La música es una puerta inmensa a la que todas las personas pueden acercarse, explorar y encontrarse dentro de un nuevo mundo de revelaciones. Para el guitarrista guatemalteco Joseaugusto Mejía de 40 años, este pasaje ha significado también una oportunidad para acercarse a una suerte de revelación mágica.

Sobre su vínculo con la música, el intérprete argumenta: “Es un cultivo profundo hacia la trascendencia que se parece muchísimo a la búsqueda que tienen los místicos de ese ‘algo’ que se aparece a través de las sombras, y que, aunque no manifiesta su presencia de una manera tan clara, te jala, te empuja y te lleva a ese encuentro con el misterio“.

Durante los primeros días de noviembre de este año, Mejía estuvo de paso por China donde ofreció interpretaciones con su guitarra frente a un diverso público en las ciudades de Wuxi y Suzhou.

A lo largo de su reciente viaje por China, Mejía también dio algunas clases magistrales en Shangai. Sobre esta experiencia, asegura que no era la primera vez que llevaba a cabo una ponencia magistral, pero sí fue la primera oportunidad en la que se acercó a un público asiático con tan alto nivel de conocimiento técnico y artístico.

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Estas experiencias llevaron a que Joseaugusto Mejía reconociera nuevas ideas sobre la sociedad china y su involucramiento en el campo del conocimiento: “Fue un viaje muy sorprendente porque el nivel musical de los alumnos del Conservatorio de Shangai es altísimo. Como han dicho los analistas políticos y los sociólogos en los últimos años, sin duda el centro gravitacional de la civilización está trasladándose hacia Asia. Es maravilloso verlo de cerca”, cuenta el artista.

Tanto en las clases magistrales como en las presentaciones musicales, el guatemalteco también estuvo acompañado del guitarrista mexicano Oman Kaminsk, a quien había conocido durante la época en la que realizó una maestría en música en el Conservatorio Real de La Haya (Países Bajos). Además de ser colegas, Kaminsk y Mejía sostienen un vínculo amistoso desde hace años.

“Oman es un guitarrista excepcional, sin duda. Compartí con él cuando estuvimos en el escenario en La Haya. Tuvimos un pequeño proyecto juntos, fuimos un dúo y dimos conciertos durante algún tiempo y desde ese momento no habíamos tocado juntos. Ahora retomamos un poco el proyecto“, cuenta Mejía.

Para el intérprete guatemalteco, hablar de Kaminsk significa remitirse al tiempo de estudio en La Haya, entre 2007 y 2010. Aquel capítulo fue, en palabras de Joseaugusto , “el momento culminante de todo lo que había querido como guitarrista”. Fue durante aquella época que el guatemalteco también conoció a su maestro, el guitarrista croata Zoran Dukic.

“Sigue siendo la referencia principal en tanto a que delimitó una forma muy específica de encarar la música y definir también una personalidad profundamente propia para hacer la creación artística. Algo que se dice mucho en el los círculos relacionados con la espiritualidad es que el maestro no aparece hasta que el alumno está listo, y creo que eso fue lo que sucedió con Zoran Dukic”, confiesa.

El músico señala que los conocimientos logrados en La Haya gracias a Dukic también le llevaron a explorar nuevas sendas académicas como los estudios especializados que realizó en el Royal College of Music en LondresLondres (Inglaterra) o el doctorado cursado en la Universidad de Stony Brook, Nueva York (Estados Unidos).

Mejía se dedica a la ejecución plena de la música desde los 16 años. Cuenta que dos años después de haber empezado a acercarse a los instrumentos, logró dar un primer concierto luego de la recomendación por parte de uno de sus primeros formadores. “Estaba completamente muerto del miedo, pero dispuesto a expresar lo que podía hacer en ese momento con la guitarra”, cuenta.

Desde sus comienzos, el guatemalteco se ha orientado a la interpretación del género clásico por la claridad y seriedad del sonido, según apunta. No obstante, se ha visto apasionado por otras derivas sonoras como el jazz, el flamenco y la llamada Nueva canción latinoamericana.

“Soy un guitarrista clásico y mis primeros referentes tuvieron que ver con ese mundo. Recuerdo perfectamente el momento en el que escuché por primera vez a Julian Bream (guitarrista). Luego vinieron otros nombres como el pianista András Schiff o el violinista Venguérov“, relata Mejía desde Tailandia.

Luego de una intensa estadía por China donde se reunió con otros colegas y amigos del tiempo de La Haya, Joséagusto asegura que haber llevado su talento a nuevas latitudes como Asia ha significado una oportunidad para seguir pensando en la belleza: “Personalmente la busco a través de los sonidos, a través del refinamiento de las ideas musicales y de la práctica musical, que al final es una especie de disciplina espiritual y corporal“, comparte el intérprete.

En cuanto a su regreso a Guatemala, el músico aún no logra visualizar una fecha exacta para volver a interpretar. La última vez que tuvo un concierto en el país fue hace 1o años. El artista actualmente vive en México y en Guatemala residió de forma permanente hasta 2001.

Sobre la música a nivel guatemalteco, Mejía asegura que percibe una mayor apertura en el involucramiento de futuros artistas. No obstante, observa un reto en la formación: “No es tan fuerte y entonces quienes quieran lograr una integral tienen que salir. Parece que no ha cambiado casi para nada, y es una tarea que todavía tenemos pendiente”. 

Pensar Guatemala como un territorio dislocado del arte sería una gran contradicción. En medio de las complejidades sociales e históricas que han delineado los capítulos del país, siempre ha existido un espacio para sentir la imaginación artística en sus distintas formas.

Esta hazaña no se ha atribuido únicamente a los creadores de las artes, ya que alrededor de sus obras también han estado varios promotores y/o gestores que, desde distintas formas de poder —institucional o social—, han logrado estimular y crear espacios donde las manifestaciones del artista encuentran un lugar con el público o la sociedad.

Geraldina Baca-Spross es una pianista guatemalteca con cerca de 40 años de experiencia impulsando encuentros alrededor de la música clásica y las bellas artes. Aunque no se identifica literalmente como una “promotora” o una “gestora cultural”, su accionar durante más de cuatro décadas pone en evidencia un interés por la construcción de espacios comunes entre una población intergeneracional y los creadores tanto de música como de danza y artes plásticas.

Más allá de ese interés, la pianista también ha encontrado una fijación en la ciencia. En su historial se puede ubicar una serie de gestiones alrededor de varios seminarios sobre aspectos de la tecnología y la ciencia espacial, con la colaboración de la Nasa, la Biblioteca del Congreso de los Estados Unidos, la Agencia Espacial Europea y la Sociedad Europea de Propulsión.

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Para Geraldina, ese tejido de exploraciones —tanto en la música y la ciencia— la ha llevado a fijarse más preguntas sobre lo que implica el futuro.

¿A qué responde la necesidad de seguir posicionando y creando espacios de música clásica, a más de 40 años de su primera incursión en esta área?

La música es un surtidor, y quienes la escuchamos también somos uno. Siempre habrá una comunión perfecta, de gran balance entre la música y las personas. En este mundo de las artes, en especial en Guatemala, hay una palabra importante: luchar.

Si no luchamos por conservar el arte, no podremos hacer más público. Creo que en este ámbito siempre es importante saber qué se está buscando con los proyectos y a quiénes se quiere llegar con la propuesta.

A propósito de eso, en estos años, ¿a quién ha querido llegar a través de su gestión y promoción cultural?

Realmente nunca he pensado mucho en eso. Cuando me preguntan cómo llego a la gente joven, respondo que lo he tratado de hacer al revés: impulsando que los jóvenes lleguen a la música. Y no es difícil. Lo que pasa es que hay que conocer bien los programas que se presentarán.

Las personas que impulsamos este tipo de espacios hemos construido un fuerte alrededor de nuestras actividades, entrando a las ramas de las artes plásticas como de las artes escénicas. En los conciertos, como los del Festival Bravissimo, hemos logrado integrar a pintores. Ha resultado de maravilla ver cómo el público interactúa con la gente de las artes plásticas y escénicas.

En espacios como el Festival Bravissimo se incluyen interpretaciones de músicos consolidados junto a otros más jóvenes. Por otro lado, las melodías que se presentan pueden ir desde el posrromanticismo hasta temas de corte más “moderno”. ¿A qué se debe el interés por conjugar propuestas intergeneracionales en sus conciertos?

Llega un momento en el que la música deja de ser una cuestión temporal y se vuelve permanente. Hay mucha gente que principia oyendo ciertas obras clásicas, pero no hemos forzado jamás a nadie.

Es interesantísimo, porque ahora ya podemos platicar entre generaciones. Ya no hay ningún tipo de distancia entre el artista, digamos, de las artes clásicas.

¿Cuáles diría que son las complejidades de posicionar las artes clásicas y académicas en Guatemala?

Muchas veces he visto que tiene que ver con los papás, ya que en ocasiones no permiten que el niño, incluso teniendo 5 o 6 años, den pasos hacia la certeza de la música.

Quizá otra gran complejidad podría vincularse con esa idea que dicta que las artes son solo para aquellos que tienen un gran poder adquisitivo. ¿Qué piensa sobre esta mentalidad?

Que es la falsedad más grande que puede haber. Por ejemplo, en el Conservatorio Nacional de Música está la directora Zoila Luz García Salas, quien es una gran pianista y quien desde la institución o por cuenta propia se ha dedicado a formar a muchos patojos que se han acercado con la inquietud de aprender a tocar piano y otros instrumentos.

Algunos de ellos tienen hasta los pianos o los violines que les han legado familiares. Generalmente, cuando a alguien le gusta un arte, ahí está y ahí va a seguir. Es como algo que se le pega en el cuello y ahí está, para bien suyo, no para mal.

“Generalmente cuando a alguien le gusta un arte, ahí está y ahí va a seguir. Es como algo que se le pega en el cuello y ahí está, para bien suyo, no para mal”.  -Geraldina Baca-Spross, pianista y promotora cultural

¿Cree que hay posibilidades de sensibilización musical más allá del aprendizaje académico?

Es una respuesta que no le podré dar, porque soy formalista y clásica. Pero podría responder tomando como ejemplo el jazz. Es un género maravilloso para las personas que tienen ese tipo de criterio.

Yo no podría nunca sentarme con un maestro de jazz en cualquiera de sus ramas, porque ellos son muy secularizados. Sentiría que no estoy comprendiendo lo que está ocurriendo, musicalmente hablando. Pero allí hay un mundo maravilloso y totalmente diferente.

En su carrera también ha mostrado interés por la ciencia. ¿Qué ha descubierto en esa rama y cómo cree que se complementa con las artes?

Lo que más me impresionó de este campo fue el tratar de escudriñar el futuro que les viene a ustedes y a los más chiquitos.

En cuanto al arte y la ciencia, creo que son dos campos totalmente diferentes, pero lo que pasa es que hay muchas personas, especialmente las de matemáticas, que viven maravilladas por el arte, y es porque no se les olvida que, especialmente la música clásica, es muy estructurada. Entonces, las matemáticas son como el hilo conductor entre muchos científicos y nosotros los músicos.

En este territorio de conocimientos que ha navegado, tanto desde la gestión, las artes musicales y la ciencia. ¿Qué cree que ha logrado descubrir?

Por supuesto, es algo que me ha brindado la oportunidad mucho más grande para hacer preguntas sobre el mundo.

A simple vista, “40” pareciera ser una cifra modesta. Pero ante un mundo de infinitas percepciones, el número podría abarcar más que la unión de dos dígitos sencillos y simétricos.

Para la pianista Geraldina Baca-Spross, ese número se ha convertido en una insignia que, por año consecutivo, remarca su capacidad de gestión en las artes escénicas.

Este 2023, Baca-Spross cumple cuatro décadas impulsando el Festival Bravissimo, un evento que pone a la música instrumental como eje medular ante los públicos curiosos que han logrado llegar a iglesias, salones y recientemente –durante los últimos años– al auditorio Juan Bautista Gutiérrez de la Universidad Francisco Marroquín (Zona 10, ciudad de Guatemala).

“Este festival es el más antiguo en Guatemala. Surgió luego de un evento que existió hace muchos años que se llamaba Pro-Artes Musical que inició como un comité musical. Luego nos pasaron la estafeta de la organización y se convirtió en una de las más grandes actividades del país”, cuenta Geraldina Baca-Spross al nombrar los orígenes de Bravissimo.

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Desde 1983, la pianista ha presidido la organización del festival, y en paralelo ha comandado la Organización para las Artes Francisco Marroquín, entidad que también vio la luz en el 83.

Estas experiencias han forjado la aventura musical que tanto Geraldina como un grupo de aliados e interesados en la música clásica, lograron para mantener vivo el Festival Bravissimo hasta la fecha, aunque el trayecto ha estado marcado por mucho dinamismo y versatilidad, infiere la pianista entrevistada.

Constelación internacional

La edición número 40 del Festival Bravissimo, será celebrada el próximo 4 de marzo a las 17 horas en el auditorio Juan Bautista Gutiérrez, y estará marcada por una estética blanco y negro que definirá el código de vestimenta que debe ser utilizado por los asistentes al recital, según explica la organización.

El evento musical se distinguirá debido a la participación de la pianista canadiense Lucille Chung, quien interpretará junto a la Orquesta Festival -originaria de Guatemala-, y la cual será dirigida por el mexicano Héctor Guzmán.

La participación de los extranjeros mencionados es precedida además por vínculos fuertes que se han tejido en Guatemala desde el gremio de música clásica. Según apunta Geraldina, esta será la sexta ocasión en la que Lucille Chung visitará el país.

Por otro lado, Héctor Guzmán, un conocido de varios intérpretes en Guatemala, regresará a suelo nacional con el fin de dirigir a la Orquesta Festival, donde Chung ejecutará el concierto Número 2 para piano y orquesta del compositor ruso Serguéi Vasílievich Rachmaninoff.

2023 no deja de ser importante desde la óptica organizativa del Festival Bravissimo. Este mismo año, se conmemora el aniversario 150 del natalicio de Rachmaninoff, motivo por el cual parte del concierto del 4 de marzo será dedicado a sus obras.

Durante el evento se presentarán otras obras como el preludio del Acto III de la Ópera Lohengrin del compositor alemán Richard Wagner, el tema sonoro de la película Pídele al tiempo que vuelva.

Dentro de la mencionada pista, destacará la interpretación del guatemalteco Hugo Garrido, quien musicalizará la parte solista. Con su participación, el joven de 21 años reforzará una premisa intergeneracional en el Festival Bravissimo.

“Esto responde a un deseo que he tenido y es el de llegar a un mayor tipo de público. Claro que no siempre se puede llegar a todos, eso sería iluso, pero a través de este tipo de obras se puede dar un empujón a los más jóvenes”, comparte Geraldina.

Además de esta presentación, también se hará escuchar la primera parte de la Sinfonía Inconclusa del austriaco Franz Schubert.

Paralelo al concierto que estima extenderse a lo largo de una hora y media –con un interludio de 15 minutos–, el festejo será potenciado con una exhibición de pinturas realizadas por el artista César Fortuny. Las mismas serán mostradas en la terraza de la Universidad Francisco Marroquín.

“Hemos encontrado a gente muy cercana de las artes plásticas con quien podemos acercarnos y entendernos desde las artes escénicas”, comparte la encargada del festival, a propósito de este involucramiento en el que según Geraldina, han encontrado la necesidad de reforzar un “abrazo de las artes”.

Reivindicar la música instrumental

Quienes estén interesados en asistir al Festival Bravissimo el 4 de marzo, podrán consultar disponibilidad y adquirir los boletos a través del sitio web www.conciertos.ufm.edu. Los precios corresponden a: Q300 (platea), Q250 (balcón) y Q80 (estudiantes de otras instituciones que no sean la UFM) y Q50 (para estudiantes de la UFM).

Según apunta Geraldina Baca-Spross, la misión por armar un recital en Guatemala no es cualquier cosa y resulta ser un esfuerzo titánico de años.

Los recitales Bravissimo suelen organizarse al menos con doce meses de anticipación, explica la gestora, quien durante los últimos años ha trabajado el Festival Bravissimo desde el Departamento de Artes Escénicas de la Universidad Francisco Marroquín.

Este evento suele ser un desafío ya que, además, estamos en un país donde no suele popularizarse masivamente el consumo de las artes escénicas, así como la música instrumental clásica.

“Es el mismo público el que nos dicta la marcha y siempre hay que descubrir que pueda tener la biografía de los compositores que genere curiosidad”, cuenta Baca-Spross, haciendo énfasis en la necesidad que se debe encontrar desde la gestión de poder apelar a distintas audiencias.

De esta cuenta, la representante de Bravissimo cuenta que para noviembre de este año se espera realizar un evento donde puedan involucrarse los más infantes.

La propuesta, explica Geraldina, responde a esa necesidad de conexión intergeneracional en la que ha insistido desde hace años. “Hay que adaptarse a las edades. Los niños ya no juegan como antes y por eso nos debemos adaptar con temas que puedan atraerlos”, comparte la pianista y promotora cultural.

El director de orquesta ruso Tugan Sokhiev anunció este domingo que dejó su cargo de director musical del Teatro Bolshói de Moscú y de la Orquesta Nacional del Capitole de Toulouse (Francia), a raíz del conflicto en Ucrania.

“Frente a la imposibilidad de elegir entre mis queridos músicos rusos y franceses, he decidido dimitir de mis funciones como director musical del Teatro Bolshói de Moscú y de la Orquesta Nacional del Capitole de Toulouse con efecto inmediato”, señaló en un comunicado.

“Sé que mucha gente esperaba que explicara mi posición sobre lo que está sucediendo en este momento”, la guerra en Ucrania, escribió en un comunicado, transmitido por su agente a la AFP.

“En primer lugar, quiero recordar lo más importante. Nunca he apoyado y siempre estaré en contra de cualquier conflicto, del tipo que sea”, afirmó.

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Aunque “algunas personas pongan en duda mi deseo de paz y piensan que como músico puedo defender opciones distintas a la paz (…), me resulta sorprendente y ofensivo”, añadió Sokhiev, considerado como uno de los directores de orquesta más prometedores.

Criticó, además, la manera en que sus compañeros “artistas, actores, cantantes, bailarines o directores de cine reciben amenazas y son tratados de manera amenazante y víctimas de la cultura de la cancelación”.

“Me piden eligir entre una tradición cultural en lugar de otra. (…) Pronto me pedirán que elija entre Tchaikovsky, Stravinsky y Shostakovitch o Beethoven, Brahms y Debussy. Esto ya sucede en un país europeo como Polonia, donde la música rusa está prohibida”, lamentó.

Cuando Ludwig van Beethoven murió en 1827, ya habían pasado tres años desde que completara su novena sinfonía, la que muchos consideran su obra maestra.

Y había comenzado a trabajar en su décima sinfonía pero, debido al deterioro de su salud, no pudo avanzar mucho: lo único que dejó fueron algunos bocetos musicales.

Desde entonces, los musicólogos y amantes de Beethoven se han preguntado y lamentado por lo que podría haber sido. Sus notas daban indicio de una magnífica recompensa, aunque una que parecía eternamente fuera de su alcance.

Ahora, gracias al trabajo de un equipo de historiadores de la música, musicólogos, compositores e informáticos, la visión de Beethoven cobrará vida.

Presidí la parte de inteligencia artificial (IA) del proyecto, liderando un grupo de científicos en la start–up Playform IA, que le enseñó a una máquina tanto la obra completa de Beethoven como su proceso creativo.

Una grabación completa de la décima sinfonía de Beethoven está programada para ser lanzada el 9 de octubre de 2021, el día del estreno mundial programado en Bonn, Alemania.

Es la culminación de un esfuerzo de más de dos años.

Intentos anteriores

Alrededor de 1817, la Sociedad de la Filarmónica Real de Londres le encargó a Beethoven que escribiera sus sinfonías novena y décima.

Escritas para una orquesta, las sinfonías suelen contener cuatro movimientos: el primero se ejecuta a un tempo rápido, el segundo a uno más lento, el tercero a un tempo medio o rápido y el último a un tempo rápido.

Beethoven completó su novena sinfonía en 1824, que concluye con la “Oda a la alegría”.

Pero en lo que respecta a la décima sinfonía, Beethoven no dejó mucho material, aparte de algunas notas musicales y un puñado de ideas que había anotado.

Ha habido algunos intentos anteriores de reconstruir partes de la décima sinfonía de Beethoven. El más famoso, en 1988, fue el del musicólogo Barry Cooper, quien se aventuró a completar el primero y el segundo movimientos.

Entrelazó 250 compases de música a partir de los bocetos para crear lo que, en su opinión, fue una producción del primer movimiento fiel a la visión de Beethoven.

Sin embargo, la escasez de bocetos de Beethoven hizo imposible que los expertos en sinfonías fueran más allá de ese primer movimiento.

El equipo

A principios de 2019, Matthias Röder, director del Instituto Karajan, una organización en Salzburgo (Austria) que promueve la tecnología musical, se puso en contacto conmigo.

Me explicó que estaba formando un equipo para completar la décima sinfonía de Beethoven en celebración del 250 cumpleaños del compositor.

Consciente de mi trabajo sobre arte generado por inteligencia artificial, quería saber si la IA podría ayudar a llenar los espacios en blanco que dejó Beethoven.

El desafío era brumador. Para lograrlo, habría que hacer algo que nunca antes se había hecho. Pero dije que lo intentaría.

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Röder luego conformó un equipo que incluía al compositor austríaco Walter Werzowa.

Famoso por escribir el característico jingle de Intel, Werzowa se dedicó a armar un nuevo tipo de composición que integraría lo que Beethoven dejó con lo que generaría la IA.

Mark Gotham, un experto en música computacional, dirigió el esfuerzo de transcribir los bocetos de Beethoven y procesar todo su trabajo para que la IA pudiera entrenarse adecuadamente.

El equipo también incluyó a Robert Levin, un musicólogo de la Universidad de Harvard que también es un pianista increíble.

Levin había terminado previamente una serie de obras incompletas del siglo XVIII de Mozart y Johann Sebastian Bach.

Tomando forma

En junio de 2019, el grupo se reunió para un taller de dos días en la biblioteca de música de Harvard.

En una gran sala con un piano, una pizarra y una pila de cuadernos con bocetos de Beethoven que abarcan la mayoría de sus obras conocidas, hablamos sobre cómo los fragmentos podrían convertirse en una pieza musical completa y cómo la IA podría ayudar a resolver este rompecabezas, sin dejar de ser fiel. al proceso y la visión de Beethoven.

Los expertos en música de la sala estaban ansiosos por aprender más sobre el tipo de música que la IA había creado en el pasado.

Les conté cómo la IA había generado música con éxito al estilo de Bach. Sin embargo, esto fue solo una armonización de una melodía que sonaba como Bach.

No era lo que necesitábamos hacer: construir una sinfonía completa a partir de un puñado de frases.

Mientras tanto, los científicos en la sala, incluido yo mismo, querían saber qué tipo de materiales estaban disponibles y cómo los expertos imaginaron usarlos para completar la sinfonía.

La tarea en cuestión finalmente se cristalizó. Necesitaríamos usar notas y composiciones completas de todo el trabajo de Beethoven, junto con los bocetos disponibles de la décima sinfonía, para crear algo que el propio Beethoven podría haber escrito.

Este fue un tremendo desafío. No teníamos una máquina a la que pudiéramos alimentar bocetos, presionar un botón y hacer que escupiera una sinfonía.

La mayoría de la IA disponible en ese momento no podía continuar una pieza musical incompleta más allá de unos segundos adicionales.

Necesitaríamos traspasar los límites de lo que la IA creativa podría hacer, enseñándole a la máquina el proceso creativo de Beethoven: cómo él tomaría algunos compases de música y los desarrollaría minuciosamente para convertirlos en conmovedoras sinfonías, cuartetos y sonatas.

El proceso creativo de Beethoven

A medida que avanzaba el proyecto, iban evolucionando el lado humano y el lado tecnológico de la colaboración.

Werzowa, Gotham, Levin y Röder descifraron y transcribieron los bocetos de la décima sinfonía, tratando de comprender las intenciones de Beethoven.

Usando sus sinfonías completas como plantilla, intentaron armar el rompecabezas de dónde deberían ir los fragmentos de bocetos: qué movimiento, qué parte del movimiento.

Tenían que tomar decisiones, como determinar si un boceto indicaba el punto de partida de un scherzo, que es una parte muy viva de la sinfonía, típicamente en el tercer movimiento.

O podrían determinar que una línea de música probablemente fue la base de una fuga, que es una melodía creada al entrelazar partes que hacen eco de un tema central.

El lado de la IA del proyecto —mi lado— se encontró lidiando con una variedad de tareas difíciles.

Primero, y más fundamentalmente, necesitábamos descubrir cómo tomar una frase corta, o incluso solo un motivo, y usarlo para desarrollar una estructura musical más larga y complicada, tal como lo hubiera hecho Beethoven.

Por ejemplo, la máquina tuvo que aprender cómo Beethoven construyó la quinta sinfonía a partir de un motivo básico de cuatro notas.

Después, dado que la continuación de una frase también debe seguir una determinada forma musical, ya sea un scherzo, un trío o una fuga, la IA necesitaba aprender el proceso de Beethoven para desarrollar estas formas.

La lista de cosas por hacer creció: tuvimos que enseñarle a la IA cómo tomar una línea melódica y armonizarla.

La IA necesitaba aprender a unir dos secciones de música. Y nos dimos cuenta de que tenía que poder componer una coda, que es un segmento que lleva una sección de una pieza musical a su conclusión.

Finalmente, una vez que tuviéramos una composición completa, la IA tendría que descubrir cómo orquestarla, lo que implica asignar diferentes instrumentos para diferentes partes.

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Y tenía que llevar a cabo estas tareas de la forma en que Beethoven podría haberlo hecho.

Primera prueba

En noviembre de 2019, el equipo se reunió en persona nuevamente, esta vez en Bonn, en la Casa Museo de Beethoven, donde nació y se crió el compositor.

Esta reunión fue la prueba de fuego para determinar si la IA podría completar este proyecto.

Imprimimos partituras musicales que habían sido desarrolladas por la IA, construidos a partir de los bocetos de la décima de Beethoven.

Un pianista lo interpretó en una pequeña sala de conciertos del museo ante un grupo de periodistas, estudiosos de la música y expertos en Beethoven.

Desafiamos a la audiencia a determinar dónde acababan las frases de Beethoven y dónde comenzaba la extrapolación de la IA. No pudieron.

Unos días después, una de estas partituras generadas por IA fue interpretada por un cuarteto de cuerdas en una conferencia de prensa.

Solo aquellos que conocían íntimamente los bocetos de Beethoven para la décima sinfonía podían determinar cuándo empezaban las partes generadas por IA.

El éxito de estas pruebas nos mostró que estábamos en el camino correcto. Pero estos fueron solo un par de minutos de música. Aún quedaba mucho trabajo por hacer.

Lista para el mundo

En cada momento, el genio de Beethoven asomaba, desafiándonos a hacerlo mejor. A medida que el proyecto evolucionó, la IA también lo hizo. Durante los siguientes 18 meses, construimos y orquestamos dos movimientos completos de más de 20 minutos cada uno.

Anticipamos la reacción a este trabajo: aquellos que dirán que las artes deberían estar fuera de los límites de la IA, y que la IA no tiene por qué intentar replicar el proceso creativo humano.

Sin embargo, cuando se trata de las artes, veo a la IA no como un reemplazo, sino como una herramienta, una que abre las puertas para que los artistas se expresen de nuevas maneras.

Este proyecto no habría sido posible sin la experiencia de historiadores humanos y músicos. Se necesitó una inmensa cantidad de trabajo, y sí, pensamiento creativo, para lograr este objetivo.

En un momento, uno de los expertos en música del equipo dijo que la IA le recordaba a un estudiante de música ansioso que practica todos los días, aprende y se vuelve cada vez mejor.

Ahora ese estudiante, después de haber tomado la batuta de Beethoven, está listo para presentar la décimasinfonía al mundo.

*Ahmed Elgammal es director del Laboratorio de Arte e Inteligencia Artificial de la Universidad Rutgers, en Estados Unidos.

*Este artículo fue publicado originalmente en The Conversation. Haz clic aquí para leer la versión original en inglés.

Bienvenido a Viena, 22 de diciembre de 1808. Estamos en el Theater an der Wien; la sala de conciertos está helada y ya llevas dos horas en una función que durará cuatro, escuchando música que la orquesta no está interpretando bien.

Los músicos se preparan para ejecutar una pieza nueva que sólo han ensayado una vez bajo la batuta de un compositor que no les simpatiza mucho.

Pero lo que el público está a punto de escuchar va a cambiar la manera en la que se piensa en la música para siempre.

¡SOL SOL SOL MIIII!

O, en otras palabras, ¡TA TA TA TAAAA!

4 notas, que son como una bofetada en la cara, seguidas por otro ta ta ta Taaaa igual de poderoso.

Tras ese golpe inicial, continúa un asalto total, martillando esas cuatro notas sin tregua.

Y cuando llega lo que se parece a una melodía (el segundo movimiento), comenzando con los violines, vuelven a entrar inmediatamente, deslizándose en el fondo.

De hecho, toda la Sinfonía No. 5 en Do menor de Ludwig van Beethoven, op. 67, está infectada con esas cuatro notas, que regresan de una forma u otra en los otros movimientos.

El concierto de esa noche en Viena no fue, según se reportó, muy bueno, y un periódico escribió que “la ejecución podría considerarse carente en todos los aspectos”.

Quizás había que darle tiempo. Después de todo, la música del compositor alemán “era muy escandalosa, hizo cosas que nadie más se había atrevido a hacer antes”, le dijo a Rachel Parris de BBC Radio 3 la trompista de la Filarmónica de Berlín y presentadora de programas de música clásica Sarah Willis.

Pero si en la noche de su estreno no tuvo mucho impacto, lo ha compensado con creces desde entonces: el inicio de la 5ª Sinfonía es el fragmento sinfónico más conocido del mundo y esas primeras cuatro notas han desafiado a los músicos, inspirado a los artistas y hasta logrado que los críticos cambiaran de opinión.

Dos años más tarde, el crítico (y otras cosas) alemán E. T. A. Hoffmann elogió a Beethoven diciendo que era una pieza que “abre el reino de lo colosal e inconmensurable… evoca terror, espanto, horror y dolor, y despierta ese anhelo interminable que es la esencia del romanticismo“.

¡Escuchen!

“Generalmente las sinfonías empiezan con una sección lenta, un adagio agradable, que se mueve en una sección más rápida en el primer movimiento, pero Beethoven no se puso en esas sino que nos dijo exactamente lo que tenía que decirnos: ¡ta ta ta Taaa!”

¿Será que el secreto de su encanto radica en que realmente está tratando de decir algo?

“No soy músico, así que lo interpreto de una manera diferente”, adivirtió el director de cine Ken Loach, para quien esa apertura “es como un desafío o advertencia y hay una sensación de que esto es serio, es una amenaza existencial o peligro o interrogante o contradicción y el resultado no está asegurado”.

Es dramática, y el mejor drama te atrae porque estás desesperado por descubrir cómo termina.

¡Revolución!

Beethoven ciertamente vivió en tiempos dramáticos y el prominente director de orquesta John Eliot Gardiner dice que no sólo puedes escuchar el frenesí de la época en su música, sino además las ideas del compositor.

“Creo que realmente estaba tratando de transmitir sus creencias políticas profundamente arraigadas.

“Sus opiniones cambiaban pero el momento particular en que escribió la Sinfonía, a principios de 1800, estaba completamente bajo el hechizo de la Revolución Francesa e incluso contempló mudarse de Bonn y Viena a París”.

Beethoven era un gran creyente en los ideales de la Revolución Francesa, la libertad, la igualdad y la fraternidad. En 1804 le dedicó su 3ª Sinfonía a Napoleón, pero retiró esa dedicación después de que Napoleón se declarara emperador de Francia, pues no era acorde con sus ideales.

Hay una teoría, que John Elliott Gardiner respalda, de que se pueden escuchar pistas de las intenciones revolucionarias de la 5ª sinfonía desde el principio.

“No hay duda en mi mente de que en la 5ª Sinfonía Beethoven está citando directamente el ‘Hymne du Panthéon‘ de Luigi Cherubini, a quien Beethoven admiraba mucho.

“‘Nous jurons tour, le fer en main, de mourir pour la Republique, et pours les droits du genre humain‘; ‘Juramos, espada en mano, morir por la República y por los derechos del hombre‘.

“¡Imagínate el revuelo que habría provocado en Viena si hubiera sido decodificado!”

¡Lucha!

No todo el mundo concuerda con la interpretación de John Elliot Gardiner, pero es difícil descartar la idea de que Beethoven tenía su mente en algo más que la música cuando compuso esta sinfonía… es grande, es audaz y esa es una de las razones por las que se queda con uno, y podría ser una pista de por qué entró en nuestra psique.

“Coincide con nuestra experiencia”, señala Ken Loach.

“Todo el mundo experimenta una lucha y particularmente cuanto más abajo en la escala social estés. Está implícita en nuestra vida y si te involucras en un esfuerzo por el cambio social y político ¡dios! te golpea como una ola… como las olas en el primer movimiento y te tiran abajo una y otra vez.

“Es por eso que esta música es tan poderosa”.

No hay mucha evidencia de que Beethoven estuviera involucrado en luchas políticas, no impulsó activamente una agenda, pero partes de la sinfonía, como el cierre del primer movimiento, son una expresión musical de momentos de oscuridad y duda.

Silencio

El principio básico de cualquier intérprete de esta pieza es pararte en seco, hacerte escuchar, pensar, relacionarlo con las dificultades que enfrentas personalmente o en el mundo que te rodea.

Y hay un problema, por encima de todos los demás, que estaba en la mente del compositor mientras escribía esta obra.

Si prestas atención puedes escucharlo.

Paseando un día con su amigo y compositor Ferdinand Ries, Ries señaló a un pastor tocando su flauta. Lo único que Beethoven pudo escuchar fue silencio.

Fue el momento que temía. Se había definido como compositor, había labrado una carrera en la música y ahora se estaba quedando sordo.

“Como músico, la audición es vital”, le dijo a BBC Radio 3 la contrabajista Chi-chi Nwanoku.

“Oír es automático, pero escuchar requiere de una habilidad especial y es una de las principales que se nos enseñan cuando aprendemos música. Para Ludwig estar perdiendo ese elemento importante de sus sentidos a los veintitantos tuvo que haber sido la forma más cruel de tortura“.

Gritos

Desde que tenía memoria, Beethoven había estado tocando música y se podría pensar que para hacerlo uno tiene que ser capaz de escucharla. Sin ese sentido, estaba en peligro de perder su identidad.

¿Será que el secreto está en que podemos escuchar el dolor y la frustración de Beethoven, que está gritando por medio de la música, como un cantante de heavy metal o una estrella de rock?

“Yo me imagino a Beethoven más como alguien que llega en una moto que como alguien con sombrero de copa caminando tranquilamente por la calle. Para mí, Beethoven realmente era una estrella de rock”, opina Sarah Willis.

“Sólo tienes que escuchar el comienzo de la 5ª Sinfonía y preguntarte si es el primer riff de rock escrito jamás. Los riffs de rock usualmente son 4 notas que se repiten a lo largo de las canciones”.

Obviamente, Beethoven no pretendía que fuera un riff de rock, pero sabía que estaba escribiendo una frase pegadiza y, aunque puede sonar un poco simplista, la capacidad de cualquier músico en cualquier área para crear un éxito siempre va a ser central para alcanzar la gloria.

Y, como tantos clásicos de la música popular, se han hecho muchas versiones de la 5ª Sinfonía, desde la disco-funk de Walter Murphy de 1976 (“A Fifth of Beethoven”), el mashup electro-clásico de DJ de Mars y el mashup acústico de la Quinta con salsa, por mencionar apenas algunas.

Si estamos en busca de pistas sobre por qué esta pieza musical sigue tan vigente, vale la pena escuchar a quienes la tocan.

Sol sol sol miii

¿Será que el secreto está en la interpretación?

Ese ritmo de apertura es más complejo de lo que piensas; en realidad, no es ¡ta ta ta Taaa! sino ¡[*]-ta-ta-ta Taaa! donde el tiempo principal (acentuado) está en negrita y el asterisco es un descanso (o, para los músicos en la orquesta, un “respiro” rápido). Eso hace que sea una pieza notoriamente difícil para conductores inexpertos.

“Muchos directores me han dicho que el comienzo de la 5ª Sinfonía de Beethoven es una de las cosas más difíciles de dirigir”, dice Sarah Willis.

“Todo el mundo sabe que tienen que empezar juntos, la orquesta debe tocar unida, con esa pasión, ese impulso en él no puede simplemente ser ta ta ta ta porque eso no es lo que Beethoven quería, sino ¡ta ta ta Taaa!”.

Willis, quien debe esperar a que le llegue el turno a la sección de trompas para tocar esas cuatro notas, cuenta que, sentada en la orquesta, “siempre es un momento angustioso: el director da algún tipo de downbeat y las cuerdas tienen que tocar ese ta ta ta Taaa, y me aterroriza que alguien comience demasiado pronto o tarde y arruine ese maravilloso efecto al unísono.

“Pero también siempre me asombra cómo lo logran”.

Y no es cuestión sólo de tocar, se trata de interpretar.

“¿Cómo superamos la familiaridad de la música?”, pregunta John Elliott Gardiner. “Los músicos somos capaces de dar vida en el instante, en un marco de tiempo específico, en un nuevo contexto a la música que parece muerta en la página, para que se convierta en un tejido vivo.

“Para mí, esta música de Beethoven es tan urgente ahora como lo ha sido siempre”.

“Las notas están escritas pero evidentemente no es simplemente una pieza musical que tomas y tocas”, según el director James Judd. “Es algo que se registró en un pedazo de papel, pues tenía que hacerse de alguna manera, pero realmente vive en la mente del compositor y tiene que estar vivo en la del intérprete”.

Esta música parece inspirar solamente pensamientos muy profundos, y exige un gran compromiso de los músicos, del creador y de la persona en la frente de la orquesta.

“Es muy difícil e increíblemente gratificante de tocar, si tú y tus colegas están 100% comprometido con ella”, apunta el compositor Lloyd Coleman. “Exige una atención hipersensible, hipermotivada e hiperconsciente del ejecutante y del oyente”.

La 5ª Sinfonía no es música de ascensor, es música de sentarse derecho y prestar atención; de dejar lo que estás haciendo inmediatamente entregarte.

Cuatro notas que, desde el principio, te agarran, te sacuden y te lanzan en un viaje de descubrimiento.

Y es por eso que es tan importante para tocarlas bien, una gran manzana de discordia en el mundo de la dirección de orquesta… ¿debe ser ta-ta-ta-Taaa-ta-ta-ta-Taa o ta-ta-ta-Taaa ( ) ta-ta-ta-Taa?

Sombra

“Mis oídos siguen timbrando y siseando día y noche. Vivo una vida miserable; durante dos años he evitado casi toda la compañía ya que es imposible para mí decirle a la gente que soy sordo“, escribió Beethoven.

Cuando empezó a componer su 5ª Sinfonía, ya no había dudas respecto a su sordera.

En 1802 se retiró a un pequeño pueblo a las afueras de Viena llamado Heiligenstadt. Tras meses de angustia suicida, era hora de poner sus frustraciones en la página… un hombre desesperado en el momento más desesperado de su vida.

“Habría terminado con mi vida. Sólo mi arte me detuvo; me parecía imposible dejar el mundo antes de producir todo lo que sentía que estaba dentro de mí“.

Este podría haber sido el final para Beethoven. El destino le había asestado un duro golpe y quién puede discutir con el destino.

El asistente y primer biógrafo de Beethoven, Anton Schindler, afirmó que las primeras cuatro notas representaban “el destino llamando a la puerta“. Pero Carl Czerny, alumno y amigo de Beethoven, aseguró provenía de un pájaro cantor, el martillo amarillo, al que escuchó mientras caminaba por un parque, así que quién sabe.

Lo cierto es que hay una fatalidad y una melancolía al principio de la obra que quizás refleja la frustración de Beethoven al tener que aceptar su nueva realidad.

Las famosas cuatro notas resuenan en los movimientos que siguen y no hay momento más conmovedor que el final del tercer movimiento, cuando la oscuridad se ha instalado y toda esperanza parece perdida.

Luz

El testamento de Heiligenstadt, aquel documento que Beethoven escribió en su momento de desesperación, podría leerse como una nota de suicidio, pero no lo es pues al final decidió que no iba a dejar que su discapacidad se apoderara de él.

Él era Ludwig Van Beethoven, era un compositor por encima de todo y, por lo tanto, compondría… y triunfaría.

En la Sinfonía, después de esa transición sombría, llega el centellante final que acelera el pulso, produce escalofríos y hace que se te hinche el pecho con la enormidad del sentimiento que te invade.

“Ese momento absolutamente impresionante al comienzo del 4° movimiento, cuando de repente la luz está allí… ¡cómo no sentirse fortalecido, empoderado!”, exclama Ken Loach.

“De repente puedes ver el camino a seguir… si estás en un lugar oscuro ¡uff, cuánto ayuda!“, dice

¿Será que ese es el secreto? ¿Que resuena con nuestra historia individual?

Al entreverar sus propias luchas internas en la música, Beethoven creó algo que se siente universal. Durante 250 años, ha estado allí para que nos levantarnos el ánimo cuando está bajo, inspirarnos y darnos esperanzas.

“Esta, de alguna manera, es la clave del misterio de un gran artista: que por razones desconocidas para él o para cualquier otra persona, regala su vida y sus energías sólo para asegurarse de que una nota sigue a otra inevitablemente, pero al hacerlo nos hace sentir al final que algo cuadra, algo que sigue sus propias leyes consistentemente, algo en lo que podemos confiar, que nunca nos defraudará“, dijo el legendario director de orquesta Leonard Bernstein.

* Este artículo es una adaptación del documental “Da da da DAAAAA!” de BBC Radio 3.

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En eso consiste el progreso, en ir avanzando en el conocimiento. En ser conscientes de que los descubrimientos actuales posiblemente también serán superados y corregidos en el futuro. Y, por tanto, no hay que darle categoría de verdad absoluta a casi nada.

Para ilustrar el argumento, saquemos a la palestra algunos estudios recientes. En ellos se desmontan (o, al menos, se ponen en entredicho) algunos mitos haciendo uso de la estadística.

1. Escuchar música clásica o jugar al ajedrez aumentan la inteligencia

Es muy romántico defender esta idea. Parece obvio (y varios estudios así lo avalan) que hay una asociación entre esas actividades y el desarrollo cognitivo.

Pero, ¿existe realmente una relación de causalidad? ¿O es que las personas con mayores capacidades se dedican a estas disciplinas (sin duda, muy estimulantes desde el punto de vista intelectual), pero no está claro que la relación sea bidireccional?

La confusión entre correlación y causalidad es uno de los grandes caballos de batalla de la modelización estadística.

De acuerdo a un estudio reciente, no hay evidencia clara para afirmar que los efectos de estas actividades aumenten el desarrollo cognitivo, al menos en niños y adolescentes.

2. Nuestra sensibilidad apenas tiene base genética

Sabemos desde hace tiempo que la genética influye de forma muy evidente en algunos aspectos de nuestro físico y de nuestra mayor o menor propensión a ciertas enfermedades.

Ahora bien, tendemos a pensar que su repercusión en nuestro carácter o personalidad, especialmente en las cuestiones de educación y sensibilidad, es mínima, y que éstos se deben casi en exclusiva a factores de nuestro entorno social y educativo.

De nuevo estamos ante una idea en la que queremos creer, porque nos gusta pensar que nuestra capacidad de influencia en el resto de personas es elevada.

Sin embargo, un reciente estudio apunta a que un rasgo del carácter tan “voluble” como es la sensibilidad podría deberse casi en un 50% a nuestra genética. Por tanto, el margen de influencia sobre el mismo, aun siendo importante, es bastante más limitado de lo que parecía.

3. La ciencia tiene respuestas únicas e inmutables

Como ya he comentado al inicio del artículo, precisamente una de las características más apasionantes de la ciencia es que está en constante evolución y revisión.

Sin embargo, en ocasiones la opinión pública espera que desde el ámbito científico se den criterios claros e inequívocos frente a problemas complejos que instituciones sociales y políticas se ven incapaces de abordar. De hecho, la pandemia actual del coronavirus es un claro ejemplo de ello.

Varios estudios recientes en disciplinas diversas, como la psicología o la neurociencia), constatan que diferentes equipos científicos de reconocido prestigio llegan a resultados dispares analizando los mismos datos.

Entre otras, diversas elecciones como la hipótesis de partida, el tratamiento de los datos, el enfoque metodológico o la técnica estadística, influyen en los resultados finales. Por tanto, también en las conclusiones que se derivan de ellos.

En definitiva, desconfíe la próxima vez que lea u oiga aquello de “la ciencia dice” o “según los científicos” y trate de contrastar las fuentes originales. Intente comprobar si realmente existe un consenso razonablemente unánime sobre ese resultado o si, por el contrario, se trata de un estudio aislado ante el cual puede haber voces y corrientes discrepantes o incluso contradictorias.

Manuel Terrádez Gurrea, Colaborador docente en estadística y minería de datos, UOC – Universitat Oberta de Catalunya

Este artículo fue publicado originalmente en The Conversation. Lea el original.

El autor de El código Da Vinci acaba de publicar un álbum de música clásica para niños. Resulta que es uno de los bienes que él y su esposa se disputan en los juicios por su divorcio.

Desde su revelación con El código Da Vinci, el novelista Dan Brown ha sido reconocido por sus tramas retorcidas y adrenalínicas pero cerebrales que involucran criptografía, simbología, compañeras inteligentes y sexis, cultos religiosos secretos y violentos, y fanáticos desquiciados empeñados en el asesinato y la destrucción en masa.

Su nuevo libro, por otra parte, presenta a un ratón director de orquesta que recluta una colección de animales para que actúen en una orquesta, mientras ofrece proverbios sobre las virtudes de la fortaleza, la paciencia y la cooperación. (Su público objetivo son los niños de tres a siete años).

Será lanzado esta semana, junto con un álbum de música clásica para niños, llamado Wild Symphony, compuesto por Brown y basado en canciones que él mismo produjo hace unos 30 años, cuando era un veinteañero aspirante a músico, mucho antes de que hubiera publicado alguna novela.

En ese entonces, Brown, quien ahora tiene 56 años, grabó las canciones con sintetizadores en su pequeño estudio. Hizo unos 500 cassettes (y folletos de poesía) y los vendió en consignación en su librería local. El álbum recién publicado presenta versiones actualizadas de las canciones originales junto con otras nuevas, todas interpretadas y grabadas por la Orquesta del Festival de Zagreb en Croacia.

En un inesperado desvío profesional después de los siete thrillers de Brown, que en conjunto tienen más de 234 millones de copias impresas y lo han convertido en multimillonario.

Wild Symphony también es, de una manera un tanto incómoda, un inesperado punto de discusión en una desordenada batalla legal entre Brown y su exesposa, Blythe Brown, después de su divorcio el año pasado.

En una demanda presentada este verano, Brown alegó que su exmarido falseó sus bienes durante el proceso de divorcio, y enumera a Wild Symphony como uno de los varios proyectos que ella afirma que él no reveló cuando se separaron. También alegó que llevó “una vida secreta” durante años, ocultando una aventura con una entrenadora de caballos holandesa y ocultando las lujosas compras que hizo para su amante, incluyendo dos caballos frisones, uno de ellos llamado Da Vinci. (El otro caballo era un “muy codiciando y premiado semental negro frisón” llamado Limited Edition que costó 345 mil dólares, según su denuncia).

Brown presentó una contrademanda por difamación y calumnia, entre otras demandas, el 30 de julio, argumentando que su exesposa se propuso “avergonzarlo públicamente” y “destruir su legado”.

“Cualquier implicación o afirmación de que mentí o escondí dinero es absolutamente falsa”, dijo Brown durante una reciente entrevista.

Talentos ocultos

Brown me habló por video en una tarde reciente de agosto desde la cavernosa y barroca biblioteca de su casa en Rye Beach, Nuevo Hampshire, a poca distancia de donde creció, en el campus del internado Phillips Exeter, donde su padre enseñaba matemáticas. Su gato, Zeus, dormitaba en el suelo.

Vestido con una camisa rosa pálido, me mostró una cámara secreta detrás de una estantería giratoria que revelaba un estante con el primer libro que escribió, a los cinco años, titulado La jirafa, el cerdo y los pantalones de fuego, así como un piano Steinway B, en el que practica su hobby y primera aspiración profesional: crear composiciones musicales.

Para acceder a su estudio de grabación, donde tiene un sintetizador conectado a una computadora, pulsa la esquina de un cuadro —un lienzo que representa a una mujer victoriana sentada en un jardín— y se abre una puerta oculta.

Las paredes del estudio están decoradas con discos de oro que recibió por la venta de sus audiolibros en alemán. No es exactamente lo que tenía en mente cuando se propuso ser músico, pero, dijo, “me conformo”.

El proceso musical de Brown es así: compone en su piano, probando melodías y construyendo una pieza que memoriza. Toca la canción en el teclado de un piano que está conectado a una computadora, crea un archivo digital y usa un programa de secuenciación que le permite agregar la instrumentación, al asignar las líneas musicales a diferentes instrumentos.

Entonces, normalmente, la música se queda en su bóveda digital. Pero hace dos años, cuando Brown estaba en Shanghái para promocionar Origen, su novela de 2017, le preguntaron en la televisión sobre un viejo proyecto largamente olvidado.

El presentador del programa de televisión mostró la copia del álbum. Era el álbum infantil que Brown había grabado hace décadas, originalmente llamado Synthanimals.

“Seguí diciendo, sabes, estoy aquí para hablar sobre Origen”, recuerda Brown. “Pero seguían regresando al tema de la música”.

El nuevo proyecto se armó bastante rápido después de eso. Brown se sorprendió de que su álbum infantil hubiera resurgido de esta manera, en un programa de televisión chino, y que causara tanto revuelo. Su editor chino le preguntó cuándo lo lanzaría. Su editor estadounidense también quería participar en el proyecto.

Así que Brown pidió la ayuda del productor Bob Lord, director ejecutivo de Parma Recordings, y conocido de Brown durante casi 15 años. Viajó a Croacia para trabajar con la orquesta de Zagreb en la grabación y ayudó a afinar la interpretación, al hacer pequeños ajustes en las secuencias musicales y el ritmo.

“Él sí que sabe lo que hace”, dijo Lord, quien reveló que Brown también canta. “No es solo un pasatiempo, es fundamental para su visión artística”.

Para el deleite de Brown, la editorial de música clásica Boosey & Hawkes firmó para publicar las partituras.

“Le dio validación como músico porque antes él se sentía como ‘Oh, estos son mis pequeños jueguitos”, dijo Mallory Loehr, vicepresidenta sénior y editora de Random House Books for Young Readers Group, que está publicando el libro ilustrado a través de su sello Rodale Kids. (También habrá una aplicación de realidad aumentada que reproduce canciones que coinciden con cada animal, con canciones como “Busy Beetles”, “Brilliant Bat” y “Happy Hippo”).

Por sorprendente que sea su última aventura para sus fans, Brown dijo que hay un hilo conductor en su música y su escritura. Componer y escribir ficción están estrechamente entrelazados para él. “Para escribir una canción o una pieza de música clásica, tienes que entender la estructura, tienes que entender la tensión y la liberación. Las buenas líneas musicales hacen una pregunta y dan una respuesta”, dijo. “No puedes tener cinco fortissimos seguidos. Necesitas ese material intersticial para dejar que el oyente o el lector respire”.

La novela como un plan B

Daniel Gerhard Brown siempre tuvo una inclinación musical. Su madre era profesora de piano y organista de la iglesia y Brown tocó el piano desde muy pequeño. Durante su infancia, le encantaban Bach, Tchaikovsky y Béla Bartók, y comenzó a componer sus propias canciones cuando tenía cinco años. Estudió composición musical e inglés en el Amherst College, y después de graduarse se debatió entre convertirse en novelista o en músico. Hacer música parecía “mucho más divertido”, dijo.

Se mudó a Los Ángeles con el objetivo de convertirse en cantautor y pianista, y se unió a la Academia Nacional de Compositores. A principios de la década de 1990, consiguió un contrato de producción para un álbum de “material de piano contemporáneo para adultos”, en la línea de Elton John y Billy Joel, que tituló Dan Brown.

“Hice un disco que compraron unas tres personas”, dijo. “Justo al principio de la locura del rap. Mi timing fue terrible”.

En 1990 conoció a Blythe, quien en ese entonces era la directora de Desarrollo de Artistas en la Academia Nacional de Compositores, y ella le ayudó a hacer conexiones en la industria. Su trabajo diario era ser profesor de la escuela preparatoria de Beverly Hills.

Cuando su carrera como cantautor fracasó, él y Blythe se mudaron a Nuevo Hampshire, donde encontró trabajo como profesor de inglés en Phillips Exeter y ella trabajó como asistente dental. Eventualmente, recurrió a su plan B, escribir novelas, y siguió haciendo música como complemento.

En 1999, Brown publicó su primer libro, La fortaleza digital, protagonizada por una atractiva y brillante criptógrafa de la Agencia Nacional de Seguridad llamada Susan. Siguió con Ángeles y demonios, que protagoniza su ahora famoso simbologista de Harvard, Robert Langdon, luego La conspiración, sobre otra atractiva y brillante burócrata del gobierno —una analista de inteligencia de la Casa Blanca llamada Rachel— que descubre una conspiración cuando investiga un descubrimiento de la NASA. Al principio, los tres libros no se vendieron bien.

Luego vino El código Da Vinci, un explosivo thriller publicado en 2003, que giraba en torno a la premisa de que Jesús y María Magdalena estaban casados y tuvieron un hijo. Se convirtió en una película protagonizada por Tom Hanks como el descifrador de códigos Robert Langdon, que recaudó más de 760 millones de dólares en todo el mundo. Hasta la fecha, el libro tiene 85 millones de copias impresas.

Fue Blythe quien lo convenció de explorar la idea del sagrado femenino, el Santo Grial y María Magdalena. “Ella impulsó la idea de que, oye, deberías escribir un thriller sobre María Magdalena”, dijo Brown. “Mi primera respuesta fue, eso es una locura, ¿quién podría hacer eso?”.

Desde hace mucho tiempo le atribuye el mérito de haber apoyado su carrera y haber ayudado a investigar y dar forma a sus libros. Pero el éxito masivo, la fama y la riqueza eventualmente tuvieron un efecto corrosivo en su matrimonio, dijo Brown en su contrademanda. Se distanciaron. Blythe comenzó a dedicarse a la equitación de doma. Se divorciaron en diciembre de 2019, y Blythe recibió la mitad de sus bienes, dijo Brown.

Sus problemas matrimoniales se hicieron públicos este verano, cuando Blythe presentó una demanda en la que alegaba, entre muchas otras cosas, que su exesposo le había sido infiel, y que había gastado cientos de miles de dólares en caballos de competición y equipamiento para su joven amante holandesa, una entrenadora de caballos que conoció a través de Blythe.

En su demanda, también lo acusó de ocultar proyectos lucrativos durante el proceso de divorcio, incluyendo una serie de televisión, una serie de MasterClass y Wild Symphony. La noticia causó frenesí en los tabloides europeos. Un diario de los Países Bajos, De Telegraaf, cubrió la disputa, con un larguísimo titular anclado a lo local que se puede traducir vagamente como “El súper rico Dan Brown pelea con su ex por caballos holandeses”. La demanda fue cubierta en Horse Sport, una publicación ecuestre canadiense.

Brown respondió con una contrademanda, en la que negó haber ocultado cualquier activo, gasto o proyecto a Blythe. Brown también pidió al tribunal que desclasificase los documentos de divorcio, y señaló en su demanda que su exesposa gastó más de diez millones de dólares en “sus caballos, proyectos equinos y camaradas hípicos”. Reconoció la relación con la mujer de los Países Bajos y dijo que su matrimonio había sido “solo de nombre” desde finales de 2014.

Dijo que Blythe sabía sobre Wild Symphony, y que él mismo había financiado el proyecto. También afirma que Blythe amenazó con “avergonzarlo públicamente” y “destruir su legado”, e insinuó en un correo electrónico que ella podría sabotear su buena imagen de una manera que interferiría con su libro y álbum infantil.

En una declaración, Blythe Brown negó que su demanda fuera un esfuerzo de conseguir más dinero o una venganza. “No se trata de dinero, sino de la mentira y la traición de Dan”, dijo.

Brown dijo que “tenía un enorme respeto por ella, y fue alguien a quien alguna vez amé profundamente”. Dijo que planea donar las regalías estadounidenses de Wild Symphony para apoyar la educación musical de los niños.

“Fuimos una pareja maravillosa durante mucho tiempo”, dijo Brown. “La gente evoluciona de manera diferente. Empezamos a vivir vidas separadas, y lo hemos hecho durante bastante tiempo. Era hora de que todo terminara para los dos. Ella estuvo de acuerdo, así que esto ha sido una completa sorpresa”.

Investigación clandestina

En los últimos seis meses, mientras el mundo ha sido azotado por una catastrófica crisis sanitaria mundial que no parece fuera de lugar en su ficción, la vida de Brown no ha cambiado tan drásticamente. Está acostumbrado a la soledad y a trabajar solo.

Se levanta a las cuatro de la mañana para trabajar, en una oficina tipo búnker sin internet ni teléfono. “Voy a esconderme”, dijo. “Es un tipo de situación de cabina de aislamiento”.

No ve la televisión ni sigue mucho las noticias. No lee ficción ni escucha a compositores modernos. “Leer el trabajo de otras personas no me ayuda, me convierte en un consumidor”, dijo.

Toca el piano. Hace flexiones y abdominales.

Al principio de la pandemia, después de haber viajado a un plató de cine en Toronto, entre otros lugares, Brown se enfermó de una fiebre de 39 grados y tuvo falta de aliento. Pensó que era gripe, pero dio positivo para el coronavirus. Se recuperó relativamente rápido —en tres días— y desde entonces se ha mantenido ocupado, escribiendo un para un programa sobre Dios y la ciencia en el Planetario Hayden y trabajando en su próxima novela, otro thriller de Robert Langdon. También ha viajado un poco para investigar, pero no dijo dónde. (“No voy a decirte qué gobierno me dio permiso para ir e investigar”, dijo).

Se mostró tímido sobre si habría más música para el consumo del público. Aún no se ha visto tentado a publicar más de su antiguo trabajo discográfico. Por ahora, se está preparando para ver cómo responderá el mundo de la música a su último lanzamiento.

“No me es extraño que la gente odie lo que hago o le guste lo que hago”, dijo, alegremente. “Eso no me perturba”.

Kitty Bennett ayudó con la investigación.

Alexandra Alter escribe sobre la industria editorial y el mundo literario. Antes de trabajar en The New York Times, en 2014, reporteaba sobre libros y cultura en The Wall Street Journal. Previamente, fue reportera de religión y a veces de huracanes para The Miami Herald. @xanalter

El resultado no fue el esperado: el parecido con el original no siempre era claro, según los arreglos de las canciones. Rasch se inspiró sobre todo en la letra de las canciones y les dio un toque especial que resutló más bien en música contemporánea y que se adaptó a la voz del renombrado cantante de ópera René Pape.

Si se quiere hablar de una adaptación de una canción de Rammstein más “clásica”, sería Seemann: en 2003 fue reinterpretada por Nina Hagen y el grupo Apocalyptica. Al año siguiente grabarían la canción Engel, adornándola con voces masculinas al estilo gregoriano. A grandes rasgos, la afindad con la cultura “clásica” del cantante de Rammstein, Till Lindemann, se observa en su interés por la poesía de Bertolt Brecht, además de un libro con sus propios poemas publicado en 2013 bajo el nombre In stillen Nächten.

Referencias y guiños a la música clásica Son muchas las referencias que revelan la cercanía de la banda a la música clásica. En su actual tour European Staduim, la audiencia vibra con un duo de pianos conocido como Jatekok e integrado por los pianistas franceses Adélaïde Panaget y Naïri Bandal.

Adicional a las canciones, en 2015 la banda publicó un folleto de 80 páginas que contiene las partituras para que los fans puedan tocarlas en sus pianos en casa; un reconocimiento a la antigua forma de distribuir música masivamente a través de partituras.

Por otra parte, asistir a un concierto de Rammstein es también presenciar un espectáculo de fuegos artificiales, de tal forma que la música de Georg Friedrich Händel suena entre el interludio de Jatekok y el estruendo que anuncia la aparición de la banda alemana en el escenario.

El nexo de Rammstein y la música clásica va más allá arreglos, referencias y bandas de apoyo: es también una cuestión de adornos musicales. Por ejemplo, la reciente canción Deutschlandendet presenta un largo y melacólico solo de piano.

Lo mismo ocurre en los sonidos de cuerdas que definen el tema Mein Herz brennt, y el imponente sonido coral en Zeig dich. Clásicos por sí mismos A lo largo del tour que comprende 27 ciudades, los medios se mantienen informando casi diariamente.

Habrá presentaciones en Riga y Tampere, después rumbo a Estocolmo y Oslo para finalizar el 22 de agosto en Viena. Entre los reportes destacan la pelea entre el cantante Lindemann y un fan de la banda, y más visible aún, el escándalo a partir del beso entre dos miembros de Rammstein que escandalizó en Rusia: en este país la “propaganda homosexual” es castigada por ley, según se instauró en 2013.

Cabe mencionar que Rammstein es un referente en cuestión musical y a nivel espectáculo, es decir, su madurez como banda está muy por encima del común de conciertos de rock y metal. Por el contrario, los miembros de Rammstein se muestran a la altura de la composición de sus canciones y a su espectáculo a nivel escénico.

Existe una diferencia entre “clásico” y “clásico”: es claro que Rammstein no suena ni de cerca al Cascanueces de Tchaikovsky o al Eine kleine Nachtmusik (Una Pequeña Serenata Nocturna) de Mozart, pero ¿qué tan clásicos son entonces? Expresión artística en distintos niveles En 2001 un crítico de la revista Jam Showbiz escribió acerca de la canción Mutter, calificándola de “música como para invadir Polonia”.

Pero los miembros de Rammstein han encontrado y preservado su estilo. Su lema es “haz lo tuyo y exagéralo”, según explicó anteriormente el baterista Chistoph Schneider.

La pregunta sería ¿de dónde viene este estilo? Entre las diversas influencias destacan Nina Hagen, Depeche Mode y la banda eslovena Laibach. Mientras que a nivel de géneros musicales, la banda incorpora elementos de Rock Industrial, Heavy Metal, Grunge, Electrónica, Punk, Rock, Pop y Gótico.

Sin embargo, el pianista Christian “Flake” Lorenz explica el factor clave: “Encontramos nuestro estilo a partir de saber lo que no queríamos. Nos dimos cuenta de que solo podemos tocar esta música, y es muy simple y monótona”. Incluso se podría agregar: profunda, emocionante, pero también delicadamente melancólica.

Si se tuviera que nombrar a un compositor clásico que se provoca un efecto similar, el elegido sería Richard Wagner. Como dato musical adicional: se dice que las notas mayores suenan normalmente alegres, y las menores tristes. Por lo tanto, el hecho de que las canciones de Rammstein están en su gran mayoría compuestas por tonos menores no es un aspecto relevante, lo cual aparentemente también aplica para la mayoría de las canciones pop hoy en día.

Por otra parte, las presentaciones de Rammstein tienen más en común con la producción de ópera que con un concierto de rock promedio. Pero existen también otros puntos a destacar en torno a Rammstein, por ejemplo, las teorías de conspiración que constantemente buscan encontrar mensajes subliminales en sus letras, asi como el supuesto perfil de derecha al que son asociados.

Hay quienes se sienten incómodos por el uso de secuencias cinematográficas que aluden al trabajo de Leni Riefenstahl, conocida por su labor propagandística en cine en tiempos de Hitler, o con la aparente exaltación del machismo, o bien simplemente con elementos que aluden al Tercer Reich y que de alguna u otra forma hacen que Rammstein sea percibido como un grupo “muy alemán” en el extranjero.

Muchas veces existe una noción general de que los títulos de la canciones de Rammstein refieren a algo negativo, por ejemplo: Du hast, sobre la cual muchos desconocen que se trata de una propuesta de matrimonio. Finalmente la idea detrás de las canciones de Rammstein es lo que transmite y cómo evoluciona con cada escucha. La primera vez puede ser accesible, y tras varias escuchas, habrá más elementos por descubrir, y ahí está su sentido “clásico”.

Campo fue honrado con el “Orchestra Award” en la competencia internacional de dirección de la Orquesta de la Radio y Televisión de Albania, en la que hubo alrededor de 300 aplicaciones y 75 jóvenes directores fueron los seleccionados para audicionar. De ellos, cuatro fueron los ganadores.

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El premio que recibió el guatemalteco se otorga al director que los músicos de la orquesta eligen. Según Campo el premio incluye varios conciertos en las próximas temporadas oficiales de la orquesta y nuevas oportunidades de expansión en la región europea.

“Es realmente un honor y una felicidad inmensa, escuchar a 70 u 80 músicos de una orquesta de tan alto nivel musical confirmando mi propuesta artística, emocionados comunicando que esa es la forma en la que quieren hacer música y trabajar.  No hay honor más grande que el reconocimiento de los mismos músicos”, comenta el guatemalteco.

“Para mí es el premio con mayor honor porque estamos en tiempos nuevos, en donde las formas de liderazgo están cambiando y el hecho que sean los músicos de la orquesta unánimemente quienes escogen a su cabeza artística representa para mí una confirmación inmensa de la filosofía artística, del análisis profundo de las obras, y de los estudios en que he trabajado duro para consolidar en los últimos años en Europa”, agrega Campo.

Campo comenta que es el primer guatemalteco en haber obtenido ese premio de la Orquesta de la Radio Albanesa, pero apunta que existen otros directores de nuestro país, a quien admira, que han sido honrados con importantes reconocimientos como Ricardo Del Carmen quien ganó el Premio “Dimitri Mitropolus” en Nueva York y el Maestro Igor Sarmientos quien obtuvo un premio similar en Sao Paulo.

El artista considera que su interés y la importancia de exponer los éxitos de los guatemaltecos es el de motivar a las personas, especialmente a los jóvenes, para que alcancen sus sueños. “Me interesa inspirar a Guatemala”, refiere el artista.

“Sé que no se cambia a Guatemala de fondo con un premio de director de orquesta internacional, pero los éxitos de un guatemalteco sirven para inspirar a muchos jóvenes a alcanzar sus sueños y volar alto. Considero que eso ayuda a mejorar Guatemala en el colectivo”, señala Campo.

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“Siento una satisfacción profunda de estar desarrollándome a estas alturas de la música clásica. Muchas veces me encuentro siendo el único latinoamericano en ciertos círculos”, señala Campo.

Trayectoria

El guatemalteco comenta que desde los 14 años se definió su vida como director cuando la Fundación Música y Juventud liderada por Isabel Ciudad-Real, junto a un grupo de maestros venezolanos, le dieron la oportunidad de dirigir una pequeña parte del concierto de la recién funda “Orquesta Nacional Juvenil de Guatemala” que luego se convirtió en la orquesta “Jesús Castillo”, liderada por el Maestro Igor Sarmientos.

“En 2006 la Municipalidad de Guatemala me apoyó en la idea de fundar la Escuela Municipal de Música que alcanzó a unos 2 mil 500 jóvenes y niños hasta el 2012”, cuenta Campo, quien a mediados de ese año decidió profundizar su formación como director de orquesta y se mudó a Austria.

En ese país estudió en la Universidad de las Artes de Graz, bajo el legado del Maestro Nicolaus Harnoncourt y paralelamente recibió clases magistrales en Siena, Italia, con Gianluigi Gelmetti y Daniele Gatti; además se formó con David Zinman, conductor honorario de la Orquesta de la Tonhalle de Zurich, Suiza y recientemente en Budapest con el Maestro Peter Eötvös, especialista en música contemporánea.

“Ha hecho un trabajo excepcional con la Orquesta. Bruno es un músico muy inteligente y talentoso que se muestra muy prometedor en su futura carrera como director de orquesta”, refirió Zinman .

En septiembre último obtuvo resultados positivos en la competencia “Svetlanov”, en Paris, con la Orquesta de la Radio France y en 2017 dirigió frente a la Reina de Dinamarca y el cuerpo diplomático Europeo durante  el concierto de inauguración de “Aarhus, capital Europea de la Cultura 2017”.

“A partir de eso mi carrera como director se ha expandido mucho en la región”, afirma el guatemalteco, quien actualmente reside en Múnich, Alemania.

“Campo es un joven y talentoso director de orquesta que muestra una gran promesa. Estaba bien preparado y su trabajo fue notable”, Daniele Gatti, ex director de orquesta de la Royal Concertgebouw Orchestra, de Ámsterdam.

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En este contexto surge ahora una propuesta que causa entusiasmo, porque contribuye a contestar esas preguntas y las rebasa. Es la presentación del recién fundado Urban Quartet (Cuarteto Urbano) de Guatemala, formado por jóvenes músicos en la alineación habitual –dos violines, una viola y un violonchelo– en un evento que han llamado Experiencia N°1. El diseño de este recital es claro: interpretar obras escritas en las últimas dos o tres décadas por compositores centroamericanos (cuatro costarricenses, a más de seis guatemaltecos). El repertorio comprende números con una duración de tres a cuatros minutos, tanto como algunos más extensos, en la tradición de los cuartetos que están constituidos por varios movimientos. Entre los autores y autoras se encuentran Koichi Rodríguez, Valeria Bregón, Andrés Soto y Carlos Castro, de Costa Rica. Junto con ellos, Xavier Beteta, Giancarlo Liano, Dieter Lehnhoff, Pamela Flores, Diego Guzmán y quien firma este artículo, por Guatemala.

Esta feliz iniciativa, concebida y dirigida por el maestro Liano bajo el nombre de Ensamble Centro, tiene precursores, desde luego. En diversos momentos a partir de mediados del siglo pasado han sido varios los compositores, directores e intérpretes que han puesto su empeño en investigar, valorar y ofrecer públicamente la música de esta nación. El referente inmediato es un cuarteto con el que he gozado no sólo el privilegio de ser uno de sus integrantes fundadores, sino que ostenta ya más de un cuarto de siglo dedicado a la música de nuestra tierra, desde el remoto Huehuetenango del siglo XVI hasta performances descabellados de los tiempos más recientes. Lo interesante acá, con el Urban Quartet, es que se llegue a establecer una continuidad en ese afán y a la vez se propongan experiencias nuevas, con generaciones nuevas, con obras nuevas. Ciertamente son pocos los artistas que entienden la música actual de nuestras latitudes y pocos los espacios donde pueden mostrarla. Como consecuencia, “su incidencia es exageradamente baja y gran cantidad de obras creadas por compositores nacionales y centroamericanos resulta en el olvido o la ignorancia”, según lo expresa el comunicado de Ensamble Centro. Así y con el objetivo de exponerse abiertamente al público, es que esta semana tendrá lugar el concierto “Cuerdas al Centro”, con Tito Mendoza en el violín I, Gabriel Paredes Gil en el violín II, Ángel Pérez en la viola y Styvens Barrios en el chelo.

La cita es este jueves 26 de julio a las 19:30 horas. El lugar es 1001 Noches, ubicado en la 1ª avenida 11-50 de la zona 10, segundo nivel. Es buena idea aprovechar el costo de admisión más económico para boletos en preventa, al adquirir las entradas en línea antes del llegar al evento. Por nuestra parte, les anticipamos una función musical fuera de serie, apreciadas amigas y apreciados amigos lectores.    

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El concierto Tocando Fibras es parte de la gira por Colombia y Centroamérica en la que participan Bell y los jóvenes talentos de “La joven”, como es conocida la orquesta.  La noche comenzó con la interpretación de Íntima, de Adolfo Mejía, compositor colombiano que creó este poema sinfónico.

La fusión de talentos entre los jóvenes músicos y el destacado violinista es importante, ya que el estadounidense fue un niño prodigio de la música, por lo que se dedica apoyar a las nuevas generaciones que están interesadas en la música clásica.

Joshua Bell interpreta y sorprende esta noche con su talento. La gira que llega a Guatemala #TocandoFibras une a Joshua y a la Filarmónica Joven de Colombia. pic.twitter.com/5c9puafUF9

— Ingrid Reyes (@ireyes_pl) July 8, 2018

Así fue la velada

Bell, durante su intervención, demostró que ningún disco y tecnología ha logrado transmitir las emociones que vierte en el escenario un músico en vivo, como él mismo ha asegurado en diferentes ocasiones.  Mientras se escucha su prodigiosa actuación es imposible no traer a la memoria que su violín llamado Gibson ex-Huberman data del siglo XVIII y es el que le ha acompañado más de una década a todas sus presentaciones.

Una investigación de Univisión  refirió que el instrumento fue robado dos veces al violinista polaco Bronislaw Huberman; la primera en 1916, pero lo recuperó después de unas horas. La segunda fue en 1936.

ECon su violín fabricado en 1713 y valorado en US$15 millones, Joshua Bell sorprendió a los guatemaltecos con su talento en la música clásica. (Foto Prensa Libre: Keneth Cruz).
En esta última oportunidad el violín no apareció hasta 50 años después, cuando Julian Altman confesó en su lecho de muerte que él lo había robado durante un concierto de Huberman.

Bell, en una entrevista con Prensa Libre, aseguró que es su consentido, pero también cuenta que es un coleccionador de instrumentos desde hace 40 años y cada uno de ellos tiene un nombre y una historia que contar.

Más detalles

La oportunidad  de tener a Bell en el país es histórica.  Es considerado uno de los mejores violinistas del mundo y existen grandes probabilidades de que los amantes de la televisión, el cine y el arte tengan registrado  en su memoria el sonido de las cuerdas de Bell.  Ha sido parte de diversas series y películas como en Ángeles y Demonios, Silk o El violín rojo, ganadora de un Óscar por mejor música original.  Además, ha publicado más de 40 discos.

La interpretación de Bell pareció breve, pero en esos minutos movió emociones entre los asistentes.

En la segunda parte del concierto, “La Joven” tocó con vitalidad la décima sinfonía de Dmitri Shostakóvich con una técnica impecable. Esta obra fue compuesta en 1953 y simboliza la libertad conseguida después del fallecimiento de Stalin.

La Orquesta Filarmónica Joven de Colombia también estuvo en el concierto que se realizó en la Sala Efraín Recinos del Centro Cultural Miguel Ángel Asturias. (Foto Prensa Libre: Keneth Cruz).
El concierto fue dirigido por el venezolano Rafael Payare, quien ha dirigido la Filarmónica de Viena, la Orquesta de Cámara Mahler, la Sinfónica de Chicago, la Orquesta Filarmónica Checa, entre otras.

Como #LaJoven es conocida la Filarmónica Joven de Colombia con casi 90 integrantes. Su interpretación impresionante y llena de energía ha llegado a más de 25 países. #TocandoFibras pic.twitter.com/lUsQt8bxsq

— Ingrid Reyes (@ireyes_pl) July 8, 2018

Una noche con diversas sorpresas.  El final estuvo lleno de energía cuando los músicos transformaron el ambiente en una fiesta de ritmos latinos, baile y movimiento.

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Amén a los propósitos de nuestro tiempo, a veces las Sinfonías de Beethoven parecen existir únicamente para un grupo selecto de personas con poder adquisitivo —cultural tanto como económico—, dirigidas en Europa y en otro tiempo, por figuras como Wilhelm Furtwängler o, luego, por su legatario Herbert von Karajan. Como invitado para conducir a la orquesta del Festival Bravissimo, en 2018, el maestro mexicano Héctor Guzmán demostró que la historia puede ser otra. Director de orquesta mexicano, con notable trayectoria en los Estados Unidos, su versión de “La Quinta” devino en una briosa traducción de la partitura beethoveniana a las posibilidades de una sinfónica guatemalteca. Excelente el trabajo de los alientos-madera. Menos adecuado, el de cuerdas y bronces. Empero, un balance general bueno y alentador. Persona afable e insigne, el maestro Guzmán supo llevar a buen término su labor del día 23. Agradecimientos por su actitud amplia y espléndida.

Vamos, ahora, a lo que todos y todas querían escuchar. El primero de los tres conciertos para piano y orquesta que Tchaikovsky creó en el plazo de veinte años, dedicados a este instrumento, y que el solista ruso Aleksandr Kobrin tocó de manera impecable. Es de recordar que este compositor ruso no deja de ser objeto de controversia, desde el momento en que, como un insignificante abogado (todavía a la edad de 26 años), decide consagrarse enteramente a la composición musical. Su actitud personal, para superar traumas de la juventud, es preponderante. Mas, la generosidad de su mecenas, Nadezhda von Meck (una reiterada llamada de atención a los pudientes de este país…), le permite dedicarse a la composición musical durante casi década y media.

Aquí es de importancia enaltecer la intervención de Kobrin, en tanto solista al piano. Como propietario —en todo el sentido de la palabra— de una formidable técnica de ejecución, Aleksandr Kobrin vino a deleitar a un público que estaba bien dispuesto para apreciar emocionalmente lo que Tchaikovsky tiene que decir hoy en su obra en tanto antecesor e importante influencia en Rachmaninov, Stravinsky y Prokofiev. La absurda clasificación del primer gran autor musical ruso como un autor perfumado y superficial es más la prueba que descalifica a sus críticos, que una verificación del lugar que ostenta como un compositor profundo y bien logrado. En ese sentido, Kobrin no es simplemente dotado, sino un virtuoso bien enterado de lo que hace. Su magnífico entendimiento de las voces internas de una interpretación pianística (el llamado voicing del instrumento), aunado a su límpida forma de obtener las figuras que requieren esa plena comprensión del pensamiento musical, fue más que suficiente para agenciarse el aplauso de la concurrencia. Pero Kobrin no tenía una agenda de complacencia. Apenas ofreció, como bis, el primero de los “Estudios Opus 25” de Chopin. Luego, sin despliegues, el brillante y musicalmente compenetrado ejecutante se apresuró a retirarse de la sala. Racional, claro y perfeccionado en su arte.

Muy bueno y digno de felicitación este concierto. Un saludo desde la primera fila del agradecimiento y la apreciación de esta fiesta de la música.

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Esto no es casualidad. El doctor Dieter Lehnhoff, director del instituto de Musicología de la Universidad Rafael Landívar, explica que hay algunos compositores que son más complejos y pueden aturdir al escucha.

Una parte importante de estas piezas es ver la interpretación. “Yo recomiendo que vean los conciertos. A veces es más fácil acceder a la música con los ojos y oídos que solo con lo auditivo”, explica Cristina Altamira del programa Barroco de Dos Mundos.

Para que usted pueda entender las melodías y profundizar en este género musical, Lehnhoff ha creado un recorrido musical para llevarlo a conocer las maravillas de estas grandes piezas.

1. Wolfgang Amadeus Mozart

   Lehnhoff recomienda empezar con Mozart ya que “está construida con la máxima claridad posible”. Primero, escuche La pequeña música nocturna, luego puede pasar a los conciertos para piano y orquesta, violín y orquesta, clarinete y orquesta, y las sinfonías desde la 29 a la 41.

2. Ludwig van Beethoven

   Beethoven es considerado uno de los compositores más importantes de la historia. Lehnoff exhorta a escuchar la Sinfonía no. 5 y Sinfonía no. 7. Posteriormente pase a su famosa obra Para Elisa.

3. Félix Mendelssohn

   Fue considerado un prodigio musical y fundó el conservatorio de Leipzig. Lehnhoff aconseja seguir el recorrido con la Sinfonía no.3 y Sinfonía no.4, luego el Concierto para violín y, si le gusta, seguir explorando sus piezas.

4. Antonín Dvorák

   Es considerado el principal representante del nacionalismo checo en la música. El doctor Lehnhoff recomienda escuchar Sinfonía del Nuevo Mundo, la obra más famosa del compositor.

5. Antonio Vivaldi

   Lehnhoff considera necesario escuchar, en este punto, Las cuatro estaciones. Esta pieza consiste en una serie de conciertos para violín y orquesta que refleja las sensaciones de los cambios estacionales. Intente identificar de qué estación habla cada pieza.

6. Johann Strauss

   Conocido como “el rey del vals”, fue un compositor que ganó fama por hacer de las danzas campesinas un entretenimiento para la corte imperial. Lehnhoff recomienda escuchar cualquiera de sus valses. El más famoso del compositor es El Danubio azul.

7. Georg Friedrich Handel

   Handel es el primer compositor moderno que adaptó su música a os gustos del público. En este punto del recorrido, usted podrá notar las diferencias en la construcción de cada pieza y descifrar las emociones que el compositor quería despertar. El Mesías, un oratorio, es ideal para cerrar su capítulo como principiante de la música clásica.

Ahora, usted está listo para explorar a los otros grandes compositores. Como recomendaciones finales, Lehnhoff exhorta a prestar atención a las piezas ya que cada una es una obra de arte que puede expandir su conocimiento.

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Ante la crítica de los más cultos, pido comprensión. Imagine que de chico, cuando hubiera demandado de un fin de semana aventurado, seguramente me habrían puesto enfrente a Julio Verne. Confieso que adentro de la biblioteca, a menudo, mi vista buscaba la ventana. Y con semejante entorno, esto sin duda, causó conflicto emocional. Hay un momento en que los gustos buscan definirse, y a veces, es inevitable sacudirse de la fuerte estirpe familiar; una estirpe que, en el caso de mi familia y la música –recuerde-, es una religión. Actualmente se sabe ya que en particular, la música, se ciñe íntimamente a cada tipo de personalidad. Al respecto, desde Edimburgo, Adrian North, un profesor universitario ha conducido una extensa investigación. Según dice, “las personas usan la música para definirse a ellas mismas; y también a través de ella se relacionan con otras personas”. Así que la preferencia, en tal sentido, más que una mera afición o decisión, depende de los distintos rasgos de comportamiento que definen el carácter e identidad de una persona.

La fortuna –diría yo, después de mi híbrida experiencia, radica en poder encontrar gozo en una variedad de géneros. Y aunque adelante me dedico a explicar mi trascendencia a través del rock, pido por favor que no se me malinterprete. Pues sin duda me convenzo de que algo grande habrá faltado a quien en su último día expire, por ejemplo, sin haberse permitido admirar en la magnificencia de la Tocata y Fuga de Bach; o dejar lágrima escapar, por la dulzura del Concierto de Violín de Mendelssohn; o admirar la mortalidad, en los lúgubres compases del Réquiem de Mozart. O explorar la fantasía con Gershwin, a través de su Rapsodia en Azul.

En el rock, sin embargo, encontré a un amigo generacional. Un compañero en esa fase personal que buscó la ventana para explorar. Porque sin buscar comparación -que al igual sería absurda-, es latente para mí, que el género moderno provee una adrenalina única para continuar en el camino, a veces a altas horas de la madrugada, para llegar de puerto a puerto. Los grandes del rock de los 70 y 80, definieron a mi generación. Ahora, cuarentones, cuando los escuchamos, los acordes llenos de armonías, melodías y melancolía, aún nos trasladan al drama y glamur que forjaron esa época. Y digo esto en celebración de un long play que marcó nuestra era. Verá que este fin de semana se cumplen 30 años desde que una banda desde Sheffield, en el Reino Unido, nos regalara largas horas de acordes y coros titulados como Hysteria.

A veces siento una cierta traición a los grandes de la música. Pero para eso cito de nuevo a North, quien en su estudio encontró que tanto los aficionados a la música clásica como los del rock, comparten algo en común: ambos buscan lo dramático y lo teatral; comparten un cierto amor hacia aquello que es grandioso. Qué sabio North, en verdad. Y ¿quién diría? La música define las personas que somos. Así que –en acetato o en digital- le invito hoy a buscar su repertorio musical. Y después de echarle una ojeada, pregúntese a usted mismo: ¿Quién soy?

@pepsol

El concierto incluirá temas como la Obertura Egmont, de Ludwig van Beethoven, Cuadros de una exposición, de Modest Mussorgsky, y Fiesta de pájaros, de Jesús Castillo con un arreglo César Sazo.

Este encuentro musical reúne a casi 100 jóvenes que participan en talleres, convivencias y conciertos durante 10 días, periodo durante el cual reciben clases con directores guatemaltecos y extranjeros.

Los participantes de la orquesta son jóvenes de entre 13 y 17 años, muchos de ellos de escasos recursos, quienes reciben una educación musical de alto nivel. Ellos fueron seleccionados entre distintas orquestas de varios departamentos.

Proyección

Jaime José Ixcol Vázquez es originario de Santa Lucía Utatlán, Sololá, y ejecuta la viola. “Al integrar el grupo he tenido varias experiencias sobre la música, principalmente al tener en el país maestros internacionales que no es común en el entorno. Son oportunidades que se deben aprovechar”, indicó.

Yovany Queche Can de Panajachel dijo que su amor por la música llegó a 10 años, cuando acompañaba a su papá a tocar en restaurantes. “Empecé tocando congas, pero aquí he aprendido a tocar otros instrumentos”, añade.

Yolanda Mutzus Pirir, originaria de San Juan Sacatepéquez, ejecuta el contrabajo. “En la convivencia y el campamento aprendemos con los maestros y también conocemos a otros intérpretes guatemaltecos”, dijo.

Mutzus llegó de su comunidad porque imparte clases de contrabajo a un grupo de seis estudiantes en San Juan Sacatepéquez y quiere llevar ese conocimiento a su aula. “Es todo un aprendizaje”, agregó.

“A este proyecto se integran varios jóvenes de Guatemala. El encuentro no solo desea ser un semillero de buenos músicos, sino de excelentes directores. Estamos en Sololá por el entorno cultural de esa región”, comentó el director Martín Corleto.

En esta edición se contó con la colaboración de cinco docentes alemanes, miembros del Polyphonia Ensemble Berlin y de la Orquesta Sinfónica Alemana de Berlín, expertos en talleres de profesionalización musical con orquestas juveniles.

¿Quién es quién?

Paulo Alvarado. Compositor, productor musical y violonchelista guatemalteco. Es licenciado en Música por la Universidad de San Carlos. Fundador e integrante del Cuarteto Contemporáneo, de la Sinfónica Juvenil de Guatemala y del grupo de rock Alux Nahual. Destaca su obra para orquesta sinfónica, música de cámara, canciones, instalaciones electroacústicas y de tipo experimental. Ha creado música para 30 obras de danza contemporánea y teatro dramático.

Gerardo Meza Sandoval. El costarricense estudió en el Conservatorio Castella. Es licenciado en Piano por la Escuela de Artes Musicales de la Universidad de Costa Rica. Obtuvo un doctorado en Letras y Artes por la Universidad Nacional de Costa Rica (UNA). Por 20 años ha integrado un equipo de profesores que, en colaboración con la UNA y el Instituto Superior de Artes, impulsa un programa de alto nivel pianístico para jóvenes. Fue nombrado Extensionista distinguido 2015.

El repertorio

El disco incluye 17 obras guatemaltecas, algunas compuestas específicamente para violonchelo y piano, aunque la mayoría han sido transcritas y adaptadas para tales instrumentos. En total hay 23 pistas.
1 Pabanilla. Es del Repertorio de San Miguel Acatán (Huehuetenango, ca. 1582-1635), de autor anónimo. “Es una invocación; es como un llamado a la música”, expresa Alvarado.
2 Oygan una xacarilla. Esta pieza data de 1786 y fue escrita por Raphael A. Castellanos. Es un villancico para una voz con dos instrumentos de tesitura alta y bajo continuo.
3 La estatua ridícula. Es original de José Eulalio Samayoa. El título está inspirado en un molde de yeso que fue empleado como tiro al blanco por los opositores de Francisco Morazán.
4 Bella Guatemala. Es una de las mazurcas mejor conocidas del país. Concebida para piano por Germán Alcántara, se ajusta a la música de salón que estaba de moda durante la segunda mitad del siglo XIX.
5 Canción de cuna. Fue escrita en 1949 por José María Alvarado. Sigue un patrón sencillo, pero diestramente logrado en su armonía. Es significativa la versión compuesta para violonchelo y piano.
6 Canción de cuna (1939). Es una pieza de arrullo de Ricardo Castillo, original para piano.
7 La estampa ritual. Fue compuesta en 1950 por Benigno Mejía Cruz. Busca recrear un ambiente campestre, con el canto de un pajarillo, con diversas secciones que se asemejan a danzas ceremoniales con percusión y flauta de caña.
8 Sarabanda. Es de Óscar Castellanos. Su melodía inicial exhibe la inclinación del compositor por la música morisca; pasa a una sección más movida para luego regresar al ritmo del principio.
9-10 Dos piezas (Preludio y Arioso). Originales de Enrique Solares. Su tendencia internacionalista revela su sólido conocimiento del piano, que interviene de igual a igual con el violonchelo.
11 Var. de la Var. K (2007). El título es una abreviación de Variación de la Variación K de “Ante-Par III”, para que pueda leerse como Bar de la barca. Es un estreno de Joaquín Orellana.
12 Scherzino. También del maestro Orellana. Esta versión pertenece al Poenimio para violonchelo y orquesta, estrenado por Alvarado como solista, con la Sinfónica Nacional de Guatemala en el 2012, ocasión en que fue terminada la partitura, cuyo origen data de 1962.
13-15 Tres cantos: Canto de tristeza, Romance vestal y Danza del nahual. Son de Jorge Sarmientos. Forman parte de sus Seis cantos de esperanza. El manuscrito original no lleva la indicación estricta del instrumento cantante. Su lenguaje musical es típico de la mitad del siglo XX.
16-17 Dos piezas breves: Poco moderato-animato y Canción vasca. Originales de Enrique Anleu Díaz. Tienen influencia sefardí e ibérica.
18-19 Son pa’ mi viejo y Preludio III. La primera pieza es para chelo solo y se muestra como parte del “nuevo son” guatemalteco. La segunda es para piano solo. Ambas fueron escritas por Paulo Alvarado.
20 A Luz Elena. Fue compuesta como un ofertorio. Su expresión tiene el minimalismo propio de Sergio Reyes Mendoza, el autor.
21-23 Tres canciones: Por un caminito así, Pájaro y The Man with the Blue Guitar. Son de Isabel Ciudad-Real. “Hacen un recorrido desde un procedimiento casi diatónico, con matices del himno religioso, hasta un cromatismo assai rubato”, comenta Alvarado.

Cada año se convocan músicos para ingresar al selecto grupo de la orquesta que ofrecen conciertos y giras por distintos lugares del mundo. Este año, ofrecerán conciertos en México. Las ciudades que visitarán serán Querétaro, Puebla y la Ciudad de México, sitios en los que mostrarán su talento junto a compañeros de otros países. “Cada experiencia es diferente, pero gratificante. Uno, como músico se esfuerza por participar”, añade Gustavo Cojón, un joven de 18 años que desde los 10 se dedica a la música.

La historia de Cojón comienza en su natal San Juan Sacatepéquez. En su niñez, practicaba el método Suzuki para aprender a tocar su viola. Desde entonces su aprendizaje no ha cesado. “Gracias a la música he tenido la oportunidad de viajar a países de Latinoamérica y también a Francia”, dice entusiasmado.

Este año, a las audiciones llegaron más de cien músicos que deseaban formar parte de la orquesta. “Para nosotros esto es todo un éxito porque nos evalúan y al entrar tenemos talleres intensos que van puliendo nuestras habilidades, es un gran semillero”, indica García.

Reto

En 2016, en el marco del Año Dual Alemania-México, de los 50 años del Goethe Institut y de la Independencia de México como de algunos países de Centroamérica, la OJCA tendrá su encuentro anual en México del 4 al 18 de septiembre.

Encuentro

• Los integrantes guatemaltecos de la Orquesta Juvenil Centroamericana y del Caribe ofrecerán un concierto para recaudar fondos, los cuales usarán para viajar a México.
• El concierto será este miércoles, a las 18.30 horas, en el Teatro de Bellas Artes, Avenida Elena y 15 calle, zona 1.
• Se interpretará el repertorio de Las cuatro estaciones, de Antonio Vivaldi, bajo la dirección del maestro Alfredo Quezada y como solista estará el  maestro Álvaro Reyes
•   Admisión, Q50.

Alberdi se encuentra en el país para ofrecer un concierto e impartir talleres de violín. “Es realmente enriquecedor compartir con los estudiantes y dejarles un poco lo que que conozco”, dice la violinista y añade que después del concierto del viernes, le gustaría “regresar y colaborar más con los músicos de Guatemala”.

Alberdi conversó con Prensa Libre sobre su trayectoria y el concierto que ofrecerá en el país.

¿Cómo comenzó su camino por la música?

Desde pequeña me llamó la atención el violín. En mi familia lo interpretaban, así que a los 3 años pedí uno. En ese entonces me dieron uno que no era profesional pero yo quería uno de verdad. Me dijeron que si quería otro tenía que esforzarme y aprender a tocarlo para obtenerlo.

¿Eso, de alguna manera marcó su vida?

Comencé con el método Suzuki, en el que me relacioné con otros niños que estaban aprendiendo, que tenía los mismod intereses. Realmente era bueno para mí porque recibía clase en grupo e individual. Siempre compartíamos experiencias.

¿Cómo fue esa primera vez que salió de España a interpretar el violín?

Tendría como 12 años. Mi primera presentación fue en París, Francia y fue todo un acontecimiento para mí. Algo que me marcó. A partir de ahí fue muy importante conocer sobre otras culturas, otros lugares. Esa curiosidad me ha llevado a viajar con la música por Francia, Inglaterra, Portugal. Tengo 10 años de vivir en Suiza.

La cita

Laida Alberdi tocará con la Orquesta Sinfónica Juvenil bajo la dirección del maestro y director Martín Corleto el viernes 29, a las 20 horas en el Auditorio Juan Bautista Guitiérrez, de la Universidad Francisco Marroquín, 6a. calle final, zona 10. Entradas, Q50 y Q70.

Se interpretarán obras de Mozart, Beethoven y Tchaikovsky.

En realidad, el himno de la Champions League (Liga de Campeones) es una adaptación de una obra del reconocido compositor alemán George Frideric Handel, quien vivió en el siglo XVII.

La canción de Handel se titula Zadok the Priest (Zadok el sacerdote) y es de estilo barroco. La pieza pertenece a la serie de los cuatro Coronation Anthems (Himnos de coronación).

Esta es la canción original, de Handel. 

En 1992, la UEFA (Unión de Asociaciones Europeas de Fútbol) le encargó al compositor británico Tony Britten crear un himno para la Champions League, para la cual el músico se inspiró en algunos elementos sonoros de Zadok the Priest, creando una nueva melodía a la cual le compuso también una letra.

Según comentó en una ocasión Britten: “hay una fase de cuerdas que tomé prestada de Handel y luego escribí mi propia canción”.

El himno de la Champions, que fue grabado por la Orquesta Filarmónica Real (Inglaterra) y con el coro de la orquesta de cámara Academy of St. Martin in the Fields, tiene su letra en inglés, francés y alemán.

Antes y después de cada partido, las cadenas televisivas que transmiten los partidos deben emitir una versión reducida del himno de la Champions, algo que, para los fanáticos, va ligado a la emoción del futbol.

Hay quienes consideran que la adaptación de Britten es muy parecida a la composición original de Handel, mientras que otros consideran que solo tiene algunos matices de la original. Y usted, ¿qué tan parecidas cree que son las dos piezas?