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Qué se necesita para sostener un proyecto musical en Guatemala

Posicionar un producto musical y llevarlo a públicos amplios es un sueño de muchos artistas emprendedores quienes deben enfrentarse a retos de circulación y remuneración digna.

Alejandro Ortiz

12 de mayo de 2024 | 07:00h

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Aunque Internet es una gran ventana para colocar nueva música, es importante trabajar varios factores para lograr las meta de los artistas. (Foto Prensa Libre: Hannah Troupe)

En el presente cualquiera puede ser un artista musical. Basta con tener bases técnicas y narrativa para llevar una propuesta sonora a Internet donde cualquier persona del mundo puede escucharla. Según la plataforma de monitoreo para el mercado de entretenimiento Luminate, durante el primer trimestre de 2023 fueron subidos 120 mil archivos de audio con música a servicios de streaming como Spotify.

Además de este servicio, cualquier artista nuevo puede colocar su música gratuitamente en sitios como Bandcamp, Soundcloud, Deezer o YouTube. Esta ruta, que pareciera ser la única y obligatoria para posicionarse frente al mundo, ha sido una que también han sabido utilizar realizadores guatemaltecos.

En ese sentido, es válido preguntarse por los alcances y el “éxito” que supone el solo hecho de estar en Internet. También se vale preguntar qué tanto logran los artistas emergentes posicionar su música, y en el mejor de los casos, sostenerse de ella y lograr un progreso.  

La cantante maya kaqchikel Sara Curruchich, quien ha publicado dos discos (Somos en 2019 y Mujer Indígena en 2021) considera que este camino es posible, aunque no tan sencillo como se podría ver, en especial cuando se ofrece un producto musical a una sociedad que no consume a sus artistas locales y que tiende a preferir lo extranjero.

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“Cuando llegan artistas internacionales, se paga mucho dinero, pero me parece muy contradictorio que cuando hay un artista nacional y quiere cobrar, a veces la gente lo ve como un tema muy grande y a veces ni siquiera pasa de 50 quetzales. Hay personas que teniendo la posibilidad no lo quieren pagar”, explica la intérprete.  

Curruchich explica esto cómo parte de una especie de carencia en la valorización cultural dentro de Guatemala: “Si bien hay muchas personas que apoyan al arte, no consideran que sea un trabajo”. La cantante, quien ha cantado frente a miles de personas en el Zócalo de la ciudad de México y en escenarios de Europa considera urgente discutir sobre las maneras en las que se dignifica el trabajo de los artistas musicales en Guatemala.

Para Luis Alonso, músico en los proyectos Dinosaur 88 y Los Tiros, así como también mánager de la banda Asimov, que recientemente se presentó en el legendario festival estadounidense SXSW, la calidad y la originalidad de la música son fundamentales para captar la atención de un público y destacar en un mercado saturado como el de Guatemala.

El también productor señala que es importante que los artistas consideren la elección entre lanzar discos o sencillos. “Ahora tenemos todas las canciones del mundo al alcance de la mano en cuestión de segundos. Sacar varios sencillos a lo largo del año aumenta la posibilidad de ser potenciado por el algoritmo y por la colocación de tu música en playlists”, comparte.

No obstante, aunque la retención en la virtualidad es cada vez menor, resulta valioso que los artistas consideren el lanzamiento de un disco, en especial si quieren proyectarse aún más. “Cuando el artista quiere dar presentaciones en vivo, aplicar a festivales de música y enviar su música a productoras y promotoras es necesario tener un álbum que consolide la personalidad del artista y que refleje su concepto”, comparte.

De acuerdo con Alonso producir y masterizar un sencillo en el país puede costar entre Q1mil a Q4 mil en un estudio profesional, mientras que este mismo trabajo para un álbum puede alcanzar cinco veces ese precio.

Otro de los retos en la construcción de una carrera musical tiene que ver con la presentación de la música en vivo, ya que, al menos en Guatemala, los conciertos son la principal fuente de ingreso para los músicos independientes y otros ya posicionados.

Si bien en el país existen recintos donde se hacen conciertos, es importante considerar que no todos son adecuados para presentar temas en directo. Lo esencial es que estos espacios cuenten con un equipamiento de sonido fijo, monitoreo de sonido y en el mejor de los casos, iluminación y camerinos. Sin embargo, son pocos los lugares que tienen estas condiciones, apunta Luis Alonso.

Algunas recomendaciones  

De acuerdo con Pedro Meléndez, músico y presidente de la junta directiva de Musicartes, la sociedad de gestión colectiva que administra los derechos intelectuales de más de 600 intérpretes guatemaltecos, el mayor reto de los nuevos artistas locales tiene que ver con su entendimiento de la música como un producto de mercado.

“Como cualquier otro negocio, la música empieza como un emprendimiento. Uno de los desafíos más importantes es que los artistas tengan este conocimiento”, argumenta Meléndez.

Para el también realizador musical, es importante pensar que la música es global y no solo local, por lo que es necesario trazar un plan con objetivos y metas, así como también formarse y generar alianzas.

Además de la proyección de dónde se quiere llegar y por qué, es importante que los artistas reconozcan la importancia del resguardo de los derechos de sus canciones; tema que puede solventarse en el país a través de Musicartes. Esto permitirá la construcción de planes de negocio, así como en la protección de la propiedad intelectual de las piezas.

Otra de las pautas para posicionar la música local es importante la divulgación por medios de comunicación tradicionales y digitales. A decir de Sara Curruchich, en su carrera uno de los más grandes apoyos fue la difusión de radios comunitarias. Por otro lado, la cantante recuerda las grandes posibilidades que tienen las redes sociales, mismas que han sido una plataforma de visibilización para ella y otros artistas locales.

La información fue proporcionada en conferencia de prensa por los músicos  Alejandro Gómez y Christian Escobar en el Centro Cultural Mosaico, en la zona 1 de la ciudad capital.

“Continuamos con el compromiso de apoyar al maestro Orellana en su proceso de recuperación“, dijo Gómez durante la conferencia.

También hablaron del “Festival Orellana: Eco de Guatemala”, un concierto benéfico hecho en El Ataque, en zona 4 y en donde varios músicos guatemaltecos mostraron su apoyo no solo a nivel económico, sino musical y artístico.

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“Fue un evento que marcó un hito en la comunidad artística guatemalteca al unirse por una causa noble. Este concierto benéfico no solo fue una muestra de solidaridad hacia uno de los pilares de la música contemporánea, sino también una plataforma para que artistas expresaran su admiración y respeto por su legado”, indicaron los músicos en la conferencia.

Luego, ampliaron detalles acerca de las actividades que harán en beneficio al músico guatemalteco, en donde se destacan conciertos y proyecciones de cortometrajes.

Actividades

La primera actividad que anunciaron los músicos guatemaltecos será el próximo sábado 2 de maro en el Centro Cultural Mosaico, en el que habrá una proyección especial de cortometrajes que fueron instrumentalizados por el maestro Orellana.

“Esta actividad busca celebrar su influencia indeleble en la música y cultura de Guatemala”, señalan los músicos.

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También, el próximo domingo 3 de marzo, en el teatro Dick Smith del IGA, se hará un concierto de música popular.

“Este concierto promete ser un encuentro de talentos extraordinarios que pronto serán anunciados, todos unidos por la recuperación del maestro Orellana“, detallaron.

Finalmente, anunciaron un concierto de música académica, el cual contará con alrededor de 30 personas, incluidos “destacados músicos de academia” que homenajearán las obras de Orellana.

Los músicos indicaron que próximamente se darán más detalles del lugar y la fecha que se llevará a cabo el concierto de música académica.

Estado de salud de Orellana

Junto con el anuncio de las actividades, también se dio una actualización del estado de salud de Joaquín Orellana.

Fue Karen Orellana, hija del músico quien aseguró que el maestro se encuentra estable de salud, y que se encuentra en su casa para continuar con el proceso de recuperación.

“Él en este momento se encuentra bien, se le han quitado todos los puntos y afortunadamente ya se encuentra en casa en estado de reposo”, dijo.

El maestro tuvo diferentes tratamientos, como lo fue la colocación de un marcapasos y atención especializada para su pancreatitis.

El 29 de diciembre, Karla Orellana junto a su hermano, Joaquín Andrés, y la esposa del músico, Sheila Ramírez de Orellana, ofrecieron una conferencia de prensa en donde detallaron el estado de salud del también compositor.

Los familiares detallaron que Orellana fue diagnosticado con pancreatitis aguda luego de haber desarrollado cálculos biliares. Además, sufre de obstrucción en los conductos biliares, por lo que se requiere hacerle una operación de vesícula y una endoscopía.

En su momento, los hijos y esposa del músico indicaron que previo a los procedimientos antes mencionados, Orellana debía ser intervenido para colocarle un marcapasos.

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Por todo el proceso médico que requiere Orellana, sus familiares pidieron ayuda económica para solventar los gastos. Ante este llamado, varios artistas guatemaltecos llevaron a cabo un concierto benéfico llamado “Festival Orellana” el pasado 3 de enero.

Actualizan estado de salud

Este martes 16 de enero, la familia del maestro Joaquín Orellana actualizó el estado de salud del músico por medio de un mensaje en redes sociales.

“Queremos agradecerles todo el apoyo que hemos recibido y queremos informarles lo siguiente: nuestro padre fue trasladado de parte del IGSS hacia el anexo del Centro Médico Militar, en la zona 16, y le han programado la colocación del marcapasos para hoy 16 de enero”, se lee al inicio del texto.

Los familiares señalan que Orellana se encuentra en la Unidad de Cirugía Cardiovascular de Guatemala (UNICAR) y le realizaron todos los exámenes previos para la operación en donde le colocarían el marcapasos. “Les ruego que sigan con su buena energía y oraciones”, añaden.

Luego de este procedimiento médico, Orellana será trasladado nuevamente al Centro Médico Militar, para que en días posteriores se programe otra intervención para continuar con su recuperación.

Alrededor de las 15:30 horas, la familia del músico y compositor informó que el procedimiento médico se “complementó con éxito”. Señalaron que los signos vitales y parámetros de Orellana están normales y él se encuentra tranquilo. “Gracias a todos por sus buenos deseos”, añadieron.

En una conferencia convocada el 29 de diciembre pasado, Karla Orellana junto a su hermano, Joaquín Andrés, y la esposa del músico, Sheila Ramírez de Orellana, dieron a conocer que el compositor habría llegado a la pancreatitis aguda luego de haber desarrollado cálculos biliares.

Esto ha provocado que el músico también sufra una obstrucción en los conductos biliares, por lo que el siguiente paso supone realizarle una operación de vesícula y una endoscopia. Sin embargo, esto no puede proceder ya que el músico debe ser intervenido con un marcapasos.

En la actividad también se hizo presente el maestro de música Julio Santos quien durante los últimos años ha fungido como mano derecha en la gestión de actividades culturales de Joaquín Orellana.

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“Estamos luchando para que permanezca más tiempo con nosotros. Si no se logra ver mejoría pronto, el plan es llevarlo a un centro privado“, mencionó Santos quien además subrayó que este mismo día empezaría a circular en redes sociales una publicación con el número de cuenta bancaria y número de teléfono mediante el cual se puede ayudar a la familia Orellana.

El también músico indicó que durante el día también se estaría enviando una carta al ministro de Cultura y Deportes, Felipe Aguilar, para darle a conocer el cuadro del maestro Orellana. Según apunta Santos, la carta implica buscar posibles formas de ayuda por parte del ministerio.

El pasado sábado 30 de diciembre la familia también giró un comunicando en agradecimiento el apoyo que están recibiendo de la población.

Además, de informar que habían recibido comunicación con el Ministerio de Cultura y Deportes y con las autoridades del Igss para dar seguimiento al caso.

Solicitaron seguir con las oraciones y pensamientos positivos por la salud del artista que ha puesto el nombre de Guatemala en la escala internacional.

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Mabe Fratti: Un chelo y una voz para la introspección

De acuerdo con el sello, el disco que se compone de nueve canciones es el resultado de una exploración desarrollada a lo largo de un mes en La Orduña, una antigua fábrica localizada en Veracruz, México -país en el que Fratti reside desde 2015-.

La artista llegó a La Coruña a inicios de 2020 con su violonchelo. Ahí estuvo los primeros meses de la cuarentena por covid-19 y compartió con integrantes de la banda experimental mexicana Tajak.

Hacia principios de la residencia, Mabe se sintió bloqueada musicalmente. No obstante, el tiempo y una constante improvisación junto a los mexicanos y la artista de música experimental Claire Rousay (con quien colaboró a distancia), dio paso a nuevas composiciones.

De esa interacción, que a la vez fue inspirada por el espacio natural del área, Fratti grabó la mayoría de las pistas que dieron vida a Será que ahora podremos entendernos (que puede escucharse abajo). Durante el proceso de creación del disco, la artista implementó su habitual chelo, así como sintetizadores, grabaciones de campo y su voz.

Luego de su paso por Veracruz, Mabe regresó a la Ciudad de México donde también colaboró con los realizadores Sebastián Rojas y Hugo Quezada -ambos integrantes de proyectos de música experimental- para seguir dando forma a Será que ahora podremos entendernos.

La orquestación de distintas capas sonoras y la combinación de susurros y palabras dan como resultado un viaje introspectivo que aborda nociones existenciales y emotivas. Anhelo, caos, tranquilidad e intimidad terminan por redondear el camino en este disco.

Canciones como Hacia el vacío, En medio y Nadie sabe –los tres sencillos promocionales– abordan una vinculación con los sujetos y el tiempo. Sin embargo, el planteamiento general del álbum toma como punto de partida la comunicación.

De acuerdo con detalles del sello que publicó el disco, en él Mabe explora la comunicación “no solo con los otros, sino con uno mismo”.

Apuntan que la compositora vislumbró su álbum desde la idea de la diagramación o cómo el acto de poner algo en un lugar y el proceso de organizarlo mediante palabras.

“Por omisión y torpeza, a menudo hacemos que el proceso de comprensión sea increíblemente complicado”, refirió Fratti en el comunicado del disco que a la vez refuerza la idea mencionada con canciones como Mil formas de decirlo o Que me hace saber esto.

En el periódico británico The Guardian se destacó el segundo disco de Fratti en la sección Álbum global del mes. La publicación apuntó que el disco “inspira a la amplitud interior”.

Será que ahora podremos entendernos puede escucharse en plataformas como Bandcamp, Spotify, iTunes, Deezer y Amazon.

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Su hijo, César Augusto Hernández, comenta que su padre, a la edad de 6 años, empezó con la inquietud por la música debido a que escuchaba misa todos los domingos. Durante esa época había órganos que se llamaban armonios, en los que el sonido era producido por aire soplado a través pedales. El pianista guatemalteco se interesó por ese instrumento y aprendió a tocarlo solo con escuchar la melodía. La primera vez que tocó en público fue cuando un músico se enfermó y había quién lo sustituyera.

A los 15 años ingresó a la orquesta “Armonía en tinieblas”, la cual estaba conformada por un grupo de jóvenes no videntes y así fue como aprendió a tocar piano. Trabajó por muchos años como músico en restaurantes y hoteles.

Durante su adolescencia acompañaba a los cantantes con la orquesta Armonía en tinieblas en el programa Buscando Talentos, de la radio TGW.

En 1980 grabó su primer disco, Nuestra música al estilo bailable, que salió a la venta en 1981. En ese material figuró la melodía Linda Kelly, canción que dio a conocer por toda Guatemala. A partir de esa fecha el pianista grabó más de 56 discos y ganó su primer Disco de Platino por mayor venta de Vamos a bailar.

Entre sus composiciones más famosas se encuentran las cumbias Sebastián y El Chivo Mayor; Recuerdos de Ipala (corrido) y el Merengue en Do. Además, Cachacero, Puerto Alegre, Bailando en Purulhá, Inquieto y muchas otras.

Fue invitado por la Organización de los Estados Americanos (OEA) para un recital de piano, en el que interpretó música guatemalteca como Luna de Xelajú.

El hijo del artista comenta que viajaban a los departamentos y asistían a todas las ferias. Siempre lo acompañó y recuerda que visitaron varias aldeas de la Antigua Guatemala como San Bartolo en donde tuvo una participación en vivo en una de las procesiones. Sobre una tarima el artista interpretaba sus melodías con un órgano y un teclado, mientras los fieles católicos realizaban su recorrido procesional.

Ha compuesto diferentes marchas fúnebres, entre ellas: Jesús de San Cristóbal, Salve Fray Miguel, Perdón Señor, Jesús de los Milagros a tus Pies, El Beso de Judas; Descendimiento 3 de la tarde y Jesús de Candelaria, estrenadas en el concierto efectuado en el Templo de La Recolección del 11 de marzo de 1988; Se levantan las Andas, estrenada el Domingo de Ramos de 1997, Salmo Responsorial, Sentimiento Filarmónico, Varón de Dolores y Nazareno de los Milagros a Tus Pies.

César Augusto Hernández, además de componer, era un arreglista de marchas procesionales y un fiel católico, devoto de Jesús de Candelaria.

El pianista guatemalteco tuvo destacadas participaciones con la Orquesta Filarmónica (Pop de Guatemala), realizó varios viajes al extranjero, participó en un concurso para presentarse en México, fue reconocido como el “Mejor organista de Guatemala” por la radio TGW en 1977, destacó en el Benemérito Comité Pro Ciegos y Sordos de Guatemala y Asociación Nacional de Ciegos de Guatemala al otorgarle la orden “Luis Braille” y recibió el diploma que lo acreditaba en sus estudios de “Piano Académico” por el maestro Juan de Dios Montenegro.

Fue invitado por artistas como Bob Porter,  a quien acompañó en varias melodías en sus presentaciones en el Conservatorio Nacional y en el Gran Teatro. El saxofonista guatemalteco de renombre internacional Humberto, el Fantasma, Sandoval, en sus visitas a Guatemala, llamaba al pianista para que tocaran recitales juntos.

Perder la vista no fue un impedimento para que el artista cumpliera sus sueños en la música.

Para el hijo menor del artista, el mejor legado que pudo dejar su padre es: “No acomplejarse por tener un defecto físico”.

Luego de una batalla contra padecimientos asmáticos, de próstata y vejiga, el artista guatemalteco deja un vacío en la música nacional.

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Su excelsa figura musical lo llevó a ser reconocido local e internacionalmente. Hoy, 30 de octubre, a 157 años de su natalicio, su legado sigue vigente.

Se le atribuyen grandes éxitos de orquesta como las afamadas composiciones La flor del café y Mi bella Guatemala. Por si fuera poco, el Conservatorio Nacional de Música -con una existencia de 147 años- lleva el nombre del compositor.

Su recorrido artístico empezó desde casa. Su padre, Ramón Guerra lo aleccionó durante los primeros años. Uno de los datos interesantes de su vida hace referencia a su apellido, ya que usaba el de su madre; Prudencia Alcántar.

De aquel nicho, Germán empezó a adentrarse en la música instrumentalizando el cornetín. Con el paso del tiempo, su formación se complementó con maestros de la disciplina como Pedro Vissoni, Vicente Andrino, Lorenzo Morales, y en especial con el alemán Emil (o Emilio) Dressner.

Carrera musical

La historia de Alcántara no hubiera sido la misma sin su acercamiento a Dressner, quien se reconoce como un director de orquesta y compositor influyente para la historia sonora del país hacia finales del siglo XIX e inicios del XX.

El alemán dirigió el Conservatorio (mismo que quiso convertir en escuela de música militar), fue reconocido por su ejecución en instrumentos de viento, y por academizar a una generación de músicos relevantes; entre ellos, Alcántara y Rafael Álvarez Ovalle, autor de la composición del Himno Nacional.

La carrera musical de Germán se forjó desde distintos espacios importantes para la época. En 1892 llegó a integrar la Banda Marcial de Guatemala, misma que dirigió hasta 1897. Se dice que la agrupación alcanzó un gran nivel hasta ser reconocida por un tiempo como la mejor de Centroamérica.

Luego de renunciar al cargo por discrepancias políticas con el entonces presidente José María Reina Barrios -de acuerdo con La Historia General de Guatemala-, Alcántara se dedicó a la dirección de temporadas de zarzuela -una forma de música teatral-, y trajo obras de este tipo mediante compañías extranjeras de España y México.

En ese periodo también fue director titular de la Banda de Antigua Guatemala. Durante la época surgieron varias de sus dos obras más representativas (La flor del café y Mi bella Guatemala).

Fue en 1907 que la vida como músico de Alcántara fue consagrada. Asumió como director del Conservatorio Nacional de Música el 5 de marzo y durante su periodo liberó a la institución de una serie de problemas de estructura hasta que se definió el inmueble oficial en la 13 avenida entre 9ª y 10ª calle de la zona 1, según escritos del historiador Carlos Prahl.

El 14 de julio de 1910 la muerte lo sorprendió durante su gestión como el director número once del Conservatorio Nacional. En la actualidad, la máxima institución para la formación pública de bachilleres en música lleva el nombre del recordado compositor.

Piezas memorables

De acuerdo con Ricardo del Carmen Fortuny -violoncelista y catedrático en el Conservatorio Nacional de Música, así como en la Escuela Municipal de Música- las obras de Alcántara se recuerdan por su “peculiar vitalidad y encanto melódico”.

El legado del compositor se relaciona a un hacer musical que cambió la idea de las composiciones hacia finales del siglo XIX; en específico con la música para salón, marchas, valses y mazurcas. Del Carmen Fortuny destaca la versatilidad en las piezas de Alcántara, mismas que han pasado por distintas adaptaciones.

Algunas de las obras emblemáticas del compositor son: Desdén (una canción a dúo), Libre pensamiento (marcha) y Dime que me amas (vals lento).

Destacan por supuesto la mazurca Mi bella Guatemala, presente en los famosos repertorios de marimba y el vals La flor del café, dedicada al poeta Manuel Valle, y que fue premiada en Alemania.

Ernesto Calderón, fundador y actual director de la orquesta sinfónica de la Escuela Superior de Arte de la Universidad de San Carlos, especifica que la importancia de la Flor del café radica en su tradición, ya que por mucho tiempo ha sido una pieza bailada por parejas recién casadas en el festejo matrimonial.

El músico explica que las dos canciones representativas de Alcántara son composiciones influenciadas por ritmos europeos, como respuesta a la escritura heredada por Emilio Dressler.

Legado cultural

Aunque Alcántara murió joven, su herencia propició un nuevo capítulo para la historia de Guatemala. Su trabajo como formador hizo que nuevas generaciones accionaran para la creación de la Escuela Militar de Música, explica Ernesto Calderón.

“El legado más profundo del maestro fue la importancia de incentivar la formación musical como algo académico y profesional”, agrega.

Por su parte, Ricardo del Carmen Fortuny expresa que su música tiene la facultad de llevarnos “a la Guatemala de antaño; la que ya no vuelve”.

El 30 de octubre de 1963, el presidente Miguel Ydígoras Fuentes rindió homenaje póstumo a Germán Alcántara, con motivo del centenario de su nacimiento. La esposa de Alcántara recibió la Orden del Quetzal en nombre suyo.

Los homenajes a su figura se pueden ver en el Conservatorio Nacional de Música que lleva su nombre. Asimismo, su retrato figura junto a los compositores Mariano Valverde y Sebastián Hurtado, en el diseño del billete de Q200.

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“Mi pecado”, el nuevo sencillo de música latina de Alejandro Sago

“A JD Porras lo conozco desde hace varios años y siempre hablamos de trabajar juntos, pero no tuvimos la oportunidad. Fue hasta ahora, durante la cuarentena, que lo logramos. Desde marzo comenzamos a platicar y a ponernos de acuerdo para lanzar un proyecto juntos. Debido a que no nos podíamos reunir en persona la producción de la canción se atrasó, pero estamos muy contentos con el resultado. La canción va a salir en el momento adecuado, justo cuando tenía que salir”, comenta Sago.

En agosto pasado el guatemalteco lanzó el sencillo original Mi Pecado, aunque para en fecha ya estaba terminado el remix, la decisión de no lanzarlo fue porque tenía la ilusión de presentarlo con un vídeo especial, el cual no estaba listo para esa fecha.

Sago explica que la idea original era lanzar únicamente el remix, pero al no tener el videoclip, decidió publicar la canción original porque, debido a la pandemia del covid-19, era un momento en donde las personas necesitaban más de la música y el entretenimiento, por lo que sintió que debía complacer a su público.

“Mi Pecado Remix” fue producida junto con Juan Fernando Herrera de 502 Studios, al igual que los sencillos anteriores de Alejandro Sago, en un lapso de tres semanas aproximadamente.

El videoclip

La canción viene acompañada de un video que fue producido por solo talento guatemalteco. Además de Alejandro Sago y JD Porras, se tiene la participación de Juan Carlos Saravia y Juanjo Letona, creador de efectos especiales y productor audiovisual, respectivamente.

“Juan Carlos Saravia, mejor conocido como Rabidxuan, lo encontré en Tik Tok. Yo no uso esa aplicación, pero una vez vi un vídeo de él en donde está un Transformer sobre un columpio en Tikal Futura. Me gustó mucho y lo contacté para que trabajáramos un vídeo juntos para mi canal de YouTube. Tuvimos muy buena conexión que mejor decidimos trabajar en el videoclip de la canción. Él después me presentó a Juanjo Letona y ya trabajamos juntos los tres”, expone Sago.

 

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¡Hoy cumplo 1 año desde que me metí al rollo los efectos especiales y animación 3d! Esta es una compilación (Demo Reel) con algunos de mis videos favoritos. Las tomas de drone son por el máster de FPV @nonstop_aerovisual ¡Sígueme para ver más!

Una publicación compartida de Juan Carlos Saravia (@rabidxuan) el 18 Jul, 2020 a las 10:40 PDT

El vídeo también tuvo apoyo de algunos seguidores de Alejandro Sago, quienes al estar en diferentes países siempre estuvieron dispuestos a colaborar y formar parte de este proyecto que, según el artista, podría marcar un antes y después en su carrera musical. La producción del vídeo les tomó aproximadamente dos semanas, pero la organización de ideas comenzó desde marzo.

“Creo que es el proyecto más grande que he presentado, no solo porque la canción sí contará con vídeo, sino por la producción y por los talentos que están participando. Me alegra haber trabajado con personas de Guatemala y de involucrar a quienes siempre me apoyan, a quienes me regalan unos minutos de su tiempo para escuchar mi música y ver mis vídeos. Espero que les guste y estén igual de emocionados que yo”, declara Sago.

 

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Recordando South East Asia a puro Hyperlapse pre-covid #filmmaker #hyperlapse #videoedits #southeastasia #thailand #cambodia #vietnam #singapur #mikevisualedit #makewithblade

Una publicación compartida de Juanjo Letona (@juanjoletona) el 7 Jun, 2020 a las 6:38 PDT

El momento adecuado

Aunque la organización y producción del vídeo les tomó más tiempo del planificado el vídeo es lanzado en el momento adecuado. La pandemia del nuevo coronavirus provocó que las reuniones siempre fueran en línea y durante el día de rodaje se tuvieran que mantener las medias de higiene necesarias, sin embargo, el resultado es el esperado.

“Ahora, en estos tiempos difíciles, es cuando el mundo del entretenimiento, es decir, el arte, tiene que ayudar a su público. El mundo necesita más de artistas, músicos, videógrafos o cualquier creador de contenido para distraerse y volver a ver la realidad con la misma alegría de siempre. Por eso decidí lanzar Mi Pecado Remix, para dar mi granito de arena y ofrecer dos minutos de distracción a todas las personas”, argumenta el artista.

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“La letra de esta melodía es muy particular. Trata acerca de los métodos que utiliza un hombre para conquistar a una mujer, pero la historia se desarrolla en un ámbito extraño. Incluso, hay un momento en donde la chava le cuestiona si habla inglés”, dice el artista.

Sago vivió en España durante varios años para especializarse en música. En ese tiempo observó cómo cada persona utilizaba una técnica o método diferente para enamorar, por lo que dichas experiencias las tomó como inspiración para este sencillo. “Mi pecado” fue escrita de “broma” junto con Juan Fernando Herrera de 502 Studios en enero del 2019, sin embargo, después le vieron potencial a la letra para convertirla en canción. Ambos tenían programado grabarla con artistas salvadoreños, sin embargo, el proyecto no se realizó y guardaron la canción.

En enero de este año decidieron retomar la producción y después de unas de semanas de trabajo, la concluyeron. “Habíamos decidido que lanzaríamos el sencillo para Semana Santa, sin embargo, por la situación de la covid-19 se suspendió, pero ahora ya es momento de avanzar y retomar los proyectos que tenemos planificados”, comenta.

Para el cantautor, después de estar aproximadamente cinco meses en confinamiento, es momento de continuar con su carrera artística. “Tengo claro que la cuarentena debe seguir porque la situación con el covid-19 en el país todavía no está resuelta. Por ello, seguiré mis proyectos desde mi habitación, en casa. Podría decir que me quitaré la cuarentena mentalmente y seguiré trabajando”, anuncia.

Vídeo musical

Mi pecado viene acompañado de un vídeo lírico, que fue producido y dirigido por Sago desde su habitación. Gracias a la experiencia que ha tenido frente a la cámara, por su canal de YouTube en el que muestra la cultura de los países que visitó, logró que el proceso de este vídeo musical no fuera muy complicado.

El principal reto fue producir un vídeo divertido, en el cual las personas notaran la esencia que lo caracteriza en su material publicado en YouTube. “Quería que quien lo viera, notara que soy el mismo que hace vídeos en el blog, me caracterizo por ser muy alegre y auténtico. Me gusta buscarle la alegría a la vida y por eso trato de estar bien siempre”, opina.

Meta de seguidores

Desde su canal de YouTube “Alejandro Sago Vlogs”, el artista demuestra que también le apasiona la producción audiovisual. En este espacio además de mostrar la cultura de Guatemala, ha realizado bromas y compartido su opinión acerca de algunos deportes.

Debido a que estaba acostumbrado a grabar vídeos al aire libre, estos últimos meses han sido complicados respecto al proceso creativo ya que ahora los tiene que producir desde su habitación. Sin embargo, esto no ha sido impedimento para innovarse y continuar con producciones de calidad, entretenidas y divertidas. Por ello, se siente emocionado porque cada vez está más cerca de llegar a los 20 mil suscriptores, “algo que no muchos en Guatemala han conseguido”, comenta.

“Por broma, en una ocasión dije que me dejaría crecer el pelo y la barba y cuando llegara a los 20 mil suscriptores me rasuraría. Ahora el reto es en serio y cuando llegue a esa cantidad de seguidores, lo haré. Me emociona saber que cada vez mis vídeos pueden llegar a más personas”, expresa.

Cambios positivos

El confinamiento trajo para el artista guatemalteco cambios positivos, ya que en los últimos meses ha trabajado en sí mismo, en ganar confianza y perder miedos que siempre ha tenido. Cuenta que al inicio, le fue difícil porque siempre ha estado rodeado de más personas, amigos y familia, pero la cuarentena lo llevó a enfrentarse a la soledad y resolver conflictos internos.

“Ahora no tenía distracciones para enfrentar esos miedos. Entonces, reflexioné y me di cuenta de que había algunos aspectos que no me gustaban de mí. Me tomé el tiempo de trabajar en ellos y poco a poco comencé a ser realmente feliz con quien soy y lo que tengo. Incluso, me animé a hacer cosas que no imaginé. Por ejemplo, abrir mi cuenta en la plataforma Twitch, en donde hago vídeos en vivo todos los días”, declara Sago.

Este cambio, según indica el artista, se verá reflejado en sus próximos vídeos de YouTube, el público podrá percibirlo más auténtico y alegre.

Cuando la situación de la pandemia mejore y sea pertinente viajar, Sago considera que tomará un año para conocer otros países y crear nuevo contenido para su blog. Además, convencido que la música es su pasión y que quiere dejar huella en la escena artística, seguirá lanzando nuevo material musical.

En lo que resta del año Mi pecado tendrá un remix con dos o tres cantantes guatemaltecos.

Trayectoria

El cantautor empezó su carrera musical en el 2015, cuando debutó con el tema Ilusionado, que se caracteriza por tener un ritmo de merengue electrolatino. Continuó con Suave, en el 2016, en el cual le canta a esa chica con la que, sin prisas, busca entablar una relación afectiva.

Después, con el sencillo Conmigo te vas a venir, exploró el reguetón y con la letra trató de exaltar los atributos de la mujer que con su belleza es capaz de cautivar a “cualquier mortal”. En enero de 2017 lanzó Soñando contigo, en el cual narra dos historias: en una parte la relación cariñosa que existe entre dos personas y luego, la ilusión de descubrir a la persona ideal, de enamorarse. Debido a la temática, decidió que la canción sería una balada. Después continuó con Te estaba esperando, Más de lo que esperaba, Temblando y Pensando en ti.

Delirio lo presentó a finales de febrero 2020. Con una mezcla de ritmos latinos y electrónica, canta a las personas que, por depresión u otras circunstancias, buscan desahogo en las fiestas y alcohol.

Para Mabe Fratti, ese camino no dista mucho del que transitaba antes de la llegada del covid-19 a México, donde reside desde hace cuatro años. Aun así, durante los últimos meses en cuarentena se ha visto obligada a seguir improvisando y definiendo nuevas pistas sonoras con su chelo, voz, algunos sintetizadores y una computadora.

Aunque el confinamiento de la chelista ha sido productivo musicalmente, también fue víctima de la ansiedad provocada por el covid-19. “Me costó arrancar. Para ser creativa debo permanecer en un estado de tranquilidad. No soy una persona que toma el enojo para canalizar”, confiesa la guatemalteca detrás de una pantalla en Ciudad de México.

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El mundo sonoro de Fratti se sitúa en un punto difuso entre la realidad y lo onírico. “Me gusta sentirme suave y en trance. Me agrada la energía rítmica que se logra con el chelo”, dice la creadora. En su música, los sueños y la introspección se hacen uno.

Dichas consignas pueden evidenciarse en las producciones de la compositora. En mayo del año pasado lanzó Pies sobre la tierra, un disco de ocho piezas en las que dejó ver un entramado sólido que se construye desde la nostalgia y la grandilocuencia.

Al álbum le siguieron reconocimientos en medios especializados de música como Remezcla, donde se dijo que la producción “es una experiencia auditiva etérea y diabólicamente inmersiva”. En la música de Mabe también hay densidad y oscuridad.

Para la guatemalteca, sus sonidos son un balance de energías entre lo digerible y lo no digerible, así como algo que nace de la intuición; sin embargo, prefiere verlos como un juego. “La música experimental es como un juego que puedo ir disminuyendo, pero que no deja de serlo. También puede convertirse en algo muy diseñado para que tenga éxito en lo comercial”, apunta.

Del otro lado del globo

Pies sobre la tierra fue lanzado por el sello mexicano Hole Records. Al tiempo, el álbum fue considerado por la disquera británica Tin Angel Records y con ello, se logró su distribución digital en Europa, Asia y Oceanía. “Y luego, pasó todo”, relata Fratti.

Su apertura en la disquera británica le posibilitó hacer una gira por Europa a inicios de este año, junto a otros integrantes del sello, así como con una banda que incluía al trombonista y compositor Peter Zummo. Para la historia musical de Mabe, tocar junto a Zummo fue una realización como pocas.

El trombonista solía ser parte de la banda del chelista Arthur Russell, quien fuera un productivo músico estadounidense que gestó una carrera algo desconocida entre las décadas de 1970 y 1980, y que adquirió más reconocimiento después de fallecer en 1992.

Del otro lado del mundo, durante algunas semanas de febrero y marzo, la chelista logró estar en contacto con alguien que, a la vez, fue próximo a Russell, a quien Mabe considera como un ídolo. Además de Zummo, la guatemalteca interpretó junto a ensambles que se integraron durante la gira que se extendió por Inglaterra, Dinamarca, Berlín y Colonia.

Para finales de marzo, el júbilo empezaba a difuminarse. Las noticias de la propagación del nuevo coronavirus incrementaban y con ello, también la disposición del cierre de fronteras internacionales en México. Mabe se debatía entre continuar con la gira europea, o bien, regresar. Decidió lo segundo.

En su llegada al país sintió algo de angustia, pero no se vio impedida para seguir practicando las seis horas diarias de chelo que acostumbra, así como la improvisación, grabación y escucha de las sesiones.

Su regreso a México permitió la culminación del recién estrenado disco corto titulado Se Parece A, que incluye tres canciones, de las cuales dos se trabajaron junto a la violinista mexicana Gibrana Cervantes. La tercera, apuntó la chelista, habla de “alguien que siente que un fantasma vive dentro de ella”.

Nuevas coordenadas

“Necesito estar tocando. En los últimos años expandí ese lenguaje. Entendí más de la improvisación a través de ver la música desde distintos lugares”, responde la compositora cuando se le pregunta acerca de su proceso de creación.

Dicha ruta musical inició a los ocho años cuando acompañaba a su hermana a las prácticas de violín en un ensamble. Se interesó en la música debido a ese acercamiento e intentó iniciarse con el piano. No fluyó, pero fue con el chelo que encontró una conexión.

Con los años participó en recitales de música clásica. No obstante, la disrupción y lo desconocido empezaban a llamar su atención. Llegada la juventud, accionó desde bandas que a la fecha representan una generación musical nacida de la mano del sello guatemalteco Bajo Presión Records.

Entre esas acciones, gestadas durante 2010, destacaron las agrupaciones MOZ y Fraaek donde Mabe participó con el chelo y su voz hasta 2016. Un año antes, Mabe habría participado de una residencia musical en México, donde exploró desde otros ángulos su instrumentalización. En 2016 se estableció en el país convencida que allá encontraría una respuesta a sus intereses experimentales.

Sea en México o en Guatemala, Mabe ha hecho de su obra una ambivalencia entre las producciones en solitario, así como en colaboraciones. Dice que sobre todo es con sus amistades que ha aprendido y encontrado inspiración gracias a los diálogos emparejados dentro de un interés por las artes.

Muestra de ello son las imágenes que acompañan sus canciones y discos, las cuales son realizadas por el fotógrafo guatemalteco Kevin Frank. Su colaboración se ha dado desde los primeros lanzamientos de Mabe hasta la fecha.

Otra de las colaboraciones de Fratti surgió alrededor del disco Planos para construir, publicado mayo de este año. Las siete canciones que le dan forma surgieron como pistas sonoras que quedaron fuera de Pies sobre la tierra, y que fueron intervenidas con las letras de poetas, como la guatemalteca Vania Vargas.

Las colaboraciones son instintivas porque se vuelven muy biográficas, dice la chelista. Cada alianza se basa en un diálogo en el que una persona aprende de la otra. “Voy aprendiendo del lenguaje de alguien. Es un gran ejercicio escuchar cosas que consideramos interiores”, expresa.

En ese sentido, aplican también las alianzas que ha hecho junto a otras mujeres mexicanas. Entre ellas, Camille Mandoki, Gibrana Cervantes, Concepción Huerta, con quienes integra la banda Amor Muere, cuyo disco debut planea lanzarse a finales de 2020.

La guatemalteca está convencida de la fórmula y lo que puede gestarse a partir de esa unión, específicamente con mujeres. “Hay una acción política de hacer música con mujeres y estar consciente que es una voz que no es normalmente amplificada, que está debajo de la tierra y se debe escarbar”, apunta.

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Diez años después de acostumbrarse a escenarios, improvisaciones y experimentos -entre ellos instalaciones sonoras- para Mabe hay más confianza. La respaldan sus constantes producciones, las apariciones en festivales, colaboraciones incesantes y reseñas en sitios de distintos países. Pero sobre todo, el ímpetu de no dejar de crear.

“Siento que ya no le tengo miedo a mis decisiones. Ahora puedo ser más curiosa. En vez de dudar de mí, lo hago de otras cosas que se relacionan a la música en sí. Y eso está chido”, expresa.

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De acuerdo con Rodrigo Maldonado, integrante del grupo, el álbum cuenta con siete temas que están arreglados para que la agrupación tenga un sonido más fuerte y parecido a una banda de rock. Ahora utilizan dos marimbas, un bajo eléctrico y una batería. En su primer álbum, Resonar de dos mundos, publicado en 2018, estaban acompañados de un coro, violonchelo y clarinete

“Para el primer disco, éramos aproximadamente 23 personas. Para este –Divertimento-, somos cinco: Manolo Cruz, Daniel González, Hilda López, Herson Choguix y Rodrigo Maldonado”, dice el fundador del grupo.

De los siete temas que conforman el disco, uno es instrumental orquesta y el resto son basadas en experiencias personales y artísticas. Por ejemplo, Reino de asfalto, habla acerca del tráfico de la ciudad. Además, hay un tema que Maldonado escribió cuando su hija tenía 5 años, por lo que la canción está conformada por cinco compases. Caballero Negro, se basa en la leyenda de una nave espacial que vigila la tierra y tiene el mismo nombre.

Concierto

Marimba Contemporánea tocará en vivo por primera vez los temas de su nuevo álbum en un concierto íntimo hoy, 5 de marzo, en el Teatro de Cámara Hugo Carrillo, del Centro Cultural Miguel Angel Asturias a las 19 horas.

En la presentación los acompañará María Libertad Sáenz, en el violonchelo, Oscar Guillén en el clarinete y Sergio Valle en el piano. Las entradas estarán a la venta en taquilla por Q60.

Trayectoria

El grupo fue fundado en el 2015, con el deseo de innovar las melodías tradicionales en marimba. Comenzaron experimentando con arreglos musicales para interpretar con este instrumento canciones de AC/DC, Metallica, Pink Floyd, Deep Purple, entre otros.

Luego hicieron un homenaje a la saga de Star Wars, con una puesta en escena junto al coro Estudio Coral, el percusionista Omar Serrado y la compañía de danza CHEVÁ. En el 2017, durante las celebraciones del 50 aniversario de la entrega del Premio Nobel a Miguel Ángel Asturias, estrenaron su primera obra de música original, que consistía en 13 canciones inspiradas en la literatura del escritor. Este material fue presentado en tres ocasiones: en el Teatro de Cámara Hugo Carrillo, en Filgua del mismo año y en la Gran Sala Efraín Recinos del Centro Cultural Miguel Ángel Asturias.

En abril del 2018 presentaron su primer álbum Resonar de dos mundos. Han colaborado con varios artistas nacionales como Rebeca Lane, en sus melodías Obsidiana e Isla de Átomos, el DJ Pako Rodríguez en un tributo a Avicci durante el Empire Music Festival 2018.

En noviembre del mismo año recibieron el premio Estela en la categoría mejor álbum del año, por Resonar de dos Mundos, y en la categoría mejor canción marimba con La Granizada. El año pasado la melodía La Resistencia, del álbum Divertimento, fue nominada a mejor canción marimba.  

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El artista tiene claro que su primera pasión es la música, por lo que desde su última canción Pensando en ti, en donde deja ver una faceta sentimental y nostálgica, decidió que no tenía que dejar pasar mucho tiempo para lanzar otro sencillo y así estar presente en la escena musical y que su público lo fuera reconociendo.

“Mi sueño de toda la vida es ser músico, el problema es que es una carrera cara. Pero, ahora que he creado y tengo una audiencia que espera mi contenido, como los vídeos de YouTube, considero que es el momento de regresar a la música, porque ya tengo más público a quien presentarles mis canciones”, dice el cantautor.

La producción

“Estoy cansado de tonterías, yo me voy de party. Ya no pregunten de mi vida, que yo doy detalles”, inicia la canción de Sago, quien comenta que la letra está inspirada en aquellas personas que están pasando por momentos difíciles y deciden desahogarse o buscan escape en fiestas, reuniones con amigos y alcohol.

“He visto cómo personas cercanas han caído en ese estilo de vida, en el que uno las ve bien por fuera porque siempre andan riendo, en fiestas y divirtiéndose, pero por dentro tienen muchos problemas. De forma superficial, la letra solo habla de que la vida da igual y se quiere ir de fiesta, pero al analizarla, se dará cuenta de que es un grito de auxilio”, relata Sago.

Además, agrega que esta es la forma en la que les demuestra a sus amistades que pueden contar con él para afrontar los problemas.

La producción de Delirio llevó un proceso de varios meses, fue producida por Juan Fernando Herrera en 502 Studios. Para escribir la letra se tardó, aproximadamente, tres días, porque ya tenía la idea de que quería hacer un tema para sus amigos.

Sago fue el productor y el encargado de la post producción del videoclip del tema, que ya está disponible en YouTube. A pesar de que se presentaron inconvenientes porque al inicio varios amigos y conocidos le dijeron que lo ayudarían, pero después ninguno pudo, el cantautor está satisfecho con el resultado porque considera que sí se transmite el mensaje deseado.

Su trayectoria

El cantautor empezó su carrera musical en el 2015, cuando debutó con el tema Ilusionado. Con un ritmo de merengue electrolatino, el tema está dedicado a esa persona que todos tenemos en mente como “ideal”, pero que no sabemos cómo es físicamente. Luego, continuó con Suave en donde le canta a esa chica con la que, sin prisas, se busca entablar una relación afectiva.

En su carrera musical le ha apostado a las baladas y al ritmo urbano. Con su sencillo Conmigo te vas a venir exploró el reguetón y con la letra trató de exaltar los atributos de la mujer que con su belleza es capaz de cautivar a “cualquier mortal”. En el vídeo, dirigido por Jorge Cifuentes, Sago busca conquistar a una chica. En las tomas se aprecia locaciones del Centro Histórico.

En enero de 2017 lanzó Soñando contigo, con la que narra dos historias: en una parte la relación cariñosa que existe entre dos personas y luego, la ilusión de descubrir a la persona ideal, de enamorarse. Debido a la temática, decidió que la canción sería una balada. Después continuó con Te estaba esperando, Más de lo que esperaba, Temblando y Pensando en ti.

Su pasión por lo audiovisual

Alejandro Sago ha vivido en España para especializarse en la música. Durante el tiempo que ha estado en dicho país descubrió su pasión por la producción audiovisual, por lo que también se ha dedicado a crear vídeos en donde muestra la cultura del país europeo y cuando viene a Guatemala también muestra los lugares turísticos y más bellos que ha conocido.

“En una ocasión un amigo me dijo que la vida de cualquier persona es suficientemente interesante como para compartirla. Además, yo siempre tuve el deseo de crear contenido, es fue lo que me llevó a tener mi canal de YouTube. Ahora solo busco lugares que tengan algo que contar, algo curioso que les llame la atención a las personas”, relata.

Los próximos vídeos que el guatemalteco tiene planificado lanzar están enfocados en lugares no tan conocidos, pero que tienen historias curiosas. Tanto de Guatemala como de España no será tomas de las grandes ciudades, sino de lugares más escondidos ya que considera que las personas necesitan y se merecen conocerlos.

En este mes, podrá observar los últimos vídeos de Guatemala, previo a su regreso a España. “Mi plan es publicar el vídeo del partido entre Guatemala y Panamá. También quiero hacer otro de Atitlán y Río Dulce. Aunque ya he hecho otros, creo que siempre se encuentra algo nuevo. Luego serán videos de Europa, porque no será solo España y después otros tres meses será de lugares alrededor de Guatemala, porque quiero ir a México y lugares de Latinoamérica”, comenta.

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Presentamos 10 bandas y/o músicos con propuestas novedosas dentro del panorama nacional, que marcaron un nuevo precedente en el acervo sonoro, durante los últimos meses. Su denominador común lo definen la juventud y la apuesta por detonar géneros que, hasta hace tiempo, eran atípicos en el país.

Cynhtia Fión

Conocida por compartir escenarios y canciones con Kontra Marín, la intérprete dice presente en la escena nacional como solista.

Este año publicó los sencillos, El Juego y Ritual, que se proyectan entre energéticos ritmos pop, y que se guían por tonadas R&B. Aunque se trata de melodías fulminantes, las letras en cada tema de Cynthia aluden a la vulnerabilidad. Es con estos componentes que la artista elabora así un hipnótico, pero contrastante viaje.

Casa de Kello

Un par de cuerdas, un ensoñador sintetizador y un Tengo el corazón estacionado afuera de tu casa, reciben al oyente dentro del más reciente larga duración de Casa de Kello, “Remoto”.

El álbum de la banda es percibido como un producto elegante donde las distintas capas sonoras nos acogen dentro de un imaginario de ilusiones. En las 7 canciones del corte, los integrantes de Casa de Kello supieron confluir rock, intimidad y desamor. “Remoto” se siente como una nueva posibilidad de musicalizar una actual o próxima relación amorosa.

Bubó

Hace dos años Bubó debutaba en el radar nacional con una propuesta eminentemente pop que se aderezaba con tintes psicodélicos. Este año, con el lanzamiento de su más reciente producción, la fórmula fue invertida.

Bajo el título de “A Rudy No Le Gusta El Hardcore” Bubó se arriesga con su nuevo disco -entre guitarras y baterías constantes- en un paraje más abstracto (y a veces estruendoso), para demostrar por qué la reinvención es una de las formas de supervivencia más efectivas en la música.

Valerie Rigalt

Hay algo de mágico en la música de Rigalt. Quizá esto se deba a la literalidad de sus canciones que, aludiendo a fenómenos climáticos o estacionarios, logran entregarnos las mismas sensaciones que sus títulos: “Verano” es un abrazo cálido que incrementa con el sonar de las cuerdas, mientras que “Lluvia” se percibe como un nostálgico episodio que propicia la modesta voz de su cantautora.

Sea cual sea el estado emocional o climático en que se escuche, la música de esta joven es un acercamiento puro hacia la sensibilidad.

Asimov

¿Se ha preguntado cómo se sentirá estar y no estar a la vez? Aunque esto responda a una paradoja, puede que el álbum debut de Asimov, “Todo lo que buscamos es desaparecer”, se acerque a esa figura.

Con la aleación de los géneros shoe-gaze y dreampop, el cuarteto ha interpretado la melancolía en un disco que, más allá de ser un ave rara para la música nacional, es un espacio donde todas las personas pueden encontrar un aliciente.

Mabe Fratti

Exintegrante del proyecto FRAAEK, y actual residente en la Ciudad de México, la cellista Mabe Fratti consolidó este año su primer álbum bajo el título “Pies Sobre la Tierra”.

Con una narrativa que se cuela por distintos territorios abstractos, Fratti configura desde la electroacústica y sus vocales un cuadro sonoro tan diverso, como disruptivo. El disco resulta ser, según la artista, un viaje por “un lugar de relativa libertad e ilusión”. [bandcamp width=100% height=120 album=3312602781 size=large bgcol=ffffff linkcol=0687f5 tracklist=false artwork=small track=1310696525]

Nachi Cae

El primer disco del cantautor Nachi Cae es un acercamiento a la intimidad que como “Hombre” (título del álbum), ha hilvanado desde sus relaciones interpersonales.

Remitiéndose a territorios geográficos y en ocasiones, a los momentos del día, la producción es un transcurrir por las emociones más crudas de una persona que decide abrirse desde la música, sin prejuicios. [bandcamp width=100% height=120 album=2732599676 size=large bgcol=ffffff linkcol=0687f5 tracklist=false artwork=small]

YECTO

La propuesta musical de este joven es tan enigmática como su nombre, pero algo que queda claro después de escucharlo son las réplicas llenas de color, aún cuando sus dos canciones (“Más Allá” y “Ola”) han terminado.

Las vibraciones de sus tonadas pop se acrecientan con cada segundo que transcurre, hasta hipnotizar al oyente dentro de un escenario líquido y sensato. Un proyecto para no quitarle la vista de encima.

El Orden Natural de las Cosas

Una orquesta que musicaliza el final de una escena épica o bien, el inicio de una. Así podría interpretarse el sonido de esta banda post-rock que lanzó su primer sencillo este año: “Coexistir”.

Sin necesidad de voces, la canción magnifica lo contemplativo, detonando entre la poderosa batería y cuerdas. Aunque posee un solo track, El Orden Natural de las Cosas se vislumbra en el panorama nacional como uno de los proyectos más contundentes que ha visto la luz en los últimos meses. [bandcamp width=100% height=120 track=4125411154 size=large bgcol=ffffff linkcol=0687f5 tracklist=false artwork=small]

Dinosaur 88

La historia de este dueto se remonta a 2016 cuando publicaron su primer material, “Giant Ghosts”.

Tres años después de ese momento, Dinosaur 88 publicó “Ukiyo”, un disco que manifiesta desde matices electrónicos una apreciación del paso del tiempo. Aunado a esto, hay momentos donde tópicos como la protesta y la añoranza emergen desde rincones instrumentales.  [bandcamp width=100% height=120 album=232440701 size=large bgcol=ffffff linkcol=0687f5 tracklist=false artwork=small]

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Desde que irrumpió en la escena local de la música en 2015, Tool ha destacado por llenar su rap de letras de crítica social y sátira, con temas como No les toca, Qué chilero, Con su permiso o Chapinada. Esto lo combina con una actitud irreverente que le ha valido alguna que otra polémica pero también le ha generado miles de seguidores en las redes sociales.

El músico, quien radica en Suecia desde hace varios años, aprovecha cada vez que viene a su tierra para impulsar obras de servicio social, las cuales también promueve desde el extranjero.

A pocos días de su show, Tool habló con Prensa Libre sobre cómo percibe su trayectoria, su altruismo, y su lugar en el rap nacional.

El concierto será el 28 de diciembre, las 20 horas, en Gran Teatro Delirio (km 7.5 final del bulevar Los Próceres). Costo de la entrada: Q150.

Comenzaste tu carrera en 2015 y desde entonces no habías tenido un show en vivo. Muchos se preguntarán seguramente, ¿por qué te tardaste cuatro años en presentarte en concierto?

Razón número uno: vivo del otro lado del charco y no es tan sencillo como agarrar la 65 del Obelisco para llegar a la avenida Elena; eso sí, es más seguro venir en un avión sin gasolina que subirse en esas camionetas. Razón dos: no vivo de la música y si tardé cuatro años en hacer el concierto, será porque hasta ahora se alinearon las estrellas.

¿Cómo elegiste a los otros artistas que te acompañarán?, ¿cómo surgieron estas colaboraciones?

De Suecia me acompañan dos grandes amigos: Chembri Torrez (corista) de Jinotega, Nicaragua, y mi pianista y productor Oldrich Gonzáles de La Habana, Cuba. En el show también contaré con invitados: Blu Martínez, Juan Luis Aguilar y el rapero Lou G.

¿Cómo te has estado preparando para el show?

Hemos estado ensayando durante todo el año. La verdad que ha sido súper divertido, sobre todo el poder contar con Oldrich Gonzales, pianista cubano internacionalmente reconocido, sobre todo por su participación con Afro Cuban All Stars.

¿Qué se siente cada vez que regresas a Guatemala y tu nombre es más conocido?

Pues lo primero que siento son alergias por la contaminación, pero la alegría de ser reconocido puede más que la picazón de ojos que me afecta. Es bonito que reconozcan el esfuerzo que hacemos para querer cambiar a Guatemala estando tan lejos de aquí en carne y hueso pero más cerca que nunca si del corazón hablamos. A mí se me reconoce por las actividades que tenemos, la música está de segundo plano, no es lo más importante de mi proyecto.

Parte de tu carrera ha estado muy ligada al altruismo. ¿A qué se debe?, ¿crees que este sentido “social” hubiera sido diferente si te hubieras quedado en Guatemala?

No puedo decir nada acerca del “hubiera”, puedo decirte que nací bajo las faldas de una madre que es capaz de quitarse el pan de la boca por dárselo al que más lo necesite. Yo inicié este proyecto musical con el único objetivo de crecer en redes para luego utilizarlas de forma positiva en esta sociedad enferma que tanto lo necesita y hasta este momento puedo decir “misión cumplida”.

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Gracias a @lechuboy por darme la oportunidad de ser parte de esta actividad por tercer año consecutivo, gracias a los amigos de la @5tacolumna por llevar una sonrisa cada año a estos niños que tanto lo necesitan. Gracias a todas las personas que fueron parte de esta actividad. @nueve.un

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¿Qué tanto ha influido en tu carrera que hayas estado en Suecia desde hace varios años?, ¿crees que la historia hubiera sido diferente si te hubieras quedado?, ¿qué estarías haciendo si no fuera música?

El estar en Suecia, un país que nos deja en el pasado a millones de años luz, definitivamente ha influido en mi forma de ver las cosas. Aquí (en Guatemala) todo el mundo anda dormido dentro de su burbujita caquereando en un olla de cangrejos, es difícil ver la realidad cuando se vive así. Aquí diez muertos diarios es normal; si me hubiera quedado sin duda sería uno de ellos.

¿Cómo es tu proceso creativo?, ¿cómo surge la inspiración y cómo lo trasladas a letra y música?

Hay miles de temas importantes que tocar en un país como el nuestro, no digamos en toda Latinoamérica. Yo suelo escribir una parte de la canción y luego me siento junto al productor a crear una pista, luego grabo en el estudio que tengo en mi casa y después el productor se encarga de hacer el resto. Siempre me involucro en la producción, la canción tiene que sonar como a mí me guste.

Hay una gran expectativa por tu show. ¿Qué se siente saber que muchas de estas personas te van a ver por primera vez de cerca y que desde hace mucho tiempo compraron sus boletos para el concierto?

Estoy contento, porque es una experiencia para mi vida. Es emocionante todo este viaje, desde los ensayos hasta la venta de boletos, el planear el show con el concepto que tenemos ha sido sin duda una experiencia. Claro que es bonito saber que alguien aprecia lo que haces, es un bonus, pero realmente no hago nada en mi vida por quedar bien con alguien o por hacer sentir bien a alguien. Cuando te aprecias a ti mismo, muchos lo harán también.

¿Qué es la parte más difícil de ser un artista irreverente?, o, mejor dicho, ¿con qué parte es más difícil lidiar cada vez que publicas alguna opinión que causa polémica en las redes sociales?, ¿llegas a acostumbrarte a esto o es cada vez más difícil debido a la fama y tu trabajo social?

Nada de difícil. Vivo en Suecia, tengo mi refrigeradora con comida todos los días del año, cada año viajo a conocer distintas culturas, en el amor me ha ido fantástico, tengo una familia súper linda y sobre todo, tengo salud. A esto súmale que tengo un fuego por dentro que no se apaga y que está vivo por hacer algo por este país, un fuego que muchos estando aquí no tienen. Por las redes siempre existe la envidia, los parásitos, pero yo no tengo nada que envidiarle a nadie, tengo una vidaza y aun así, no dejo de hacer cosas por nuestra gente y lo hago porque me nace y no por pretender que me den un premio o que alguien me alimente; lo tengo todo y más, me metes un tiro ahora y feliz de la vida me muero. Practico lo que predico y ahí está el detalle.

A estas alturas, después de un disco, varios lanzamientos musicales, videos y más de 50 mil seguidores en Facebook, ¿qué lugar crees que tiene tu música en la escena del hip hop local?

Pues la verdad me considero un ignorante en el tema de la escena del hip hop en Guatemala y el mundo. Lo que sí te puedo decir es, que las obras sociales que este proyecto realiza, dan mucho de qué hablar y sirven de inspiración y eso es lo importante.

Cuando comenzaste a darte a conocer estábamos en medio un estallido social en Guatemala, durante las protestas y el descontento popular que contribuyeron a que renunciaran el expresidente y la ex vicepresidenta… la gente estaba más unida. Todo eso te inspiró para tus primeros temas, al igual que otras cuestiones de la realidad nacional. Ahora que todo está más polarizado en asuntos de política y que han surgido nuevos debates relacionados con el feminismo o el medioambiente, ¿has encontrado dificultad para llegar con tus letras a algunas partes del público?, ¿te aferras alguna postura determinada o al contrario?, ¿cómo logras equilibrar todo esto y llegar a la mayor parte de las personas con tus letras?

Mi público es totalmente orgánico y el que quiere estar aquí pues que esté, y el que no, que se vaya pero normalmente siempre regresan. Yo hago y digo lo que yo considero que está bien dentro de mi mundo; cada quien decide qué sentir con lo que yo publico, cada quien se expresa como quiere y dice lo que piensa, cada quien es su propio mundo.

¿Qué viene después de este concierto?, regresas a Suecia y, ¿en qué empezarás a trabajar?, ¿serán más frecuentes tus shows?

Sigo enfocado en ayudar a escuelas, y si tengo que hacer más música para poder generar mas ayuda entonces lo haré. Hacer un show en Guatemala de entrada requiere de US$4 mil en tickets de avión, sueldos de músicos y muchos gastos más, somos tres los que tenemos que dejar nuestro hogar para venir a compartir con ustedes, y el estar aquí en esta ocasión es un sueño hecho realidad. Yo amo a este país y espero que podamos venir pronto y hacer un show con todos aquellos que se lo perderán.

¿Qué mensajes tienes para las personas que irán a tu concierto?, ¿y para los que te han escuchado pero aún no se animan a comprar su entrada?

Que se vayan preparando para vivir una nueva experiencia, mi show es un viaje por Guatemala, tanto musical como escénico, esto se va a descontrolar.

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Próximamente se presentarán en nuestro país por primera vez, como respuesta a la demanda de conciertos de música alternativa de calidad tanto local como internacional.

Respecto a qué esperan de su presentación, Joaquín Martínez, bajista de la agrupación comenta que saben que hay gente en Guatemala que escucha su música, por lo que buscaron la oportunidad de traer su show y ahora únicamente desean que el público disfrute del evento tanto como ellos, de principio a fin. “Esperamos que se dejen llevar, que se conecten con nuestra presentación y con el momento presente, para que vivan la experiencia con todos los sentidos”, comenta.

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En cuanto al set de canciones que interpretarán, la banda promete una mezcla de sencillos bailables con otros melancólicos y que recorrerán toda su discografía. Además, el músico comparte la noticia de que la agrupación acaba de grabar un video para un track inédito que formará parte de Presente, su cuarto álbum de estudio, y que lo estrenarán en menos de un mes.

La otra gran promesa del evento es el lanzamiento del nuevo EP de la banda nacional Casa de Kello. Aunque el proyecto inició hace varios años, en 2018 se integró una nueva alineación que logró aglutinarse a la perfección para dar a sus seguidores una mezcla de sonidos de los géneros indie, pop y rock, combinada con la melodiosa voz de Maynor Figueroa.

El predecesor de Tercera guerra mundial, un EP en el que incluyeron temas como Infinito, Ave pasajera, Crimen perfecto y El tren se titula Remoto y contendrá siete temas. “El disco tiene la esencia lírica que caracteriza a la banda. Las letras giran alrededor del ciclo de vida de una relación sentimental. En cuanto a la música decidimos mezclar nuevas texturas para encaminarnos a nuevos sonidos”, explica el baterista Fernando Sierra.

Figueroa asegura que Infinito, This is Love y Tercera Guerra Mundial, y los temas del nuevo material formarán parte del repertorio que presentará la banda en esta noche tan esperada.

Además compartirán escenario con las agrupaciones Cameo Dr, que sus integrantes definen como  un proyecto que aúna las influencias del indie rock y el dark-pop con tintes stoners del desierto californiano y que está inspirada por el paraíso urbano de las metrópolis del mundo, y Mila Verte, una banda que acorde a su bajista, Rubén López, define su estilo a modo de broma como minimal mosh, que para ellos significa buscar algo que tenga cierta visceralidad sin que sea permanentemente explícita, y que conjugue bien con letras más poéticas.

El concierto se llevará a cabo este sábado 19 de octubre en el Teatro Lux (6ta avenida 11-02 zona 1)  a partir de las 19 horas.

Puede adquirir sus boletos en preventa hasta el 18 de octubre a través de esta página web por Q150 o en taquilla el día del evento a Q200.

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La canción se titula More Amore y su video inauguró recientemente la iniciativa Todoticket Presents, que consiste en una plataforma en la que se dará a conocer el talento de los artistas locales a través de producciones digitales.

El amor es un tema recurrente en todas las ramas de arte. Pero, ¿por qué Ishto Juevez le canta al amor?  “Aunque la radio, la televisión y la web están saturadas de amor romántico, desamor y sexo, a la gente no pareciera importarle mucho enterarse de estos males ni al artista enfocarse en ellos. Me di cuenta que debía dirigirme hacia lo que veo: la necesidad de ser empático con el mundo en su estado actual y celebrar la esperanza que eso me trae. Por eso escribí la canción”, afirma Juevez.

“En un planeta tan adverso y cambiante como el nuestro se necesita más amor. Por eso la canción es un recordatorio de la importancia de valorar nuestras vidas y de hacernos conscientes de todas las formas de amar”, explica el cantautor, que anteriormente ha tratado temas como la degradación del ecosistema como consecuencia de las acciones del ser humano y la migración.

Y es que la carrera musical de Ishto Juevez empezó muchos años atrás. Sus álbumes publicados como solista son Chapuz Chapin (2013), ELE Migrante (2014) y La Fortuna y sus lados B (2016), todos con canciones muy distintas entre sí, con ritmos pegajosos como soul, folk, “cumbia swingueada saltarina” y hasta los sonidos de una trompeta invisible que el músico hace con sus labios.

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Una buena noche fuera de serie tuvimos ayer en el @sofarantigua , definitivamente se la llevaron Los Rodríguez , hermanos marimbistas talentosos … gracias por estar ahí !!! . . Foto @ilsevonquednow

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En cuanto a cómo ha evolucionado su música desde el lanzamiento de su primer material, Juevez comenta que Chapuz Chapin fue grabado en sesiones improvisadas con sus amigos Juank Hidalgo y Josue Picado, para luego ser mezclado por Franc Castillejos. “Lo que puedo observar es un proceso de refinación de la producción e instrumentación. Han habido más aportes y arreglos de otros músicos, que son fundamentales para la riqueza de una producción. He ido aprendiendo a compensar mi conocimiento musical empírico con músicos estudiados, permitiendo que la suma de talentos de paso a mejores composiciones, que son basadas en mis maquetas”, explica.

Los arreglos de More Amore fueron hechos en colaboración con el guitarrista costarricense Josué Picado. Además, cada uno de los músicos que interpreta el tema hizo su propio arreglo para cada instrumento, haciendo de la canción una muestra de la riqueza del trabajo colectivo.

¿Y cómo se ha desarrollado la evolución en las letras? “Me considero un músico crítico. Un observador que hace reflexiones constantemente y las transmite en pequeños haiku o línea. Con el paso del tiempo he logrado simplificar lo más posible mis ideas, a manera de que sean comprensibles y claras para el público, sin necesidad de comprometer el mensaje”, dice.

Sus próximas presentaciones serán el 23 de agosto, en “Galería de canciones”, un ciclo de cantautores que se llevará a cabo en la Alianza Francesa. La cita es a las 19 30 horas y el costo de la entrada es de Q30. Posteriormente se presentará en Antigua, Chicago, Nueva York, Costa Rica y México.

Además, el músico ha compartido que tiene el objetivo de lanzar más sencillos de su nuevo material muy pronto, para después lanzar el EP en 2020. Para enterarse de las fechas quédese pendiente de sus redes sociales.

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“En una época en la que las superproducciones musicales y los ritmos urbanos son la realeza de la música, queda muy poco espacio para las canciones de autor, la poesía y la música acústica”, dice el cantante al describir su nuevo disco que ya está disponible en las diferentes plataformas Spotify, Youtube, Deezer y Apple Music.

El disco con ocho canciones que se lanzó en junio pasado busca llevar al público a sentirse en la cercanía de sus conciertos. El formato de este proyecto es acústico y orgánico, todas las canciones fueron grabadas en una sola toma en el estudio del músico Raferi Aguilar y se dejaron en ellas, todos los detalles de realidad posibles, las respiraciones, los pequeños errores de dicción y de interpretación en la guitarra.

No se utilizó ninguna de las herramientas de edición y afinación como el famoso “auto tune” a modo de acercarse lo más posible a la idea del autor, que era poder brindarle a quien escuche, la experiencia de sentarse frente a frente con él.  También tiene una breve introducción que cuenta el por qué de cada canción.

“El día de la grabación me senté con mi guitarra, la misma con la que canto en los conciertos, la guitarra que me regaló mi padre en la adolescencia y con la que me inspiro en cualquier lugar para cantar”, dice al llevarnos a detalles de este trabajo que se grabó apenas en una tarde.

“Esta propuesta busca salir de lo tradicional.  Estamos acostumbrados a escuchar la misma música en todos los lugares e incluso en un tiempo eso ofrecía mi repertorio”, explica el artista.

Pero, después de su primer disco Déjenlas bailar, con música de su autoría empezó a buscar espacios y a llegar a diferentes lugares con ella. “He tenido en mis conciertos la dicha de cantar para 10 mil personas o para tres, pero sin importar el número uno canta con la misma energía”, expresa Ávalos.

Intimidades del disco

La canción de la que se desprende el nombre Ciegos que no querían ver, nació hace cerca de ocho años y habla de esa época en que el enamoramientos deja a las personas sin ver más allá, aunque se conozca de amores que no funcionarán.

“Eran situaciones que jamás había vivido, así que me la escribí desde el pasado, y el nombre ciegos que no querían ver es un factor común en esta producción, aunque le digan a uno que no está bien algo en una relación se tapa los ojos y sigue adelante”, explica,

En palabras de Ávalos “el amor y el odio son propiedad privada de quien los siente y como entre el uno y el otro solo hay un paso, la decisión que uno debe tomar es dónde detenerse. Este disco son las memorias de una oscura época de mi vida, que irónicamente le dio mucha luz a mi proceso creativo.  Cuento y canto una historia real de amor, desde el punto de vista de los vencidos, como lo escribió Miguel León-Portilla -filósofo mexicano-, yo fui sin duda alguna el perdedor en una relación…”

Si quiere escucharlo aquí compartimos parte del material en Spotify.

Actualmente se está rodando el videoclip del primer sencillo del disco, que lleva por nombre Miel con veneno y  estará disponible en las próximas semanas.  La canción explica ciertas situaciones en el amor, que saben a miel aunque se sabe que no están bien.

Entre otras de las canciones están Adicto al fuego, Porque te amo y Pobre diablo, por mencionar algunas.  “También se reflexiona sobre el verdadero amor, el que da libertad al otro aunque no esté con uno”, dice Ávalos.

El artista guatemalteco también comenta que en esta carrera existe diferentes obstáculos a vencer.  “Este material es testigo que cuando uno busca algo lo puede conseguir, y no es sencillo y muchas veces se tiene que intentar una y otra vez”, agrega.

El artista también se encuentra en un gira por Guatemala.  Estará en la ciudad capital, en Quetzaltenango, Chiquimula y otros departamentos.  Además tiene programados dos conciertos en México, en noviembre próximo.

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El evento se llevará a cabo el sábado 29 de junio en el Teatro de Cámara Hugo Carrillo, 24 calle, 3 – 81, zona 1 de la ciudad de Guatemala, a las 17 horas y las entradas estarán a la venta en la taquilla, a Q150.

Su inspiración es la vida y sus entornos. “Guatemala es un país que tiene mucha naturaleza; salgo a caminar y me inspiro”, dice Oswaldo, quien se inició en la música a temprana edad.

“Mi primer amor fue la guitarra”, expresa, y cuenta que su abuelo tocaba la guitarra de forma empírica. Fue a los diez años cuando comenzó su formación en el piano, en el Conservatorio Nacional de Música Germán Alcántara.

“Estudié la composición académica como lo hicieron los grandes maestros, pero ya no se puede seguir componiendo como ellos: hay que hacer música actual”, dice, y agrega que, antes de graduarse en su carrera profesional como pianista, comenzó la docencia en el Conservatorio Nacional a los 18 años, donde trabajó 15 años.

Y, a pesar de haber tocado música clásica antes, Oswaldo dice que, desde hace 12 años, únicamente compone música popular: “toqué como músico clásico y me apasionó tocar como los grandes, pero ahora siento un placer más grande al tocar mi música; lo llevo en la sangre”.

De acuerdo con Oswaldo, una de sus obras más reconocidas por el público, es “Lluvia en diciembre”:

Además de componer para piano, Oswaldo también compone melodías para piano y cello, y violín y piano. En el concierto del próximo sábado, el pianista agrega: “voy a tocar tres dúos con el reconocido cellista Ulises Salamanca; y con Álvaro Reyes, violinista asistente de la Orquesta Sinfónica y con recorrido internacional”.

En el concierto, dice Oswaldo, también lo acompañarán un cuarteto de cuerdas en algunas piezas, y en otras, estará solamente él tocando su instrumento.

Para Oswaldo, su pieza favorita es “Postales”:

Oswaldo invita a la población guatemalteca a ser partícipe de la música nacional: “Guatemala ha crecido, se ha mostrado una mejora y han salido muchos talentos” y agrega que, este tipo de actividades, también permiten salir de la rutina.

A continuación, “Celajes”, una composición original de Oswaldo Dubón:

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Roberto Puga, manager de la banda, cuenta que este proyecto recibe tal nombre, ya que “todos somos héroes de nuestra participación”. Asimismo, Alejandro Puga, el vocalista, expresa que “no hay que esperar que alguien más haga las cosas, sino tomar la iniciativa” y agrega que se busca promover un cambio positivo desde las personas.

Para arrancar “Todos Somos Héroes”, el Tambor realizó una convocatoria a sus seguidores a través de sus redes sociales, para que ellos propusieran a personas destacadas que, desde sus áreas y desde sus labores cotidianas, hacen una diferencia y dejan un impacto positivo en el país.

De acuerdo con Roberto, esperan que este proyecto crezca y puedan llevarlo a cabo cada año. En esta oportunidad, son siete personajes los que destacarán, entre ellos, una bióloga, un emprendedor y algunos deportistas. “Contaremos su historia al público para hacer conciencia de que en el país necesitamos personas que aporten cosas positivas”, dice Roberto.

Ricardo Fuentes – Bull -, tecladista, agrega que este “es un mensaje para luchar constantemente por los sueños de emprender, de meterse de lleno a lo que el corazón más nos dicta, ya sea arte, música, negocios o deportes”. De igual forma, Rau Fuentes, guitarrista, expresa que hay que “fomentar el nacionalismo y demostrar que, en Guatemala, las cosas sí se pueden hacer bien”.

Lugares emblemáticos

Como parte de este proyecto, el pasado 19 de junio se lanzó la tercera temporada de sesiones acústicas en las que, a través de videoclips, se muestran los lugares más emblemáticos del país. “Este año estamos trabajando mucho más fuerte y creemos que es una buena idea para mostrar Guatemala”, dice Alejandro.

La tercera sesión inicia con la versión acústica de “Cuéntame”, en la ciudad maya Tikal:

Entre los lugares que ya se grabaron, está Petén Itzá, Huehuetenango, Quetzaltenango y San Marcos. Próximamente se grabará en ciudad de Guatemala y Cobán.

Nuevas propuestas musicales

De la misma manera que en la dinámica de los personajes, se lanzó una convocatoria para que músicos de todo el país participaran en una gira con el Tambor de la Tribu. “La idea es brindar una plataforma para dar a conocer nuevas propuestas musicales a nuestro público, mediante una gira”, explica Roberto.

La gira de “Todos Somos Héroes” iniciará el próximo 20 de julio en Xela, y abarcará 6 fechas en los 6 lugares de los 6 videos acústicos. En cada una, se presentará una banda distinta que abrirá un concierto del Tambor de la Tribu.

Cada banda tendrá la oportunidad de grabar un video para darse a conocer, se les producirá una canción y se les capacitará en temas de manejo de redes sociales y regalías, entre otros, para introducirlos formalmente en la música nacional. También se les dará seguimiento después de la gira.

“Queremos que sepan que hay alguien que se interesa por ellos, queremos ayudarlos porque sabemos lo difícil que es”, expresa Alejandro. Asimismo, Kuzuco Ortiz, bajista, invita a la población a apoyar el movimiento de música nacional y, eventualmente, apoyar otros artes.

A continuación, les presentamos las 6 bandas ganadoras del movimiento “Todos Somos Héroes”:

Glass Collective

Esta es una banda de Quetzaltenango y está compuesta por Gustavo Salazar (guitarra y secuencia), Luis Fernando García (bajista), José David Mora (tecladista y vientos) y José David Pac (baterista). Entre la música que tocan está jazz, electrónica, indie rock, y rock alternativo, entre otros géneros.

La agrupación inició hace 4 años y ya cuentan con música propia, que puede encontrar en las distintas plataformas digitales. Recientemente, lanzaron la canción “Uh la la” como primer sencillo de la banda.

De igual forma, han participado en distintos eventos como el Festival Internacional de Jazz.

Sobre “Todos Somos Héroes”, Gustavo opina que es una iniciativa que impulsa el arte y que abre una oportunidad a músicos que se han preparado y dedicado a este campo. Asimismo, expresa que “es algo que nos motiva a seguir adelante y que hay que seguir impulsando para que funcione”.

Kayland

Esta agrupación de Petén está integrada por Saúl Ordóñez (guitarra acústica), Mynor Carías (bajo), Abner Rodríguez (guitarra eléctrica), Josué Zayas (batería), Esdras Escobar (teclado) y Henry Soler (vocalista).

“Kayland” proviene de dos idiomas: “kay” en un idioma maya, que significa “pez” y “land”, del inglés, que significa “tierra”. Nacieron en 2011 como un proyecto para hacer música propia y comenzaron a producir sus propias canciones en 2015. Desde entonces, han continuado con nuevas canciones que están disponibles en las plataformas digitales.

Según Henry, en Guatemala es difícil encontrar oportunidades para los artistas y expresa que “como banda nos sentimos agradecidos por formar parte de este proyecto. Es una oportunidad para darnos a conocer”.

Asimismo, Henry invita a la población guatemalteca a consumir música local, pues “hay mucho talento y, enhorabuena, se podrá mostrar en el escenario”, y agrega que espera que este proyecto siga creciendo.

Casa de Kello

Esta es una banda de rock alternativo integrada por Fernando Sierra (baterista), Mynor Figueroa (baterista), Víctor Valenzuela (bajista), Carlos Saez (guitarrista principal) y Jorge Díaz-Durán (guitarrista). El nombre es en honor a “Kello”, la persona que inicialmente les brindaba un lugar para ensayar.

De acuerdo con Fernando, nunca se tuvo la pretensión de salir a la luz, y fue en 2017 cuando lanzaron su primer disco. Asimismo, fueron reconocidos en los Premios Estela 2018 en las categorías de “mejor producción discográfica” y “banda revelación”. Y añade que actualmente están trabajando para continuar con la grabación de un disco.

“Pareciera que las bandas musicales no tenemos espacio en Guatemala”, dice Fernando, y expresa que siempre esperó que grandes agrupaciones apadrinaran nuevas propuestas musicales “y se hizo realidad”, añade.

“Nos sentimos muy agradecidos como banda y nos encantaría posicionarnos en el mapa”. La música de Casa de Kello ya se encuentra en todas las plataformas digitales.

Marea Local

Esta es una banda de rock alternativo de la ciudad de Guatemala y está integrada por Felipe Aldana (vocalista), Julián Carrión (guitarrista), Stéfano Cassarelli, Irene Delgado (bajista y voz), Adrián Rodríguez (bajista).

La agrupación nació en 2017, como una iniciativa de Felipe y Julián. Más adelante se unió Irene y comenzaron a tocar en un bar. “Vamos a grabar nuestro primer álbum y tenemos disponible nuestra música en plataformas digitales”, añade Felipe, quien cuenta un poco de esta producción:

“Como banda estamos intentando hacer música diferente, que tenga sentido musicalmente y esperamos que las personas se sientan identificadas con el mensaje”.

Asimismo, Felipe considera que la gira organizada por el Tambor de la Tribu es necesaria en el país, ya que opina que en Guatemala hay mucho talento y hace falta un apoyo a los artistas.

Sargento Pimienta

Esta agrupación de Jutiapa está integrada por Carlos Mencos (bajista), Luis Colocho (saxofonista), Héctor Díaz (guitarrista) Andree Medrano (baterista) y Gabriel Azmitia (guitarrista y vocalista).

Comenzaron hace 6 años a tocar en pequeños lugares y, al ver que habían logrado cierta aceptación, comenzaron a abrirse puertas. “Queremos trascender, que nuestras canciones no se olviden y formen parte de la historia del arte de nuestro país”, expresa Gabriel.

El vocalista de esta banda añade que “Todos Somos Héroes” es una gran oportunidad para que artistas emergentes sean escuchados en los escenarios y expresa lo siguiente;

“Esperamos que esto nos una como artistas, que vayamos juntos creando una industria musical en la cual todos seamos el apoyo y la catapulta para que otros artistas puedan exponerse y demostrar que en Guatemala sí hay arte por el cual vale la pena apostar”.

Cacao

Esta banda es de la ciudad de Guatemala y está integrada por Gabriel Lozano (baterista), Martín Solares (vocalista), Juan Diego Godoy (segundas voces y guitarra rítmica), Luis de León (bajista) y Juan José Rodríguez (ukelele y teclado).

La agrupación inició en 2017 y, buscando proponer música fuera de lo común, como dice Gabriel, se integró el ukelele. Cuentan con música propia que está disponible en plataformas digitales y el próximo agosto lanzarán un álbum.

Al momento de participar, el baterista de la banda cuenta que se encontraban muy emocionados, pues siempre habían querido formar parte de un proyecto con una banda a nivel nacional, como el Tambor de la Tribu.

“Invito a todos los artistas que participe en este movimiento, es una gran oportunidad contar con este espacio para darse a conocer”, añade Gabriel Lozano.

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Quienes decidieron regresar para festejar sus 20 años fueron los integrantes de Legión, pero también está devuelta Sofía, enfocada en el público infantil.

Con dedicatoria  para los pequeños de la casa, Sofía reapareció con el estreno  del tema  El tren de chocolate, original de  Topo Gigio, con arreglos musicales para niños de esta época.

Sal de mi cabeza es la petición que  Saravia hace en su nuevo sencillo, autoría de Francisco Páez, de Malacates. El tema está repleto de sonidos latinos y lo acompaña un  lyric video.

Legión está  de regreso y lo hace con el remake de Historias, del grupo ochentero Ankla. Fue producido por Francisco Páez y mezclado por Chofo Hernández,  de Malacates.

El grupo Bacilea  puso a sonar Amor marchito, el primer sencillo de su cuarto disco que cantan a ritmo de electo soca. En el video hay mariachis y sonidos de rap.

Mi tostadita es el segundo sencillo que Primmo lanzó del disco La Primmorosa, con fusión electrónica.  El video es un  tributo a la picardía y tiene  versión censurada.

Con sonido  urbano, Billy The Diamond presentó el tema ¿Dónde estás?, de su autoría. El video fue grabado por Billy Aguilar y presenta una historia policial.

Para cerrar  el mes, Danny Sanjose estrena mañana la canción y videoclip de Todo puede pasar,   el quinto sencillo de su carrera y que será  parte de su primer EP.

El sonido  ecléctico que caracteriza Tiananmen se escucha en el sencillo Insaciable amor, que es parte del disco Receptor. El  video de 6 minutos lo dirigió Juan  Aguilar.