Miguel Ángel González Suárez nació un 24 de diciembre de 1947 en Ourense (España). “El Gato”, como era conocido por sus grandes reflejos, comenzó su carrera deportiva en el baloncesto y balonmano antes de dar el salto al futbol y llegar a ser considerado una leyenda del Real Madrid.

Miguel Ángel fichó en 1967 por el Real Madrid y pese a que tardó algunos años en hacerse con la titularidad, la consiguió en la temporada 1974-75 y la mantuvo durante una década consecutiva.

González durante su etapa como jugador merengue, entre los años setenta y ochenta, conquistó ocho ligas cinco copas y dos copas de la UEFA. Gracias a dichos galardones que es considerado una leyenda blanca y es uno de los porteros más recordados del Madrid.

Logró disputar 346 partidos con el Real Madrid, siendo uno de los jugadores que más tiempo han permanecido en el club.

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Si bien tuvo una carrera larga con el Real Madrid, con la Selección de España solo vio acción en 18 encuentros. Debutó en un partido de clasificación para la Eurocopa contra Dinamarca y fue el portero titular de su país en Mundial de Argentina en 1978.

Tras su retiro, Miguel Ángel continuó ligado al Real Madrid. Desde 1987 hasta 1994 fue delegado del primer equipo y después fue responsable de la Cuidad Deportiva, puesto que ocupó durante más de una década. Durante la etapa de Fabio Capello como entrenador merengue desempeñó un papel como entrenador de porteros.

Durante los últimos años padeció esclerosis lateral amiotrófica (ELA).

“El Real Madrid quiere expresar sus condolencias y su cariño a su esposa, María del Pilar, a su hijo Miguel Ángel, a sus nietos Daniela y Mauro, a sus familiares, a sus compañeros y a todos sus seres queridos”, publicó el Real Madrid en un comunicado sobre el fallecimiento de su legendario portero en su sitio web.

Comunicado Oficial: fallecimiento de Miguel Ángel.#RealMadrid

— Real Madrid C.F. (@realmadrid) February 6, 2024

Una gran exposición sobre el Renacimiento italiano, que muestra los orígenes y la evolución del estilo del escultor italiano Michelangelo Buonarroti (Miguel Ángel) y sus antecesores, abrió este martes sus puertas en el Museo del Louvre en París.

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La exposición “Le Corps et l’Âme”, “El Cuerpo y el Alma”, que se puede visitar desde el jueves próximo y ha sido organizada junto con el museo del Castello Sforzesco de Milan. Explica, principalmente a través de la escultura, el apogeo del movimiento renacentista italiano que tuvo lugar entre la mitad del siglo XV y principios del XVI.

La muestra se centra en la representación de la figura humana en toda su diversidad de movimientos y donde poco a poco, conforme se avanza en el recorrido donde hay dispuestas 140 obras, se observa la evolución de los rasgos de las piezas, de frías al principio, a más expresivas, más detalladas y más dulces al final.

Donatello era el mayor artista del Renacimiento en la Florencia del siglo XV, remarcó el conservador de las esculturas del Louvre, Marc Bormand, en una declaraciones a Efe. “En esta exposición vemos como el artista evoluciona de un estilo monumental a uno más detallista y expresivo, particularmente a través de obras religiosas”, explicó.

Es el caso de un relieve en bronce que representa la crucifixión, una de las piezas más valoradas de la exhibición por considerarse una de las precursoras del arte sagrado. “Donatello exprimió aquí el sentimiento y la pasión con el objetivo de conmover a los fieles en un momento en que las iglesias empezaron a encargar muchas obras de este estilo”, señaló Bormand.

El arte religioso vuelve a aparecer más adelante con cinco esculturas hechas de madera policromada entre las que hay un Juan Bautista musculoso, alto y con mirada de guerrero, al lado de una María Magdalena vestida con harapos, portando una vela y transmitiendo una mirada terrorífica.

Llama la atención la presencia de María Magdalena en un buen número de obras, representada en el relieve de Donatello como una de las personas más compungidas por la crucifixión, también en forma de dos grandes estatuas a color, en diferentes dibujos de Miguel Ángel y en un busto de terracota del escultor Guido Mazzoni.

Donatello, inspirador de la escultura de Miguel Ángel

La evolución hacia la expresividad de los renacentistas se consolida con el estilo voluptuoso que Miguel Ángel recoge de Donatello. Aunque nunca llegaron a conocerse, hubo otros escultores que hicieron de puente cultural entre los dos.

“El más importante transmisor de los estilos que conoció a los dos artistas fue Benedetto da Maiano, que encarna un arte más dulce e incluso sensual representado en la muestra con “San Sebastián”, concretó el comisario de la exposición al mostrar la escultura del santo con el torso desnudo que parece estar en movimiento.

“Pensamos que el artista más grande del siglo XV, Miguel Ángel, aprendió a tallar el mármol en el taller florentino de Da Maiano, que a su vez aprendió de Donatello”, apuntó Bormand.

Una influencia que se ve claramente en una de las primeras esculturas del autor de El David, que se podrá ver en esta exposición hasta el próximo 18 de enero. Se trata de Cupido, una pequeña estatua que estuvo muchos años en una residencia privada de Nueva York y después en la Embajada de Francia en Estados Unidos.

La segunda mitad del siglo XV está marcada por la difusión del nuevo estilo renacentista por toda Italia que fue particularmente visible en Venecia, donde sus escultores buscaron un hilo conductor entre la belleza clásica y la expresión natural en las nuevas obras. “Las esculturas que tenemos delante muestran los dos sentimientos más difíciles de esculpir que son el afecto y el amor”, destacó Morland de la escultura de Tullio Lombardo que representa al dios Baco y a la princesa Ariadna.

Quienes los vieron aún los recuerdan agitados por la falta de oxígeno. O quizás era por la urgencia de su misión.

Habían viajado 10.500 kilómetros desde Roma para buscar en ese sitio insospechado uno de los diseños más famosos del genio italiano Miguel Ángel Buonarroti, muerto en el siglo XVI: una réplica exacta de su escultura de La Piedad.

La escena podría haber sido parte de una novela de intrigas vaticanas.

En el interior de una capilla remota, sobre la cima de la bóveda que guarda los huesos de los primeros pobladores del lugar, los esperaba la imagen de la Virgen María con el cuerpo de Jesús en su regazo.

Pero a diferencia de la escultura original, que se ubica en la Basílica de San Pedro en El Vaticano, la de Lampa es completamente negra.

¿Qué tiene aquella réplica que motivó un viaje urgente al otro lado del mundo?

12 martillazos

Hace pocos días recordaron en Roma los 45 años del ataque a La Piedad.

El 21 de mayo de 1972, un visitante húngaro llamado Laszlo Toth saltó sobre la escultura gritando que él era Miguel Ángel y la golpeó doce veces con un martillo.

En segundos le rompió la nariz y un párpado, despedazó la mano izquierda y quebró la rodilla del Cristo.

Cuando finalmente lo bajaron a la fuerza, sobre el suelo de la catedral se esparcían más de cien trozos de mármol.

El delicado rostro de la Virgen, esculpido para verse más joven que su hijo y bella durante la eternidad, estaba destrozado.

¿Cómo hacer el milagro de restaurar una de las obras más impresionantes del renacimiento italiano?

En medio de este debate, alguien encontró en los archivos vaticanos un dato inesperado.

Una copia exacta de La Piedad había sido enviada varios años antes al sur de los andes peruanos, casi en la frontera con Bolivia.

“La réplica que tenemos llegó de El Vaticano y es como una gota de agua en relación a otra”, dice Oscar Frisancho, presidente del Patronato de la Ciudad de Lampa.

“Tomarle las medidas era necesario para restaurar la original”, agrega a BBC Mundo.

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Días después del ataque el equipo de arquitectos italianos llegó a Lampa, 3.900 metros más cerca del cielo que Roma.

En el lugar, sin embargo descubrieron que La Piedad que había enviado la Santa Sede no era la única. Habían dos esculturas: una negra y una blanca.

“Que la destruyan”

Hasta ahora es un misterio cómo el senador peruano Enrique Torres convenció a Juan XXIII en 1960 de enviar la réplica a su natal Lampa.

Se sabía que el Papa no era muy amigo de copiar piezas de arte únicas y menos repartirlas por el mundo.
Y si hay algo único, eso es La Piedad.

Miguel Ángel tenía 24 años cuando terminó de esculpirla en 1499.

Quien observa la estatua original casi puede sentir la suavidad de los labios de María o los rizos de Jesús entre los dedos. El velo de la virgen más que de mármol asemeja la seda, y el brazo de Cristo parece tener sangre en las venas.

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Al momento de copiarla, los artistas italianos usaron un material más modesto: yeso blanco.

“Pero cuando llegó a Perú era muy pesada y no podían ponerla sobre el domo, así que en Lima deciden hacer una copia de la copia”, cuenta Gabriel Castañeda, el párroco de Lampa.

Fue así como se forja en aluminio La Piedad negra que está hoy en la capilla.

“El Papa la autorizó con la condición de que destruyeran la de yeso, sin embargo nunca se destruyó“, apunta el párroco a BBC Mundo.

Lo irónico es que la delegación de 1972 tomó las medidas de la Piedad blanca, esa que se salvó de ser destruida, para restaurar la original.

Esculturas olvidadas

Cuarenta y cinco años después, son las réplicas las que necesitan atención.

Hay que tener fe y creer en los milagros cuando se pide dinero para conservar las vírgenes andinas.

Apenas llegan visitantes, el presupuesto local es tan escaso como el oxígeno y los habitantes son tan pocos que casi todos se conocen las caras.

“No hay infraestructura suficiente para los turistas. Trabajamos para promover y atraer inversiones pero todavía faltan”, admite Briseida Pauro, Directora de Turismo de la Región de Puno a BBC Mundo.

La Piedad Blanca está en un salón de la municipalidad y muchos llegan y se van sin enterarse que existe.
La Piedad Negra se luce más, pero su capilla se ve deteriorada: el tiempo y la falta de mantenimiento han corroído los mármoles de las paredes.

“Y hasta han entrado a robar”, denuncia el párroco Gabriel Castañeda.
“Se llevaron piezas de plata que eran parte del altar principal y también del anda para las procesiones”, agrega a BBC Mundo.

Pero al momento de señalar al responsable de conservar las estatuas, todos apuntan al lado.

La iglesia pide presupuesto al gobierno regional, la dirección regional de turismo señala al ministerio de cultura, la oficina local del ministerio informa que las estatuas no están catalogadas como patrimonio cultural y recuerda que la iglesia es la dueña.

Y así vuelve a empezar.

“Las vírgenes son ahora parte de nuestra identidad y debería haber un compromiso por cuidarlas”, enfatiza Oscar Frisancho, del Patronato de Lampa.

Los lampeños sienten a las Vírgenes tan suyas como los romanos a su original.
Y pensar que cuando la atacaron a martillazos, artistas de El Vaticano propusieron no restaurarla.

El destino de Laszlo

Luego de que lo bajaran a golpes de La Piedad, Laszlo Toth fue internado en un hospital siquiátrico italiano por dos años.
El desastre que había dejado fue para algunos artistas una suerte de símbolo de los tiempos y pidieron dejar a la Virgen herida.

Otros defendían restaurarla, pero mostrando las cicatrices del martillo.

“Con cualquier otra escultura, dejar las huellas del ataque hubiera sido tolerable”, dijo el director de Museos Vaticanos, Antonio Paolucci.

“Pero no con La Piedad. No con ese milagro del arte“, agregó para Reuters.

Las fotografías y medidas tomadas en Perú fueron parte de un minucioso proceso de restauración que duró diez meses.

El trabajo fue tan perfecto que cuando La Piedad se exhibió nuevamente, sólo quedaba una huella del ataque: un grueso cristal a prueba de balas.

Laszlo Toth no tuvo oportunidad de acercarse de nuevo a la Basílica de San Pedro. Aunque nunca fue juzgado, al salir del siquiátrico lo deportaron a Australia, en donde vivía antes de llegar a Italia.

Murió en 2012.

“A mí me parece muy bien que quieran darle mantenimiento a nuestras réplicas, pero deben de convocar a alguien especializado“, dice Gary Mariscal, director de la oficina del Ministerio de Cultura de Puno.

“Y especialistas en el arte del renacimiento no tenemos por aquí”, advierte a BBC Mundo.
Quizá ha llegado el momento de recibir una nueva comitiva vaticana.

Resulta casi imposible describir la belleza de Florencia. Hay que estar ahí para contemplarla, sentirla y vivirla. De hecho, se dice que es la capital mundial del arte y uno de los íconos de la arquitectura.
La ciudad está llena de pequeñas callejuelas que dejan sin aliento. Tan romántica; tan sublime. Es para tomar de la mano a la pareja y darle un beso bajo un farol que destella una tenue luz amarillenta.
La magnificencia de Firenze, como se le llama en italiano, es el reflejo de la genialidad de los personajes que la hicieron florecer: Leonardo da Vinci, Miguel Ángel Buonarroti, Donatello, Rafael Sanzio, Filippo Brunelleschi, Giorgio Vasari, Giotto, Dante Alighieri, Nicolás Maquiavelo y muchos otros.
Este enorme museo al aire libre está en la región de la Toscana, a unos 270 km al noroeste de Roma. Desde ahí, en un tren de alta velocidad, se puede llegar en una hora y media —se recomienda llegar hasta la estación de Santa María Novella, pues queda justo en el casco antiguo—.
Para recorrerla de buena manera se necesitan por lo menos tres días —y aún así, el tiempo queda ajustado—.

Mucho qué ver

Fue fundada en el siglo I a. C., junto a la que había sido una ciudad etrusca, como asentamiento para una guarnición romana. Cuatro siglos más tarde se convirtió en un importante centro comercial, pero tuvo un letargo durante las dominaciones de los ostrogodos, bizantinos y lombardos.
Renació en el siglo IX al integrarse en el imperio de Carlomagno. En los siglos posteriores hubo intensas luchas por dominarla hasta que, en el siglo XV, la familia Médici tomó el poder, el cual ostentó hasta 1737.
De hecho, fueron los Médici quienes crearon el fuerte estado toscano y, bajo su mecenazgo, dieron un enorme impulso al desarrollo de la cultura renacentista florentina.
Hoy se pueden observar sus antiguos edificios. Se recomienda visitar la Iglesia de Santa María Novella (1480), que tiene una imponente fachada de mármol.
A cinco minutos a pie está la Piazza del Duomo, donde está la Catedral de Santa María del Fiore (1296), el Campanario y el Baptisterio. La famosa cúpula de tejas rojizas del Duomo es una maravilla diseñada por Brunelleschi —hasta hoy se desconoce exactamente cómo la logró construir—.
Desde ahí, a 200 m, se encuentra la Piazza della Reppublica, donde sobresale en uno de sus laterales el gran Arco del Trionfo (1895).

Cerca queda el imponente Palazzo Strozzi, cuya construcción empezó en 1489 y fue terminado hasta 1538.
Luego, en poco tiempo de caminata, se llega a la Piazza della Signoria, donde se encuentra el Palazzo Vecchio, construido por Arnolfo di Cambio a finales del siglo XIII.
Inmediatamente está la Galería de los Uffizzi, uno de los museos más importantes del mundo, donde se conservan grandes obras renacentistas de Botticelli, Tiziano, Rubens, Caravaggio, Rafael, Da Vinci y Rembrandt. Es importantísimo comprar los boletos en línea, porque no hacerlo implica hacer una fila de dos horas o más.
Otro de los sitios a visitar es el Ponte Vecchio, que cruza el río Arno. Este es el puente más antiguo de Europa.
En el barrio de Oltrarno está el Palazzo Pitti, sus espectaculares museos y los encantadores Jardines de Boboli. A este palacio, lo ideal, es dedicarle un día completo.
Si se quiere tener una magnífica panorámica de Florencia, se recomienda subir hasta la Piazzale Michelangelo. Se puede llegar en autobús o carro, pero lo mejor es agarrar fuerzas y subir a pie. Los atardeceres dejan sin palabras.
Otro de los puntos de visita es la Iglesia de la Santa Cruz, conocida como el Panteón de las glorias de Italia, ya que ahí están enterrados Miguel Ángel, Maquiavelo, Galileo y Rossini, entre otros.
Por último, pero no menos importante, está la Galería de la Academia, cuya máxima pieza de arte es el David, esculpido en mármol por Miguel Ángel.
¡Oh, bella Firenze! Quien tenga la dicha de visitarla, quedará enamorado de ella para siempre.

Imaginemos que el David, obra maestra del Renacimiento esculpida por Miguel Ángel, fuera exhibida un fin de semana en la Plaza de la Constitución, en la capital guatemalteca. ¿Qué pasaría?
 
Es probable que en los días previos decenas de personas se manifestaran en contra de tal “inmoralidad” —hay que recordar que el David está desnudo—.
 
Los medios de comunicación, a la vez, darían gran cobertura dando a conocer los distintos puntos de vista, mientras que los organizadores estarían bajo presión.
 
En tanto, los europeos mostrarían su sorpresa ante lo que sucede “en un pequeño país de América Central, cuya sociedad está acostumbrada a ver auténticas carnicerías humanas en los noticieros, pero que se escandaliza e indigna por ver una magna pieza tallada en mármol”.
 
Quizás el David ni siquiera pudiera salir del aeropuerto La Aurora debido a la tensión. La exhibición, entonces, terminaría por ser cancelada.
 
Esta situación, como se ha dicho, es imaginaria, pero en la realidad guatemalteca se han dado numerosos casos de ese tipo, tanto en las bellas artes —escultura, pintura, literatura y música—, como en la política o en la religión.
 
Estos son algunos casos expuestos por los historiadores José Cal y Aníbal Chajón.

¡Silencio!

La censura es una de las grandes manifestaciones de poder: quien lo ostenta tiende a acallar todo aquello que no le conviene.

Un ejemplo de tiempos precolombinos recae sobre Tlacaélel (ca. 1398-ca. 1480), guerrero y sacerdote mexica que mandó a quemar los códices de los pueblos vencidos y del suyo  para así tener la vía libre para crear un nuevo imperio, borrando siglos de historia y de cultura.
 
Casi paralelamente, en el Viejo Mundo, también se dio un ejemplar caso de censura por parte de la monarquía hispánica de los reyes católicos. En 1502 se empezó a aplicar la Pragmática, la cual, además de ordenar a los mudéjares a elegir entre el exilio y la conversión al cristianismo, obligaba a que cualquier texto que se quisiera imprimir debía contar con una licencia real, la cual era otorgada por autoridades civiles o eclesiásticas.
 
Tales actos de censura llegaron hasta el Nuevo Mundo a través de la Inquisición de México, que empezó en 1571 y cuya jurisdicción comprendía los territorios de la Nueva España, Guatemala, Nicaragua y las islas Filipinas.
 
Por eso era frecuente que viajeros escondieran impresos entre su ropa o que cambiaran las pastas de los libros prohibidos por otras que tenían los títulos autorizados. Hasta el siglo XVIII, la censura se centró en obras de aspectos teológicos para supuestamente atacar la herejía y las supersticiones.
 
A partir de 1770, tanto en Europa como en América, se persiguieron los textos de carácter filosófico y político que permitían adquirir nuevos pensamiento, valores y creencias, sobre todo a partir del inicio de la Revolución Francesa en 1789, periodo en que surgieron ideas basadas en la soberanía y libertad de los ciudadanos, lo cual atentaba contra los intereses de la Corona y del catolicismo.
 
Durante el mandato de Rafael Carrera en Guatemala se dictó por ley que los obispos conservaran “su derecho de censura sobre todos los libros y escritos con relación al dogma, a la disciplina de la Iglesia y a la moral pública (…) El Gobierno se compromete a concurrir con los medios propios de su autoridad a sostener las disposiciones que ellos tomaren conforme a los sagrados cánones para proteger la religión y evitar todo lo que pudiere serle contrario”.

El grito en el cielo

“Y tú, sexo embustero y deseado, / ¿en qué empleas la flor que Dios te ha dado? / Vírgenes tontas, con vosotras hablo, / no sois ni para Dios ni para el Diablo. (…) Mas para oír con fruto mis razones, / cada varón empuñe sus cojones / y las hembras y sus dos tetas / que jalan más que doce mil carretas”.
 
El párrafo anterior corresponde a un extracto del poema Sermón para José María Castilla, escrito en Guatemala a finales del siglo XIX por los poetas José Batres Montúfar y María Josefa García Granados. Por supuesto, el texto fue (y aún es) catalogado de pornográfico.
 
En otra parte del poema prosigue: “Para evitar los males de que os hablo, / escuchad las palabras de San Pablo: / Mortales, fornicad, joded sin pena / que la salud sin esto nunca es buena: / joded por la mañana y por la tarde, / y de solo joder haced alarde”.
 
Mucho tiempo más tarde fue duramente criticada la poetisa Ana María Rodas, quien en 1973 fue reprochada por el contenido de su libro Poemas de la izquierda erótica.
 
Nuestra sociedad también puso el grito en el cielo por la obra de la artista guatemalteca Antonia Matos, pese a que en la década de 1920 se convirtió en la primera estudiante latinoamericana en ingresar a la prestigiosa Escuela de Bellas Artes de París.

Se cree que, poco antes de partir hacia Francia, fue la modelo para las cariátides del mausoleo de la familia Castillo en el Cementerio General, construcción de Rafael Rodríguez Padilla. El libro La obra de Antonia Matos, de Francisco Aguirre y Desiré de Aguirre, apunta: “Aunque nunca constara que ella hubiera posado desnuda —ya que había mucha semejanza de su cara con la de las estatuas, mas no de su cuerpo—, la crítica fue igual, pues era incomprensible que una señorita de sociedad hubiera posado (desnuda)”. Posteriormente, las estatuas fueron cubiertas con una especie de falda.
 
Pero quizás su mayor pecado fue haber expuesto en la Guatemala de 1934, ya que varios de sus cuadros tenían desnudos. La crítica moralista fue despiadada y el director de Bellas Artes de nuestro país ordenó el cierre de la muestra. Unos meses atrás, con las mismas obras, expuso con gran éxito en la galería parisiense Zak.

 
Matos, entonces, decidió jamás volver a exhibir en nuestra patria. En cambio, desmontó las pinturas de los bastidores, las enrolló, las ató con un cordel y las guardó en el ático de su casa.
 
“El trabajo de Antonia Matos guarda características que se alejan de la intención pornográfica y el realismo anatómico del presente. Con veracidad recreó la tersura de la piel, sus distintos matices, colores. Con sentido individual, en la composición captó elementos del cuerpo humano para conferir dignidad y belleza a sus retratados. No importaba si el modelo (hombre o mujer) fuera joven, maduro o anciano”, apuntó Guillermo Monsanto en una columna publicada en Prensa Libre, el 14 de abril del 2002.
 
De hecho, en marzo de ese año, la Fundación Paiz organizó una exhibición póstuma con la obra de Matos, fallecida en 1994. La muestra no estuvo exenta de polémica, ya que las invitaciones fueron censuradas por El Correo de Guatemala porque tenía desnudos.
 
Otro caso de censura en el arte fue el vivido por el maestro Efraín Recinos, cuando entre 1979 y 1980 le encargaron el diseño de los murales de la Corte Suprema de Justicia, en las alas norte y oriente, cada uno de ocho piezas con temas que el artista José Pepo Toledo cataloga como “arte de resistencia”. “El mural fue diseñado en relieve y con mosaicos de colores.
 
Las primeras formaletas eran de madera reforzadas con hierro, y se empezaron a construir en el sótano del edificio.
 
Después de seis meses de trabajo, un magistrado se enteró de la temática abordada por Recinos y ordenó que se detuviera.
Poco después desaparecieron las formaletas”, escribe Toledo en su página web.
 
Aquel mural nunca fue llevado a cabo; sin embargo, ocho pinturas del proyecto que hoy son llamados Murales censurados aún se conservan.
 
Otras obras que han sido censuradas, entre tantas otras, son No al femicidio y Esta es la sangre de Dios en el Cosmos, ambas de Manolo Gallardo.

La sombra de la CIA

La política también ha estado inmiscuida dentro de los casos de censura. Por ejemplo, Estados Unidos mandó a quemar libros durante la Guerra Fría, práctica que fue apoyada por sus aliados.
 
Luego de la caída del gobierno de Jacobo Árbenz, en 1954, hubo una represión violenta de la libre discusión de ideas, pues no se deseaba a ningún simpatizante del comunismo.
 
“El arribo a Guatemala del personal de la Agencia Central de Inteligencia (CIA, en inglés) supuso no solo persecución contra los activistas, sino también contra los profesores universitarios y sus libros”, refiere el historiador José Cal.
 
De hecho, el también historiador Augusto Cazali Ávila (1929-2008) fue testigo de aquellos hechos: “La quema de libros y diversas publicaciones del periodo revolucionario fue cuestión corriente en los primeros meses del Régimen de Castillo Armas, y a ello se agregó la expurgación de bibliotecas, incluyendo las de algunas facultades de la Universidad”.

 
Los medios de comunicación Diario de Centro América y El Imparcial dan cuenta de ello. El primero, en su edición del 3 de diciembre de 1954, publicó una nota en la que decía que la comisión haría un inventario profuso y detallado de las obras decomisadas por sus tendencias comunistas, guardándose un ejemplar mientras que el resto se quemaría en una pira pública ante “todas aquellas personas que querían asistir al entierro del comunismo”.
 
El Imparcial, un día después, publicó una extensa nota titulada ¿Una purga de libros?
 
En 1967, el escritor y dirigente comunista Huberto Alvarado Arellano, en su obra Preocupaciones, indicó que la persecución y la censura de la época era “uno de los más brutales linchamientos de la cultura del continente americano, dirigido a impedir la formación de una mentalidad democrática” para Guatemala.
 
Hoy, los documentos incautados en nuestro país durante 1954 se encuentran en la Biblioteca del Congreso de EE. UU. bajo el nombre Guatemala Documents Collection 1944-1954  y en los Archivos Nacionales de Maryland en la serie Records Relating to Activities in Guatemala 1949-1996.

El poder de las ideas

Muchas autoridades de gobierno han recurrido a la censura para ostentar el poder. De ello hay numerosos ejemplos, como los de Rafael Carrera —al otorgarle a la Iglesia el derecho a censurar—, así como por lo efectuado por el dictador Manuel Estrada Cabrera, quien mandó a silenciar a todos sus detractores —de hecho, el Nobel de Literatura 1967 Miguel Ángel Asturias publicó su libro El Señor Presidente hasta 1946; es decir, 26 años después del fin del cabrerismo—.
 
Lo que siempre hay que recordar es que una verdadera democracia se construye con la libre circulación de ideas.
 
Hoy, el artículo 35 de la Constitución Política de la República de Guatemala cita: “Es libre la emisión del pensamiento por cualesquiera medios de difusión, sin censura ni licencia previa. Este derecho constitucional no podrá ser restringido por ley o disposición gubernamental alguna”.

Mordaza en diferentes épocas

– En la España franquista, las autoridades se ocupaban de revisar todo aquello que se imprimía en ese país. Para ello, los censores rellenaban un formulario donde indicaban si un libro atacaba al dogma, a la moral, a la Iglesia o al Régimen. Entre los más afectados por la censura estuvieron los ilustres escritores Octavio Paz, Carlos Fuentes, Julio Cortázar y Juan Rulfo. La obra del guatemalteco Miguel Ángel Asturias pudo entrar hasta 1949 con cien ejemplares de El Señor Presidente, aunque en un informe la novela fue señalada de ser “racista” y de “tonos fuertes”.
 
– Las aventuras de Huckelberry Finn (1884), de Mark Twain, tuvo dificultades para ingresar a ciertas bibliotecas estadounidenses por su “lenguaje vulgar”. Asimismo, el libro 1984, publicado en 1949 por George Orwell, fue censurado en EE. UU. por sus posturas ideológicas. La serie literaria Harry Potter, en pleno siglo XXI, también ha sufrido censura en Estados Unidos, sobre todo en los estados bajo fuerte influencia religiosa.
 
– En Rusia, los críticos con el gobierno son asesinados o enviados a prisión. También han sido cerrados varios medios de comunicación o han cambiado su línea editorial por la presión gubernamental, a la vez que lanzan sus propios canales informativos. Similares situaciones suceden en Venezuela, Ecuador, Hungría y en algunos países árabes. En México, Guatemala, El Salvador y Honduras, entre otros, periodistas han sido silenciados por las balas.
 
– Se calcula que en China hay alrededor de dos millones de censores que controlan el contenido en Internet y la actividad de los usuarios.
 
– En la música también ha habido restricciones. Por ejemplo, la canción A Day in the Life, de Los Beatles, fue censurada por la BBC por supuestas alusiones a las drogas; lo mismo sucedió con God Save the Queen, de los Sex Pistols, por ser considerada ofensiva hacia la corona británica; y I Want your Sex, de George Michael, melodía que fue censurada por varias cadenas de radio de EE. UU.

 
-Otros casos son los de Madonna y de los Guns N’ Roses, cuyos discos Erotica y Chinese Democracy fueron prohibidos en Malasia y China por su contenido sexual y alusiones políticas, respectivamente.

Censura eclesiástica

En 1515, la Iglesia católica promulgó el Índice de libros prohibidos (Index librorum prohibitorum), una serie de publicaciones que duraron hasta la primera mitad del siglo XX en la que se recopilaban aquellas obras que se consideraban perniciosas para la fe cristiana. Entre los autores censurados estuvieron Rubelais, La Fontaine, Descartes, Montesquieu, Galileo, Copérnico, Kepler, Balzac, Víctor Hugo, Pascal, Kant, Sartre, Marx, Nietzsche, Schopenhauer y Erasmo de Rotterdam, por mencionar unos pocos. Ni el libro Lazarillo de Tormes se escapó de esta lista.
 
La última edición, que data de 1948, contenía unos cuatro mil títulos censurados por razones que iban desde la supuesta herejía hasta la deficiencia moral, sexualidad o ideas políticas.

Amenaza a la Prensa

Durante el denominado Serranazo —el autogolpe de Estado de 1993—, el expresidente Jorge Serrano Elías y la ex vicepresidenta Roxana Baldetti —entonces subsecretaria de Relaciones Públicas de la Presidencia— trataron de acallar a la prensa nacional al enviar censores para verificar la información que se iba a publicar.
 
Al tratar de hacer eso en Prensa Libre, Mario Antonio Sandoval —actual presidente de Guatevisión y vicepresidente del Consejo de Administración de este medio de comunicación— detuvo en la recepción al censor y le indicó: “Le advierto que en el instante en que usted ponga sus ojos en los textos, cometerá censura y lo voy a perseguir toda mi vida. Mientras yo sea director de Prensa Libre ningún censor va a poner las patas en mi Redacción”.

En el caso de Leonardo, los dibujos de la exposición Leonardo da Vinci y la idea de la belleza abarcan periodos muy distintos, desde un trabajo que se cree que fue hecho con su maestro, hasta sus últimos años.

Una de las obras destacadas es el Códice sobre el vuelo de las avescon sus apuntes sobre anatomía, física y aerodinámica a partir de la observación de distintas especies de pájaros.

Sobre la muestra

“Las páginas que se muestran me gustan especialmente porque en esas dos páginas se representan los momentos más altos de la genialidad de Leonardo”, dijo en conferencia de prensa Giovanni Saccani, director de la Biblioteca Real de Turín, que dio en préstamo las piezas de Leonardo que se presentarán hasta el 23 de agosto.

“El Leonardo arquitecto, el Leonardo ingeniero, el estudioso de la naturaleza, pero también hay una parte que representa a Leonardo el hombre.

En la esquina superior derecha Leonardo escribió su lista de compras”. El códice llevó a Leonardo a conclusiones para un potencial aparato para volar.

“Leonardo era un personaje que se ocupó por conocer el mundo, hoy en día lo entenderíamos más como un epistemólogo”, dijo el historiador de arte Adolfo Mantilla, encargado de la adaptación para México de la exposición que se ha presentado en Boston y Virginia. “Su proyecto es transversal y nos da un panorama desde lo que hoy podría verse desde un horizonte artístico, de la física, de la mecánica, de la ciencia. Evidentemente ese es el punto central de la exposición”.

Saccari destacó que esta es la primera vez que la colección de la biblioteca llega a un país de América Latina. Entre los dibujos que se presentan también está el estudio para el rostro del ángel de La Virgen de las rocas, símbolo de la biblioteca.

Por su parte, la exposición “Miguel Ángel Buonarroti. Un artista entre dos mundos”, que se presentará hasta el 27 de septiembre, incluye obras del maestro renacentista y su impacto en artistas en América como Andrés de Concha y Baltasar de Echave Orio. Dos de sus piezas clave son el Cristo Portacroce (Cristo Giustiniani) y el David-Apollo.

“Las dos tienen una historia muy diferente pero las dos tienen un hilo en común que es el problema de la obra inacabada, ninguna de las dos fue terminada por Miguel Ángel”, dijo Luis Javier Cuesta cocurador de la muestra junto con Francesco Buranelli.

Otros detalles interesantes

El Cristo (trabajado por Miguel Ángel entre 1514-1516) “es un bloque de mármol que eventualmente Miguel Ángel decidió dejar por una veta negra que le salió al mármol en el rostro, Miguel Ángel era un perfeccionista… y en ese sentido no podía soportar que la vena negra le estropeara la escultura”, apuntó Cuesta sobre la escultura que por primera vez se exhibe fuera de Italia.

En el caso del David-Apollo (que desarrolló de 1532-1534) fueron las cuestiones ideológicas las que impidieron que Miguel Ángel la concluyera. “Tuvo una crisis de pensamiento al final de su vida que hizo que dejara muchas obras sin terminar”, señaló Cuesta.

En ambas exposiciones, los dibujos de anatomía y arquitectura, así como bocetos para esculturas y pinturas juegan un papel central. “El dibujo se convirtió en el arte por excelencia era la herramienta que todo artista debía dominar porque era la expresión de la idea intelectual”, dijo Cuesta.

A partir de ahora, la Piet Rondanini será la única obra del museo homónimo que abrirá sus puertas el próximo 2 de mayo, un día después del inicio de la Exposición Universal de Milán, indicaron los representantes del ayuntamiento en una rueda de prensa.

El sitio escogido es una sala restaurada en un antiguo hospital español, cuyos frescos en el techo y en las paredes albergaban a los soldados enfermos de peste durante la segunda mitad del siglo XVI.

“Un lugar de mucho sufrimiento, adaptado para acoger una escultura que expresa el sentimiento intenso del dolor de una madre” , comentó el arquitecto italiano Michele de Lucchi, quien firma la instalación de la escultura.

Lucchi planeó una sala con un parqué de madera clara y una instalación lumínica para evitar las sombras.

El paradero de esta obra, encontrada en la vivienda del artista tras su deceso, se desconocía hasta 1807, cuando reapareció en el palacio milanés del marqués de Rondinini (o Rondanini). La ciudad de Milán la adquirió en 1952 y desde entonces la exponía en otra sala.

Esta nueva ubicación “cambia completamente la percepción de este ícono del arte mundial y pone en valor la poderosa intensidad de la obra en la que Miguel Ángel trabajó hasta los últimos días de su vida”, apuntaron los adjuntos del alcalde, Filippo del Corno y María Carmela Rozza, en un comunicado.

La escultura es “la expresión de la fuerza creadora y del tormento intelectual que acompañaron al artista en el final de su vida”, según ellos.

La preparación del traslado tomó tres años y supuso una hazaña técnica “sin precedentes”, declaró Claudio Salsi, director de la superintendencia del castillo.

Para protegerla de las vibraciones del metro y de los riesgos sísmicos, la estatua ha sido ubicada sobre un plataforma aislante, cuya eficacia se comprobó en un laboratorio con una réplica de esta obra de Michelangelo Buonarroti.