El arte mutó en 2020: Las expresiones artísticas surgidas durante el contexto de la pandemia lograron llegar a dispositivos electrónicos, más allá de las habituales galerías, cines, teatros y pasarelas. Este cambio, que parecía muy lejano, logró demostrar a la vez que el futuro es hoy.

Los aplausos y los flashes de las cámaras dentro de las pasarelas quedaron suspendidos en 2020; la moda encontró un espacio en la era digital. Prueba de ello fue el reciente Guatemala Fashion Week (GTFW), desarrollado entre el 15 y 21 de este mes. bajo la consigna “la moda no se detiene”.

En su séptima edición, la semana de la moda guatemalteca reunió a 26 marcas con sello nacional e internacional en una fiesta desarrollada completamente en plataformas digitales.

El GTFW 2020 coincidió con uno de los momentos más críticos de la región. Tan solo días después de la llegada de la tormenta Eta y posteriormente Iota, la moda y el glamur se mantuvieron de pie.

Aunque la decisión de llevar a cabo el evento pudo suscitar criticas por la pertinencia de este, Carol Márquez —productora del evento— asegura que, a pesar de las condiciones inusuales y retadoras, el esfuerzo de los diseñadores y artesanos logró hacerse ver.

“Hicimos un llamado a la población para que apoye lo local, así como para recordar que en Guatemala hay talento”, expresa la también mercadóloga.

Márquez explica que noviembre fue el momento adecuado para “resurgir” después de varios meses en los que la pandemia ralentizó los planes de muchas personas, y durante el cual, los artistas y productores dentro del proyecto se mantuvieron resilientes.
Aún a la distancia, el espectáculo debía continuar.
Horizontes multifacéticos

El GTFW propició este año varios espacios para exhibir y dialogar acerca de la moda desde su sitio web, así como en los perfiles de Facebook e Instagram.

Las distintas categorías del evento demostraron que la calidad y la vanguardia pueden hacerse a través de la pantalla. Durante la semana se activaron las plataformas Digital Runway (una pasarela virtual), Fashion Films (donde se divulgaron cortometrajes de algunas marcas) y Handmade Fashion Films (vídeos que mostraron más de cerca la vivencia de artesanos textiles en el país).

En el mismo formato se llevaron a cabo ponencias de personas involucradas en la industrial de la moda. Estas propuestas se vigorizaron con Educación Nuevos Talentos (donde hubo diálogos entre diseñadores y algunas academias como el Intecap, la Universidad Popular y el centro de formación Llatzer), Digital Fashion Talk, (propuesta para abordar dinámicas comerciales de la moda), y, por último, el Showroom Virtual (un acercamiento a aspectos técnicos de las marcas en donde se mostró un catálogo donde figuraron looks y precios).

Este año, a diferencia del 2014 —cuando el GTFW empezó con tan solo 8 marcas de ropa nacional— el evento reunió a artistas del textil de Costa Rica, El Salvador, Panamá, Perú, Colombia y Chile. Otra de las características de espectáculo de este año es que se fijó una mirada hacia los atuendos casuales y el denominado ready to wear (fácil de usar).

Esta disrupción en la semana responde a la consolidación de un gremio artístico textil en busca de nuevas formas de hacer arte en ropa, más allá de los tradicionales trajes de noche.

A decir de Carol Márquez, el séptimo GTFW puso en relieve temáticas abordadas desde la comodidad para el usuario, así como la forma de hacer moda, ya que en la actualidad hay una mayor inclinación por “llevar a lo digital” este tipo de arte. Por si fuera poco, este año el evento se destacó por presentar productos más aterrizados en cuanto al tema de sostenibilidad.

Cuero vegano, petate, bambú y hasta caucho fueron algunos de los materiales más comunes en esta edición que hizo de la conciencia ecológica un nuevo estandarte.

Pareciera que esta dinámica de innovación ha sido la norma en el Guatemala Fashion Week, pero lo cierto es que han sido los retos, las propuestas y la experimentación las rutas que han hecho de este evento un nicho de soñadores.

Márquez, que ha visto crecer aquella utopía del 2014 junto a un equipo de productores, asesores, vestuaristas y artistas, cree que el mayor valor del evento es que distintos artistas finalmente han logrado unirse “en una sola voz”, y que, a la vez, han dejado un precedente nacional, regional e internacional en el mundo de la moda.

De acuerdo con la productora de la semana de la moda guatemalteca, el evento ha logrado alcanzar a una audiencia compuesta por 20 millones de personas.

Historias, confecciones y sensaciones

¿Es posible que las pesadillas guarden un encanto? ¿Cabe la posibilidad de crear un atuendo desde esta premisa? Para la marca guatemalteca Scarabées, esos fueron sus puntos de partida para crear la colección Paréntesis.

Andrea Santos, una de las diseñadoras de esta propuesta, cuenta que la línea de atuendos es una metáfora a las pesadillas que parecieran ser más placenteras que la cruda realidad. Con ese onirismo, la joven y su socia Valeria Marroquín, dieron vida a un cortometraje en el que aparecen distintas piezas de la colección y que debutó en el marco de la plataforma Fashion Films del GTFW.

Santos cuenta que la temática de esta colección resultó ser una coincidencia con el tiempo de pandemia, ya que el concepto detrás de la misma alude a las presiones y el miedo que supone en la vida. Agrega que desde la marca les gusta basarse en corrientes artísticas. En este caso, el surrealismo predominó, y se complementó con detalles del romanticismo y el constructivismo.

Santos cuenta que el proceso de participar en la más reciente edición del GTFW supuso un gran reto por los tiempos y la distancia suscitada por la pandemia. No obstante, la reafirmación del concepto lleno de energía y euforia que realizó junto a su socia, supuso un nuevo capítulo de la marca que inició como un proyecto universitario y que mutó hasta lo que es hoy.

Materia prima

Arte, disrupción y muchos sueños caracterizaron a la alineación de creadores en el séptim Guatemala Fashion Week. Uno de los soñadores dentro del evento fue Alejandro López.

Su participación se dio en el marco de la plataforma Handmade by Agexport, una propuesta en la que la Asociación Guatemalteca de Exportadores expuso el trabajo colaborativo de un grupo de diseñadores de textiles, joyería y accesorios.

Alejandro, quien se integró por primera vez en 2020 a la plataforma GTFW, cuenta que llegar a este lugar consistió en un “hito”, ya que se consumió un anhelo que tenía desde hace años cuando decidió dedicarse al arte del vestuario.

Para esta edición, el diseñador junto a cuatro compañeras propuso la colección Sagradas Emociones, que se basa en la riqueza cultural de Guatemala y la ancestralidad. En las prendas, así como en la joyería y los accesorios, decidieron optar por diseños minimalistas basados en “la mujer artesana guatemalteca”.

Alejandro cuenta que se basaron en esta figura, ya que el trabajo de las mujeres que son tejedoras siempre refleja un estado de animo y conciencia. Entre las emociones que el diseñador evoca en las piezas están el amor, la alegría, el luto y el respeto.

Los colores de la colección oscilan entre azul, blanco, negro y crema. Además, algunos de la accesorios de la serie cuentan con jade, utilizado para evocar el sentimiento de la cultura ancestral en el país.

En cuanto a los materiales de las prendas, estos responden a algodón y textiles de poliéster reciclado que buscan una mayor conciencia de la moda sostenible.

Así como el proyecto de López, Oscar Hernández, diseñador costarricense e integrante de la marca Toribio & Donato, habla de este tipo de materias primas.

Hernández expresa que la industria de la moda tiene la facultad de crear conciencia a propósito de la utilización de productos amigables con el medio ambiente, pero que lo más importante es entender a qué alude una buena sostenibilidad.

La marca que dirige junto a su colega Donato Morales se destacó por presentar este año la colección Hope, basada en materiales como la mezclilla reciclada, el algodón orgánico y el cuero vegano logrado a partir de una especie de nopal mexicano.

A decir de Hernández, se puede contar con productos que sustituyan materiales importados de otros países —muchas veces sintéticos—; sin embargo, es en la investigación y la atención al proceso donde radica la verdadera sostenibilidad de las marcas.

El creador explica que lo anterior consiste en levantar ideas que beneficien tanto a las personas involucradas en el proceso, así como al medioambiente. “Muchas marcas salieron con banderas de sostenibilidad durante el tiempo del covid-19, pero suspendieron a sus trabajadores. Todo debe ir de la mano”, agrega el costarricense.

Nóveles talentos

Durante estos días la emoción también se vivió desde la academia. De esto bien lo saben miembros de la Universidad Popular de Guatemala (UP); institución que fue integró la plataforma Educación Nuevos Talentos por primera vez.

Luego de una convocatoria realizada por las autoridades de la institución a miembros del diplomado en Diseño de Modas, fueron Pilar Elizabeth Cano Guerra, Silvia Arévalo, Sergio Caballeros, Lisa Ávila y Yenifer García los seleccionados para representar a la UP en la semana de la moda. De esa cuenta surgió la colección Atemporal, mediante la cual se realizaron tres atuendos.

Los materiales de confección fueron reutilizados. Destacaron botones de bambú, así como mezclilla del proyecto guatemalteco The New Denim Project.

A decir de Ingrid Mejía, coordinadora de Cultura y Artes de la UP, esta oportunidad supuso un gran reto para los estudiantes quienes lograron hacerse un espacio en el mundo de la moda, luego de un proceso en el que desarrollaron sus piezas a distancia por la pandemia, a la misma vez que llevaban a cabo sus demás cursos.

Además de las piezas, los integrantes del proyecto artístico también desarrollaron junto a productores una pieza para la plataforma Fashion Films.

“Este año fue difícil para todas las escuelas. En nuestro caso, participar de este evento fue una gran oportunidad para dar a conocer el talento y creatividad de los jóvenes.”, comparte Ingrid Mejía.

Así como en los estudiantes de la UP y los demás diseñadores, 2020 demostró al público guatemalteco que los sueños en la moda pueden llegar a ser un motor de esperanza, aún a distancia y durante una pandemia.

El Guatemala Fashion Week (GTFW) anunció la celebración de su séptima edición con el objetivo de continuar impulsando la moda nacional, a pesar de los cambios que ha suscitado la pandemia por el covid-19.

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Así, entre distintas plataformas digitales y formatos novedosos, el GTFW también busca posicionar al país como un referente a nivel regional e internacional bajo la premisa de “la moda no se detiene”.

Dada la coyuntura internacional, en 2020 el impulso continúa a través de una modalidad totalmente en línea donde pueden apreciarse pasarelas, cortometrajes y conversatorios alrededor de la moda desde el pasado 15 al 21 de noviembre.

Desde el sitio web del GTFW, así como en las plataformas Facebook e Instagram, los usuarios podrán acceder a todo el contenido desarrollado por diseñadores, vestuaristas, maquillistas y productores del país, así como del extranjero.

Esto marca un nuevo punto en la historia del evento, ya que posibilita la democratización del arte en vestuario.

“En esta edición se suman nuevas modalidades de presentación que permitirán a los espectadores conocer la moda desde diferentes perspectivas”, manifestó Carol Márquez, productora general del GTFW.

Además de consultar todas las actividades, los usuarios también podrán registrarse en el sitio web del Guatemala Fashion Week para recibir actualizaciones, durante los días del evento.

Modalidades

El evento se expandirá en distintas modalidades que aseguran un contacto más directo con los realizadores artísticos. Estas plataformas son:

• Digital Runway: Se trata de una pasarela virtual donde figuran los atuendos propuestos en un espacio con fondo blanco. Esta propuesta alude a “un purismo de cómo mostrar las piezas”, expresa Carol Márquez.
• Fashion Film: En esta sección se muestran cortometrajes de las algunas marcas en las que se cuenta una historia donde aparecen los diseños.
• Handmade Fashion Films: Vídeos enfocados en dar a conocer artesanos y bellezas del país. Cada colección tiene un hilo conductor que muestra un pedazo del país geográfica y culturalmente.
• Educación Nuevos Talentos por Moda País: En este apartado se llevarán a cabo diálogos entre los diseñadores y algunas academias. La idea es proyectar el trabajo de estudiantes de moda de instituciones como el Instituto Técnico de Capacitación (Intecap), la Universidad Popular y el centro de formación Llatzer.
• Digital Fashion Talk: Un espacio en el que diseñadores dialogan de las nuevas dinámicas del comercio y cómo las atienden.
• Showroom Virtual: Un acercamiento a aspectos técnicos de las marcas en donde se muestra un catálogo donde figuran looks y precios.

Los nombres

La moda nacional será representada este año por Mariandrée Gaitán, Jaspe Maya y Down to Xjabelle, dentro del formato Digital Runway.

En Fashion Films estarán presentes Perera, Vessel by Liza Carrillo, HRSTKA, Scarabees y Luna del Pinal. Las marcas Estilo Quetzal, Victoria Rivera, Nan y Vitorria + Alejandro López dirán presente con producciones dentro del formato Handmade.

El diseño internacional será representado por las marcas Toribio&Donato (Costa Rica), Annais Yucra (Perú), Mónica Arguedas (El Salvador), Juan Pablo Socarrás (Colombia), Cubel (Colombia), Lupe Gajardo (Chile), Del Manzano (Costa Rica) y Camille Defago (Perú).

Además, mediante una colaboración con el Panamá Fashion Week, se presentará el trabajo de Christian Olarte y demás participantes hondureños gracias a la participación del Honduras Fashion Week.

El “body positive”, esa filosofía que ha permitido que muchas mujeres (y también algunos hombres), amen sus cuerpos sin importar la talla o los cánones de belleza; es ya una tendencia imparable. Pero, ¿qué hay con la aceptación más allá de la figura? Pues también existen modas y tendencias que se centran precisamente en otras facetas del físico.

Es el caso del “Curly Girl Method”, que empezó siendo, como su propio nombre indica, un método; pero que ahora aúna a toda una comunidad de mujeres con melenas “curly” (ya sean de tipo afro, ondulados, rizados…) que buscan cuidar sus cabellos para resaltar la belleza natural de los mismos. “Influencers” y famosas se han ido sumando a este estilo, junto a internautas que “rizan el rizo” de manera natural.

A través de las ondas

En primera instancia, puede no resultar relevante más allá de ser una nueva tendencia estética, pero para muchas mujeres con rizos va más allá. Y si no, que se lo pregunten a Leona Lewis: “entré en la industria de la música con el pelo grueso y rizado, pero no pude evitar darme cuenta de que estaba rodeada de imágenes con el pelo liso”, dijo la cantante a la revista Glamour.

Ahí radica una de las claves: muchas mujeres de cabello rizado hablan en redes sociales de un estigma hacia este tipo de melenas, de la desinformación y falta de productos, y de cómo el liso se asocia al cabello arreglado y limpio. De hecho, Leona lewis afirmó en Glamour que “al llevarlo liso sentía que mi cabello estaba más pulido”.

Y el método curly (o CGM, en inglés) trata precisamente de cambiar esa percepción. Tiene su origen en la estilista Lorraine Massey, que además de sacar un libro al respecto, desarrolló toda una línea de productos. Sin embargo, con el tiempo, el “Curly Girl Method” se ha ido extendiendo, adaptando, y cambiando.

De hecho, en el mercado existen, tanto marcas tradicionales que cada vez sacan más productos compatibles con el CGM, como marcas que nacen pensando directamente en las melenas rizadas. Y muchas de ellas se dan a conocer gracias a la opinión, tanto de “influencers”, como de usuarias de las redes.

Así fue como Lylien, una joven que sigue el método, lo descubrió: “ estaba harta de mi relación de amor/odio con mi pelo. Acudí a Youtube para ver qué hacían otras personas de pelo rizado, lo más parecido al mío”, comenta a EFE.

“Daban consejos de cómo tratarlo, qué no hacer, y qué tipo de productos evitar. Seguí aprendiendo de esas mujeres afroamericanas y afrolatinas en Youtube, y acabé sacándole mucho más partido a mi melena norteafricana”, comenta Lylien.

Investigando el método, la mayoría de blogueras que hablan de ello coinciden en una serie de pautas:

• Ingredientes a evitar, entre ellos los sulfatos y las siliconas.
• La manera de secarlo, con toallas de microfibra o algodón en vez de las clásicas, y evitando el secador, salvo con el difusor y aire frío.
• La forma de peinarlo y desrendarlo, con peines y cepillos específicos en lugar de los tradicionales.
• La manera de dormir, con fundas de almohada o gorros de satén y un moño o cola alta, conocido como “piña” por su similitud con esta fruta”.

Objetivo: Hidratación

Lylien describe a Efe las bases de este método. “Yo lo defino como la forma correcta y sana de cuidar tu melena rizada. Es decir, hidratación, hidratación, y… Sí, más hidratación”, recalca.

“¿Cómo tienes que lavar tu pelo?, ¿cada cuánto?, ¿con qué secarlo?, ¿qué herramientas usar?, ¿cuáles no…? Y este método lo puedes adaptar a tu propio tipo de rizo, porque es muy importante saber cuál es tu tipo de pelo”, explica.

De hecho, la actriz Zendaya, comentó en Naturally Curly: “cuando salgo de la ducha uso un peine de púas anchas. De lo contrario, mi cabello se enredará o los rizos se desharán”. La artista, además, compartió en Youtube su rutina de cuidados, que incluye varios productos y pasos propios del CGM.

La actriz también mencionó la “piña” a la hora de dormir: “me pongo el cabello en la parte superior de la cabeza con un rizado suelto. No es realmente un moño, simplemente está apilado allí para no aplastar los rizos. Y duermo en una funda de almohada de satén”, publicaron en Naturally Curly.

Pero, ¿por qué estos cuidados específicos en este tipo de cabellos? Lylien cree que es “porque el pelo ondulado y rizado, y sobre todo afro, necesitan mucha hidratación y tiene que ser específica: es un pelo muy frágil y necesita productos que lo protejan”, y agrega: “un dato curioso: el pelo rizado arde más rápido que uno liso”.

Según esta joven los productos habituales “carecen de esos ingredientes específicos para nuestro tipo de melena”, y explica que “la estructura de un cabello rizado y un cabello liso es distinta y la manera de comportarse también”.

“Al final, el objetivo del método es que trates tu pelo con delicadeza y lo mimes, y de eso todo el mundo se puede aprovechar” añade, pero subraya que, “lo que hay que tener claro, es que este método no va a hacer que tu pelo se rice, tu pelo es el que es”, indica.

Rizando el rizo

En su caso, Lylien cuenta lo que percibe tras usar el método es que su pelo está más hidratado. Y es que en la naturalidad está la clave: “si el pelo se ve brillante y sano, es porque es así, no porque lleve determinados productos que lo único que hacen es engañar. Me estoy acercando al tipo de pelo que quiero, lleno de rizos naturales, sueltos y suaves”.

Así, junto a la naturalidad, está la aceptación, algo de lo que habló Leona Lewis en Glamour, quien, tras ser diagnosticada con la enfermedad de Hashimoto, quiso pasar a un modo de vida más saludable y usar productos naturales, incluyendo para su cabello, pero, “al principio todavía tenía dudas sobre cómo lucir mi cabello rizado: había olvidado qué aspecto tenía y qué hacer con él”.

Además Leona Lewis añadía en la misma publicación: “En las sesiones de fotos muchos estilistas no sabían qué hacer con mi pelo rizado”, dice acerca de aquella etapa en la que se alisaba el cabello.

Y acude también a la infancia, en este caso la de su ahijada que, según cuenta, “había comenzado a querer el pelo liso”. Sobre ello, Lewis relata: “me hizo recordar lo insegura que solía sentirme”.

Por su parte, para quienes estén pensando pasarse al método, Lylien aconseja “mucha paciencia. Sobre todo si te has teñido mucho o has recurrido mucho a los alisadores.

“No es un método milagroso”, recuerda, pero matiza: “con paciencia tu pelo se verá mucho mejor poco a poco, y no te importe ir probando con distintos productos hasta encontrar tu fórmula. Pero eso sí, infórmate y descubre qué es lo que necesita tu rizo y qué no”.

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Su divertida presentación, una de las últimas de la jornada, reunió a multitud de celebridades en primera fila, entre ellas las modelos Gigi Hadid e Irina Shayk, que posaron junto al maniquí Jon Kortajarena y el rapero G-Eazy.  El diseñador apostó para la próxima primavera-verano sobre todo por los minivestidos: metalizados, con aparatosos volantes al cuello o en la falda; con bordes asimétricos, dignos de un dibujo de cómic; o en clave irónicamente “sexy”, recubiertos de braguitas de satén.

Con el denominador común del color y el volumen pero un estilo muy diferente se presentó por segunda vez en la “Fashion Week” el japonés Tomo Koizumi, relativamente desconocido en Estados Unidos hasta que sus llamativos diseños de organza se abrieron paso en la exposición anual del Instituto de Moda del Metropolitan Museum.

Koizumi mostró sus creaciones en un formato diferente: una maniquí iba probándose -con ayuda de dos asistentes- los modelos de exagerada silueta y después danzando con ellos, gesticulando con el rostro y los brazos en una suerte de actuación teatral.

Con cascadas de volantes delicadamente fruncidos en una paleta de colores que abarcaba todo el arcoiris, dio la sensación de que las llamativas obras del japonés, en tonos rojos y rosas, o morados y azules, eran aves exóticas.

Por su parte, el hondureño Carlos Campos hizo una propuesta para hombre motivada por los brillantes colores del graffiti de la Nueva York de los años 80 y 90, combinando rosa fucsia, azul intenso o verde turquesa con tonos caqui, negro y blanco en conjuntos entallados.

Campos se mantuvo fiel al carácter de su firma lanzada en 2007 mostrando piezas de sastrería, un oficio que aprendió de su padre en Honduras y que se reflejó en “looks” de chaqueta y pantalón, cazadora tipo aviador, camisas de manga corta y abrigos ligeros.

A las dosis de color de Campos se sumaron las dosis de volumen de Vivienne Hu, una estadounidense de origen chino formada en Oscar de la Renta que vistió a una mujer femenina y atrevida en colores neutros, blancos y negros, pero también alegres, amarillos, naranjas, rojos o rosas.

Hu resaltó en sus piezas las mangas abullonadas, las chorreras y los volantes, tanto en camisas como en vestidos cortos o largos que marcaban la cintura, en algunas ocasiones con corsés cortos superpuestos.

En un espectáculo que contó con dos mujeres cantando y rapeando en directo al son de la música electrónica, la diseñadora apostó por acabados en raso, brillantes o metalizados, así como vestidos y faldas largos y con movimiento.

La marca más discreta de la jornada fue que regresó a la cita de la Gran Manzana después de tres años con un desfile que aunó la moda con la música, la tecnología y la danza en directo, de la mano de una pareja de bailarines cuya coreografía se reflejaba en una pantalla en tres dimensiones.

Esta casa estadounidense hizo gala de su estilo informal pero rompedor a través de conjuntos de aire “preppy” y “Americana” en los que abundaron los básicos blanco, negro y rojo; los tonos otoñales en verde caqui o beige y mucho azul marino.

En cuanto a las prendas, predominaron las camisas, los jerséis anchos con cuello de pico, las chaquetas americanas, los pantalones tejanos y las minifaldas, combinadas con botines en punta o zapatillas deportivas.  La “Fashion Week” neoyorquina (NYFW), que este viernes contó también con una presentación de la marca Telfar, continúo ayer sábado con los desfiles de Taoray Wang, Christian Siriano, Brandon Maxwell y Ralph Lauren, entre otros nombres reconocidos del mundo de la moda.

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No hay que vivir con esa frustración. Afortunadamente la ropa ayuda a crear la codiciada figura de reloj de arena o silueta X —espalda proporcional con las caderas y una cintura reducida—.

A través del color, la forma y la estructura de las prendas se puede lograr un efecto visual de mayor volumen en los glúteos. Los expertos en moda Imer Hernán, diseñador y asesor de imagen de Hernán Dubois, y Fernando Aguilar, instructor del área de textiles  del Instituto Técnico de Capacitación y Productividad (Intecap), dan estos consejos.

Pero más allá de lo que se viste, lo primordial es la seguridad en sí misma.

Con la presencia de diseñadores y personalidades de la moda guatemalteca este encuentro derramó elegancia y talento en cada una de las presentaciones que se realizaron.

Para esta oportunidad se presentaron las casas diseñadoras de Harare NY, de Estados Unidos y Herán Dubois, Vassel by Liza Carrillo y Guishem, quienes mostraron sus mejores atuendos y las tendencias que marcarán la moda en los próximos meses.

Colección Guishen ofrece una noche de glamur en el #MBFGT pic.twitter.com/W9272DrjTI

— Ángel Elías (@AngelEliasGT) November 20, 2015

Entre las tendencias que se pudieron notar en el desfile destacan las líneas sobrias y los colores sólidos. “Se está creando una nueva tendencia, poco a poco se están arriesgando con estilos más atrevidos”, indicó la diseñadora Mariaandrée Gaitán que presentó sus diseños la noche anterior.

Colección Hernan Dubois presenta un diseño exclusivo para Prensa Libre en el #MBFGT pic.twitter.com/IuLeYt3VXL

— Ángel Elías (@AngelEliasGT) November 20, 2015

La novedad de la noche fue el homenaje que Hernán Dubois ofreció a Prensa Libre, con un diseño especial en la pasarela. “Queremos hacer notar que el apoyo de Prensa Libre es fundamental”, indicaron los creadores de la casa de moda.

Glamur, belleza y encanto fueron los ingredientes perfectos para hacer del Mercedes-Benz Fashion una velada mágica.

Vassel by Liza Carrillo agradece al público del #MBFGT pic.twitter.com/ggkOpU9RLg

— Ángel Elías (@AngelEliasGT) November 20, 2015

Icono de los ochenta, vistió alfombras rojas y el cine de Pedro Almodóvar. Sus diseños, que se conservan en los fondos del Museo del Traje CIPE de Madrid, se vendían en las tiendas más importantes de Nueva York, París, Londres o Japón, hasta que se retiró en 2005, cuando estaba en la cima y el mercado japonés se rendía a sus pies.

Aunque su carrera ya se vio interrumpida con su retirada de las pasarelas en 1991 y la venta de su nombre a un grupo industrial textil.

Vuelve

Pero como el ave Fénix, a comienzos de este año, Sybilla regresó con fuerza al mundo del diseño, con nuevas fórmulas de comercialización, técnicas que le permiten ir despacio, de manera discreta, además de trabajar de forma artesanal.
A sus tiendas “pop up”    en Madrid o Palma de Mallorca y al estrenado taller de medida y novias en la capital, se sumaba una nueva colección de hogar, una serie de alfombras que presentó en el Salón Internacional del Mueble de Milán, en colaboración con Nani Marquina.

Entre sus propuestas se han visto líneas depuradas, patrones exquisitos y minimalistas con volúmenes que nutren los vestidos de noche. Pantalones, faldas y abrigos son la columna vertebral del nuevo pero eterno universo de Sybilla, prendas coloreadas con una atractiva y particular paleta cromática.

Su talento

Sybilla Sorondo, hija de una argentino y una polaca, recibió de manos de los Reyes Juan Carlos y Sofía, el premio Cristóbal Balenciaga a la mejor creadora novel. El pasado mes de febrero recibió La Medalla de Oro al Mérito a las Bellas Artes 2013, un galardón que le entregaron los Reyes de España, Felipe VI y Letizia.

El ministerio español de Cultura le concedió el Premio Nacional de Moda por ser una de las creadoras “más reconocidas en el panorama internacional” , haber hecho de sus creaciones “un referente para muchas generaciones”  y haber sabido “renacer siendo fiel a sus principios creativos” .

La diseñadora, comprometida con el medio ambiente, discreta en las formas y algo esquiva con la prensa, se confiesa abierta a todo tipo de propuestas y le ilusionan nuevas colaboraciones con industrias y artesanos. “Es una manera de entender nuevos oficios y hacer nuevos amigos” , dijo.

La marca Animale, con su diseñador Vitorino Campos, abrió el segundo día desfiles de la Semana de la Moda de Sao Paulo, en la que presentó una propuesta en la que la figura sensual y poderosa” de la mujer fue la protagonista.

Animale y el diseñador  Campos presentaron  una colección inspirada en la relación híbrida entre naturaleza y arquitectura.

La utilización de telas sueltas y leves que dieron más cuerpo a los diseños, así como la mezcla de siluetas ajustadas y sueltas fueron el resultado de la colección que destacó el uso  de cuero, seda, piel, lana y encaje francés.

Esta colección traspasó las barreras del blanco y el negro y presentó una original y arriesgada paleta de colores  como palo rosa, verde manzana, melocotón, amarillo y gris claro. Estos tonos se vieron incluso en accesorios como botas y zapatos.

Otras propuestas

La marca UMA Raquel Davidowicz, mostró una colección inspirada en los años 1990, con tendencias neo-románticas, pero siempre fiel a la apuesta de su tradición por el diseño de ropa con aire urbano y un toque deportivo.

La mezcla de tejidos como el crepé de seda o el tafetán, en siluetas sin estructura, define esta colección como ecléctica, al insistir también en combinaciones de ropa femenina y de volúmenes leves con zapatos  unisex.

Otra de las propuestas es la diseñadora  Lily Sarti, que en esta temporada del Inverno 2016 escogió la luz y los elementos del sistema solar para presentar su nueva colección.

Como lo hizo en su primera edición, este espacio se convierte en una oportunidad ideal para que reconocidos diseñadores nacionales e internacionales expongan sus ideas más ambiciosas en el campo de la moda.

Los diseñadores

Las colecciones que subirán a la pasarela del Mercedes-Benz  Fashion  estarán a cargo de 12 diseñadores, siete de ellos Guatemaltecos. Los creativos son: Mariandrée Gaitán, Karla Garzaro, Eduardo Figueroa Couture, Vessel by Liza Carrillo y Guishem by Guillermo Jop.

Se contará también con la presentación de invitados internacionales como la marca neoyorquina Harare, diseñada por Caroline Fuss, modista que llamó la atención de la prensa internacional por producir sus textiles en comunidades mayas del altiplano guatemalteco.

@emily_ruhl rocking our SS15 stripe set #hararegirl #thenewluxury #purchasewithpurpose

Una foto publicada por HARARE (@harareny) el 19 de Jul de 2015 a la(s) 7:19 PDT

#TBT to Guatemala FW14 campaign with @fallinessence #stitchandbitch #artisan #handwoven #harareworld #thenewluxury #purchasewithpurpose

Una foto publicada por HARARE (@harareny) el 9 de Jul de 2015 a la(s) 4:35 PDT

La fiesta del diseño no terminará así, ya que además de las pasarelas estará disponible el espacio de exhibición The Box, un área dedicada a las marcas patrocinadoras del evento en donde los asistentes podrán conocer los productos recientes e innovaciones del mercado guatemalteco.

De cerca con los creativos

Uno de los invitados al evento es el diseñador Eduardo Figueroa quien trae consigo sorpresas que dejarán con la boca abierta a más de uno. Prensa Libre platicó con él para que adelantará un poco de su nueva colección.

¿Qué sorpresas traerá la nueva colección de Eduardo en el Mercedes  Fashion Guatemala?

Mi inspiración son los textiles regionales, una de las característica de mis colecciones son los colores monocromáticos; sn embargo para este evento  tengo unos colores sorpresas, uno en especial que me sirvió como musa para los diseños de las prendas.

¿Cuál es el nombre de la colección que se verá en el desfile de modas más esperado del país?

Xarha es el nombre de la colección, significa  “agua azul. Me inspiré en el color del cielo, los ríos y los lagos del país para crear prendas que lleven no solo textiles sino un pedazo del país de la eterna primavera.

¿Qué incluirá esta colección aparte del color estrella?

El concepto es una colección  Primavera -verano 2016, pero las prendas se pueden utilizar durante todo el año. Dentro de las prendas destacan los pantalones y short.

¿Cuántas piezas incluye esta nueva colección?

Serán 24 conjuntos, de ellos la mitad son de piezas de corte casual y la otra mitad tiene que ver con la elegancia de la noche.

¿Cuál es el significado de esta colección para usted?

En cada diseño te esfuerzas para que sea mejor que el anterior. Esto para mí es una consagración del trabajo que vengo realizando por años y lo mejor es colocar el sello de los textiles del país como un agregado cultural.

Ingreso y boletos

Para asistir a los tres días del Mercedes-Benz Fashion Guatemala se requiere invitación. Sin embargo, para ampliar el acceso al público en general, estarán a la venta 100 boletos por día con un costo de US$70. Ese se podrán adquirir a partir del 2 de noviembre en la sala de ventas de Mercedes-Benz -20 calle de la zona 10-.

Agenda

• Martes 17 de noviembre: Inicia la pasarela con los diseñadores  Eduardo Figueroa, Thelma Espina y Karla Garzaro.
• Miércoles 18: Inauguración de la pasarela  Star Ups. Culmina  con las creaciones de las diseñadoras Mariandreé Gaitán y la colombiana Leal Daccarett.
• Jueves 19:   Se conocerá la propuesta de la marcas Harare, Hernan Dubois, Liza Carrillo y se cerrará con la presentación del diseñador Guillermo Jop y su marca Guishem.

La diseñadora, presentó sus creaciones en el desfile inaugural de la edición XXVI de Colombiamoda. Así mismo en este desfile celebra 20 años de presentarse por primera vez en este escenario con una línea de ropa masculina, dijo a la prensa local que su colección está inspirada en cómo piensa una novia, en qué es lo que quiere y cómo sueña.

“El diseño siempre será romántico, sofisticado y atemporal. La colección esta llena de detalles y teles delicadamente intervenidas”, dijo Miranda.

Esta semana inició la actividad comercial y la sucesión de desfiles para promover especialmente a los jóvenes talentosos, marcas locales y otros que participarán en el evento de la mano de sus universidades.

El clásico color blanco quedo atrás, ahora la mezcla de colores es la nueva tendencia en trajes de novia. (Foto Prensa Libre Agencia AFP).

Otros talentos

Así, formarán parte de la exhibición pasarelas de la Fundación Universitaria del Rea Andina, de jóvenes diseñadores de la colegiatura Colombiana y de la Universidad Pontificia Bolivariana.

La gama de colores coral también fueron parte de la propuesta nupciial para esta temporada. (Foto Prensa Libre Agencia EFE).

Además, en esta pasarela se presentará la colección primavera-verano 2016 de la bogotana Kika Vargas.

Según los organizadores del evento, en su colección Vargas interpretó el encuentro de Japón con Italia, mezclando la arquitectura de las prendas de las geishas y los samuráis con los detalles sofisticados de alta costura italiana.

Cuando esta prenda salió al mercado, se mostraba con dos pedacitos de tela, una banda para la parte de arriba y dos triángulos invertidos para la parte de abajo, fue conocido como “El biquini, una bomba anatómica” decía el slogan.

Para presentar el descubrimiento, Louis Réard, ingeniero en automóviles, cuya familia tenía una boutique de lencería, optó por la piscina de Molitor, lugar de la flor y nata de París.

Esta semana se presentó un desfile de aniversario donde se mostró este modelo histórico y otras singulares piezas, de bañadores de 1890 a 1970.

Prenda controversial

Apenas 70 años antes, Louis Réard no encontró ninguna modelo profesional para lucir el biquini, pero la presentación oficial se hizo con una bailarina de 19 años, Micheline Bernardini, que actuaba en el Casino de París y que pasó a la posteridad, ya que el invento, en portada de todos los periódicos del mundo entero, causó rápidamente polémica.

En Europa, bajo la presión de la iglesia Católica, los gobiernos italiano, español y belga prohibieron la venta de bikinis. En Francia, curiosamente, se autorizó en las playas del Mediterráneo, pero se prohibió en las del Atlántico.

“La llegada del biquini es un acontecimiento en la historia de la moda porque muestra por primera vez lo que las mujeres no se atrevían a enseñar hasta entonces, su ombligo. Esa es la verdadera revolución” , explicó Ghislaine Rayer, que posee una de las más importantes colecciones de trajes de baño de la época en el mundo con cerca de 5 mil piezas.

Hay que decir que además del ombligo, el biquini firmado por Réard, dejaba ver gran parte de los glúteos, lo que hace que algunos digan que el ingeniero inventó también el tanga.

Micleline Bernardini una bailarina del Casino de París fue la primera mujer en lucir la controversial prenda (Foto Prensa Libre  Hemeroteca PL).

El biquini de BB

Aunque el traje de baño de dos piezas existía ya desde hace tiempo, es sin embargo la ropa interior de talle alto, que se eleva hasta el vientre, la que seguía siendo la preferida por las mujeres de posguerra, como atestiguan las imágenes de pin-up o de actrices norteamericanas, con Marilyn Monroe a la cabeza.

Después de su agitada presentación del 5 de julio de 1946, el biquini debió esperar hasta 1953 para que otra bomba estallase, una vez más en Francia, durante el Festival de Cannes. Se llamaba Brigitte Bardot y alborotó a todos los fotógrafos posando con un bikini blanco de flores en la playa.

En  1953 tomó auge el biquini en el cuerpo de  Brigitte Bradot y alborotó a los asistentes en el Festival de Canes (Video tomado de YouTube).

“Es ella la que hizo duna pieza emblemática. Luciéndolo, lo convirtió en el mito Bardot” , explicó Marie-Laure Bellon, organizadora de Mode City, salón internacional de lencería y de bañadores organizado en París.

“Después del escándalo, el biquini se democratizó, las mujeres querían cada vez más mostrar sus cuerpos, broncearse” , añadió.

Un resumen del auge del biquini (Video tomado de YouTube)

En la pantalla grande

En los años 1960, el bañador se convirtió en un imprescindible y su popularidad se reforzó gracias a sus apariciones en el cine. Una de las más memorables fue la de Ursula Andress saliendo del agua, en una famosa escena de la película de James Bond “Doctor No” , en 1962.

La aparición  de Ursula Andress en traje de baño de dos pieza en la película de James Bond (Video tomado de YouTube)

“Hizo falta sin embargo esperar a los años 1970, época en la que las mujeres se emanciparon y quemaron sus sujetadores en público, para que el biquini reapareciera tal y como fue concebido por su inventor” , definitivamente esta vez, afirmó Ghislaine Rayer.

La moda sin género se impuso en las colecciones de la Semana de Moda en Milán, donde se rompe con la idea de una masculinidad tradicional.

En muchos desfiles de moda se evidencia las diferencia entre hombre y mujer, pero eso al parecer quedo en el pasado. La colección de la firma Gucci, diseñada por Alessandro Michele, es el emblema de un estilo nuevo, ni andrógino ni unisex, patrocinador de una moda sin barreras de género.

Es colección presenta hombres que visten con prendas de mujeres, trajes con delantales largos de niños bueno, sin forma, chicos con anillos en todos los dedos, vestidos con batas, algunos transparentes, el todo sin rasgo o silueta concreta.

Gucci deja atrás lo tradiconal para presentar una propuesta fuera de estereotipos sociales. (foto Prensa Libre Agencia AFP).

La colección masculina para el verano del 2016 está llena de blusas con encaje y moño, de colores pasteles, azules pálidos y rosado antiguo, vestimentas consideradas muy femeninas, pero que pueden ser usadas por hombres como por mujeres.

Tendencia

Se trata de una corriente nueva, que la firma italiana promociona desde hace meses y que abre un debate en el mundo de la moda sobre los códigos tradicionales del vestir.

El Emporio Armani, con su tradicional elegancia también apoya al vestir mujeres y hombres con los mismos códigos.

La casa Moncler, se inspira en cambios en el canoísta y en los remos para proponer un sacrilegio; que los modelos lleven calcetines deportivos hasta la pantorrilla aún dentro del yate. Si bien se sabe desde la época de John F Keneddy, que en barco se anda siempre descalzo.

Miuccia Prada también propuso medias, bien visibles, dobles y de dos colores, arrugadas y que caen como cuando han perdido el resorte, exhibidas además con pantalones cortos.

La nueva tendencia de moda masculina apuesta por la sencilles y sofisticación en cada prenda. (Foto Prensa Libre Agencia AFP)

Transparencias

La elegancia moderna de Stefano Pilati se basa en pantalones de algodón fino, ceñidos en la pantorrilla, de blanco tan transparentes que se puede ver la ropa interior. Prada y Moncler se lanzan con tejidos técnicos, ligeros, que juegan con las transparencias