBC y HBO.

En el Joker: Folie a Deux, Lawter interpreta a Harvy Dent, conocido también como Dos Caras.

En el set de la película, Joaquin Phoenix llevaba el maquillaje puesto todo el tiempo incluso cuando el elenco estaba preparando una escena, contó Lawter a la revista Variety.

“Joquín sugirió, como broma, que llamáramos por Face Time a mi madre para asustarla”, recordó el joven actor.

LECTURAS RELACIONADAS

Cuando se estrena “Joker 2” en Guatemala 2024 y otros detalles de la película

Joaquin Phoenix confiesa que su transformación para “Joker 2” fue más difícil que en el primer filme

Ver esta publicación en Instagram

Una publicación compartida por harrylawtey (@harry_lawtey)

Como su madre estaba en Inglaterra, ya era bastante tarde y se preparaba para irse a dormir. Luego de saludarla se acercó el teléfono a la cara y Joaquin apoyó la cabeza en su hombro.

Su madre gritó y salió corriendo a despertar a su padre, relató Dawter.

Sobre la risa del Joker, Lawter contó a Variety que verlo reír y el efecto que tenía en él y en todos esa risa lo dejaba atónito. “Tosía después de cada toma”, dijo y agregó “Fue muy instructivo verlo pasar por diferentes sabores y matices de esa interpretación.

Cuando el actor británico audicionó en 2022 para el director del Joker 2, Todd Phillips, no tenía mayor información sobre el papel y lo que envió fue una conversación con un amigo.

Días después tuvo una llamada por Zoom con Phillips, que pensó sería una sesión de notas, pero de una vez le ofreció el papel.

Joaquin Phoenix confiesa que su transformación para “Joker 2” fue más difícil que en el primer filme

Durante el rodaje de la primera película, Phoenix tuvo que perder peso para reinterpretar al villano, pero esta vez fue más “saludable”.

Manfred Méndez

5 de septiembre de 2024 | 11:12h

Compartir en Facebook

Compartir en X

Compartir en LinkedIn

Compartir en Whatsapp

Copiar enlace

Guardar artículo

Joaquin Phoenix en la premier en el Festival de Venecia. (Foto Prensa Libre: EFE)

La continuación de la primera cinta, aclamada por el público, Joker de Todd Phillips fue mostrada recientemente en el Festival de Cine de Venecia.

Durante una conferencia de prensa, Joaquin habló acerca de la transformación física que vivió en esta segunda vez, aunque hubo diferencias.

“Esta vez fue un poco más difícil“, confesó Phoenix tras ser cuestionado por el proceso de perder peso para encarnar a memorable personaje.

Para la primera cinta se confirmó que tuvo que bajar 52 libras, tras seguir una estricta diera basada en lechuga y verduras al vapor, en esta ocasión se le dificultó por la inclusión de baile en la secuela musical.

LECTURAS RELACIONADAS

Lady Gaga revela que olvidó cómo cantar para interpretar a la novia del Joker

“Joker 2”: Lady Gaga y Joaquin Phoenix presentan un amor cantado y desquiciado

“No voy a hablar sobre los detalles específicos de la dieta, porque creo que nadie quiere escuchar eso. Aunque esta vez se sintió un poco más complicado porque hubo tantos ensayos de baile, lo que no tuve la última vez”, recalcó.

El ganador del Óscar dijo que pese a todo, el proceso fue seguro al estar asesorado por un nutricionista, sin embargo el actor declaró: “Ahora tengo 49 años. Probablemente no debería hacer esto de nuevo. Quizá aquí se acaba eso para mí”.

Moviendo el foco a su co-estella, Phoenix dijo que Lady Gaga también experimentó cambios físicos en la preparación. “Stefani también perdió mucho peso. Recuerdo cuando te conocí por primera vez en los ensayos y luego te fuiste, y cuando regresaste, habías perdido mucho peso” contó.

La película se estrenará el próximo 4 de octubre, en donde se retoma la historia de Arthur Fleck, en dicha secuela se han integrado secuencias musicales en la narrativa, llamando la atención del público para llenar las salas de cine.

View this post on Instagram

A post shared by Joker Movie (@jokermovie)

La artista Stefani Joanne Angelina Germanotta, más conocida como Lady Gaga, confesó que desaprendió a cantar para su papel en Joker: Folie à deux, la secuela de la película del director Todd Phillips, llena de interpretaciones musicales y presentada en Venecia.

La cantante de pop explicó que trabajaron en la manera de cantar. “Para mí fue como desaprender a cantar, olvidar cómo hay que respirar y dejar que la canción surja totalmente del personaje“, declaró en rueda de prensa antes del estreno oficial.

En 2019, Joker se llevó el León de Oro de la Mostra y supuso un Óscar al mejor actor para Joaquín Phoenix.

Los fanáticos asisten en esta segunda parte a la aparición de la novia del Joker, Harley Quinn, y a varias sorpresas. Ambos interpretan varios números musicales y bailes, juntos o por separado.

Le podría interesar: Sale el primer avance de la película “Joker: Folie à Deux”

El actor Phoenix comenta que tomaron algunas referencias como Frank Sinatra.

“Eran canciones que Arthur (el personaje del Joker) podía haber cantado cuando era pequeño, con su madre”, añadió Philipps, que también dirigió la primera parte.

Phoenix explica que intentó imitar este tipo de sonidos, pero se cuestionó que “esto no es lo que Arthur es”.

“Ella me dijo: ‘vamos a cantar en directo’, y yo contesté: “no, ni hablar'”, revela el actor, entre risas, junto a Lady Gaga.

VIDEO | El actor Joaquin Phoenix y la cantante Lady Gaga llegan a Venecia para presentar 'Joker: Folie à Deux', la segunda parte del retrato psicológico del villano de Batman con el que Todd Phillips se llevó el León de Oro hace cinco años. pic.twitter.com/4tLXJtV0vk

— EFE Noticias (@EFEnoticias) September 4, 2024

Lea más: Lady Gaga estrena “Die With a Smile” junto a Bruno Mars

Durante el rodaje, Phoenix y Gaga interpretaron cada canción en directo.

Joker fue una de las películas revelación de 2019, una reinterpretación muy sombría del enemigo de Batman.

“Hay mucha más expectación con la segunda parte que con la primera, así que hay como una sensación de nerviosismo“, acepta Phillips.

“Las películas tienden a ser un espejo de la sociedad. Creo que en ese momento pareció muy adecuado. Pero en cuanto a esta película (…) queríamos tomar riesgos, y la pregunta era: qué podíamos hacer que fuera realmente diferente, hacer algo tan sorprendente como la primera parte”, añade.

“Joker 2”: Lady Gaga y Joaquin Phoenix presentan un amor cantado y desquiciado

Este 4 de septiembre la esperada secuela del famoso villano tendrá su estreno en el Festival de Venecia.

Manfred Méndez

4 de septiembre de 2024 | 09:01h

Compartir en Facebook

Compartir en X

Compartir en LinkedIn

Compartir en Whatsapp

Copiar enlace

Guardar artículo

Lady Gaga será una de las protagonistas interpretando a Harley Quinn. (Foto Prensa Libre: AFP)

La nueva cinta de DC Cómics, Joker 2: Folie a Deux” ofrecerá a los espectadores un nuevo punto de vista de la historia del icónico personaje, villano de Batman, un reciente avance de Warner Bros, presentó imágenes con más reconocidos personajes.

El actor Harry Lawtey se une al elenco para hacer el papel del fisca de distrito Harvey Dent; este podría ser uno de los antagonistas principales de la cinta según comentó Variety.

En los cómics, Harvey Dent es un fiscal de distrito de Ciudad Gótica, quien en su historia sufre de una traumática desfiguración en su rostro con ácido que lo induce al crimen con una psique dividida, llamándose: “Dos Caras”.

Pese a la historia del personaje, parece que en esta ocasión en la cinta dirigida por Todd Phillips, Lawtey interpretará una versión joven del personaje según lo visto en el último avance.

LECTURAS RELACIONADAS

Cuando se estrena “Joker 2” en Guatemala 2024 y otros detalles de la película

Jennifer López y Ben Affleck afrontan con optimismo su separación

El personaje de “Dos Caras” ha sido interpretado por dos distintos actores a través de los años, primero fue Tommy Lee Jones en Batman Eternamente (1995) y por Aaron Eckhart en Batman: El Caballero de la Noche (2008).

La nueva película del Joker, quien compartirá pantalla con Harley Quinn; recibió una clasificación de “solo para adultos” por parte de Motion Picture Association (MPA); por tener violencia intensa, un poco de contenido sexual y breves escenas de desnudez total.

La fecha de estreno oficial será el 4 de octubre y tendrá disponibilidad en salas IMAX, los fanáticos de los cómics y del buen cine podrán disfrutar de la película en las diferentes salas en el país.

View this post on Instagram

A post shared by Joker Movie (@jokermovie)

Cuando se estrena “Joker 2” en Guatemala 2024 y otros detalles de la película

Próximamente se estrena “Joker 2” en Guatemala, una de las secuelas más esperadas durante la última década.

María Alejandra Guzmán

23 de agosto de 2024 | 11:53h

Compartir en Facebook

Compartir en X

Compartir en LinkedIn

Compartir en Whatsapp

Copiar enlace

Guardar artículo

Joaquin Phoenix protagonizará "Joker 2", interpretando nuevamente a Arthur Fleck. (Foto Prensa Libre: AFP)

Joker: Folié a Deux es el nombre de la secuela de Guasón (2019). En la primera cinta, se ahondó en las características psicológicas de Arthur Fleck (mejor conocido como Guasón o Joker) así como en su historia familiar y el rechazo social que sufre en su vida cotidiana.

En esta nueva entrega, Guasón (interpretado por Joaquin Phoenix) se encuentra internado en el Asilo Arkham a la espera de juicio por sus crímenes, según la sinopsis oficial que aparece en las carteleras de cine.

Además, en el tráiler de la cinta se observa la presencia de una mujer en la vida del Guasón que podría ser artífice de un giro esperado en la trama. Se trata de Harley Quinn, personaje que será interpretado por la cantante Lady Gaga.

¿Surgirá amor verdadero entre Harley y Guasón? ¿Triunfará la justicia? Pronto responderemos estas interrogantes mientras nos adentramos una vez más en el complejo mundo de este personaje.

¿Cuándo se estrena “Joker 2” en Guatemala 2024?

Joker: Folié a Deux se estrena el próximo 4 de octubre de 2024 en Guatemala y Latinoamérica, según diversos medios internacionales. Asimismo, el director de la película, Todd Phillips confirmó esta fecha en sus redes sociales oficiales e indicó que brindarán al público lo que desea.

Ver esta publicación en Instagram

Una publicación compartida por Todd Phillips (@toddphillips)

En la cartelera de uno de los cines nacionales, ya aparece el preestreno de la cinta, programado para el 3 de octubre de este año. Tal como se mencionó anteriormente, Harley y Guasón serán cómplices en esta nueva historia, convirtiéndose en una pareja peligrosa para la Humanidad.

Elenco de “Joker 2”

• Joaquin Phoenix como Guasón
• Lady Gaga como Harley Quinn
• Zazie Beetz como Sophie Dumond
• Brendan Gleeson
• Catherine Keener
• Jacob Lofland
• Steve Coogan
• Ken Leung
• Entre otros

Die With a Smile (Muere con una sonrisa, en español) es la nueva canción pop de la cantante Lady Gaga, quien une su talento al de Bruno Mars con un toque de country.

Desde hace un tiempo ambos artistas dieron señalas en las redes sociales de que algo se traían entre manos, finalmente este 16 de agosto revelaron Die With a Smile con la publicación de unas fotografías con una estética vintage que recuerda a los programas antiguos de televisión.

En el video se les ve cantando en una tarima redonda, Gaga al piano y Mars a la guitarra, y al final bailando.

La primera interpretación sobre el escenario de Die With a Smile se hizo el jueves 15 de agosto por la noche en el concierto de Bruno Mars, cuyo verdadero nombre es Peter Gene Hernández, hawaiano de origen hispano, en el Intuit Dome de Los Ángeles, California, Estados Unidos, al regreso de una exitosa gira por México.

Lea más: Michael Polansky: quién es el prometido de Lady Gaga (y cómo se conocieron)

La canción cuenta cómo sus intérpretes despiertan de un sueño en el que el mundo se acaba, lo que les hace reflexionar y darse cuenta que si en un futuro próximo esto sucediera, tendrían claro con quién le gustaría pasar esos últimos momentos.

Una de las estrofas dice: “si se acabara la fiesta y nuestro tiempo en la tierra terminara, quiero abrazarte sólo por un momento y morir con una sonrisa”.

Medios de comunicación internacionales especulan que la canción podría formar parte de la banda sonoro de la nueva película que protagonizará Lady Gaga junto al actor Joaquín Phoenix: Joker: Folie à deux

Lady Gaga se encuentra en plena producción de su nuevo disco, el séptimo álbum de su carrera.

Sale el primer avance de la película “Joker: Folie à Deux”

La película, protagonizada por Joaquín Phoenix y Lady Gaga, se estrenará el 4 de octubre.

Pavel Arellano

9 de abril de 2024 | 21:06h

Compartir en Facebook

Compartir en X

Compartir en LinkedIn

Compartir en Whatsapp

Copiar enlace

Guardar artículo

Este martes ha salido el primer avance de la secuela de "Joker", que contará con la participación de Joaquín Phoenix y Lady Gaga. (Foto Prensa Libre: KENA BETANCUR / AFP)

Este 9 de abril, Warner Bros Picture lanzó el primer avance de la esperada secuela de la película “Joker”, que tendrá de título “Joker: Folie à Deux” (en español, “Locura de dos”).

Se trata de una continuación al filme de 2019, en donde Joaquín Phoenix interpretaba a uno de los villanos más populares del universo de DC Cómics.

El tráiler, que tiene más de un millón de visualizaciones en menos de tres horas, ha dejado ver tanto a los protagonistas de la cinta como algunos momentos que tendrá.

Además, el avance también muestra a la cantante Stefani Joanne Angelina Germanotta, más conocida como Lady Gaga, quién presuntamente será la secuaz de Phoenix.

EN ESTE MOMENTO

Universidades cambian a decanos antes de la convocatoria de postuladoras para TSE y MP

Caso Melisa Palacios: las cuatro claves del nuevo intento de Fernanda Bonilla para apartar a la jueza Carol Berganza

En redes sociales se empezó a especular sobre la posible trama de la película, que podría encaminarse a cómo Joaquín Phoenix, quien interpreta a Arthur Fleck, conoce al personaje de Lady Gaga tras los eventos de la primera película.

Las especulaciones fueron mayores cuando, semanas antes, algunos medios del entretenimiento afirmaban que la película sería una especie de musical y que contaría con momento en donde los personajes canten y bailen diferentes canciones.

Y aunque no se ha confirmado con el avance de que se trate de un musical, hay muchos momentos en donde se observan diferentes puestas en escena en donde los personajes se presentarían ante diferentes públicos.

Algunos usuarios también encontraron algunas referencias al universo de Batman, como la escena donde se observa el nombre “Hotel Arkham”, que hace referencia al famoso Asilo Arkham de Ciudad Gótica.

La película tiene una fecha de estreno planeada para el 4 de octubre de 2024.

The world is a stage. Trailer April 9. #JokerMovie pic.twitter.com/FG6PkzJkvi

— Joker Movie (@jokermovie) April 2, 2024

Con más de 80 millones dólares recaudados en taquilla, Napoleón superó las expectativas y se espera que recaude más al ingresar a la plataforma de streaming.

Criticas a Napoleón y la respuesta del director

No es nada raro que las películas basadas en hechos y personajes históricos reciban críticas de especialistas en cine. Sin embargo, Napoleón las recibió por parte de historiadores que se centran en imprecisiones, tales como que la reina francesa María Antonieta llevaba el cabello corto cuando pasó por la guillotina y que en su muerte no estuvo presente Bonaparte.

LE RECOMENDAMOS

“Los franceses no se gustan ni a sí mismos”: la respuesta de Ridley Scott a las críticas por su nueva película sobre Napoleón

“Felipe”: La primera película “internacional” de Jayro Bustamante (la dirección de Federico Schmukler, la historia de un adolescente que huye de casa y su proyección en festivales de cine)

Los franceses se han burlado de los soldados que gritan en francés “Vive La France” con un notorio acento norteamericano. “Es profundamente torpe, poco natural e involuntariamente divertido”, indicó la edición francesa de GQ.

Pero el director inglés no se quedó callado: “Los franceses no se gustan ni a sí mismos”, respondió.

Por otro lado, los ingleses respaldan a la película. De hecho, el medio The Guardian le dio cinco estrellas, y The Times cuatro a esta “espectacular historia épica”.

“Es muy antifrancesa y muy probritánica”, señaló el biógrafo francés de Napoleón, Patrice Gueniffey.

¿Estará Napoleón en Netflix, HBO Max, Amazon Prime o Apple TV+?

La productora de esta cinta cinematográfica es Apple Studios por lo que Napoleón estará disponible en Apple TV+. Los usuarios que tengan una suscripción activa en la plataforma podrán disfrutarla sin necesidad de alquilarla o pagar un costo extra.

Además, los usuarios podrán visualizar la versión extendida del filme estrenado en el cine, el cual dura cuatro horas y 10 minutos (el doble de la original) y contará con escenas inéditas.

LE RECOMENDAMOS

El “Napoleón” de Ridley Scott, Austerlitz para el público, Wateloo ante la crítica

Napoleón Bonaparte: de qué murió realmente (y otras 3 cosas que quizás no sabías sobre su vida)

¿Cuándo estará disponible Napoleón en Apple TV+?

Aún no hay una fecha oficial, sin embargo, generalmente pasan entre 45 a 90 días desde que la película deja de exhibirse en la pantalla gigante y se traslada a digital.

Por lo que, se estrenaría aproximadamente en el 2024, específicamente entre el mes de enero a marzo. Todo depende de cuánto tiempo se mantenga en el cine.

¿Pide consejos? Preguntarle a alguien qué piensa es un “desastre”, me dice.

¿Y qué tal que no haya ganado un Oscar al mejor director, pese a haber estado al frente de algunas de las películas más memorables de las últimas cuatro décadas?

“La verdad es que no me importa”.

¿Y el hecho de algunos historiadores hayan sugerido que su última película, “Napoleón”, es objetivamente inexacta?

“¿Quieres de verdad que te conteste eso?… Lo van a tapar con un pitido”, dice, dando a entender que su respuesta será una mala palabra.

Nos reunimos en un elegante hotel en el centro de Londres.

Scott acaba de regresar de París, donde su película -con Joaquin Phoenix en el rol del soldado francés transformado en emperador, y Vanessa Kirby como su esposa (y obesesión) Josephine- tuvo su estreno mundial.

Es un espectáculo visual que contrasta la intimidad de la relación de la pareja con las acciones de un hombre cuyas ansias de poder provocaron la muerte de cerca de tres millones de soldados y civiles.

“Él es fascinante. Reverenciado, odiado, amado… más famoso que cualquier otro hombre o líder o político en la historia. ¿Cómo no querrías meterte con eso?”

La película tiene una duración de dos horas y 38 minutos.

Scott dice que si un film dura más de tres horas, se produce el factor “dolor de trasero” alrededor de las dos horas, que es algo en lo que piensa constantemente cuando está editando.

“Cuando empiezas a decir ‘Oh Dios mío’ y luego dices ‘Por Dios, no podremos comer por otra hora más’, es demasiado larga”.

A pesar del problema del “dolor de trasero”, se dice que Scott planea un montaje final más largo para Apple TV+ cuando la película se muestre por streaming, pero “no tenemos permiso para hablar de eso”.

Críticas

La película recibió muy buenas críticas en Reino Unido: The Guardian le dio 5 estrellas, y The Times cuatro a esta “espectacular historia épica”, pero los críticos franceses han sido menos positivos.

Le Figaro dice que la película podría ser rebautizada “Barbie y Ken bajo el Imperio”. La versión francesa de GQ afirmó que había algo “profundamente torpe, poco natural e involuntariamente divertido” en ver gritar a los soldados franceses en 1793 “Vive la France” con acento estadounidense.

Y un biógrafo de Napoléon, Patrice Gueniffey, atacó la película en la revista Le Point, señalando que era una versión de la historia “muy antifrancesa y muy probritánica”.

“Los franceses ni siquiera se gustan a sí mismos”, retruca Scott. “Al público al que se la mostré en París, la amó”.

En su película, las apropiaciones de tierras de Napoléon para construir el imperio se condensan en seis vastas escenas de batalla.

En una de las grandes victorias del emperador en Austerlitz, en 1805, el ejército ruso fue atraído hacia un lago helado (la escena fue filmada en un aeródromo en las afueras de Londres), antes de que apuntaran los cañones contra ellos.

A medida que las balas de los cañones se precipitan hacia el hielo, los soldados ensangrentados y los caballos comienzan a hundirse en las aguas heladas, tratando desesperadamente de escapar.

La escena es dramática. Es aterradora. También es hermosa.

“Tengo la suerte de tener buen ojo, eso es lo mejor que tengo”, dice Scott, quien nació en un pueblo costero de Inglaterra, y estudió primero en una escuela de arte en Hartlepool y luego en Londres.

Creador de mundos

En los años 70, era uno de los directores comerciales más renombrados de Reino Unido, que hacía en su momento de mayor éxito dos comerciales al día, según me cuenta.

Siempre quiso dirigir cine, pero “me daba mucha vergüenza discutirlo con alguien”, y no “sabía cómo entrar (en ese mundo)”.

Una vez que lo hizo, ascendió muy rápido.

El arte visual de Scott lo convierte en un consumado creador de mundos, ya sea el espacio en “Alien” y “El marciano”, la guerra civil en Somalia en “Black Hawk Down” (“Black Hawk derribado” en España y “La caída del Halcón Negro” en Latinoamérica), la Inglaterra medieval en “Robin Hood” o el Imperio Romano en “Gladiador”.

Si bien es un artista consumado, él hace su propio storyboarding, es decir sus guiones ilustrados.

“Se podrían publicar como historietas”, dice. “Mucha gente no puede traducir lo que está en el papel a lo que va a ser, y ese es mi trabajo”.

Abierto y receptivo

Su Napoléon, Joaquin Phoenix, me dice que Scott también “hace dibujos, cuando viene a trabajar, de cómo es la escena”.

Para él, Scott es un director abierto y receptivo: “Ha pensado en todo y aún así, puede cambiar espontáneamente” cuando le sugiere nuevas ideas, en esta ocasión incluso cuando había 500 extras, un equipo enorme y múltiples cañones.

Phoenix estaba “emocionado” de trabajar nuevamente con Scott, 23 años después de que fuera elegido para el rol de emperador Cómodo en “Gladiador”.

“El estudio no me quería para ‘Gladiador’. De hecho, Ridley recibió un ultimátum y peleó por mí y resultó una experiencia extraordinaria”.

Scott llamó a Phoenix “probablemente el actor más especial y reflexivo” con el que jamás haya trabajado.

Los protagonistas tuvieron libertad para desarrollar la relación entre Napoléon y Josephine, una mujer seis años mayor que él, de quien se divorció porque no pudo darle un heredero, pero cuyo nombre estuvo en sus labios cuando murió en el exilio en Santa Elena.

“Francia, el ejército, el jefe del ejército, Josephine”, fueron las últimas palabras del emperador.

Vanessa Kirby dice sobre su experiencia de ser dirigida por Scott que “nada era impuesto desde un principio, y pensé que eso era realmente liberador”.

Pero añade que tuvo que ajustarse al ritmo al que él trabajaba.

“Se mueve muy rápido. Puede que tengas cinco escenas grandes en un día, lo que significa que no puedes pensar”.

“Napoleón” se filmó en tan solo 61 días. “Si entiendes algo de cine, deberían haber sido 120”, me dice Scott.

A comienzos de su carrera, él solía operar la cámara en sus películas, además de dirigir. Scott dice que se dio cuenta de dónde realmente estaba el poder -en el operador de cámara y el primer asistente de director- y no quería dejarlo.

En “Napoleón” trabajó con hasta 11 cámaras al mismo tiempo y las dirigía desde un camión con aire acondicionado, diciendo: “Afuera hacen 180 grados y yo estoy sentado adentro gritando ‘¡Más rápido!’”.

Usar todas esas cámaras filmando desde diferentes ángulos “libera al actor para que se salga del guión e improvise”, porque no necesitas repetir tomas hasta el cansacio (que es algo “desastroso”).

Licencia artística

Inmortalizar a Napoleón en una película fue algo que el héroe de Scott, Stanley Kubrick, trató de hacer pero no pudo lograr.

“Sorprendentemente no consiguió poner (el proyecto) en marcha, porque él pensaba que podía poner en marcha cualquier cosa”. Eso se debió a la falta de dinero, dice Scott.

Su Napoléon ve cómo María Antonieta muere en la guillotina y dispara una bala de cañón a la Esfinge. Las licencias artísticas en esta película impresionista ha molestado a algunos historiadores.

Scott dice que se han escrito 10.400 libros sobre Napoléon, “eso es uno por semana desde que murió”.

Su pregunta, me dice, para los críticos que vieron la película y dicen que no es históricamente exacta es: “¿Estuviste allí? Ah, no estuviste allí. ¿Entonces cómo sabes?”

Scott anunció que estaba trabajando en “Napoléon” el día que acabó su película anterior, “El último duelo”, protagonizada por Jodie Comer.

Comer fue elegida originalmente para el rol de Josephine, pero tuvo que dejar el proyecto luego de que las fechas se retrasaran por la pandemia.

Ahora que “Napoléon” está llegando a los cines, Scott está por empezar a filmar “Gladiador 2”, con Paul Mescal y Denzel Washington, un proyecto que se vio interrumpido por la huelga de actores.

¿Por qué volver a “Gladiador”? “¿Por qué no, estás bromeando?”.

También tiene otra película en proyecto que ya está escrita y con sus actores elegidos, pero qué es, “no voy a decírtelo”.

Y a fines de mes tiene previsto celebrar su cumpleaños 86.

Muchos estarían ansiosos por bajar el ritmo, pero no Scott. Él hará películas por el resto de su vida, me dice.

“Me voy de aquí a Malta, filmo en Malta, termino allí y ya sé lo que voy a hacer después”.

¿Tiene algún consejo para su yo más joven?

“Ningún consejo. Me fue bastante bien. Llegué hasta aquí”, es su respuesta característicamente directa.

Tal fue su impacto que se anunció, por parte del director Todd Phillips, una continuación de la película, titulada: Joker: Folie à Deux, en donde no solo se confirmó su estreno en algún en 2024, sino también que contará con la presencia de la actriz y cantante Lady Gaga.

Tras el anuncio, se han empezado a filtrar varias fotografías del set de filmación, en donde se observaba a la actriz mientras asumía el papel de su personaje, y este 3 de abril se difundieron nuevas fotografías en donde se le observa junto a Joaquín Phoenix.

En las fotografías, compartidas por usuarios en redes sociales que se encontraban cerca del rodaje, muestra a Gaga y a Phoenix vestidos con sus respectivos atuendos y con maquillaje en el rostro.

LE RECOMENDAMOS

Joker 2: Revelan la primera imagen de Joaquin Phoenix en la secuela que dirigirá Todd Phillips

Lady Gaga actuará en la secuela musical de “Joker” (La participación de Joaquin Phoenix y el trabajo con la cantante)

Otra de las fotografías difundidas en las redes es una en donde se muestra a la cantante mientras sube unas escaleras, similares a las que se observan en la primera película del Joker, en donde Arthur Fleck (Joaquín Phoenix) baila con la canción “Rock´n Roll”.

Lady Gaga and Joaquin Phoenix as Harley Quinn and Joker pic.twitter.com/4eozq2v9kv

— Gaga Daily (@gagadaily) April 3, 2023

Lady Gaga fue la protagonista de las fotografías, ya que se pudo observar con un atuendo particular con rombos negros.

La foto del día: Lady Gaga filmando una escena de JOKER 2 en las escaleras del Bronx. pic.twitter.com/oYnjkX2pHg

— ɐntonio (@levmauc) April 2, 2023

Los seguidores del villano más popular de Batman empezaron a teorizar acerca del papel que interpretará la cantante, y la mayoría concuerda que podría tratarse de Harley Quinn, la asistente y compañera del Joker en la mayoría de obras del hombre murciélago.

Las primeras imágenes de Lady Gaga y Joaquin Phoenix en Joker: Folie à deux, la película musical que se estrena en 2024. Una de las pocas películas de este género filmada en locaciones y sets reales… pic.twitter.com/5LPZvCrMrK

— Pablo Planovsky (@PabloPlanovsky) April 3, 2023

Harley Quinn (Lady Gaga) recreará la icónica escena de #Joker en la Joker 2. pic.twitter.com/Kshd68xpGN

— Adrián Rojas (@Adrian_Rojas3) April 1, 2023

La película se estrenará en los cines hasta en octubre de 2024, y además de contar con la presencia de Lady Gaga, se confirmaron también la aparición de Catherine Keener y Brendan Gleeson, aunque no se ha revelado los personajes que interpretarán.

Al igual que la primera película lanzada en 2019, la secuela del Joker se desconecta del universo cinematográfico que planea elaborar DC Comics dentro de los próximos años.

Según informes oficiales, la esperada secuela de Joker, que se estrenará el 4 de octubre de 2024, exactamente 5 años después del debut de la primera cinta.

Además, en agosto pasado se confirmó que, a diferencia del tono grave de la película original, esta nueva entrega será un musical titulado Joker: Folie à Deux.

De acuerdo con los reportes, a esta producción se incorporará Lady Gaga, quien dará vida a Harley Quinn, la compañera de fechorías del Joker.

LE RECOMENDAMOS

“El ritual funcionó”: la supuesta “maldición” de Shakira que causó la eliminación de España en el Mundial de Qatar 2022

Piqué y Clara Chía Martí: Las imágenes que aclaran rumores de la supuesta separación

De momento, el título previsto para la secuela es Folie à Deux (Locura de Dos, en español) y hace referencia a un trastorno en el que dos o más personas comparten síntomas psiquiátricos, habitualmente delirios.

Lea más: Bad Bunny en México: El video con el que denuncian a policía por golpear a personas que intentaron ingresar al concierto en el Estadio Azteca

La primera imagen de Joaquin Phoenix en la secuela

El sábado 10 de diciembre, Todd Phillips compartió la primera imagen de Phoenix e indicó que fue el primer día de rodaje de la nueva entrega.

La fotografía muestra al villano recostado y con la cara llena de crema de afeitar, mientras alguien está a punto de rasurarlo.

“Día 1. Nuestro chico. #Joker”, fue el mensaje que compartió Phillips en su cuenta de Instagram.

View this post on Instagram

A post shared by Todd Phillips (@toddphillips)

La primera entrega de Joker, estrenada en 2019, resultó un rotundo éxito de taquilla que ingresó más de US$1 mil millones en todo el mundo y logró 12 nominaciones a los Premios Óscar, algo poco habitual para una película basada en un cómic.

Lea también: Piqué: el polémico video que muestra a Clara Chía Martí en la casa del ex futbolista mientras aún vivía con Shakira

A diferencia del tono grave de la película original, esta secuela será un musical titulado Joker: Folie à Deux, que estará dirigido de nuevo por Todd Phillips y en el que se espera que Gaga dé vida a Harley Quinn, la compañera de fechorías del Joker.

La cantante, que ya estuvo nominada al Óscar en 2019 por A Star Is Born, publicó un sencillo tuit con la fecha de estreno del filme, pero no dio más detalles sobre su papel.

Se prevé que el guion de la secuela profundice en la relación entre el Joker y Harley Quinn.

LE RECOMENDAMOS

HBO Max: Esto es lo que está pasando con el servicio de streaming (y por qué usuarios indican que desaparecerá)

Shakira: el día en que la intérprete habría revelado por error su supuesta infidelidad a una de sus exparejas(y qué tiene que ver Piqué en esta historia)

De hecho, su propio título, Folie à Deux (Locura de Dos, en español), hace referencia a un trastorno en el que dos o más personas comparten síntomas psiquiátricos, habitualmente delirios.

Joker: Folie à Deux
10.04.24 pic.twitter.com/obp7T9lBFL

— Lady Gaga (@ladygaga) August 4, 2022

Lea más: Bad Bunny: los videos que podrían revelar que el artista fue quien realmente le robó un beso a una fan

Las primeras noticias sobre la película llegaron el pasado 7 de junio cuando Phillips subió a su perfil de Instagram una foto del guion del filme junto a otra instantánea en la que aparecía el propio Phoenix leyendo ese mismo libreto.

View this post on Instagram

A post shared by Todd Phillips (@toddphillips)

La primera entrega de Joker, estrenada en 2019, resultó un rotundo éxito de taquilla que ingresó más de US$1 mil millones en todo el mundo y logró 11 nominaciones a los Óscar, algo muy poco habitual para una película basada en un cómic.

Phoenix, aclamado por recrear los trastornos mentales que forjaron la personalidad del Joker, ganó el premio al mejor actor protagonista.

El atractivo de ambas estrellas es decisivo para que el estudio Warner Bros. logre remontar el interés por la franquicia DC Comics, después de una racha de estrenos algo desinflados como la nueva versión de The Suicide Squad o la tibia acogida que tuvo Birds of Prey.

Lea también: Christian Nodal: la respuesta del cantante ante el supuesto embarazo de Cazzu (y su misterioso mensaje en redes sociales)

Esta misma semana, la factoría decidió cancelar el estreno de Batgirl sin dar más explicaciones y tras invertir US$90 millones en su rodaje.

View this post on Instagram

A post shared by Todd Phillips (@toddphillips)

Y nada más y nada menos que con el renombrado actor Joaquin Phoenix, de la mano de Todd Phillips, como director.

De acuerdo con una publicación del diario Excelsior, fue el mismo Phillips quien reveló el nombre de la cinta: Joker: Folie a Deux.

LE PUEDE INTERESAR:

Joker: Estas son las imágenes inéditas de Joaquin Phoenix durante el rodaje

“El título (que podría cambiar), cuya traducción literaria sería locura de dos, es también una alusión a un trastorno mental denominado trastorno psicótico compartido”, dice la nota de Excelsior.

El diario dijo que el director publicó en su cuenta de Instagram la portada del guion junto a una imagen de Phoenix leyendo el libreto.

En ese sentido, Phoenix, conocido por ser bastante reservado, no ha revelado nada aún.

Lea también: Qué se sabe de la secuela del Joker en la que Joaquin Phoenix volvería a interpretarlo

El Joker fue una de las películas más vistas alrededor del mundo.

En 2020, el actor ganó el óscar a Mejor Actor.

 

Ver esta publicación en Instagram

 

Una publicación compartida por Todd Phillips (@toddphillips)

En otra instantánea compartida por el cineasta aparece Phoenix, ganador del Óscar por dar vida al conocido villano, leyendo ese mismo libreto, cuyo título provisional es: “Joker: Folie à Deux“.

Tal es el misterio en torno a esta cinta, que el estudio Warner Bros., responsable de la primera película, se limitó a compartir las fotografías en su perfil de Twitter, pero evitó hacer cualquier comentario sobre el proyecto o la posible fecha de estreno.

Aunque ni el actor ni el director profundizaron en la publicación, el título del guion deja intuir que la secuela continuará explorando los trastornos mentales de su protagonista.

Lea más

La historia del Joker argentino, el misterioso hombre que se hizo viral

“Folie à Deux” (en español, “Locura de dos“) es un trastorno en el que dos o más personas comparten síntomas psiquiátricos, habitualmente delirios, definido en la Clasificación Internacional de Enfermedades CIE-10.

Lea más: Así se ve Jared Leto como Joker en “La Liga de la Justicia” de Zack Snyder

View this post on Instagram

A post shared by Todd Phillips (@toddphillips)

Algunos seguidores de la franquicia DC Comics comenzaron a especular con la posibilidad de que el nuevo filme sume al personaje de Harley Quinn, la eterna compañera del Joker en los cómics, a la que Margot Robbie ha dado vida en la gran pantalla.

Lea más: Joker: Estas son las imágenes inéditas de Joaquin Phoenix durante el rodaje

La primera entrega de “Joker“, estrenada en 2019, resultó un rotundo éxito de taquilla que ingresó más de 1 mil millones de dólares en todo el mundo y logró 12 nominaciones a los Óscar, algo muy poco habitual para una película basada en un cómic.

Lea más: “He sido un sinvergüenza toda mi vida”: el emotivo discurso de Joaquin Phoenix en la gala de los Óscar 2020

No existe una fórmula para elegir a los mejores (solo muchas discusiones), y esta lista es inevitablemente subjetiva y quizá escandalosa por sus omisiones. Algunos de estos actores son noveles; otros han estado en el medio desde hace décadas. Para nuestra selección, nos enfocamos en este siglo y consideramos talentos más allá de Hollywood.

Y, aunque sin duda hay estrellas en la lista e incluso unos cuantos ganadores del Oscar, también hay actores de reparto y camaleones, héroes de acción y tesoros del cine de arte. Ellos representan 25 razones por las que todavía amamos las películas, quizá hoy más que nunca.

25 Gael García Bernal

MANOHLA DARGIS Cuando la cinta de suspenso Amores perros de Alejandro González Iñárritu y la película de carretera Y tu mamá también de Alfonso Cuarón se estrenaron en las salas de arte de Estados Unidos con un año de diferencia, el impacto fue sísmico. Sus directores pronto se hicieron acreedores al prestigio internacional, al igual que Gael García Bernal, la revelación de ambos filmes. Tenía un don, era magnético en pantalla y tenía un rostro que no podías dejar de ver, esto debido en parte a que —con su mirada inocente y la marcada línea de su mandíbula— fusionaba con sutileza la belleza femenina y masculina.

Este contraste no fue muy evidente en Amores perros (2001), pero ayudó a enriquecer Y tu mamá también (2002), una historia más cálida y conmovedora sobre el paso a la madurez que inicia con un grito de alegría y termina con un suspiro de nostalgia. García Bernal interpreta a Julio, un adolescente de clase trabajadora que emprende un viaje de descubrimiento (de sí mismo y de otros). Junto con su mejor amigo (interpretado por Diego Luna), Julio se toma la vida a la ligera hasta que ya no lo hace. A medida que la estridencia de la historia se atenúa, reemplazada por una contemplación que el actor comunica de manera muy física, el personaje se retrae y se vuelve reflexivo.

Para 2004, García Bernal ya había participado en Diarios de motocicleta de Walter Salles como el joven Che Guevara e interpretado a un camaleón engañoso en la cinta de Pedro Almodóvar, La mala educación. Almodóvar puso al actor en tacones para interpretar a una femme fatale al estilo del cine negro, un papel que al parecer no le gustó mucho a García Bernal pero que le dio más profundidad a su imagen pública con una mancha de labial y una frialdad psicológica que causó un nuevo revuelo.

A. O. SCOTT En No (2013) de Pablo Larraín, García Bernal interpreta a René Saavedra, un creativo de la publicidad, joven y exitoso, en Chile de la década de 1980, con su carisma habitual. Tiene onda, pero no es intimidante; es apuesto pero accesible; es gracioso, pero sin llegar a ser odioso; es seguro de sí mismo, pero no es fanfarrón. Al principio, es fácil subestimar tanto a René como a García Bernal, confundir su naturalidad casual y modesta con una falta de seriedad o habilidad. René es reclutado por un grupo de partidos políticos de oposición para producir anuncios televisivos que promueven el voto del “no” en un referendo para decidir la prolongación de la dictadura de Augusto Pinochet. El trabajo de René es vender el rechazo como una opción optimista, reconocer la brutalidad del régimen de Pinochet y, a la vez, enfocarse en un futuro feliz sin él. Aunque René cree en la causa, también la considera un desafío de mercadotecnia, y evoca una vibra parecida a Mad Men cuando discute con clientes, colegas y rivales.

García Bernal tiene la misión de encarnar el vínculo dramático entre las banalidades de la industria mediática y el terror de la represión política, y lo hace todo casi exclusivamente con sus ojos. Una noche, el departamento que habita junto con su hijo pequeño es vandalizado mientras ambos duermen, y en ese momento, la determinación animada de René se reduce a puro miedo. Al día siguiente, regresa al trabajo, y tanto él como su audiencia tienen un nuevo y profundo entendimiento del significado de su labor.

No está disponible para renta o compra en las principales plataformas de emisión en continuo.

24 Sônia Braga

MANOHLA DARGIS Hace poco volví a ver Aquarius (2016) para nuestra oda a Sônia Braga. Para aquellos que no la han visto: Braga interpreta a Clara, una escritora cuyo apartamento da al Atlántico. La mayor parte de la historia se trata de Clara, que vive su vida mientras se deshace de su casero. Braga encaja perfectamente en el realismo maravilloso y sin pretensiones del director Kleber Mendonça Filho. Esta vez, mientras veía la película, en parte debido al título del capítulo “El cabello de Clara”, me di cuenta de cómo Braga reacomodaba su opulenta cortina de cabello. Y, mientras lo recogía para después soltarlo, me di cuenta de que Mendonça no solo presentaba un personaje, sino también a la leyenda que lo interpreta.

A. O. SCOTT Es un recordatorio —subliminal y descarado al mismo tiempo— de que Braga fue muy importante en Brasil y otros países en las décadas de 1970 y 1980, el equivalente en su país de Sophia Loren. Sus películas con Mendonça (Bacurau este año y Aquarius) se basan en esa historia y explotan su carisma clásico. Sin embargo, no son solo apariciones estelares en las últimas etapas de su carrera. Clara no es Sonia Braga: es una mujer muy específica con su propia historia de logros, aventuras amorosas y arrepentimientos. Pero solo una artista con la total seguridad de Braga, su heroica indiferencia ante lo que los demás piensen de ella, podría dar vida a Clara.

DARGIS Sin embargo, lo que me pareció fascinante de Aquarius esta vez es que Clara también es Braga, en el sentido de que el significado del personaje está en parte conformado por todo lo que Braga aporta siempre que está en pantalla, incluida su historia en el cine brasileño como mujer de ascendencia mixta, así como sus aventuras en Hollywood. Hay algo fantásticamente liberador al ver a Braga en el papel de esa majestuosa mujer, que tiene arrugas visibles y nunca se ha sometido a una reconstrucción de mama después de su mastectomía. Eso es especialmente cierto dado que Braga fue alguna vez encasillada como una estrella sexual. “No se le puede decir de otra manera”, escribió una vez un crítico. Pero eso no es cierto, porque podemos decir que es actriz.

SCOTT Su habilidad se manifiesta de forma totalmente diferente en Bacurau, una película de este año, una alegoría que toma elementos de la ciencia ficción y es delirantemente fantástica (y violenta), ambientada en el Brasil en crisis. Es una película que se aleja del realismo de las otras obras de Mendonça sin abandonar su pasión política ni su humanismo. Braga, que forma parte de un gran reparto que incluye a actores no profesionales, es esencial para el proyecto. Interpreta a Domingas, una doctora de un pueblo pequeño que sufre alcoholismo y tiene una personalidad a veces mordaz, un papel sin glamur, un personaje cómico que nadie más podría haber interpretado con tanta profundidad y gracia. O como dijo Mendonça: “En una sinfonía, ella sería el piano”.

Bacurau está disponible en Criterion Channel y Acuario, en Netflix.

23 Mahershala Ali

A. O. SCOTT Mahershala Ali tiene uno de los mejores rostros del cine actual: unos pómulos sobresalientes, la frente alta y contemplativa y unos ojos con un dejo de melancolía. Su presencia en cámara es magnética, pero también atenta y astuta. Sus personajes tienden a la reticencia, a la cautela, pero su discreción es su propia forma de elocuencia, sus susurros resuenan aún más que cualquier grito.

Ali ha ganado dos premios Oscar a mejor actor de reparto. El primero fue por Luz de luna (2016), una película en la que derribó silenciosamente un estereotipo duradero de Hollywood. Juan es un traficante de drogas, la imagen de la destrucción comunitaria y violencia implícita; sin embargo, lo que lo define es su gentileza y la bondad incondicional que le confiere a Chiron, el joven protagonista. Juan escucha al chico, responde sus preguntas y, en una de las escenas más conmovedoras de la película, le enseña a nadar.

Después, entre el primero y el segundo acto, desaparece, pero Ali sigue presente en la película incluso después de su partida. Ali es tanto la imagen trágica y paternal de la virilidad como el primer hombre digno del amor de Chiron.

MANOHLA DARGIS Ali me llamó la atención por primera vez en la serie de Netflix House of Cards. Interpretó a Remy Danton, un abogado de Washington cuya sonrisita astuta parpadeaba a modo de advertencia, señalando el peligro en su mundo. Remy apareció en el segundo episodio en una escena en un restaurante, donde el personaje principal, Frank Underwood (Kevin Spacey), está comiendo con otros dos hombres influyentes. Remy no intimida a los hombres sentados, se impone. Sabes que Underwood es problemático, pero cuando el director David Fincher hace corte al rostro de Remy, Ali modifica bruscamente la atmósfera al cambiar su personalidad afable por una cautela que eriza la piel, dejando claro que no está hablando con un hombre sino con un depredador.

Estaba tan acostumbrada a ver a Ali con un traje hecho a la medida (y a veces sin él) que al principio no lo reconocí en Luz de luna. No era solo la diferencia en el vestuario, sino el porte preciso que Ali le dio a cada personaje, con variaciones en la complexión corporal, claro, pero también en la manera en que se mueven esos cuerpos y lo que representan. En House of Cards, Remy fluye y hubo momentos en los que pensé que estaba viendo al próximo James Bond. En Luz de luna, Ali crea un personaje titánico cuya fuerza, incluso después de desaparecer de la película, sigue resonando. El actor crea un personaje muy diferente en Green Book: una amistad sin fronteras (2018, el papel que le valió su segundo Oscar), esta vez con una actuación que supera a la película, donde Ali interpreta al músico Don Shirley como un hombre y una fortaleza protegida.

SCOTT Casi me atrevería a decir que la actuación es lo opuesto a la película. Ali es elegante, ingenioso y consciente de sí mismo, mientras que Green Book es torpe, bromista y no distingue sus propias brutalidades. No estoy seguro si cualquier otro actor habría podido manejar la famosa escena del pollo frito con tanta dignidad. El hecho de que Green Book: una amistad sin fronteras y Luz de luna hayan sido ganadoras del premio a la mejor película refleja las contradicciones de nuestro momento cultural, pero que el oficio sutil de Ali y su carisma inquebrantable puedan sustentar dos películas tan divergentes es una prueba de su talento.

Luz de luna está disponible en Netflix.

22 Melissa McCarthy

MANOHLA DARGIS Cuando los críticos analizamos a detalle a los actores cómicos como Melissa McCarthy, con frecuencia abordamos cualidades conocidas como el ritmo, la gracia y una fisonomía maleable, pero también hablamos de la actuación. Desde que hizo la transición de la televisión al cine, McCarthy ha demostrado su rango actoral en repetidas ocasiones y ha ayudado de manera estimulante a echar abajo las ideas retrógradas sobre quién puede ser una estrella de cine. Ninguna película le ha beneficiado tanto como Spy: una espía despistada (2015) en la que interpreta a Susan, una tímida analista de la Agencia Central de Inteligencia (CIA) que es enviada a una misión extravagante que le permite a McCarthy caminar con delicadeza al principio y luego contonearse maravillosamente.

La forma en que la película utiliza las convenciones del género para lucir los talentos de McCarthy y, a la vez, romper con los estereotipos, es esencial para la diversión subversiva de Spy. Susan contiene una multitud de personalidades, primero a manera de autoprotección (oculta su fuerza interior) y más tarde como expresión de su humanidad. Cuando trabaja en el campo, asume a disgusto varios disfraces desaliñados y con maquillajes trágicos (variaciones de cómo la perciben los demás) antes de transformarse en una fantasía sexi y provocadora que ella misma diseñó. Mientras Susan se suelta el pelo y se desinhibe, McCarthy se desata. Su voz retumba, sus manos agitadas se convierten en puños y su rostro de muñequita se convierte en una Medusa. McCarthy no está interpretando a una sola mujer, sino a todas nosotras, con toda su energía.

A. O. SCOTT Lee Israel es divertida. Comparte un ingenio verbal veloz e intensamente agresivo con algunas de las otras creaciones de McCarthy, como Tammy en Tammy (2014) y Mullins en Chicas armadas y peligrosas (2013). No obstante, Lee era una persona real, y ¿Podrás perdonarme? (2018) no es exactamente una comedia. Tampoco es una película biográfica, sino más bien una muestra muy específica de la vida “queer” y literaria de Nueva York a finales del siglo XX dentro de una película sobre una amistad entre inadaptados convertida en una cinta de aventuras.

No es fácil que te agrade Lee o que la apoyes. Es corrosiva, ensimismada y se autosabotea. Se aleja de sus amigos y mantiene un control endeble tanto de la ética como de la sobriedad. McCarthy se resiste a convertir su historia (que incluye intercambiar una carrera fallida como escritora por una lucrativa temporada como falsificadora de cartas de escritores famosos) en una parábola de recuperación o redención.

Se trata de cómo Lee y su compañero (el maravilloso Richard E. Grant) apuestan por la supervivencia, rebelándose contra el destino que un mundo indiferente les tiene preparado. El título de la película plantea una pregunta sincera. Tal vez no puedas perdonar a Lee por sus fallos y mentiras, su falta de consideración por las palabras y los sentimientos de los demás, pero no hay manera de que puedas olvidarla.

Spy: Una espía despistada y ¿Podrás perdonarme? están disponibles para renta o compra en la mayoría de las plataformas de distribución.

21 Catherine Deneuve

Por Marjane Satrapi

Con una extensa trayectoria en la que ha trabajado con los autores más conocidos de la industria, Deneuve siempre ha simbolizado una clase particular de elegancia francesa, ya sea que interpretara a una esposa común, una desafortunada propietaria de restaurante o incluso una madre iraní. Ese último papel perteneció a la película Persépolis (2007). Deneuve le dio voz a un personaje basado en la madre de Marjane Satrapi. Le pedimos a Satrapi, quien dirigió la cinta junto con Vincent Paronnaud, que nos explicara por qué eligió a Deneuve.

Si vives en Francia, Catherine Deneuve es un ícono. Cuando era niña, yo la idolatraba. Siempre tomó decisiones que estaban muy adelantadas a su tiempo, era más anarquista que burguesa. Siempre ha sido considerada como una parisina muy burguesa, lo cual es una mentira absoluta. Ella es una rebelde que se ve como una gran dama.

Cuando conocí a Catherine Deneuve por primera vez fue como ver a Dios en persona. Me quedé impactada. Sin embargo, tenía que dirigirla y no me atrevía a decirle nada. Durante las primeras dos horas, me quedé totalmente paralizada, y ella me tranquilizó. Como la mujer tan generosa que es, me dijo: “Tú eres la directora y yo soy tu actriz. Dime qué hacer y lo haré”. No lo dijo frente a otras personas. Me invitó a fumar un cigarrillo afuera y ahí me lo dijo en privado.

Para el personaje de la madre necesitaba a alguien que no fuera como una madre eterna que es muy amorosa, porque mi mamá no es así. Mi madre es una persona muy agradable, pero también te dice: “Haz esto. Haz lo otro”. Necesitaba a alguien que tuviera el poder de una mujer que quiere que su hija se supere [en la vida] y se vuelva más independiente. Catherine Deneuve tiene una forma de hablar que no es juguetona, porque no intenta agradarle a la gente. Es muy franca. Cuando te habla, te ve directamente a los ojos.

No intenta agradarle a la gente. Es muy franca.

Hay una escena en la que yo llego a la casa y mi mamá me empieza a gritar: “¿Sabes qué les hacen a las jovencitas en Irán? Tienes que irte de este país”. Recuerdo que cuando leyó esos parlamentos, el tono no era el indicado. Trató de contenerse como suele hacerlo. Yo le dije: “No, Catherine, de verdad estás al borde de la locura”. Lo hizo de nuevo y lloró en serio. Eso fue sumamente conmovedor.

Y ahora, aún después de todos estos años, cada vez que la veo se me acelera el corazón. Ella es como un león. No es llamativa, no hace gestos. Pero, aunque esté detrás de ti y no la alcances a ver, se percibe que hay un felino en la habitación. Te sientes muy emocionado y al mismo tiempo muy nervioso. Es feroz e intrépida, y eso me encanta de ella. — Entrevista realizada por Kathryn Shattuck

Persépolis está disponible para renta o compra en la mayoría de las plataformas de distribución.

20 Rob Morgan

A. O. SCOTT  Los grandes actores de reparto son maestros de la paradoja, indelebles e invisibles al mismo tiempo. No es necesario reconocerlos de un papel al siguiente, pero dejan su sello en cada una de las películas, mejorando el todo aunque sea en partes pequeñas.

Si viste Mudbound: el color de la guerra, Monsters and Men, The Last Black Man in San Francisco y Buscando justicia —cuatro películas estrenadas entre 2017 y 2019—, sabes quién es Rob Morgan, aunque no lo conozcas por su nombre.

Como un prisionero sentenciado a muerte en Buscando justicia, tiene una presencia notablemente discreta, un hombre tranquilo, acosado por el remordimiento, la impotencia y el temor, en cuyo aprieto se encapsula el argumento humanista de la película.

En cada una de las otras cintas, interpreta a un padre, en el sur de Estados Unidos de la época de Jim Crow y el norte urbano de la actualidad: un hombre que sabe más de lo que elige decir. En esas películas, los hijos son quienes hablan la mayor parte del tiempo, pero Morgan les da una expresión elocuente a las experiencias que están fuera de la trama principal, pero la aterrizan en una historia más grande. En Last Black Man, aparece en un puñado de escenas y dice tan solo unos pocos diálogos, pero todo lo que sucede en esa película está escrito en su rostro: los placeres y las decepciones de la vida en la periferia de una ciudad idiosincrática que cambia con rapidez. Él escucha, masca semillas de girasol, toca unos pocos acordes en un viejo órgano y después de pasar unos minutos en su presencia entiendes exactamente lo que necesitas saber.

MANOHLA DARGIS Cada cierto tiempo, una pequeña película le da la oportunidad a un actor de brillar más y ser el centro de atención, y esto hace Morgan en Bull (2020) de Annie Silverstein. Morgan interpreta a Abe, un exjinete de toros de rodeo con articulaciones rígidas, sangre en la orina y una vida que pende de un hilo. Ahora que se acabaron sus días de montar toros, trabaja como torero, ayudando a proteger a los jinetes caídos. Por fortuna, el papel de Abe no está sobrecargado de parlamentos, por eso Morgan puede definir el personaje con una interpretación convincente, en la que las inclinaciones de cabeza, las miradas de lado y la presencia introvertida expresan un pasado doloroso y los instintos de autoprotección de un hombre retraído emocionalmente.

Bull solo debería ser sobre Abe, pero en cambio se centra en su relación con una vecina de 14 años blanca y desarraigada, Kris (Amber Havard). Sus destinos se cruzan de manera desagradable después de que Abe la descubre destruyendo su casa, y toma la forma del optimismo inmerecido que es fundamental en el cine estadounidense. En otras palabras, Abe y Kris se salvan el uno al otro. No obstante, la película se salva gracias a la ventana que abre Morgan hacia el vaquero negro y cómo la interpretación complica algunos de los mitos favoritos de Estados Unidos, entre ellos la figura del solitario estoico y endurecido. Abe no llega cabalgando desde el territorio de John Wayne; Abe llega cabalgando desde una tierra completamente distinta que Morgan vuelve visceral, afligida y totalmente viva.

Bull está disponible en Hulu.

19 Wes Studi

Por Manohla Dargis

Wes Studi tiene uno de los rostros más llamativos de la pantalla: con rasgos prominentes, líneas de expresión y rematado con el tipo de ojos penetrantes que insisten en que les sostengas la mirada. A directores menores les gusta usar su rostro como un símbolo contundente de la experiencia de los nativos estadounidenses, como una máscara de nobleza, de sufrimiento, de dolor inescrutable solo porque nadie se lo pregunta al hombre que lo porta. En la película correcta, Studi no solo juega con la fachada de un personaje; pela sus capas. Cual maestro de la opacidad expresiva, te muestra la máscara y lo que yace debajo de ella, tanto en pensamiento como en sentimiento.

Te muestra la máscara y lo que yace debajo de ella.

Studi se hizo famoso en la conciencia cinematográfica como el vengativo guerrero hurón en la épica cinta El último de los mohicanos (1992) de Michael Mann, un personaje que el actor transmite con una poderosa fuerza física e intensidad de sentimientos como el desprecio, la impaciencia, el resentimiento y la furia. Hacer mucho con poco ha sido una constante en la carrera fílmica de Studi, que incluye papeles significativos en El nuevo mundo (2005) y Avatar (2009). Como muchos otros actores, tiene su dosis de trabajos que han pasado inadvertidos, ha hecho películas de explotación y programas de televisión de pésima calidad. A menudo se le incorpora al elenco específicamente como nativo estadounidense, ha interpretado a Gerónimo y a Cochise; es probable que enderezara muchas películas fallidas si las películas de vaqueros siguieran de moda. Y si la industria fuera aventurera, también podría interpretar más papeles como el del supervisor de un refugio para indigentes en Conociendo a Flynn (2012), un hombre que no usa lo que Studi llama “pieles y plumas”.

Por cuestiones instructivas, no usa ninguna de esas dos cosas en Hostiles (2017) de Scott Cooper, una película sobre la vida y la muerte a finales del siglo XIX. Studi interpreta al jefe Halcón Amarillo, un prisionero al borde de la muerte a quien el gobierno federal le concede regresar a sus tierras ancestrales. La película se interesa principalmente en su acompañante, un odiador de indios arruinado por la guerra, Christian Bale, la estrella. De nuevo, Studi logra interpretar un papel de reparto que complementa una actuación principal —la indiferencia de su personaje a la ira de su acompañante es un muro que no puede atravesarse— y ayuda a ecualizar el equilibrio de la historia. Halcón Amarillo ha sobrevivido lo suficiente para morir en sus propios términos, una supervivencia que Studi convierte en un acto final de compostura.

Hostiles está disponible en Netflix.

18 Willem Dafoe

Por Julian Schnabel

El actor ha sido una presencia vital en películas tan distintas como La sombra del vampiro (2000) y El proyecto Florida (2017), por las que recibió nominaciones al Oscar. También fue nominado por interpretar a Vincent van Gogh en la película biográfica de Julian Schnabel, Van Gogh en la puerta de la eternidad (2018). Le preguntamos a Schnabel por qué recurrió a Dafoe.

Conocí a Willem hace más de 30 años. Siempre había vivido en el vecindario, y teníamos muchos amigos en común. Oliver Stone estaba filmando The Doors en Nueva York, y una noche, estábamos merodeando por el plató, y esa fue la primera vez que comenzamos a hablar realmente.Algo muy importante es que es un actor muy generoso. Se preocupa por las actuaciones de otras personas y por ayudarlas al estar disponible en lo que sea que esté haciendo. Es muy muy leal y bastante inteligente. Si trabajas con alguien que es inteligente, puede mejorarlo todo.

Es un actor muy generoso. Se preocupa por las actuaciones de otras personas.

[Para Van Gogh en la puerta de la eternidad] necesitaba a alguien que tuviera el carácter necesario para interpretar a Van Gogh. Y no se trataba únicamente del parecido físico. Necesitaba a alguien que tuviese la suficiente experiencia de vida como para ser ese sujeto. La gente pensó, bueno, Willem tiene 60 años, Van Gogh tenía 37 cuando murió. Eso era irrelevante para mí. Tienes que permitir que tus corazonadas te guíen a confiar en alguien y pensar que puede hacer algo. Yo confío en Willem implícitamente. Y ese grado de confianza es mutuo.

Hay un metraje que filmamos en Arlés, después de que él llegó, pero no pudimos usarlo en la película. Tenía el mismo vestuario, tenía el mismo peinado, pero aún no era Van Gogh. Entonces ocurrió un momento en el que, de repente, ya era el personaje. Se había transformado, transfigurado. Era alguien más.

Una de mis escenas favoritas es cuando habla con el joven doctor Rey, quien lo trata después que se cortó la oreja y le asegura que va a volver a pintar cuando esté recluido. Esa interacción es extraordinaria, lo que Willem hace allí. Básicamente, está sentado en una mesa y no hay mucho espacio para moverse. Pero lo que ocurre en su rostro, en su reacción a lo que el doctor le está diciendo, y también su reacción a los pensamientos que pasan por su mente en ese momento, es un paisaje de eventos y una vida interior que me recuerda a la espuma que brota de la nata de un batido de vainilla. — Entrevista realizada por Kathryn Shattuck

Van Gogh en la puerta de la eternidad está disponible para renta o compra en la mayoría de las plataformas de distribución.

17 Alfre Woodard

Por A. O. Scott

En un mundo justo, habría un listado larguísimo de actuaciones grandiosas para llenar este apartado, una antología de matriarcas, heroínas románticas, divas y villanas que reflejaran la amplia gama de dones que posee Alfre Woodard. Este tipo de papeles siempre escasean para las actrices negras, pero incluso en papeles pequeños en películas o series de televisión de menor escala, Woodard es una presencia inolvidable, majestuosa y a la vez profundamente real.

Las dos películas que le han ofrecido mayor holgura —12 años de esclavitud (2013) de Steve MxQueen y Clemencia (2019) de Chinonye Chukwu— ponen el tema de la justicia bajo los reflectores. En estas películas, Woodard tuvo que hacer valer la dignidad y la integridad ética de sus personajes ante la imposibilidad de las circunstancias crueles. Bernadine Williams, la directora penitenciaria en Clemencia, entre cuyas responsabilidades está supervisar las ejecuciones de los reos, cada vez siente más que su profesionalismo está en contradicción con su humanidad. En 12 años de esclavitud, la señora Shaw, una mujer esclavizada cuya relación con el dueño de una plantación le granjeó ciertos privilegios, ha pactado con un sistema edificado sobre su propia deshumanización.

El arte de Woodard, su compromiso con la verdad, es lo que se ve.

Las contradicciones a las que se enfrentan Bernadine y la señora Shaw son más grandes que cualquier individuo. Lo que logra Woodard es hacerlas personales. El autocontrol es una cuestión de supervivencia, y el rostro de Woodard se vuelve el retrato del decoro, al personificar a la noble dama sureña o a la burócrata eficiente que la situación amerita. No es tanto que deje caer las máscaras, excepto quizá en la devastadora escena final de Clemencia, sino que más bien muestra el costo y cuidado que requiere portarlas. Los personajes también están actuando, interpretando sus papeles con la vida en juego, y el arte de Woodard, su compromiso con la verdad, es lo que se alcanza a ver en el espacio entre lo que parecen ser y lo que son.

Clemencia y 12 años de esclavitud están disponibles en Hulu.

16 Kim Min-hee

Por Manohla Dargis

La actuación exquisitamente matizada de Kim Min-hee es el eje de la película, y la actriz misma ha estado al centro de la filmografía de Hong desde entonces, pues ha aparecido en casi todas sus películas subsecuentes. Como un autor consagrado del cine independiente, Hong relata historias de una escala modesta que son formalmente divertidas, sensibles a la imperfección humana y partidarias del soju. En ellas suceden eventos comunes, a veces de manera poco común. La repetición suele ser un enfoque narrativo, arraigado en la vida y comunicado a la perfección por la lúcida expresividad de Kim.

En el canon minimalista de Hong, la vida se resume en momentos cotidianos, en conversaciones y en la manera en que los cuerpos se inclinan y se acercan unos a otros. Las diferencias entre las dos mitades de Ahora bien, antes mal revelan nuevas facetas de los personajes y crean nuevas tensiones entre ellos. También dan rienda suelta al rango histriónico de Kim, pues le permiten jugar con la entonación, los gestos y los vistazos vacilantes. Y aunque las dos secciones de la película se sienten como variaciones de la misma historia, su actuación más bien parece fusionarse, pues —sonrisa a sonrisa, con miradas evasivas e inamovibles— Kim une las partes del personaje en un mismo todo.

Tiene momentos extravagantes y otros callados, vira de lo monstruoso a lo tímido.

En La doncella (2016) de Park Chan-wook, su película más conocida, Kim optó por un método barroco. En este drama estrafalario, y a menudo perversamente divertido, ambientado en Corea en la década de 1930, ella interpreta a una noble japonesa que escapa de la perversión de su tío gracias a su astucia y a la ayuda de otra mujer. Los ostentosos excesos y giros narrativos de la historia le permiten a Kim agotar todo su arsenal. Tiene momentos extravagantes y otros callados, vira de lo monstruoso a lo tímido, y alterna entre ocultar los sentimientos de su personaje y dejarlos fluir sin mesura. Su cuerpo se estremece y su rostro se deforma conforme el miedo y el dolor dan paso al éxtasis y a la liberación. El personaje es un misterio que la película insinúa, pero que Kim revela con delirio.

La doncella está disponible en Amazon Prime Video.

15 Michael B. Jordan

Por Ryan Coogler

Michael B. Jordan ha interpretado a abogados, atletas y superhéroes, pero incluso antes de que su rango actoral se hiciera evidente, el director Ryan Coogler quiso trabajar con él. Coogler ha hecho tres largometrajes (Estación Fruitvale, Creed: corazón de campeón y Pantera Negra) y Jordan participa en todos ellos como protagonista o coprotagonista. Le pedimos al director que nos explicara qué es lo que nos atrae del actor.

Conocí a Mike en 2012 cuando estaba investigando y trabajando en el guion de Estación Fruitvale. Antes de conocerlo, decidí que él era la mejor opción para el personaje, con base en otros trabajos que conocía de él: un par de películas ese año (Red Tails y Poder sin límites) y un montón de cosas en la televisión, pero pensé que podría interpretar a Oscar. Se parecía a él, pero también noté que tenía la habilidad de hacerte sentir empatía por él. No todos los actores tienen esta característica, de hacer que te preocupes por alguien de inmediato y eso provoca una reacción de empatía. Él lo tenía. También posee un conjunto de herramientas muy avanzado como actor.

Noté que tenía la habilidad de hacerte sentir empatía por él.

Ha participado en todas las películas que he hecho y sigo eligiéndolo porque es el más indicado para el trabajo. Creed: corazón de campeón [2015] tenía otro personaje que pensé que podría interpretar bien. Antes de ser actor, Mike fue atleta en la primaria y secundaria. Había interpretado a atletas en la televisión, el personaje más famoso fue el de Friday Night Lights, así que nos pareció que Mike era el indicado para realizar algunas de las cosas que su personaje tendría que hacer en Creed. Era un aspecto de él que no representaba mayor esfuerzo.

Y [en] Pantera negra [2018], verlo a él y a Chadwick combatiendo frente a frente se sintió como todo un suceso. La fama de ambos estaba en aumento y ambos ya habían sido protagonistas cuando rodamos esa película.

Ahora bien, el aspecto emocionante de crecer en la industria es llegar a trabajar juntos en diferentes ámbitos. Ahora está haciendo muchas cosas detrás de cámara y tenemos algunas oportunidades de trabajar juntos, no solo como actor y director.

Su ambición tiene una cualidad entrañable. Siempre quiere ponerse a prueba y desafiarse a sí mismo, lo cual se percibe en sus actuaciones, pero también en su noción de los negocios. Esa ambición lo mantiene con la mente abierta. Observa todo y no quiere negarse a ciertos géneros u oportunidades. Así que creo que el cielo es el límite para él y su carrera. — Entrevista realizada por Mekado Murphy

Pantera Negra está disponible en Disney+.

14 Oscar Isaac

A. O. SCOTT  Aunque las últimas entregas de la saga de La guerra de las galaxias no fueron lo máximo para mí, sí me encariñé con algunos personajes, en particular con Poe Dameron, el piloto de la resistencia que es la figura más encantadora de la tercera trilogía. Como Poe, Oscar Isaac es una presencia atractiva y relajada en estas películas, pues es un sujeto que parece saber lo que hace.

Sus personajes no siempre tienen tanta suerte, ni tanta seguridad de sí mismos, pero el actor se comporta con la precisión de alguien que confía en sus habilidades lo suficiente como para aventurarse hacia territorios riesgosos y desconocidos. El verano antes de que se estrenara Balada de un hombre común (2013), Joel e Ethan Coen nos dijeron que, en un inicio, querían que un músico famoso interpretara el papel protagónico de su filme. En lugar de eso, encontraron a Isaac, quien les dijo (según relató Joel) que “si le preguntas a un grupo de actores si sabe tocar la guitarra, la mayoría te dirá que toca desde hace 20 años, pero a lo que se refieren en realidad es que han tenido una guitarra durante 20 años”. Isaac sabía tocar de verdad. Cuando pienso en qué lo hace tan creíble como actor, eso es lo primero que me viene a la mente. No porque tocar la guitarra sea algo muy importante, sino porque sea lo que sea que Isaac finja hacer en pantalla —vender combustible para calefacción (en la infravalorada El año más violento (2014); inventar robots sensuales (en Ex-Máquina); pilotear aviones de caza estelar— siempre creo que en verdad sabe hacerlo y que estoy viendo una especie de maestría auténtica en acción.

MANOHLA DARGIS Cuando los actores causan una primera impresión muy profunda, a veces se quedan ligados a tu noción de lo que pueden hacer. Después de ver Balada de un hombre común, yo asociaba a Isaac con una sensación de derrota conmovedora, con un trasfondo de resentimiento reticente. Algunos de sus otros papeles apuntalaban este concepto de aflicción inherente, entre ellos su interpretación de un alcalde asediado en la serie de HBO Show Me a Hero (2015). Esto se debe en parte a su apariencia melancólica y romántica, y a la manera en que sus cejas enmarcan sus suntuosos ojos bajo sus largas pestañas. Y luego está su voz, no solo su hermoso timbre sino también esa resonancia que crea intimidad. Incluso cuando recurre a inflexiones nasales, su voz conserva una cualidad de proximidad, ese es uno de los motivos por los que, cuando Llewyn canta, se siente, o suena, como si lo hiciera más para sí mismo que para el público. La voz de Isaac también suaviza su belleza y te cautiva de inmediato. Sin embargo, en ocasiones, como en el caso de Ex-Máquina, usa esa intimidad para un propósito insinuante, siniestro.

El papel de Isaac en Ex-Máquina (2015) es secundario pero vital para el tono y el impacto de la cinta. Interpreta a Nathan, un multimillonario del sector tecnológico que desarrolla proyectos de inteligencia artificial al estilo de Víctor Frankenstein, pues construye (y destruye) hermosas mujeres androides. Nathan, una representación violentamente crítica de los amos del universo digital de la actualidad, podría haber dominado la película sin problemas. Isaac, en cambio, mantiene su carisma bajo control y deja que el aura escalofriante del personaje envenene el ambiente. Los altibajos emocionales de Nathan junto con su apariencia inesperada —cabeza rapada, barba poblada, gafas y músculos prominentes— hacen que sea difícil comprenderlo del todo. No obstante, cuando se pone a bailar de la nada y ejecuta una coreografía asombrosa, Isaac expone todo lo que necesitas saber acerca de Nathan con la precisión geométrica de sus movimientos y la demencia en su mirada. Son 30 segundos de genialidad pura.

Ex-Máquina está disponible para renta o compra en las principales plataformas de emisión en continuo.

13 Tilda Swinton

MANOHLA DARGIS  Tilda Swinton, la mujer de los mil rostros ultraterrenales, ha creado suficientes personajes —con incalculables pelucas, disfraces y acentos— como para ser considerada un elenco de una sola persona. Swinton es una estrella de cine, una actriz de carácter, una artista del performance, una extraterrestre, una timadora. Su rostro pálido y marcadamente pulido es un lienzo ideal para pinturas y prótesis, y es capaz de transmitir una calma desconcertante. Uno quiere descifrarla, pero no puede. Eso la ayuda a ser una gran villana, ya sea que esté encarnando a un demonio, una reina o una abogada corporativa. En Crimen repentino (2009), Swinton deja caer esa barrera para interpretar a una alcohólica y secuestradora de niños descontrolada, ofreciendo una actuación a tope que es tan visceral y transparente que se pueden ver los pensamientos del personaje en acción, como pequeños parásitos que se mueven debajo de la piel.

A. O. SCOTT Nos gusta elogiar a los actores por su “rango”, pero esa es una palabra casi ridículamente inadecuada para las metamorfosis radicales que logra Swinton. Basta estudiar una sola vertiente de su carrera: su trabajo con Luca Guadagnino, un cineasta que comparte su placer por la reinvención de uno mismo. En Yo soy el amor (2010) Swinton interpretó a la esposa rusa de un aristócrata italiano y ofreció una actuación en dos idiomas y en un tono del más puro desamor melodramático. En Cegados por el sol (2016) apenas tuvo diálogos: Swinton decidió que sería interesante que su personaje de diva del rock glam hubiera quedado muda tras una cirugía de garganta. En Suspiria (2018), ejecutó una de sus muchas autoduplicaciones, apareciendo como miembro de un aquelarre de brujas adictas al ballet y también como un hombre anciano sobreviviente del Holocausto.

DARGIS Esa duplicación da forma a sus interpretaciones más andróginas, en las que con gran facilidad difumina el género, confirmando así (una vez más) cuán insuficientes son categorías como “hombre” y “mujer”. Ella es ambos y ninguno. Otro tipo de duplicación ocurre cuando interpreta a gemelas, como en ¡Salve, César! del 2016 (como dos columnistas de chismes rivales) y Okja el siguiente año (como líderes industriales muy crueles y visualmente distintas). En cada uno de esos proyectos, Swinton nos muestra dos caras de la misma persona, tal como lo hace en Michael Clayton (2007) cuando la abogada que ella encarna ensaya un discurso engañoso frente a un espejo. Cuando la abogada habla, hace una pausa y pierde su sonrisa, la ves intentado desesperadamente controlar un reflejo que ya se está resquebrajando.

SCOTT Esos roles pueden ser teatrales, pero casi nunca se sienten efectistas. Swinton tiene raíces en una tradición vanguardista —al principio de su carrera trabajó con Derek Jarman y Sally Potter— que enfatiza la mutabilidad de la identidad y los límites borrosos entre el artificio y la autenticidad. Durante los últimos 20 años ha llevado parte del rigor intelectual y audacia conceptual de ese trabajo a Hollywood y más allá. No solo es una artista excepcionalmente estimulante, sino también una de las grandes teóricas vivas de la interpretación.

Todas estas películas de Tilda Swinton están disponibles en las principales plataformas de emisión en continuo.

12 Joaquin Phoenix

Por James Gray

Joaquin Phoenix ha participado en cuatro películas del director James Gray, empezando por La otra cara del crimen en el año 2000 e incluyendo Los dueños de la noche (2007), Amantes (2009) y El sueño de Ellis (2014). Le pedimos a Gray que nos explicara cómo el actor ha realzado —y mejorado— su visión como director.

Cuando vi Todo por un sueño, dije, “Ese actor” —ni siquiera sabía su nombre aún— “es increíblemente bueno para expresar su vida interna sin ayuda del diálogo”. Ese es un atributo muy importante en el cine, pues la cámara lo revela todo. Él era un actor con una sensibilidad muy profunda y era evidente. Pensé: “Es muy interesante, me encantaría conocerlo”. Y así lo hice.

Nos entendimos de inmediato. Nos gustan las mismas cosas. Pensamos muy parecido. Así que me agradó enseguida. Tenía ese carácter multifacético. En la primera cinta que hicimos juntos [La otra cara del crimen], estoy seguro de que lo hice enojar en muchas ocasiones. Soy muy directo y eso puede ser bueno, pero a veces no tanto. Ya he mejorado en ese sentido. Solo digamos que no siempre estaba dispuesto a decir: “Sí, eso es interesante, pero mejor intentemos esto”. Más bien decía: “Joaq, ¿qué estás haciendo? Estuvo terrible, intenta otra cosa”. Sé que eso lo frustraba porque su talento era inmenso.

Tiene una capacidad ilimitada para sorprenderte de la mejor manera e inspirarte a tomar una dirección que no tenías planeada, que es mejor a lo que tenías en mente y que expande la idea. Es sumamente creativo, siempre está pensando y, de hecho, ha mejorado con el paso de los años. Yo nunca he dicho: “Quiero mi visión en la pantalla”. Yo quiero algo mejor. Lo ideal es establecer los parámetros de lo que tienes en mente y después rodearte de gente que lo embellezca más. No harán algo necesariamente distinto, pero sí más intenso y vivaz.

Tiene una capacidad ilimitada para sorprenderte de la mejor manera.

Lo mejor es que un actor te sorprenda de una manera que sea congruente con el personaje, pero que también sea muy interesante. Joaquin es fantástico para eso, y es muy inspirador. No sabes qué esperar de él, en el mejor sentido posible. Joaquin Phoenix es de lo mejor que me ha pasado en la vida. Si me arrepiento de algo, es solo de no tenerlo en todas las películas que he hecho. — Entrevista realizada por Candice Frederick

La otra cara del crimen está disponible en CBS All Access.

11 Julianne Moore

A. O. SCOTT La infeliz ama de casa estadounidense —que sonríe para mantener las apariencias ante la tragedia doméstica y el conflicto interno— es un duradero arquetipo de las películas. Es uno que Julianne Moore ha explorado y explotado en Las horas (2002) y especialmente en sus colaboraciones con Todd Haynes como en Lejos del cielo (2002).

Esa película se desarrolla en Connecticut en la década de los cincuenta, pero es un paisaje marcadamente estilizado, el cual evoca a los melodramas de Hollywood de ese periodo. Cathy y Frank Whitaker (Moore y Dennis Quaid) son alejados de sus asfixiantes matrimonios por deseos prohibidos: Frank por otros hombres y Cathy por Raymond Deagan, un jardinero negro (Dennis Haysbert). Estas transgresiones no son simétricas ni interseccionales. En su sufrimiento, humillación y añoranza, Frank y Cathy no tienen consuelo que ofrecerse el uno al otro.

Moore pudo haber colocado la aflicción de Cathy entre comillas, evocar a las divas del cine melodramático de la década de los cincuenta y lanzar un guiño al público moderno que contempla todo lo malo de antaño desde una distancia estética segura. En cambio, se adentra de fondo, se asoma desde el alma de una mujer que está arraigada en su época y es completamente moderna, atrapada por las reglas y las apariencias, y también es aterradora y emocionantemente libre.

MANOHLA DARGIS Infelices o no, las esposas pueden ser callejones sin salida para las actrices y para muchas llega el momento en el que son para siempre desterradas a la cocina. Moore ha interpretado a muchas esposas y madres, pero las suyas en ocasiones son más complejas y sorprendentes que sus películas, un indicador de su sensibilidad y talento. Una razón por la cual eleva a sus personajes por encima de los estereotipos es que los interpreta con códigos de realismo, ya sea una actuación naturalista (Siempre Alice, el melodrama de 2014 sobre una profesora con alzhéimer) o una hiperbólica (Mapa a las estrellas, la sátira de David Cronenberg de 2015 en la que interpreta a una diva de Hollywood). Moore puede externalizar el interior de un personaje de una manera hermosa, para que puedas ver los sentimientos brotar en la superficie de su piel. Sin embargo, es una artista de extremos, y ella y Cronenberg gozan de jugar con sus rostros de gárgola.

En gran medida, su actuación en Gloria Bell (2019) está en un tono realista. Interpreta al personaje cuyo nombre da título a la película, una trabajadora de seguros divorciada con un corazón generoso, dos hijos adultos, un ex al que no odia y un apartamento dolorosamente solitario. La película en sí misma es modesta, íntima, profunda y rica en detalles humanos. Gloria comienza un romance con un hombre. Las cosas no funcionan y terminan la relación. No pasa mucho en términos ordinarios de una película; sin embargo, todo sucede porque Gloria ama y es amada. Es una historia que pudo haber llevado a grandes cantidades de lágrimas y presunción. Sin embargo, Moore y el director Sebastián Lelio trascienden lo obvio. No crean simplemente una historia sobre los sentimientos (y el ser) de una mujer a medida que se enamora; crean un panorama de emociones, la textura y la forma de una sensibilidad. La Gloria de Moore no llora y ríe; te muestra cómo se ve el amor desde el interior. Es una interpretación milagrosa.

Gloria Bell está disponible en Amazon Prime Video.

10 Saoirse Ronan

Por A. O. Scott

¿De cuántas maneras distintas puede madurar una persona? Gran parte de lo que hacen los jóvenes en las películas es crecer, pero pocos actores lo han hecho durante tanto tiempo, o con tanto carácter, inteligencia y variedad como Saoirse Ronan. La actriz lleva casi la mitad de su vida madurando frente a nosotros (tiene 26 años) y con cada papel que asume se vuelve más sabia, más triste, más libre y más fiel a sí misma.

Claro que casi siempre son los personajes los que atraviesan estos cambios. Eilis Lacey (Brooklyn: un nuevo hogar, 2015) encuentra amor e independencia en su nuevo hogar; Christine McPherson (Lady Bird, 2017) aprende a apreciar a su madre; Jo March (Mujercitas, 2019) descubre su voz como escritora. Al habitar la piel de estas mujeres y niñas con todas sus particularidades, Ronan ha mantenido una constancia desconcertante, con un dominio pleno y disciplinado de su talento desde el inicio.

Ha mantenido una constancia desconcertante, con un dominio pleno y disciplinado de su talento desde el inicio.

En Expiación, deseo y pecado, la actuación que la dio a conocer en 2007, interpretó a Briony Tallis, una niña perspicaz de 13 años que piensa que entiende más acerca del mundo de los adultos de lo que en realidad comprende. Ronan no solo exuda la misma precocidad de Briony, sino que también transmite la mezcla volátil de inseguridad infantil y envidia romántica que hace que esta niña imprudente, demandante y no tan inocente se perciba como una presencia genuinamente peligrosa.

Y esa sensación de peligro continúa, ya sea que sus personajes sean vulnerables (como en Desde mi cielo, 2009) o violentos (como en Hanna, 2011). Incluso cuando aparece en dramas estoicos de época o comedias gentiles sobre la vida doméstica, Ronan aporta una precisión impredecible que es emocionante y un poco inquietante de ver. Esto se debe a que, si bien logra captar el estado emocional y el lenguaje corporal específico de, digamos, una reina escocesa del siglo XVI o una adolescente de California en el siglo XXI, lo que comunica con aún más vitalidad es la manera en que piensan esas personas, cómo se siente estar dentro de sus mentes.

Eso tal vez suena como un enfoque actoral muy cerebral e intelectualizado, pero en realidad es lo contrario. La ambición más radical y reveladora que un actor puede concebir es habitar la consciencia de alguien más e invitar a la audiencia a embarcarse en ese mismo viaje parapsicológico. Esto es más que solo adentrarse en un papel hasta desaparecer, o activar recuerdos paralelos metódicamente. Se trata de una especie de reencarnación autogenerada, como si Atenea pudiera nacer no de la frente de su padre, sino de la suya. Puede ser algo aterrador de presenciar, pero la genialidad suele ser así.

Expiación, deseo y pecado está disponible en Peacock.

9 Viola Davis

Por Denzel Washington

Viola Davis ha trabajado con Denzel Washington varias veces en los últimos 20 años, ya sea como director (Antwone Fisher: el triunfo del espíritu, 2002), como coprotagonista (él en el papel de Troy Maxson, y ella en el de Rose Maxson en el drama familiar Barreras, de August Wilson, en Broadway y luego en la adaptación cinematográfica de 2016) o como productor (él la eligió para el papel principal en Ma Rainey’s Black Bottom, el drama sobre la cantante de jazz Nancy Wilson que se estrenará próximamente). Le pedimos que nos explicara qué hace a la actriz tan extraordinaria:

Es de esos talentos que se ven solo una vez en cada generación. Eso no siempre se sabe de inmediato, pero todos ya lo hemos confirmado con el paso del tiempo. Cuando trabajé con ella en la obra [Barreras] incluso en los ensayos, pensaba: “Ah, ya veo, es una gigante de la actuación”. Tiene una escena muy importante en la que por fin se desahoga frente a Troy; más o menos en la tercera semana de ensayos dejó ver lo que planeaba hacer, y yo pensé: “Más me vale estar a su altura. Tengo que concentrarme”.

Nos fue increíblemente bien, así que jamás se cuestionó quién iba a interpretar el papel en la película. Y como ella es una mujer poderosa, fuerte, pero humilde, el director [George C. Wolfe] tuvo que convencerla de aceptar [el protagónico de Ma Rainey’s Black Bottom]. Yo también tuve que hacerlo. Ella decía: “No sé cantar. No tengo nada de ritmo”, y ese tipo de cosas.

Puede hacer lo que sea que se proponga. A ese nivel llega su talento.

Yo confío plenamente en ella. ¿Por qué la gente quería tocar en una banda con Miles Davis? Porque es un gran colaborador, innovador y artista. Ella es igual. Puede hacer lo que sea que se proponga. A ese nivel llega su talento. Es una de las mejores intérpretes de personajes con quien he tenido la oportunidad de colaborar. — Entrevista realizada por Candice Frederick

Barreras está disponible para renta o compra en las principales plataformas de emisión en continuo.

8 Zhao Tao

MANOHLA DARGIS Desde 2000, la actriz china Zhao Tao y el director Jia Zhangke han hecho más de doce películas y cortometrajes, obras de arte dramático y documentales, además de otro trabajo que no encaja a la perfección en ninguna clasificación. Su colaboración cinematográfica es tan holística y familiar que es difícil imaginar cómo serían estas películas sin el rostro y presencia fundamental de Zhao. Muchas veces se habla de que es su musa (están casados), pero esa afirmación no captura en absoluto la complejidad de su aportación, con su poesía, simbolismo y granularidad emocional.

En las películas de Jia, las personas caminan mucho, y nadie ha acumulado más kilómetros que Zhao, en general en tiempo real. Zhao, que era maestra de danza, se mueve con gracia y fluidez, ya sea que sus personajes se desplacen por un salón (El mundo en 2005) o recorran una escuela en ruinas (Ciudad 24 en 2009). En Naturaleza muerta (2008), Zhao interpreta a Shen Hong, quien va en busca de su esposo a un pueblo viejo que quedará inundado debido a la controvertida construcción de una presa. Shen Hong aparece varias veces en tomas a mediana y larga distancia, pero cuando alguien pregunta si tiene prisa, Jia la enfoca en primer plano en un acercamiento. “En realidad, no”, dice, con una expresión de lamento en el rostro, o quizá de tener muchos recuerdos, justo antes de cruzar la puerta.

Los muchos viajeros de Jia trazan el mapa de China una historia tras otra, independientemente de su destino literal o metafórico. Tal vez sea por eso que la postura de Zhao parece tan impresionante. Aunque sus personajes no tengan un rumbo claro, su espalda permanece firme.

A. O. SCOTT La transformación continua de China, evidente en su moda, su música, su economía, su arquitectura y topografía, es el tema obsesivo de Jia, y Zhao es su avatar y caso de prueba. Es una especie de mujer común y corriente, es decir, personifica a muchas mujeres distintas, en ocasiones dentro del espacio de una sola película.

En La ceniza es el blanco más puro (2019) interpreta a Qiao, que en un principio forma parte de una pareja de gánsteres en Datong, una ciudad industrial del norte. Al igual que su amante, Bin, es intrépida y glamorosa, aunque Qiao, a través de su padre, tiene conexiones con un mundo antiguo de órganos políticos integrados por trabajadores y resistencia proletaria. Es el principio de la década de 2000, y todo en Qiao (su cabello, su ropa, la forma en que se desenvuelve tanto en clubs relucientes como en fábricas maltrechas) expresa confianza en la modernidad y su lugar en ella.

Entonces, su mundo se derrumba. Por su lealtad hacia Bin termina en la cárcel y cuando por fin es liberada, él ha desaparecido. Sus viajes, en bote, a pie, en motocicleta y ferrocarril, la llevan en una larga y extenuante odisea de vuelta a su punto de partida. Sufre sin parar, pero su estoicismo le da un toque casi cómico en algunos momentos, como si fuera al mismo tiempo la heroína de un viejo melodrama de Hollywood y la protagonista de una obra de Samuel Beckett. Su actuación es un maravilloso despliegue de imperturbabilidad, con raíces bien plantadas en la tierra pero, en cierto sentido, exuberante.

La ceniza es el blanco más puro está disponible en Amazon Prime Video.

7 Toni Servillo

Por A. O. Scott

Toni Servillo quizá sea mejor conocido entre la audiencia estadounidense por La gran belleza (2013), la aventura galardonada con el Óscar en que Paolo Sorrentino explora las decadentes costumbres de la élite cultural de la Roma moderna. Esa película podría catalogarse entre los espectáculos descritos por Pauline Kael como fiestas “para gente disfrazada del alma enferma europea”. Es protagonizada por Servillo, quien encarna a un escritor con pocos logros pero una enorme reputación que se convierte en el maestro de los rebeldes. Con su apuesto rostro arrugado e impecables atuendos, Servillo hace pensar en una versión más establecida del joven que se codea con la alta sociedad interpretado por Marcello Mastroianni en La Dolce Vita: un participante-observador distante, un tanto deprimido, en un turbulento espectáculo de hedonismo.

Si examinamos con más detalle la colaboración de Servillo con Sorrentino, descubrimos algo más intrigante y sustancial que la belleza. Ambos han trabajado juntos en cinco producciones, entre ellas el debut de Sorrentino como director, El hombre de más, y han desarrollado una simbiosis que evoca algunas de las más grandes colaboraciones entre actor y director del pasado: Martin Scorsese y Robert De Niro; Vittorio De Sica y Sofía Loren; John Ford y John Wayne.

No obstante, estas analogías son insuficientes. Servillo ha sido el avatar central en la excavación que ha emprendido Sorrentino de la corrupción e hipocresía (aunque también la gloria improbable y la resistencia absurda) de la Italia moderna. En particular, ha encarnado a dos de los líderes políticos más poderosos y polarizantes de la vida real en la historia reciente del país: Giulio Andreotti (en la escabrosa y satírica película Il Divo de 2009) y Silvio Berlusconi (en la película épica y curiosamente sensible Loro, de 2019).

Apreciar las dimensiones de este logro requiere otra ronda de analogías. Imaginen que el mismo actor interpretara a Richard Nixon y Barack Obama, o a Winston Churchill y Margaret Thatcher. Andreotti, primer ministro en siete ocasiones y motor principal del partido Democracia Cristiana que se mantuvo mucho tiempo en el poder, era un notable operador secreto, astuto y falto de carisma casi a un grado desafiante. Berlusconi, también un primer ministro en serie, era un despliegue de arrogancia y encanto, de tal sordidez que provocaba rechazo entre unos italianos, pero cuya personalidad infinitamente magnética atraía a otros.

Ni Il Divo ni Loro son películas biográficas convencionales, y Sorrentino no es ningún realista. Estas películas se deleitan en el teatro del poder, y Servillo, caracterizado con un maquillaje de artificialidad grotesca, algunas veces parece una marioneta o una caricatura política. Enfatiza la astucia viperina y vanidad secreta de Andreotti, y la falta de sinceridad y autocompasión de Berlusconi. Incluso quienes desconocen las sórdidas tradiciones de la política italiana pueden percibir la tremenda energía cómica de estas actuaciones, así como el celo moral detrás de ellas. ¡Son personas de verdad! Estos horrores, los asesinatos, los sobornos, las traiciones, las orgías… ¡De verdad sucedieron!

Él logra hacer vívida la humanidad extravagante, al igual que la profunda miseria, de hombres que dedican su existencia a subyugar al mundo a voluntad.

Pero el arte de Servillo va más allá de solo presentar una sátira cómica de la más alta calidad. Al igual que un actor de Shakespeare se sumerge en la majestuosidad y monstruosidad de reyes antiguos o imaginarios, él logra hacer vívida la humanidad extravagante, al igual que la profunda miseria, de hombres que dedican su existencia a subyugar al mundo a voluntad. Por si fuera poco, también captura su soledad.

Loro está disponible en Hulu; Il Divo está disponible para renta o compra en las principales plataformas de emisión en continuo.

6 Song Kang Ho

Por Bong Joon Ho

El actor coreano Song Kang Ho probablemente llamó por primera vez la atención de la mayoría del público estadounidense en Parásitos, la ganadora del Oscar a mejor película de 2020, en la que interpretó a un patriarca empobrecido y confabulador. Esa fue su cuarta colaboración con el director Bong Joon Ho. Por eso le pedimos al cineasta que nos explicara por qué ha elegido a la estrella una y otra vez.

La primera vez que vi a Song Kang Ho fue en Pez verde, el primer largometraje del director Lee Chang-dong. Allí interpretó a un mafioso rural y de poca monta, y su actuación fue tan asombrosamente realista que generó el rumor entre cineastas de que era un criminal de verdad. Luego supe que era un actor que había estado mucho tiempo activo en la escena teatral de Daehangno.

Aunque en aquel momento yo era asistente de dirección y todavía no dirigía, quise conocerlo. Así que en 1997 lo invité a tomar un café en la oficina. Fue más una conversación casual que una audición, pero me di cuenta de inmediato de que poseía los elementos para ser un titán.

Mientras escribía mi segunda película, Memorias de un asesino (2005), tuve a Song con firmeza en mi mente para que interpretara al detective rural que está estancado en sus viejas costumbres y tiene fe ciega en sus instintos. Song nació para ese papel y ese rol fue creado para él.

Ya sea en Memorias de un asesino, El huésped (2007), El expreso del miedo (2014) o Parásitos, siempre hay una sensación de que habrá una nueva capa que descubrir. Es como un lienzo que no para de crecer. Sin importar cuántas pinceladas aplique, siempre hay más espacio para pintar. Todavía me ilusiona ver qué le aportará a un rol. Para mí, Song es como una mina de diamantes inagotable. Ya sea que haya hecho cuatro películas con él o 40, sé que siempre descubriré a un nuevo personaje.

Song tiene la capacidad de darle vida y crudeza a cada momento. Incluso si una escena involucra un diálogo difícil o un trabajo de cámara muy técnico, conseguirá la manera de lograr que sea impecable y espontáneo. Cada toma será diferente, y hasta el diálogo más rígido parecerá una improvisación. Es asombroso, y es un placer presenciarlo.

Tiene la capacidad de darle vida y crudeza a cada momento.

Su originalidad como protagonista proviene de su cotidianidad y mundanidad. Especialmente para el público coreano, Song proyecta la cualidad del típico hombre trabajador coreano, un vecino o amigo que podrías encontrarte en tu vecindario. Por eso están aún más absortos cuando ven a este personaje aparentemente cotidiano enfrentar un monstruo o una situación monstruosa en películas como El huésped o Parásitos.

Song parte de lo ordinario y lo eleva a una voz única e inimitable. Creo que eso es lo que hace que Song Kang Ho y los personajes que habita sean genuinamente especiales. — Entrevista por Candice Frederick.

Memorias de un asesino está disponible para renta o compra en las principales plataformas de emisión en continuo.

5 Nicole Kidman

Por Manohla Dargis

Artista, princesa, escritora, musa, Nicole Kidman ha interpretado todo tipo de personajes, con cabello corto y largo, con una enorme nariz falsa, y un fantástico y pronunciado mentón. Su sonrisa es tan luminosa como el sol y su llanto tan verdadero que te hace querer pasarle una caja de pañuelos. En el cine popular, el realismo es la moneda con la que comercian los actores, una elección estética que ayuda a convertir el artificio en algo parecido a la vida real. Para Kidman, una miniaturista con un toque preciso, crear ese realismo a veces implica ocultar la belleza (para el papel, no para las premiaciones) que desde siempre la ha definido. También significa que juega constantemente con la femineidad.

Kidman entró al siglo XXI en la cúspide de su estrellato con Moulin Rouge! (2001). Después de esta cinta vino una serie de otros vehículos de alto perfil, el más destacado fue Las horas (2002), en la que interpretó a Virginia Woolf (ahí necesitó la nariz prostética) y se llevó un Oscar. La película fue el equivalente a un bostezo respetuoso que Kidman sucedió con un papel protagónico en Dogville (2004), de Lars von Trier, un ejercicio dialéctico y calculadoramente abrasivo en el que su personaje, tras se abusada, toma un arma y ayuda a destruir un pueblo. Al parecer, Kidman realmente disfrutó esa parte.

Desde entonces, ha participado en más de 40 películas, algunas son memorables y otras cuantas es mejor olvidarlas. Como en el caso de otras actrices, la popularidad de Kidman en ocasiones ha superado su rentabilidad, lo cual ha creado un tipo de fama que tiene que ver menos con la taquilla y más con una figura célebre que se vale de su kilometraje en las alfombras rojas y una superabundancia de portadas de revistas de moda. Hubo años en los que sus películas llegaron y se fueron sin que nadie se percatara. Sin embargo, Kidman siguió trabajando incesantemente, elevando material nimio y retándose a sí misma, aunque los filmes no lo hicieran. También ha interpretado a muchas madres, una estrategia necesaria de supervivencia en un mundo tan poco creativo o imaginativo como la industria cinematográfica.

Uno de los placeres de ver a un artista virtuoso es notar cómo se sobreponen al material con el que trabajan. Kidman ha hecho esto en repetidas ocasiones, como en Reencarnación (2004), en la que interpreta a una viuda que llega a creer que su hijo de 10 años es la reencarnación de su difunto esposo. Es un sinsentido pretencioso que Kidman embellece con delicadeza y dota de emoción. Su actuación es simplemente gloriosa en Amores peligrosos (2012), una cosa exquisitamente vulgar en el que ella opaca a una cohorte de hombres fanfarrones, pues alterna entre orinar encima de Zac Efron y desgarrar sus medias en un frenesí orgiástico frente a John Cusack.

No puedes quitarle los ojos de encima… nunca.

Más recientemente, Kidman protagonizó Destrucción (2018), un filme de suspenso crudo de Karyn Kusama acerca del prolongado declive de una detective. Kidman tiene momentos estrafalarios y brutales —golpea, corre, dispara y bebe con un exceso salvaje— en su interpretación de una mujer arruinada de mediana edad cuyas terribles decisiones están marcadas en cada pliegue y mancha de su rostro sombrío. La película fracasó en taquilla, quizá porque era demasiado desagradable para los espectadores de hoy o tal vez pareció algo muy de segunda mano para una de las modelos de portada favoritas de la revista Vogue. No obstante, Kidman es radiante, fría, cruda y real. Incluso cuando su rostro se transforma a un grado casi irreconocible, su talento sigue siendo innegable. No puedes quitarle los ojos de encima… nunca.

Destrucción está disponible en Hulu.

4 Keanu Reeves

Por A. O. Scott

Tal vez te sorprenda encontrar a Keanu Reeves en uno de los primeros lugares de esta lista. Pero pregúntate a ti mismo: ¿alguna vez te has sentido decepcionado cuando él aparece en una película? ¿Puedes nombrar una película que no haya mejorado con su presencia? Estamos hablando de Ted Logan. De Neo. De John Wick. Del interés amoroso de Diane Keaton en Alguien tiene que ceder (2003). Del interés amoroso de Ali Wong (¡un chico llamado Keanu Reeves!) en Quizás para siempre (2019). Ciertamente no existe otra estrella de cine que exhiba tanto rango mientras sigue siendo de manera irreducible e inescrutable él mismo.

¿Puedes nombrar una película que no haya mejorado con su presencia?

No obstante, curiosamente, él ha sido fácil de subestimar. Como casi todo en la década de los noventa, el aprecio a Keanu Reeves en las primeras etapas de su carrera estuvo rodeado de ironía. Era demasiado fácil burlarse de la confusión inexpresiva y solemne que definió a sus personajes en Punto de quiebre, El abogado del diablo y la saga de Matrix, proyectar su falta de expresión en él, y suponer que sus aguas estancadas eran poco profundas. Aunque siempre estuvo enterado de las bromas al respecto. Y para él no era broma. A la mitad de su vida, se ha elevado a un nuevo nivel de logros, una zona donde convergen la falta de arte y la timidez. Es uno de nuestros héroes de acción más convincentes y también uno de nuestros actores de carácter más inventivos y con mayores recursos. Ha resistido todo de una manera hermosa, se ha vuelto a la vez más triste y más juguetón sin perder la inocencia etérea que estuvo ahí desde el principio.

¿Acaso el papel del asesino melancólico, enamorado de su mujer y amante de los perros en la saga de John Wick es una falsificación del género, un trabajo que solo hace por dinero, una rutina de ejercicio para la mediana edad? Probablemente. Por supuesto. Con alguien como Gerard Butler en el papel protagónico serían películas desechables, ágiles y repugnantes. Lo que Reeves hace es dar a la franquicia más peso del que merece, más humor del que necesita y el alma que, de otro modo, no tendría en absoluto.

Una de las delicias de ver películas durante la década pasada ha sido encontrarlo en actuaciones inesperadas. Como un tipo de líder de un culto post apocalíptico conocido como el Sueño en The Bad Batch, la película de fantasía distópica de 2017 dirigida por Ana Lily Amirpour. Como la antítesis de Winona Ryder en la mordaz anticomedia romántica Destination Wedding (2018) dirigida por Victor Levin. Como la voz de un gato llamado Keanu en Keanu (2016).

Este hombre es más que la suma de sus partes, que son rompecabezas y koanes, capítulos en un manual que se actualiza eternamente para dominar el estrellato cinematográfico metamoderno como una forma de ser. No es un perfeccionista. Es la perfección en sí misma. Nos lo dijeron hace mucho tiempo y ahora tal vez finalmente podemos creerlo: él es el elegido.

Las películas de John Wick y otros títulos de Reeves están disponibles para renta o compra en las principales plataformas de distribución.

3 Daniel Day-Lewis

Por Manohla Dargis

Al inicio de Petróleo sangriento (2007), un hombre metido en un profundo y oscuro agujero golpea rítmicamente el muro con un pico, produciendo chispas y polvo. Está tan poco iluminado que es difícil apreciar bien su rostro, pero su pálida camiseta atrae tu atención y revela el contorno de sus poderosos brazos y sus movimientos mecánicos. Solo puedes apreciar bien al hombre cuando levanta su cabeza hacia el cielo y la luz ilumina su rostro. Contemplen a ese hombre, ¡contemplen a Daniel Day-Lewis!

Es una introducción tan icónica, definitoria y digna de estrellato como la de Rita Hayworth en Gilda. También funciona como una bonita metáfora del minucioso acto del proceso creativo de Day-Lewis, la construcción de sus personajes. Como Daniel Plainview, Day-Lewis no está simplemente interpretando al protagonista; está dándole una forma humana a las ideas y al arte del cineasta Paul Thomas Anderson. Plainview es muchas cosas: un hombre, una máquina, un padre terrible, un voraz magnate del petróleo. También es la manifestación de la ruinosa sustancia, el “océano de petróleo”, que violentamente arranca de la tierra.

Day-Lewis es uno de los actores más venerados de los últimos 50 años con una reputación basada en su deslumbrante filmografía y revestida por un aura de grandeza que casi alcanza un nivel místico. La preparación de sus personajes, bien publicitada, y la insistencia de permanecer metido en su personaje durante la producción se han convertido en características legendarias, lo que genera titulares entusiastas y alimenta al fetichismo de sus seguidores. El repetido anuncio de su retiro aumentó su aura, así como su selectividad: ha hecho solo seis películas en este siglo, y algunas son obras maestras. Al igual que la exótica planta centenaria, una planta perenne que florece espectacularmente solo una vez, Day-Lewis sabe cómo provocarnos y cómo dar un espectáculo.

Day-Lewis sabe cómo provocarnos y cómo dar un espectáculo.

La leyenda que se ha construido a su alrededor es, hasta cierto punto, solo una versión de la era del método de actuación de aquella mitificación que siempre ha formado parte de la creación de una estrella. Lo que a veces pasa desapercibido es que leer más de 100 libros con el fin de prepararse para el papel protagónico de Lincoln (2012) es trabajo arduo, y forma parte de la preparación de un actor. Toda esa labor y todos esos libros son un recordatorio de que la actuación también es un oficio, no magia, incluso cuando la interpretación de un actor parece, o mejor dicho, se siente casi alquímica. Parte del talento de Day-Lewis es su tremenda habilidad para trabajar arduamente en un personaje que satisface la visión del director.

Mucho depende de esa visión. Y sobre ese tema debo mencionar, lamentablemente, a Nine, una vida de pasión (2009), una locura catastrófica a la que Day-Lewis sirve diligentemente pero que no logra salvar. En Pandillas de Nueva York (2002), en cambio, su interpretación como Bill el carnicero es la apoteosis de las ambiciones de esa película, así que cuando no está en pantalla, la película trastabilla. El arte de Day-Lewis es uno de ósmosis entre él y los directores. Y hasta la fecha, sus dos actuaciones más logradas han sido en las dos películas que ha hecho con Anderson, la más reciente El hilo fantasma (2017), cuyas bellezas, profundidades e idiosincrasias son absorbidas por Day-Lewis, quien las transforma y refleja de manera brillante.

El hilo fantasma está disponible para renta o compra en la mayoría de las plataformas de distribución.

2 Isabelle Huppert

MANOHLA DARGIS Intrépida e hipnotizante, a veces aterradora, a veces extraña, Isabelle Huppert ha interpretado una variedad impresionante de papeles en el transcurso de su carrera. Ha pasado sin ningún esfuerzo de las lágrimas a los gritos, de las historias más estables a las más gloriosamente descabelladas. Ha actuado en más de 50 películas tan solo en este siglo, una diligencia que refleja su ambición y popularidad, pero también sugiere un hambre voraz que se puede ver en su actuación. Me encantan muchas de sus interpretaciones, pero lo que más me cautiva son sus monstruos, las mujeres espeluznantes y atroces que ha encarnado.

A. O. SCOTT ¿Alguien dijo La profesora de piano? Esta película de 2002 es un retrato magistral y escalofriante de lujuria, crueldad, masoquismo y talento musical. El personaje principal, Erika Kohut, se obsesiona con un estudiante, y Huppert personifica su descenso a la locura con una precisión matemática y una intensidad operática. ¿Nos da miedo lo que pueda hacer o lo que le pueda pasar?

Huppert es una experta en ese tipo de ambigüedad, en mezclar los códigos habituales de vulnerabilidad femenina y asertividad feminista, en desafiar las suposiciones sobre el origen de la fortaleza y la fragilidad de una mujer. Uno de mis ejemplos favoritos de esto se ve en Borrachera de poder (2007) de Claude Chabrol, en la que interpreta a una jueza que erradica la corrupción en la élite política y empresarial de Francia, y se enfrenta a una red de amiguismo poderosa y arraigada. El nombre del personaje es Jeanne Charmant Killman, que quizá parezca un poco obvio, pero también captura el atractivo elegante y letal de Huppert.

DARGIS Los papeles que le han ofrecido a Huppert y los que ella ha buscado han sido cruciales para su formación. Además, en sus inicios, trabajó con cineastas —Jean-Luc Godard, Maurice Pialat y, por supuesto, Chabrol— que le dieron libertad creativa para desarrollar sus habilidades. Jamás habría podido forjar una trayectoria similar en el cine estadounidense (me estremece pensar en que hubiera debutado en Sundance), donde los personajes rara vez son ambiguos y a menudo se basan en imperativos sosos como empatía y redención.

Huppert es conocida por aprovechar los extremos, aunque yo lo considero un interés en la plenitud de la existencia, incluso lo repugnante y lo tabú. Sus personajes están llenos de vida, algunos de manera desagradable, como en Elle (2016), la cinta provocadora de Paul Verhoeven sobre el trauma y la psicosis. La actriz siempre sorprende (sospecho que, de lo contrario, se aburriría), pero en este filme, como una mujer que afronta la violencia masculina, Huppert logra algo que casi nunca sucede en las películas: conmocionar. Con un ingenio lacerante —sus sonrisas extrañas se burlan de la religiosidad de la audiencia— convierte el misterio de otra persona en suspenso. Me encanta que me obligue a ver incluso cuando no quiero hacerlo.

SCOTT ¿Alguien dijo La viuda? Ese fue un filme de suspenso flojo de 2019 en el que Huppert interpretó a una acosadora psicótica con un complejo maternal que acecha a una ingenua estudiante universitaria interpretada por Chloë Grace Moretz. La menciono solo porque ese tipo de misterio al que te refieres —la mezcla volátil de ingenio, carisma y voluntad— domina esta película, que Huppert vuelve más intrigante de lo que habría sido sin ella. La hace más divertida y siniestra.

Ningún otro actor iguala su combinación de intensidad y control. Esto es más evidente en cintas en las que su personaje está en una lucha desesperada por sobrevivir, como en Materia blanca (2010) de Claire Denis. Huppert interpreta a una propietaria francesa de un sembradío que se aferra al último rastro de privilegio colonial que le queda en un país africano convulsionado por la violencia. Ella sabe que su vida está en peligro, que su estilo de vida está desapareciendo, y también que, en el esquema histórico general, es posible que merezca su destino. No expresa nada de autocompasión y muy poco drama en el sentido convencional. Es puro coraje.

Elle, La profesora de piano y más títulos están disponibles para renta o emisión en la mayoría de las plataformas de distribución.

1 Denzel Washington

A. O. SCOTT Peleamos y discutimos sobre todas las demás posiciones de esta lista, pero no hubo duda ni debate sobre quién sería el número uno.

Denzel Washington no se puede clasificar en ninguna categoría: un titán de la pantalla que también es un artesano sutil y sensible, con una formación teatral a la antigua y una presencia implacable como estrella de cine. Puede encarnar textos de Shakespeare y August Wilson, e interpretar la maldad, o el heroísmo en una película de acción. También es, por excelencia, uno de esos actores que evoca un tipo normal. ¿Quién podría olvidar a los trabajadores honestos y asediados que interpretó en Imparable (2010) y Rescate del metro 123 (2009), un par de películas extravagantes y ruidosas sobre trenes, dirigidas por Tony Scott? Ninguna fue una obra maestra, pero nunca me canso de ver a Washington en el trabajo.

MANOHLA DARGIS Hace que el trabajo —y me refiero a la actuación— parezca tan orgánico como respirar. Con justa razón fue perfecto para el papel de Easy Rawlins en El demonio vestido de azul”, que lo dio a conocer a inicios de su carrera. Desde entonces, ha interpretado muchos personajes que representan la ley o la criminalidad, y algunos que existen en el espacio que divide ambos conceptos. En ese transcurso, se ha convertido en el tótem dominante de un cierto tipo de autoridad masculina, como John Wayne y Clint Eastwood antes que él. Washington puede expresar una vulnerabilidad angustiada, pero puede destacar como un coloso y cernirse sobre mundos como un patriarca del Antiguo Testamento, esto es extraordinario si se consideran las representaciones de masculinidad negra que se veían en pantalla no hace mucho.

SCOTT Esa autoridad es creíble, aunque las películas… no lo sean tanto. ¿El libro de los secretos (2010)? ¿El justiciero (2014)? ¿Hombre en llamas (2004)? Uno de los aspectos que más aprecio de él es la magnificencia con la que interpreta a hombres que no parecen necesitar o siquiera merecer amor. Por ejemplo, Whip Whitaker en El vuelo (2012), un prodigioso piloto de aviones comerciales que también es un desastre épico en lo personal. No es un buen tipo, pero es el ser humano más complejo, profundo y claramente realizado que verás en una pantalla de cine.

DARGIS Al igual que todas las estrellas, la actuación de Washington parece estar ligada de manera inextricable a su carisma, una combinación seductora pero que puede ser abrumadora en ciertas películas, como la violenta obra comercial Día de entrenamiento (2001) de Antoine Fuqua. Washington es sensacional como un detective maloso: se ve relajado, sexi y aterrador, pero su presencia es tan descomunal que encoge a la película. En El vuelo, su magnetismo le añade profundidad a la tragedia de su personaje; le da un contoneo a su andar, pero también es parte de su fachada debilitada. Son pocos los papeles que exigen lo mejor de Washington, sin duda no están en las cintas que hizo con dos de sus directores favoritos, Fuqua y Scott, quienes crean mucha conmoción que Washington adopta —y focaliza— con mucha comodidad.

SCOTT Tal vez una medida de su poder es la constancia con la que su actuación es mejor que las películas en las que aparece. Entre su extensa filmografía de excelentes actuaciones —los entrenadores y los policías, los mafiosos y los abogados— hay unos cuantos monumentos que demuestran este inmenso talento en todo su esplendor. Malcolm X es uno de ellos y Troy Maxson en Barreras (2016) es otro. Hay tanto orgullo y dolor en esa interpretación, que de alguna manera contiene todo el peso del racismo estadounidense en el alma y el cuerpo de una sola persona, sin convertirla en un símbolo de nada. La manera en que Washington camina en esa película, columpiando sus hombros con la fuerza de un atleta, con una postura afectada por una vida de trabajo arduo, es un momento de pura elocuencia carnal, aunado al raudal de poesía vernácula que sale de su boca.

DARGIS ¡Es bien sabido que sobrepasar tus propias películas es un sello distintivo de estrellato real! Los actores eligen papeles por muchas razones distintas —edad, disponibilidad, preferencia, comodidad, remuneración— y la raza influye, siempre. A Washington le gusta interpretar personajes con objetivos claros y a hombres que causan una impresión profunda, con un arma, con excesos físicos o con palabras. Le gusta actuar a lo grande. Podría hacer cine de arte y filmes independientes provocadores, pero no lo hace. Tal vez no le interesa; sin duda no lo necesita. Después de todo, es Denzel Washington, una estrella cuya trayectoria —en su longevidad y predominio— es un correctivo y una reprimenda a la industria racista en la que trabaja. Me imagino que está haciendo exactamente lo que desea.

El vuelo, Día de entrenamiento y más títulos están disponibles para renta o emisión en la mayoría de las plataformas de distribución.