SWAG: el nuevo disco de Justin Bieber donde aclara rumores sobre su matrimonio y responde a los paparazi

A cuatro años de su último álbum, el cantante canadiense Justin Bieber lanza SWAG, una nueva producción discográfica con 21 canciones, en la que colabora con Sexyy Red, Cash Cobain y Gunna.

Esdras Laz

11 de julio de 2025 | 15:05h

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Justin Bieber lanza su nuevo disco SWAG, con el que habla de su esposa, hijo y los rumores que lo rodean. (Foto Prensa Libre: EFE)

Con este nuevo disco, el artista Justin Bieber sorprende a sus seguidores al abordar los rumores que lo rodean, responder a los paparazi y mostrar su lado más íntimo como esposo y padre.

Esta nueva entrega llega cuatro años después de Justice, y abre la puerta a un nuevo Justin Bieber. Entre sus canciones destacan las colaboraciones con los raperos mencionados, que dan un giro hacia sonidos más reflexivos, con tintes lo-fi.

En SWAG, el artista también responde a los paparazi que lo han perseguido durante meses, interesados —según él— en su salud mental, su vida matrimonial y su carrera.

El álbum, que tomó por sorpresa al mundo, fue promocionado de forma discreta, con vallas en Islandia y material audiovisual que el propio Bieber publicó en sus redes sociales. En algunas de esas imágenes se observa a Hailey Bieber y a su hijo, Jack Blues, mientras él los contempla en un montaje en blanco y negro, acompañado por otras escenas urbanas con la palabra SWAG, título del disco.

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Respuestas a los paparazi

Dentro del álbum, Bieber incluye audios reales de altercados con paparazi, como prólogo de algunas canciones. En Butterflies, por ejemplo, utiliza un audio captado en abril pasado, durante un encuentro con un reportero a la salida de una cafetería.

En inglés se escucha: “Solo quieres dinero. Dinero, dinero, dinero, dinero, dinero, dinero. ¡Fuera de aquí, hermano! Dinero, eso es todo lo que quieres. No te importan los seres humanos. Todo lo que quieres es dinero”. Con ello, el cantante reflexiona sobre lo efímero de las cosas materiales y de las emociones.

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Asimismo, Standing on Business se presenta más como una conversación introspectiva entre Bieber y Druski, en la que el cantante reproduce un audio donde expresa: “Soy padre. Soy esposo. No lo entiendes. No te cuadra. Estoy trabajando. Soy un maldito ser humano parado junto a mi coche en la playa”. Druski responde con tono vengativo: iría a la playa a buscarlos.

Una de las canciones más personales del álbum es Therapy Session, donde Bieber admite: “Siento que he tenido que atravesar muchas luchas como ser humano. Como todos, lo he tenido que afrontar públicamente. Y entonces la gente siempre me pregunta si estoy bien. Y eso empieza a pesarme mucho”, según la Agencia EFE.

Dedicado a su esposa e hijo

Según un comunicado de Universal Music, este séptimo álbum de estudio está inspirado en la devoción de Bieber como esposo y padre. Es “una nueva era musical que ha alimentado una perspectiva más profunda y un sonido más reflexivo, lo que ha dado como resultado algunas de sus canciones más personales hasta el momento”.

Uno de los temas dedicados a Hailey Bieber es Go Baby, canción en la que el artista habla de vulnerabilidad y apoyo mutuo: “No todo tiene que arreglarse y no todo tiene que romperse”, canta, y le asegura que está a su lado para consolarla: “Aquí tienes mi hombro para llorar”.

En la introducción, Bieber alude directamente a su esposa: “Es mi bebé, es icónica. Funda de iPhone, brillo de labios”, en aparente referencia a la marca de cosméticos que ella vendió recientemente.

Para ella, su música es su energía vital, su principal fuente de libertad y expresión.

Ahora presenta el nombre de su más reciente creación, Éter, que es un disco de música y armonía sin letra, el cual busca que las personas conecten con los ritmos.

La campaña de lanzamiento del primer tema Armónicos está ligada al día mundial para la prevención del suicidio el 10 de septiembre y la realizará en conjunto con la fundación Ama Vida que se dedica a la prevención, educación e información sobre este delicado tema. Por ello, ese sábado lanzará la primera canción y luego irá revelando una cada mes. Son diez en total.

SU PROPUESTA

En el 2002, viajó a México. Fue con la idea de abrirse campo en la música y recibir clases de canto; sin embargo, el destino la llevó a conocer a danzantes rituales y personas inmersas en el mundo de la filosofía mexica y náhuatl.  Este encuentro le dio la oportunidad de profundizar en las ideas instaladas en ella por parte de las mujeres que la criaron.

En México, le regalaron un nuevo nombre, Ilhuikatzin, que significa Venerable Cielo; esto la motivó a buscar ser una persona más auténtica. Al regresar a Guatemala, con apoyo de personas que respaldan sus creencias, Magda, continuó buscando medios para forjar su camino.

Inicialmente, produjo música pop, pero esto no llenaba sus expectativas artísticas, por lo que se decidió a experimentar, logrando encontrar fusiones sonoras entre elementos de los instrumentos tradicionales mesoamericanos con sonidos contemporáneos; y en sus letras, dio cuenta de las mezclas culturales que nos han forjado como guatemaltecos.

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TRAYECTORIA

En 1996 grabó su primera producción discográfica: Jardín Interior. Con este disco, inició su trabajo como compositora, colaborando con distintos músicos guatemaltecos destacados de ese momento.

En el 2001, llevó a cabo la grabación de su segunda producción discográfica: Ángeles de Barro, la cual contiene temas fusión de rock acústico, con énfasis en la importancia del contenido de las letras.

En el 2002, se trasladó a México, donde participó como invitada en conciertos con el cantautor Fratta y en octubre 2004, en el lanzamiento del disco Brujas de  Mujeres en Fuga.

En el 2005, presentó Tejedora de Sueños.  Esta propuesta musical marcó un giro en el estilo de la artista, combinando sonidos electrónicos con instrumentos prehispánicos mesoamericanos.

En 2007, la autora presentó Ilhuikatzin, Venerable Cielo, siguiendo con la línea de Etno-fusión.

En el 2008 y 2009 fueron publicadas las canciones Latido de Montaña y Danza de la Luna del disco Ilnuikatzin en el compilado del catálogo An’R que realiza la organización AMMA en Australia. En ambas ocasiones, este fue el único proyecto latinoamericano elegido para participar.

En el 2009, la música de esta producción formó parte de la banda sonora del documental mexicano Figuras en la Niebla, y de un documental estadounidense que retrataba las culturas de Mesoamérica.

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Cumple así los buenos pronósticos del primer sencillo, “Dance of the Clairvoyants”, no solo el más rompedor de los 12 nuevos cortes sino también el más revolucionario que ha hecho en varios lustros la banda de Seattle, amén del más claro exponente de lo que aguarda: el sello noventero que les ha hecho identificables, pero con una pátina de actualidad y experimentación.

“Whoever said it’s all been said / Gave up on satisfaction”, cantan en el corte inicial, “Who ever said”, o lo que es lo mismo: “Quien dijo aquello de que está todo dicho, dio de lado la satisfacción”, toda una declaración de intenciones sobre el proceso de búsqueda en este álbum que queda refrendada por lo que viene después.

Parte del mérito del undécimo álbum de estudio lo tiene la coproducción de Josh Evans, conocido por su colaboración con artistas como Soundgarden o Gary Clark Jr. y que toma el relevo aquí al trabajo realizado por Brendan O’Brien en los previos “Backspacer” (2009) y “Lightning Bolt” (2013), hasta ahora su último disco.

 

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Call the #PearlJam #Gigaton hotline to preview the new album before it’s out this Friday 3/27. 585-207-3275

Una publicación compartida de Pearl Jam (@pearljam) el 23 Mar, 2020 a las 2:32 PDT

De su mano, “Gigaton” (Monkeywrench Records/Republic Record) adquiere la crudeza y naturalidad que estos pioneros del “grunge” tienen en vivo, especialmente la reconocible voz de Eddie Vedder, que tiene aquí un protagonismo notable, pero también por ejemplo la viveza de las cuerdas de Mike McCready.

“Hacer este disco ha supuesto un largo recorrido, a veces desconcertante y emocionalmente oscuro, pero también una hoja de ruta experimental y fascinante hacia la redención musical”, constataba este en la nota de prensa que dio aviso del lanzamiento y que acentuaba otro de sus rasgos distintivos: la mayor implicación de todo el grupo en su construcción.

El mejor ejemplo fue el proceso de composición de “Dance Of Clairevoyants”. Todos y cada uno de los integrantes de Pearl Jam añadieron progresivamente su aportación a partir de la percusión ideada por Matt Cameron.

Era, dijo McCready, fruto de “una mayor consciencia, amor y conocimiento de la necesidad humana de conexión en estos tiempos”, el hilo temático que está presente en todo “Gigatón”, una llamada de atención sobre los males que acosan al mundo actual, como el cambio climático, algo que se refleja en la foto de portada.

Allí resplandece la imagen del director, fotógrafo y biólogo marino Paul Nicklen “Ice Waterfall”, la cual muestra los icebergs de la isla de Nordaustlandet, en Svalbard (Noruega), mientras manan grandes cantidades de agua de deshielo.

 

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Who are you listening to #Gigaton with on Friday? “River Cross” – 3/27.

Una publicación compartida de Pearl Jam (@pearljam) el 25 Mar, 2020 a las 3:15 PDT

Huelga decir que referirse a los conflictos globales implica para Pearl Jam hablar del presidente de EE.UU., Donald Trump, con cuya adminitración han sido especialmente combativos.

“Crossed the border to Morocco / Kashmir then Marrakesh / The lengths we had to go to then / To find a place Trump hadn’t fucked up yet” (cruzamos la frontera hacia Marruecos, Cachemira y Marrakech, la distancia que tuvimos que hacer, para encontrar un lugar que Trump no hubiese arruinado todavía”), cantan en “Quick Escape”, uno de los temas más relevantes.

Con humor ácido también lo atacan en “Seven O’Clock”, otro de los cortes importantes, con cierto poso vitalista a lo Bruce Sprignsteen, en el que tras mencionar a héroes de la patria como los indios nativos Caballo Loco (Crazy Horse) y Toro Sentado (Sitting Bull), se refieren al mandatario millonario como “Idiotez sentada” (“Sitting Bullshit”).

El tono de “Gigaton”, no obstante, no se erige sobre el ataque, sino desde la invitación al cambio posible sobre el esfuerzo colectivo y es esa mirada hacia fuera, desde una reflexión profunda y tan personal, lo que hace de éste un trabajo cercano.

 

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Join Pearl Jam and make a “Quick Escape” to Mars to hear the new track. Choose your pilot and let the journey begin at the link in stories.

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Brillan en ese sentido canciones como la minimalista “Alright”, con unos versos que nos acomodan a estos tiempos de forzosa contemplación y que hablan de apartarse del mundo para descubrirnos: “It’s alright to be alone / To listen for a heartbeat / It’s your own / It’s alright to quiet up / To disappear in thin air / It’s your own”.

No faltan estribillos que se graban a fuego en la memoria, como ese “I can’t believe it / These endless lies / Never destination, just more denial” de “Never Destination”, ni virtuosismos roqueros llenos de “punch” como la progresión algo psicodélica de “Quick Escape”.

“Gigaton” no llega a la hora a falta de 3 minutos pero en su recorrido, salpicado aquí o allá con recursos tan exóticos como la calimba africana, se equilibran momentos más electrizantes, como el bombástico “Who Ever Said” con el que arranca o la eyección roquera de “Superblood Wolfmoon” que le sigue, con otros temas más reflexivos, sobre todo al cierre.

Allí destacan “Retrograde”, llamada frente a la involución social (“It’s gonna take much more / than ordinary love / To lift this up”), y la postrera “River cross”, algo así como una homilía sobre base de órgano que Vedder tocaba en sus conciertos en solitario y que alienta aparentemente el relato de las migraciones forzosas en pos de un sueño, algo que, de alguna forma, también es este disco.

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Así suena la canción de Gaby Moreno que apoya a los migrantes

¡Spangled! es la producción que la cantautora presentará en octubre, la cual contó con la colaboración del músico, compositor, arreglista y productor estadounidense Van Dyke Parks.

El álbum contará con 10 canciones, incluyendo The Immigrants, tema que Moreno lanzó en julio de 2018 en favor de los migrantes.

“The Immigrants es una canción que expone lo que lastimosamente sucede en la actualidad en EE. UU., y que es una forma de alzar la voz para apoyar a los migrantes que llegan a ese país con la ilusión del “sueño americano”. Además, refleja el trato que les dan, y es como alzar la voz para que se den cuenta que son personas, que merecen respeto y que, además, contribuyen con la cultura en esa nación”, indicó la cantautora guatemalteca.

¡Spangled! se lanzará el 4 de octubre y estará disponible en plataformas digitales como Spotify y Deezer. En la actualidad se puede pre-ordenar en iTunes, tienda digital que ya tiene habilitado The Immigrants y Across the Borderline.

El video

Este viernes, Gaby Moreno presentó Across the Borderline, el segundo sencillo de esa producción, la cual promociona con un videoclip oficial de casi 7 minutos.

El material audiovisual está disponible en el canal de YouTube de la cantautora guatemalteca.

La portada

Sin adelantar cuáles serán los otros temas que se incluirán en la producción, Gaby Moreno compartió en sus redes sociales el diseño de la portada de ¡Spangled!, la cual fue diseñada por el artista alemán alemán  Klaus Voormann, el mismo que diseñó la portada de Revolver, el disco de Los Beatles que lució un famoso collage.

Más detalles del álbum

• ¡Spangled! contará con 10 temas, los cuales que representarán distintas eras y países de Norte, Centro y Suramérica.
• Es un proyecto que lleva 10 años de trabajo. Desde 2009, Gaby ha pulido los temas con Van Dyke Parks.
• Se incluirán 2 canciones en portugués, 3 en inglés y 5 en español.
• Contará con arreglos de una Orquesta Sinfónica en la que participaron más de 40 músicos.

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Atención coleccionistas

¿Sabía que Bohemia Suburbana produjo un vinilo?

“Componer y producir mis propias canciones ha sido especial porque marca la etapa que estoy atravesando en la actualidad, es mi evolución como artista. Me ha caído bien hacer algo íntimo”, aseguró el músico, quien organiza su tiempo y trabaja su nueva propuesta de forma paralela con Bohemia Suburbana.

El álbum

Ana Crónica incluye 12 temas, cuya creación comenzó en 2006 en Los Ángeles, EE. UU., etapa  en la que Rodríguez vivió en esa ciudad.

“En ese momento comencé a escribir de manera formal. Sin embargo, como es una autoproducción, me tomé el tiempo necesario para trabajar a mi ritmo y obtener el resultado que quería”, dijo Rodríguez, quien se alejó del bullicio y se encerró en su estudio personal rodeado de naturaleza y en 2016 se dedicó a grabar y mezclar los temas.

La producción está disponible en formato digital y se puede escuchar en plataformas como Deezer, Spotify, iTunes y YouTube. Además, el artista tiene previsto presentar el formato físico en los próximos meses,  y también ofrecer varios conciertos en el país para interpretar sus nuevos temas junto a un grupo de músicos.

• Lea también: Si es fan de Bohemia Suburbana, estos datos lo sorprenderán. 

Mezcla de culturas

La producción incluye temas como La magia mía —primer sencillo—, En otro tiempo, Platanito con frijol y Humanidad, entre otros. Sin embargo, Rodríguez destaca Yo quiero ser tu gato, canción en la que resalta el folclor regional.

“Ese tema tiene un ritmo bien marcado de chacarera, un sonido tradicional sudamericano  que es muy parecido al son guatemalteco y en el que logré unir las culturas que han marcado mi rumbo. Algo que he visto y escuchado en Colombia, Venezuela, Perú, Argentina y Guatemala”, concluyó.

Mientras tanto, Santana estará en los próximos meses de gira por Norteamérica con paradas destacadas en ciudades como Las Vegas, Orlando o Nashville en Estados Unidos y Cancún en México.

La trayectoria de este maestro de la guitarra y de la fusión latina transita desde sus orígenes mexicanos y su explosión en el San Francisco hippie hasta su consolidación como superventas global.

Nacimiento

Nacido el 20 de julio de 1947 en Autlán de Navarro, un municipio del estado mexicano de Jalisco, Carlos Santana creció en Tijuana antes de emigrar a San Francisco en los años 60, donde la contracultura y el movimiento hippie prometían frenéticas aventuras para los jóvenes con ganas de experimentar con el sexo, la música y las drogas.

En la ciudad californiana fundó la banda multiétnica Santana junto al teclista Gregg Rolie, el bajista David Brown y los percusionistas Michael Shrieve, José (Chepito) Areas y Michael Carabello.

El gusto por el blues y el rock del guitarrista se fundió con los ritmos latinos y africanos del grupo para dar pie a una vibrante combinación que arrasó en los imponentes álbumes Santana (1969) y Abraxas (1970).

Tan dados a la experimentación como a la fiesta sobre el escenario, Santana cautivó al público del festival de Woodstock en 1969 con una arrolladora interpretación de Soul Sacrifice que todavía hoy se recuerda como uno de los grandes momentos de ese macroevento hippie.

También de esa primera época de Santana son las exitosas canciones Black Magic Woman, Samba Pa Ti o la inconfundible Oye Cómo Va, de Tito Puente.

La formación del grupo varió con el tiempo y en los años 70 Carlos Santana se adentró en terrenos como el jazz con el disco Caravanserai (1972) al tiempo que profundizaba en su declarado misticismo al adoptar el nombre Devadip tras colocarse bajo la guía espiritual del gurú Sri Chinmoy.

Aunque nunca ha dejado de dar conciertos y de grabar álbumes, Santana sorprendió al mundo en 1999 con Supernatural, todo un éxito de ventas con el que ganó nueve premios Grammy, incluido el de mejor álbum del año.

Este disco, en el que participaban como invitados artistas como Maná, Eric Clapton o Lauryn Hill, también le sirvió de carta de presentación para las nuevas generaciones que tenían a Santana como un músico en decadencia.

Nuevo disco

Ahora los fans de Santana cuentan los días para que se publique el 28 de julio su nuevo trabajo Power of Peace junto a Ronald y Ernie Isley del célebre grupo de música negra The Isley Brothers.

Este álbum incluirá versiones de Stevie Wonder, The Impressions, Marvin Gaye o Burt Bacharach, entre otros.

Instalado en Las Vegas con su segunda esposa Cindy Blackman, Santana no pierde de vista lo que sucede en la convulsa actualidad y, muy especialmente, lo que tiene que ver con la población latina y con las polémicas medidas del presidente de EE.UU., Donald Trump.

“Cuando Hitler estaba en el poder, estaba la Resistencia, y de ahí se fue a los ‘beatniks’, luego a Bob Dylan y el Greenwich Village, y luego a San Francisco y los hippies. Siempre hay una nueva ola. Estamos en ese proceso”, argumentó el músico en la entrevista con Rolling Stone.

Santana aseguró además que cada vez que aparece Trump en la televisión, la apaga para no escucharle: “Deberíamos aprender que estamos en ese punto como humanos para hacer la mesa más grande y no el muro más alto”.

“Hace mucho tiempo quería hacer esta canción, ellos nos enseñan que sí podemos vivir de acuerdo”, escribió este viernes Vives en su cuenta de Twitter al difundir los primeros compases de esta composición.

Hace mucho tiempo quería hacer esta canción, ellos nos enseñan que si podemos vivir de acuerdo #ElOrgullodemipatria vivan nuestros ciclistas!!!

Una publicación compartida de Carlos Vives (@carlosvives) el 29 de Jun de 2017 a la(s) 10:21 PDT

La letra de la canción habla de ciclistas colombianos históricos como Miguel Samacá, Efraín Forero alias “el Zipa”, Ramón Hoyos, Martín Emilio Cochise, José Patrocinio Jiménez, Oliverio Cárdenas o Roberto “Pajarito” Buitrago.

Según explicó el autor de “La bicicleta” en varias entrevistas con medios locales esta nueva canción busca responder las “deudas históricas” que tienen los compositores colombianos con su tierra.https://twitter.com/ShockCo/status/880630241852506112

La canción, de la cual sólo se ha podido escuchar unos pocos segundos, tiene toques de música andina y es la tercera del nuevo disco del costeño, titulado “Vives”.

Acostumbrados a ofrecer conciertos masivos en recintos locales, los músicos decidieron crear nuevo material y recientemente lanzaron el EP que incluye seis canciones.

“Cuando nuestros seguidores cantan nuestras canciones sentimos la retribución al trabajo que hemos generado desde hace varios años. Para el artista la mayor recompensa a ensayos, desvelos, inversiones de tiempo y dinero, se da cuando las personas deciden comprar tu música, ir a tus conciertos y la guinda en el pastel es cuando corean al lado tuyo tus rolas”, afirmó Lemus.

La banda integrada en la actualidad por Gilberto Lemus –voz-, Jorge Díaz Durán –guitarra-, Josué Villaseñor –bajo-, Jorge Herrera –batería-, y Antonio Méndez –teclado-, promociona su reciente trabajo y los músicos desean que sus seguidores las canten junto a ellos durante sus shows.

El disco

El arte de viajar en círculos se lanzó el 28 de octubre. Fue producido por Fábulas Áticas, lo grabó Aleja Hernández, se mezcló y masterizó en Guatemala por Chofo Hernández en Cinco estudios.

De acuerdo con la banda, el material se publicó en formato EP debido al tiempo limitado de los artistas, quienes además de la música, se dedican a sus respectivos trabajos y a su familia.

Los músicos nacionales optaron por este formato e incluyeron temas que han interpretado durante sus conciertos. Además, indicaron que tienen planificado publicar más discos en Ep´s debido a que cuentan con varias canciones que encajarían bien en este modelo.

“Decidimos publicar nuevas canciones porque aún tenemos mucho que decir y aportar para Guatemala en términos musicales. Estamos seguros que la experiencia que hemos ganado puede convertirse en música más madura, de mayor aporte a nuestra realidad y situación”, dijo Lemus y aseguró que los guatemaltecos necesitan recordar constantemente que tienen posibilidades de triunfar y que el país genera mucho talento. “Con nuestra música queremos ser parte de ese mensaje de esperanza y calidad”, agregó.

Los temas

Choque de cometas, Alucinante, Círculos, Debo, Sálvame y Proyectil (Demo 2002), son las canciones que forman parte de El arte de viajar en círculos.

Las letras y música fueron creadas por el grupo. Sálvame fue primer sencillo y Choque de cometas el segundo. Sin embargo, la producción incluye Proyectil, un tema que lanzaron en 2002 y que formó parte de la programación de algunas estaciones de radio local y debido a que no se publicó en álbumes anteriores, los músicos decidieron incluirla como bonus track en su reciente EP.

El arte de viajar en círculos está disponible en formato digital y físico en edición limitada. También se puede escuchar en las plataformas streaming como Deezer y Spotify.

Curiosidades

• Fábulas Áticas ha pasado varias etapas significativas durante su trayectoria artística.
• Gilberto Lemus y Josué Villaseñor han sido los dos integrantes que han permanecido con la ilusión de la banda.
• Jorge Herrera abandonó la banda en 1999. Después tocó en Extinción y luego en Stygma. Se reintegró a Fábulas en 2006 y en la actualidad también toca con Extinción.
• Varios guitarristas han desfilado por la agrupación. Sin embargo, desde 2002 llegó Jorge Díaz Durán, quién se integró a Fábulas Áticas después de haber salido de la agrupación Viernes Verde.
• Antonio Méndez se integró a la agrupación en 1996. Antes de su llegada, Fábulas Áticas no contaba con tecladista.

Algunos exintegrantes

• Gonzalo Rodríguez –guitarra-
• Fernando Diéguez –guitarra-
• Edgar Monsanto – teclado-
• Luis Fernando “chatío” Espaderos –batería-
• Carlos Suchini –batería-
• José Rosales –guitarra-

Edgar Monsanto y el fallecido “chatío” Espaderos tocan en Proyectil, canción que se grabó en 2002 y se masterizó recientemente para incluirla en el EP El arte de viajar en círculos.

Discografía

• El Suspiro de Krizzia (1995)
• Llévame al disco (1999)
• Fábulas Omplog (2000) [álbum grabado en vivo]
• El arte de viajar en círculos (2016)

Planes inmediatos

Fábulas Áticas tiene planificada una gira en la que incluirá la capital y varios departamentos.

Recientemente ofreció un concierto en Totonicapán en el que incluyeron sus éxitos y sus temas nuevos y de acuerdo con la agrupación, concluirán el año recorriendo el país.

Twitter: @fabulasaticas
Facebook: Fabulas Aticas

Para ordenar el disco en formato físico escribir a gaiacorpgt@gmail.com

Santana IV  marcará el retorno de Neal Schon, quien debutó en el disco anterior como un prodigio adolescente de la guitarra y luego se volvería famoso como el líder de Journey.

El álbum también tiene las voces en dos canciones de Ronald Isley, cantante líder de The Isley Brothers, una legendaria banda de R&B.

El primer tema Anywhere You Want to Go, se dará a conocer el 5 de febrero.

Sus inicios

El grupo original emergió en San Francisco en medio de la euforia contracultural de fines de la década de 1960. En él, Santana combinó elementos latinos con el blues rock.

La banda de fusión rock latino ganó grandes audiencias desde 1969, cuando Santana tocó en el histórico festival de Woodstock ante una multitud que se electrificó especialmente por el solo de batería de Michael Shrieve en Soul Sacrifice.

https://www.youtube.com/watch?v=AqZceAQSJvc

Shrieve también toca en Santana IV junto al tecladista Gregg Rolie y el percusionista Michael Carabello.

El bajista de la alineación clásica, David Brown, falleció en el 2000, por lo que el bajo del nuevo disco está a cargo del holandés Benny Rietveld.

El nuevo álbum tampoco incluye a José Octavio Chepito  Áreas, el percusionista nicaragüense que tocó el timbal con la banda en Woodstock y fue homenajeado junto al resto de la formación original de Santana en el Salón de la Fama del Rock and Roll en 1998.

La banda revivió a fines de la década de 1990 y se ha mantenido activa con distintos integrantes.

En 1999, Santana volvió a ser el número uno en ventas, tras un bache de casi tres décadas, con el álbum Supernatural  que dio un sabor más pop contemporáneo a los éxitos Smooth y María María.

El último álbum de Santana, Corazón, de 2014, incluía covers  y colaboraciones con estrellas como Gloria Estefan.

Según informó Parlophone, su discográfica, el álbum A head full of dreams se grabó en Malibú, Los Ángeles y Londres y fue producido por el sueco Stargate junto al colaborador habitual de la banda Rik Simpson.

Contiene once temas, doce si se cuenta una pista oculta llamada X marks the spot, con un estilo muy diferente a los que tenía el disco predecesor de Coldplay, el intimista Ghost stories (2014) .

“Energía, color y grandes momentos que afirman la vida”  es lo que promete su sello ante cortes como el exuberante Adverture of a lifetime, Amazing day, que presentaron recientemente en un festival al aire libre en Nueva York, o Hymn for the weekend, al que Parlophone califica como tema “poderoso”.

El nuevo álbum se publicará en formato CD, vinilo y álbum digital y le seguirá una gira por todo el mundo.

Nacida en 1996 y conformada por el Chris Martin  (teclado y voz) , Jon Buckland  (guitarra principal) , Guy Berryman  (bajo) y Will Champion, Coldplay es la banda británica de rock de mayor éxito internacional actualmente y se les estiman unas ventas globales de 80 millones de copias gracias a éxitos como Yellow, Viva la vida  o The scientist.

“Decidimos viajar a México DF, con la idea de tocar puertas y ver cómo estaba la industria musical. Al cabo de un mes, nos dimos cuenta que nuestro apartamento era nuestra estación central”, indican Juan Carlos de León, Elvin Roger Morales y Marlon Adlemir Pineda, miembros de la agrupación.

Ellos agregan que la “canción surge de la nostalgia por la tierra, familia, carrera… y reúne las vivencia de cada uno, pero enfocados en una sola estación que es nuestra música”.

Este sencillo da nombre a su nuevo disco, y llega después del lanzamiento de los temas Your Magic Love, Eres mi presente y Electrosoka.

En imágenes

Para el grupo es importante que el tema vaya acompañado de imágenes que expresen los sentimientos de su historia musical. Es por ello que lanzaron hace unos días un videoclip grabado en las estaciones de buses más concurridas de la capital. También incluyen imágenes de Washington DC., en Estados Unidos.

Dante Go, de la Fábrica Récords, fue quien materializó las ideas que tenía la banda para el audiovisual.

Las escenas se grabaron en la Plaza Barrios, 18 calle, y en el Parque Central, en la zona 1.

Cambio

Salir de las fronteras guatemaltecas permitió a Juan Carlos, Roger y Marlon abrirse a nuevos sonidos, maneras de composición e incluso de producción, lo que se refleja en Estación central.

Esa experiencia la tomarán para sus futuros trabajos, en los que esperan regresar a sus orígenes musicales, así que retomarán el rock latino que, combinado con sonidos electrónicos, dan vida al electrosoka.

La banda indica que en verano próximo podría escucharse nuevamente un lanzamiento más de Bacilea.

Desde enero del año pasado comenzó con la promoción de su nuevo material, GrooveOn, que incluye Ella, una canción con estilo electrofunk.

(Foto Prensa Libre: Keneth Cruz)

El álbum

Tavo dice que GrooveOn ha pasado por varios procesos, pero asegura que la espera ha sido necesaria para hacer un mejor trabajo. “Al principio solo pensé en lanzar el disco. Ya pasaron varios años sin estrenar material, pero entendí que quería algo diferente y con calidad, por eso preferí esperar y dedicarle el tiempo necesario a este proyecto”, expresa el artista.

GrooveOn fue producido por Juan Pablo Perea y coproducido por Lenín Fernández y Tavo.

El disco se grabó en Perea Studios, tendrá 12 temas y se lanzará en el 2016. Mientras, Tavo hará una serie de conciertos en los que cantará en directo sus nuevos temas.

“Pensamos en correr y lanzarlo pero decidimos invertir tiempo para ofrecer un producto con alta calidad”, indicó Juan Pablo Perea, productor de GrooveOn. “En cuanto al sonido, se sorprenderán porque escucharán a Tavo renovado, pues regresa a su estilo más roquero pero también presentará temas con un poco de pop”, agregó.

Para Lenín Fernández, la nueva producción de Bárcenas refleja el compromiso que todo artista debe de tener con su música. “Tavo se caracteriza por su carisma pero en GrooveOn expone temas que se adaptan a la sociedad y a la realidad del país”, dijo Fernández.

(Foto Prensa Libre: Keneth Cruz)

El lanzamiento

Tavo Bárcenas presentó el miércoles último su nueva producción en el Teatro Don Juan. El músico guatemalteco ofreció un pequeño concierto en el que interpretó Ella, Música, Money y Ufo Love, temas que incluye en GrooveOn.

(Foto Prensa Libre: Keneth Cruz)

El cover Solo le pido a Dios y los éxitos Oxígeno y Deja, también los incluyó Bárcenas en la presentación oficial de su disco. Además, el artista local indicó que en los próximos días realizará el lanzamiento del videoclip Money, el segundo sencillo de GrooveOn.

El audiovisual

Durante la primera semana de este mes, el artista guatemalteco se instaló durante varios días en el Museo del Ferrocarril, ubicado en el Centro Histórico en la capital e invirtió varias horas de trabajo para grabar el videoclip del tema Money.

(Foto Prensa Libre: Keneth Cruz)

El clip fue dirigido por Be Artist, Baaz Audio e iluminación y la productora Beat Mamut. “Money es un tema que habla sobre la energía que puede tener el dinero sobre el ser humano y lo que nos desgasta no tenerlo o vivir preocupados por tener tanto y cuidarlo. Lo ideal es encontrar ese balance entre lo que se necesita y lo que realmente vale la pena, el vivir rodeado de paz, salud, amor y valorar al máximo todo eso que no se puede comprar”, agregó Tavo Bárcenas.

La cita musical

El cantautor se presentará todos los miércoles, desde el 15 de este mes hasta al 5 de agosto, en el Teatro Don Juan, 7a. avenida 5-37, zona 1. Admisión: Q60. “Estoy motivado y con deseos de mostrar lo temas de mi nuevo disco”, concluyó Bárcenas.

Fuera de La promesa todas las canciones de su noveno álbum “son alegres, son de festejo, son de vámonos con los muertos y vamos a echar cerveza, vamos a tomar un mezcal, vamos a regar tequila cuando yo me muera”, aseguró.

Downs contó que uno de sus primeros contactos con la muerte fue el fallecimiento de su padre, cuando ella tenía 16 años, y que esto le hizo cambiar su forma de ver el mundo.

Se solidariza con padres

La cantante sigue con atención y dolor problemas como la desaparición de los 43 normalistas de Ayotzinapa, por lo que incluyó el grito de protesta de los padres de los estudiantes “vivos se los llevaron, vivos los queremos”, en el video de La patria madrina, canción que interpreta a dúo con el astro colombiano Juanes.

“Creo que los 43 representan una ola de violencia que hemos estado muy atentos de esta situación que está ocurriendo en nuestro país, nos afecta más simbólicamente a los jóvenes”, expresó Downs.

“No me gusta que lleven esa frase de ‘vivos se los llevaron, vivos los queremos’ a una cuestión política, porque yo la primera vez que lo vi lo llevaba en una pancarta un padre, ese era el dolor de un padre, de una madre. Eso no era política”, dijo.

Sobre su colaboración con Juanes mencionó: “He sentido atracción por su música, por lo que él representa también, además de que Colombia y México tenemos mucho en común”.

La artista se presentará el jueves en el foro Plaza Condesa de la Ciudad de México y en abril emprenderá una gira por Estados Unidos que la llevará por Austin, Los Ángeles y San Francisco, entre otras ciudades.