Gene Simmons, miembro de Kiss, sufre aparatoso accidente y es trasladado de emergencia

Un desmayo provocó un aparatoso accidente al bajista de la banda Kiss, quien fue hospitalizado de emergencia.

Esdras Laz

8 de octubre de 2025 | 19:00h

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El bajista de la banda estadounidense KISS, Gene Simmons, durante el concierto que ofrece en el Rock Imperium Festival, este domingo en Cartagena, (Foto Prensa Libre: EFE)

El reconocido miembro fundador de la agrupación Kiss, Gene Simmons, sufrió un aparatoso accidente en el Pacific Coast Highway, en Malibú, luego de experimentar un desmayo mientras conducía su vehículo Lincoln Navigator. Este suceso lo llevó a desviarse de los carriles y finalmente chocar, lo que resultó en su traslado a un hospital.

El accidente ocurrió antes de las 13 horas de Los Ángeles, California, el pasado martes 7 de octubre, cuando Simmons perdió el control en plena carretera a causa del desmayo. Esto provocó que colisionara con otro automóvil que estaba estacionado, según detalla NBC4 Los Angeles.

Al momento de perder la conciencia, el icónico bajista se encontraba hablando con los servicios de emergencia, según información del Departamento del Sheriff de Los Ángeles, proporcionada a NBC4. Fue un vecino del área quien llamó a los servicios de emergencia para que atendieran a Simmons tras el aparatoso accidente.

Simmons declaró a la oficina del sheriff que había perdido la conciencia frente al volante, lo que causó el accidente. Fue el cuerpo de bomberos quien lo trasladó de emergencia hacia un centro médico de la localidad para su evaluación.

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Tras los exámenes de rutina, la esposa del bajista, Shannon Tweed, declaró a NBC4 que el artista se encontraba en proceso de recuperación y que había sido trasladado a su casa para continuar con el reposo.

Asimismo, indicó que los médicos le habían cambiado recientemente la medicación y que debía ingerir más agua, algo que Simmons calificó como un proceso que no le agrada.

Luego del accidente, NBC4 Investigates tuvo contacto con el artista, quien, por medio de una nota de voz, aseguró que estaría bien.

Recientemente, el representante de Simmons dijo a People que el músico se encontraba en buen estado y que estaba por reincorporarse al trabajo, donde continúan los preparativos para su concierto en Las Vegas, ciudad en la que la agrupación Kiss celebrará su 50 aniversario.

Polémicas declaraciones

Previo al accidente, el bajista fue objeto de polémica debido a declaraciones sobre la importancia de ser rico, durante una entrevista con Ultimate Classic Rock, en la que abordó temas como su visión del dinero, el poder y la riqueza.

Según detalla Infobae, Simmons declaró: “Lo único que realmente te da el dinero es la libertad de hacer lo que realmente te gusta hacer”, y comparó lo difícil que fue la vida para su madre, quien sobrevivió a campos de concentración nazis y luego trabajó toda su vida en una fábrica, lo que él consideró fue una explotación.

“Es mejor ser rico que pobre, realmente lo es. Y si eres un desgraciado miserable, sigue siendo mejor ser un desgraciado miserable rico. Eso es todo lo que intenté hacer”, dijo el rockero, lo que desató la polémica en redes sociales.

Una noche para el rock, numetal y blues en Trovajazz

El sábado 20 de septiembre se vivirá una noche dedicada al rock, nu metal y al blues en Trovajazz.

Ingrid Reyes

18 de septiembre de 2025 | 16:07h

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Un espacio para los nuevos talentos tendrá Trovajazz con un concerto de Anvvar Band. (Foto Prensa Libre: Freepik)

En el 2002, Trovajazz abrió por primera vez sus puertas en la vía 6, 3-55, zona 4, donde ha permanecido desde entonces. Este lugar ha sido escenario de múltiples grupos y talentos.

El próximo sábado 20 de septiembre será el turno de Anvvar. La banda se fundó en mayo del 2023: originalmente eran cinco integrantes y, actualmente, está integrada por Salvador Mendoza, en voz y teclado; Ximena Noac, en el bajo, e Ian Velásquez, en la batería. “Inmediatamente conectamos musicalmente y dimos nuestro primer concierto en 2024. En marzo de 2025 participamos en la competencia Rock por Guate y obtuvimos el primer lugar”, dice Mendoza.

“En la búsqueda de nombres para la banda queríamos encontrar algo que reflejara nuestra visión de poder hacer algo propio y distinto. Se nos cruzó el nombre ámbar: un fósil de origen vegetal, proveniente de árboles antiguos. Quisimos tomar el ámbar como metáfora para representar nuestro objetivo de tocar música de los 80 y 90, y compartirlo con nuestra generación de una forma nueva como Anvvar“, agrega el músico.

El grupo prepara su propio material, aunque en su presentación en Trovajazz rendirán homenaje a sus músicos favoritos. Interpretarán temas de Red Hot Chili Peppers, Green Day, Limp Bizkit y Soda Stereo, entre otros.

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Fecha

Sábado 20 de septiembre

Hora

20 horas

Lugar

Trovajazz, Vía 6, 3-55, zona 4

Precios y localidades :

Q.50

Venta de entradas:

Reservaciones al teléfono: 2334-1241

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Xava Drago, vocalista de Coda, revela que padece cáncer terminal

El cantante Xava Drago lanzó en redes sociales un mensaje emotivo en el que habla abiertamente sobre su estado de salud y el avance en los tratamientos de cáncer.

Ingrid Reyes

11 de agosto de 2025 | 20:00h

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La imagen con la que Xava Drago publicó acerca de su enfermedad en la que los tratamientos no han resultado favorables. (Foto Prensa Libre: FB Xava Drago la voz de coda)

El cantante mexicano Xava Drago y la voz principale de la banda de rock mexicana Coda hizo un anuncio que ha impactado en sus seguidores. Drago atraviesa un tratamiento de cáncer y los resultados no han sido favorables.

Milenio describe que Salvador Aguilar, mejor conocido como Xava Drago, con su voz poderosa y carismática, logró conquistar escenarios y corazones, dando vida a canciones que aún suenan en radios y eventos. La época más famosa del grupo fue en la década de 1990. Actualmente Drago tiene 54 años.

A través de un mensaje en sus redes sociales compartió: “Quiero agradecer a todos los que han donado y siguen donando. Desafortunadamente los tratamientos no funcionaron y mis doctores ya no pueden hacer nada por mí”, dijo.

Su comunicación también fue aprovechada para dar las gracias a todas las personas que le han acompañado en este caminar de su enfermedad: familia, amigos y también aquellos en el ámbito laboral en el que ha destacado el músico.

“Sólo me queda agradecer de corazón a mi padre; mis hermanas, que han sido unos ángeles; mis sobrinos; a mis amadas Ela, Nicole y Sofía. A todo el staff y crew que trabajaron conmigo; managers y promotores; a mis compañeros artistas; pero sobre todo a los fans, que han estado conmigo durante tantos años”, dijo.

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El intérprete además expresó que pronto se podría tener nuevo material que grabó recientemente.

El mensaje previo de Xava Drago

En mayo el artista también publicó un video con voz pausada en la que se esforzó para comparatir la información de su enfermedad y agradeció las donanciones que hasta entonces había recibido.

“¿Qué tal? Quiero agradecerles de todo corazón por sus donaciones. Ya comencé mis tratamientos, muchísimas gracias, de verdad. Espero estar listo muy pronto, le voy a echar todas las ganas del mundo. Este video es solo para agradecerles tanto cariño y tanto amor. Muchísimas gracias, de verdad. Los veo muy pronto”, dijo en esa ocasión.

@xavadrago

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♬ original sound – Xava Drago

El cáncer de estómago tiene diferentes etapas que van del estado 0 al IV. Este último es el más avanzado, explica la Clínica Mayo e incluye los tipos de cáncer que se diseminan a otras partes del cuerpo. “Cuando el cáncer se disemina, se llama cáncer metastásico. Cuando se metastatiza el cáncer de estómago, suele diseminarse a los ganglios linfáticos o al hígado. También puede pasar al revestimiento de los órganos en el vientre (peritoneo)”, explica la entidad médica.

Día Mundial del Rock: Canciones y reflexiones de músicos guatemaltecos sobre la pasión y la esperanza del rock

Cada 13 de julio se celebra el Día Mundial del Rock y en el 2025, varios músicos guatemaltecos comparten mensajes e invitan a celebrarlo con el poder transformador de sus canciones favoritas.

Keneth Cruz

13 de julio de 2025 | 20:15h

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Cada 13 de julio se celebra el Día Mundial del Rock. (Foto Prensa Libre: Keneth Cruz)

El Día Mundial del Rock se celebra cada año el 13 de julio para recordar el famoso Live Aid de 1985, un concierto icónico realizado en esa fecha y en el que se presentaron grandes luminarias internacionales.

El Live Aid se celebró el 13 de julio de 1985 y marcó a la escena musical mundial con conciertos simultáneos en EE. UU. y el Reino Unido, con la presencia de Queen, U2, Eric Clapton, y Phil Collins, entre otros.

Televisado globalmente con una audiencia de 1 mil 500 millones, Led Zeppelin y The Who se unieron nuevamente para ese espectáculo que recaudó más de US$70 millones para víveres, insumos y proyectos de desarrollo en el tercer mundo.

Un año después se empezó a conmemorar el Día Mundial del Rock, que cada vez cobra más relevancia y en este 2025, 40 años después del mítico Live Aid, músicos guatemaltecos comparten mensajes sobre el rock y sugieren que, una buena manera de celebrarlo es escuchando las canciones de grupos nacionales e internacionales que incluyen ese poder transformador de la música.

Álvaro Aguilar – Alux Nahual

Para Álvaro Aguilar, vocalista del grupo Alux Nahual, el rock tiene el poder para poder denunciar injusticias, hablar sobre situaciones sociales y expresar sentimientos profundos.

“El rock, en realidad empezó como una música de baile, de festejo. Es el rock and roll, pero después se decantó en el rock y ya no es música de baile. Empezó a servir para poder denunciar injusticias, para poder hablar sobre situaciones sociales, para hablar en contra de la guerra. Hubo muchísima música en contra de la guerra en Estados Unidos y alrededor del mundo, en todos lados, tanto en Alemania como en Rusia y en Guatemala”, dijo Aguilar.

“No se está tratando de complacer a la gente con el rock. No se está haciendo una canción pensando que le va a gustar a la gente, sino se está pensando en qué es lo que necesito decir, qué quiero gritar. Un sentimiento profundo que yo quiero expresar”, añadió.

El pasado 4 de julio, Alux Nahual ofreció una velada roquera en el Fórum Majadas, zona 11 de la capital, en el marco de la XXII edición de la Feria Internacional del Libro en Guatemala (Filgua), considerada como una las fiestas literarias más importantes en el país.

Durante esa presentación, la banda derrochó energía en el escenario y sus admiradores abarrotaron el recinto que brilló a ritmo de varios éxitos del rock guatemalteco.

Álvaro Aguilar de @AluxNahualOfici celebra el #DíaMundialdelRock y saluda a todos los @AluxerosdeCora #Salux @prensa_libre https://t.co/xj8QsV2LJ1 pic.twitter.com/kRTAhCvd4S

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Aguilar evidenció su gusto por temas como Dust in the Wind, de Kansas,  Stormbringer, de Deep Purple, y Bohemian Rhapsody, de Queen, así como su gusto por otros proyectos. Además, dijo que el rock no es un estilo de música, sino que una actitud frente a la vida a través de sus infinitas formas.

A propósito de los éxitos de Alux Nahual, Aguilar recomendó Como un duende, que habla sobre la realidad de los niños de la calle y Alto al fuego, un himno que ha servido para hacer conciencia en contra de la guerra y que se tocó el 29 de diciembre de 1996, durante la firma de la paz en Guatemala.

Carlos Méndez – Viernes Verde

De acuerdo con Carlos Méndez “Chingui”, bajista de Viernes Verde, el rock es libertad. El músico indicó que es fan de Rush y que una de sus canciones favoritas de esa banda es Malignant Narcissism.

“El rock para mí es una expresión que me permite ser yo, ser libre, pocas reglas y permite mantener cierta juventud”, dijo Méndez.

El músico guatemalteco @ChinguivV de la banda @ViernesVerde celebra el #DíaMundialdelRock #AyerHoyMañanaYSiempre @prensa_libre https://t.co/xj8QsV2LJ1 pic.twitter.com/VFmNxDIXKq

— Keneth Cruz (@KenethCruz_PL) July 14, 2025

En la actualidad Méndez y sus compañeros de grupo, promocionan Si este es el final…, No me duelas así, Para qué, y No queda nada, temas que incluirán en el décimo álbum de estudio, el cual publicarán el próximo 30 de julio.

Méndez indicó que existen temas de Viernes Verde con los que tiene una conexión especial e invitó a escuchar Te puede pasar, del álbum PM, y Despegar y no volver, de la producción Namasté.

Germánico Barrios – La Tona

La Tona es otra de las bandas guatemaltecas que ha dejado huella en la escena nacional y en la actualidad trabajan en la producción de un nuevo disco más roquero, pesado y oscuro, y que se publicará en los próximos meses.

Germánico Barrios, guitarrista de esa agrupación, dijo que el rock es revolución, cambio y postura. Además, afirmó que aprendió el rock gracias a la música de protesta.

“Recuerdo que cuando hablé con el cantante de Los Guaraguao, le dije que había aprendido el rock con la música de protesta”, indicó Barrios.

¡Ya llegó La Tona! en el #DíaMundialdelRock y Germánico Barrios, guitarrista de la banda guatemalteca, envía mensaje para los amantes de la música. @prensa_libre https://t.co/xj8QsV2LJ1 pic.twitter.com/N9p5XTau19

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El músico confirmó su gusto por bandas como Led Zeppelin, así como canciones como White Room de Cream y Volumen brutal de Barón Rojo. Además, evidenció su vínculo especial por temas de La Tona como Suicida Bengie en versión estudio.

Gilberto Lemus – Fábulas Áticas

Para Gilberto Lemus, vocalista del grupo Fábulas Áticas, el rock es actitud, una forma de expresar y revolucionario.

Lemus, quién también cuenta con su propuesta musical independiente, celebró recientemente el 30 aniversario de fundación de Fábulas Áticas y con sus compañeros de banda, ofrecieron un concierto en el que grabaron un cortometraje.

“El rock es revolucionario, nació revolucionario y debería seguir siendo revolucionario”, dijo Lemus.

“Para mí el rock es como hablar de temas que la gente a veces olvida o de personas que a veces se olvidan”, agregó el vocalista de Fábulas Áticas.

En el #DíaMundialdelRock el músico Gilberto Lemus, vocalista de la banda @FabulasAticas celebra con sus admiradores y apasionados por este vibrante mundo sonoro. @prensa_libre https://t.co/xj8QsV2LJ1 pic.twitter.com/b9jfxIfTDD

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En cuanto a sus gustos internacionales, Lemus destacó Ciudad de pobres corazones de Fito Páez, mientras que, de las propuestas guatemaltecas eligió Mil formas de Fábulas Áticas, RB de su propuesta solista y Decepción, un dueto en el que participó con Lambour, otro destacado músico nacional.

Juancarlos Barrios – Bohemia Suburbana

“Para mí el rock es una actitud frente a la vida”, dijo Juancarlos Barrios, guitarrista de Bohemia Suburbana, banda guatemalteca que en mayo pasado lanzó Fiel a la miel, su séptimo álbum de estudio, el cual contó con el apoyo del músico y productor argentino Tweety González, reconocido por su participación con Soda Stereo y quién acompañó a Gustavo Cerati.

De acuerdo con Barrios, el rock también es una forma de pararse frente al mundo y de expresar lo que se siente.

En el #DíaMundialdelRock, el músico Juancarlos Barrios, guitarrista de @bohemiasub se suma a la celebración #QueNoPare https://t.co/xj8QsV2LJ1 pic.twitter.com/xuTBIYvttw

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El guitarrista de Bohemia Suburbana confesó que es fan de U2 y que su canción favorita de esa agrupación es Sunday Bloody Sunday.

Barrios añadió que uno de sus temas favoritos de Bohemia Suburbana es Tengo que llegar, el cual se incluyó en el álbum Imaginaria Sonora, producción que se lanzó en abril del 2015 y que incluyó una edición especial y de colección en formato vinilo.

Mario Flores – La Tona

Al igual que Germánico Barrios, el músico guatemalteco Mario Flores es integrante de La Tona.

En su rol como bajista le ha permito acompañar el crecimiento de la banda y acompañar a otros músicos locales.

“Para mí el rock significa romper con barreras, limitaciones y estructuras”, dijo Flores. Además, dijo que lo siente como una expresión de liberación.

Mario Flores, bajista de la banda guatemalteca La Tona, envía mensaje en el #DíaMundialdelRock y recomienda un par de canciones @prensa_libre https://t.co/xj8QsV2LJ1 pic.twitter.com/N6FA1j17LU

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Flores dijo que una de sus bandas predilectas es Led Zeppelin y mencionó el tema Immigrant Song, mientras que de La Tona destacó Al camino, el primer sencillo del nuevo álbum de estudio que la banda publicará en los próximos meses.

Denis Córdova – Extinción – Dhárana

Si de evidenciar su pasión por el rock se trata, el guitarrista guatemalteco Denis Córdova “Pollo”, lo hace constantemente.

Durante su trayectoria artística, la cual la comenzó en la década de 1990, ha figurado en distintos proyectos y ha integrado bandas como Dhárana, Extinción y Manemono. Además, promueve Dencor, su proyecto solista.

Denis Córdova, guitarrista de grupos como @ExtincionBanda #Dhárana y #Manemono se suma a la celebración del #DíaMundialdelRock @prensa_libre https://t.co/xj8QsV2LJ1 pic.twitter.com/232zbrbECF

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“Para mí el rock es cultura y un estilo de vida”, dijo Córdova, quien recomendó los temas Antro, de Dhárana, Herkules, de extinción, Machete, de ManeMono, y Camino de Luz, de Dencor.

Muere el músico Javier Bátiz, precursor del rock mexicano y maestro de Carlos Santana

El guitarrista mexicano Javier Bátiz, precursor del rock nacional y maestro de Carlos Santana, falleció el sábado 14 de diciembre a los 80 años debido a complicaciones por una neumonía y tras luchar contra el cáncer de próstata.

Redacción EFE

15 de diciembre de 2024 | 11:01h

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Una persona prende una vela en un mural del guitarrista mexicano Javier Bátiz, en Tijuana, México. (Foto Prensa Libre: EFE)

El artista murió en la ciudad de Tijuana, fronteriza con Estados Unidos.

Su esposa, Claudia Madrid, confirmó el deceso en un mensaje en redes sociales, junto con una foto en la que se les ve jóvenes y sonrientes.

“Queridos amigos y familia. Para informarles que nuestro adorado y querido, mi esposo Javier Bátiz, trascendió el día de hoy. Su legado y su música quedan para la eternidad. ¡Te amo amor mío! ¡Vuela alto, mi ángel!”, compartió.

Un familiar cercano dijo a EFE que la causa del fallecimiento fue por complicaciones en las vías respiratorias derivadas de una neumonía, motivo por el que estuvo varios días hospitalizado previo a su deceso.

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En los últimos meses, Bátiz venía librando fuertes padecimientos de salud por una neumonía, además de que padecía del cáncer de próstata.

El legendario guitarrista tuvo una trayectoria musical de más de 60 años. Nació el 3 de junio de 1944 en Tijuana y en 1957 fundó el grupo ‘Los TJs’, con influencias musicales que se recibían en las ciudades fronterizas mexicanas.

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Es conocido por ser el fundador del movimiento del rock en Tijuana y por haber sido mentor de otros grandes artistas como Carlos Santana y Alex Lora.

En noviembre pasado, el músico fue homenajeado con las llaves de la ciudad fronteriza, por su legado y su larga trayectoria.

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Esa ocasión, Bátiz acudió al evento donde se mostró muy conmocionado y, con su peculiar sentido del humor, agradeció a todos por tenerlo “en mente” y consideró la distinción como “el honor más alto”.

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¡Ya llegó La Tona!: “Al camino” es el nombre del sencillo que será lanzado el 7 de diciembre

La agrupación guatemalteca de rock La Tona lanzará el 7 de diciembre de 2024 el sencillo “Al Camino”, primero del nuevo disco que preparan y que verá la luz el próximo año.

Miguel Barrientos

23 de noviembre de 2024 | 11:48h

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La agrupación guatemalteca La Tona prepara el lanzamiento del primer sencillo de su próximo álbum. (Foto Prensa Libre: Cortesía La Tona)

El 7 de diciembre es una fecha importante para la agrupación guatemalteca La Tona.

En 2002, Neco, Germánico, Alexis y Mario dijeron adiós a los escenarios chapines con el memorable concierto que titularon El Regreso a Xibalbá, el cual forma parte de la discografía en vivo de la banda.

Desde entonces, La Tona ha ofrecido conciertos esporádicos que han alimentado la nostalgia de sus seguidores, pero desde hace bastante tiempo no se tenían noticias de la agrupación.

Más como un rumor que como una información oficial de la banda, se comentaba desde hace varios años en la escena musical que La Tona preparaba nuevo material.

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Los rumores se acabaron el viernes 22 de noviembre de 2024, cuando en redes sociales de la agrupación se publicó un mensaje de expectativa.

La fecha de revelación será el 7 de diciembre del año en curso, aunque algunas pistas dejaron en claro que se trata de una nueva canción.

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Nuevo sencillo y álbum

Germánico Barrios, guitarrista y uno de los fundadores de La Tona, reveló a Prensa Libre varios detalles de lo que escucharemos y sabremos el 7 de diciembre.

Ese día se lanzará el primer sencillo de un álbum que la agrupación está preparando y que saldrá en el segundo semestre de 2025.

La canción se llama Al Camino y tiene una duración de cuatro minutos y 44 segundos, en los que podremos escuchar un adelanto de lo que será el nuevo álbum.

“Tenemos un nuevo disco, con 12 canciones. Estamos sumamente felices y orgullosos. Hay una producción técnica y creativa muy buena. Letras muy elaboradas y muy buenas ejecuciones”, indicó Germánico.

Barrios detalló que, luego de Al Camino, se lanzarán más sencillos durante 2025, unos cuatro hasta el lanzamiento de la obra completa.

Además de poder escuchar Al Camino, La Tona revelará ese día más detalles del álbum y algunas otras noticias.

“También será el lanzamiento de la portada del sencillo, cuya línea gráfica está a cargo de Alejandro Marre. También será develado parte del nombre del disco”, indicó Barrios.

Respecto a la continuidad musical del nuevo disco, Germánico indicó que tiene el sonido “clásico” de La Tona.

“Los integrantes de la banda son los mismos, pero podemos esperar una evolución musical. Tiene el sonido de la banda. El sonido viene en la sangre y esa sangre corre en el disco”.

“Al Camino se refiere al trayecto de la vida, con sus batallas, unas ganadas y otras perdidas. Es una buena carta de presentación para seguir en el esfuerzo de lucha de vida”, reveló Barrios.

¿Preparan conciertos?

El regreso musical de La Tona ha causado dudas sobre si también preparan presentaciones, a lo que Germánico fue muy claro.

En 2025 estarán concentrados en la edición y lanzamiento del nuevo álbum.

“Es un trabajo en el que, como banda, somos muy involucrados y metódicos. Nos involucramos en todos los aspectos, música, gráfico y más. Estaremos concentrados en eso, esperemos que salga y lo demás vendrá por añadidura”, concluyó Barrios.

Los enlaces para el nuevo sencillo estarán disponibles en las redes sociales de la agrupación.

El cantante estadounidense comenzó su publicación en redes sociales, donde relata su estado de salud, deseando un feliz y saludable Año Nuevo a todos.

A la vez, cuenta que el 2023 tuvo inesperados cambios para él y que precisamente antes de las fiestas de fin de año descubrió que tenía un tumor cerebral, que requería una cirugía inmediata, la cual fue un éxito.

Ahora se encuentra recuperándose en su casa y acogido por el gran amor de su familia. Sin embargo, indica que durante un par de meses estará dedicando toda su energía a recuperarse por lo que se tomará una pausa, lo cual es difícil para él, a quien no le gusta posponer presentaciones.

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Para este año, ya tenía varias presentaciones agendadas en Estados Unidos, Suiza, Holanda y Reino Unido.

Michael Bolton asegura que estará trabajando duro para acelerar su recuperación y poder regresar pronto a los escenarios.

En su publicación también agradece por todo el amor y apoyo recibido a lo largo de los años y asegura que atesora en su corazón todos los mensajes recibidos.

Y dice que tan pronto como pueda estará actualizando la información.

 

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En las fiestas hizo publicaciones en sus redes sociales, como esta:

 

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Decenas de miles de jóvenes seguirán las descargas de sus guitarras eléctricas durante los cinco conciertos programados en el mayor evento católico del mundo, que comienza este miércoles 2 de agosto en la capital lusa y concluirá el día 6 con la presencia del papa Francisco.

La Voz del Desierto tiene ya seis discos en el mercado y experiencia en la JMJ, tras su participación en las ediciones de Madrid (2011) y Panamá (2019).

El grupo nació hace dos decenios en la diócesis de Alcalá de Henares, en Madrid, pero “al final el Señor montó esto”, explica el padre Jesús Javier Mora, uno de los vocalistas.

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Rock tradicional, heavy, baladas, pop…“La música es un vehículo formidable para transmitir el amor de Dios y evangelizar”, continúa el sacerdote, en una entrevista durante uno de los ensayos en Estoril, a unos 30 kilómetros de Lisboa.

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El grupo está unido por “el amor a Dios y el deseo de hablar de Dios a los demás”, aunque cada uno tiene su vida, unos dentro de la Iglesia católica y otros con sus familias, continúa.

Su música bien podría ser la de un grupo de rock al uso, si no fuera por los alzacuellos que los tres sacerdotes lucen sobre el escenario y por las letras de sus temas, con títulos como Él me vuelve a levantar, Sin tu calor o Getsemaní.

“Algunas hablan de la vida diaria, de la Biblia, de pasajes de las Escrituras y de la vida de jóvenes que no encuentran sentido a la vida”, agrega.

“Es lo que nos ha pasado a muchos de nosotros, cómo Dios nos ha cambiado la vida”, resume el sacerdote, a quien conocen como “Curry”.

Son conscientes de que sus actuaciones sobre el escenario sorprenden, pero aseguran que algunos obispos han acudido a sus conciertos y que han logrado seducir también a ateos y agnósticos porque “la música da pie a iniciar una conversación con Dios”.

Es también la mejor forma para conectar con los jóvenes, y, añade Mora, “transmitirles que son amados por Dios”.

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¿Y cuál es el género que más pega entre los jóvenes? El reguetón, reconocen. “Y por ahí todavía no hemos entrado, pero el mensaje de Dios tiene que llegar también y hay que explorarlo”.

“No me veo todavía moviendo el cuerpo, pero bueno, hay que ensayar”, aventura el cura roquero. “Vamos a ver cómo nos ilumina Dios y qué nos pide”.

Ícono de la rebelión, símbolo sexual, descarado y provocador, Jagger quien cumple 80 años el 26 de julio de 2023, lleva décadas haciendo correr tinta con sus excesos y sus amoríos.

Sigue enardeciendo a estadios abarrotados con sus endiablados contoneos, pero en 2019 tuvo que someterse a una operación de corazón.

Sin embargo, su rutina a base de yoga, kick-boxing y bicicleta, combinada con zumos de hierbas, fruta y vitaminas ha preservado su esbelta figura y su forma física.

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Los Rollings realizaron recientemente una gira por Europa, bautizada Sixty, para conmemorar su 60 aniversario, por primera vez sin el baterista Charlie Watts, que falleció en 2021.

Los miembros restantes de la banda prevén lanzar un nuevo disco en homenaje a él este año. Será su primer álbum de material original desde A Bigger Bang en 2005.

Según la prensa, contará con la participación de Paul McCartney y del exbajista Bill Wyman, de 86 años, más de tres décadas después de que abandonara el grupo.

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Londres contracultural de los años 1960

Con canciones como Jumpin’ Jack Flash, Gimme Shelter, Sympathy for the Devil y Not Fade Away, los Rolling Stones contribuyeron a la explosión cultural y social de la década de 1960 en el Reino Unido.

Eran admirados, perseguidos por las chicas y vigilados de cerca por la policía.

Para Jagger era una vida a 2 mil años luz de sus orígenes, como cantó en 2000 Light Years from Home.

Michael Philip Jagger nació el 26 de julio de 1943 en Dartford, al sur de Londres, en el seno de una corriente familia de clase media. Hijo de una peluquera y un profesor de educación física, no estaba predestinado a dedicarse a la música.

Ingresó en la prestigiosa London School of Economics (LSE) en 1961, pero pronto se cansó de los cursos de finanzas y se centró en su pasión por el blues.

Empezó a tocar con su amigo de infancia Keith Richards en 1960 y en 1962 formaron con Brian Jones y Ian Steward The Rollin’ Stones, que se convirtió en The Rolling Stones en 1963, sumando a Wyman y Watts.

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En 1965, la banda lanzó (I Can’t Get No) Satisfaction, que los catapultó a la fama.

Alcanzaron tanto éxito como los Beatles, de quienes sin quererlo se convirtieron en rivales debido a sus estilos diametralmente opuestos. Una campaña de marketing hábilmente orquestada opuso su imagen de “chicos malos” con la de “chicos buenos” de los cuatro de Liverpool.

La banda se hizo tan famosa por sus desmadres en el escenario como fuera de él, con consumo de drogas y una vida sexual desenfrenada.

Jagger y Richards fueron condenados por las drogas en 1967 y Jones pagó el precio más alto, ahogándose en su piscina en 1969.

“No entendí lo suficiente su adicción a las drogas”, reconoció Jagger en 1995. “Cosas como el LSD eran nuevas. Nadie conocía los daños. La gente pensaba que la cocaína era buena”, afirmó.

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En 2003, la reina Isabel II evitó ennoblecer personalmente a Jagger “por sus servicios a la música”, dejando que fuera su hijo Carlos quien lo condecorara como “Sir Mick”.

Pero desde hace tiempo, el millonario Jagger (su fortuna se estimaba en US$395 millones, según el Sunday Times en 2021) ya no es el “chico malo” de sus inicios.

Se le ve a menudo en el estadio de Lord’s, siguiendo los partidos del equipo inglés de críquet.

En 2016, se convirtió en padre por octava vez, cuando la bailarina estadounidense Melanie Hamrick, su pareja desde 2014, dio a luz a un niño. Jagger tiene otros siete hijos de cuatro relaciones anteriores.

El músico estuvo con Foo Fighters durante más de dos décadas. Se unió al grupo poco después de que terminaron de grabar su álbum The Color and the Shape (1997).

Dave Grohl había formado la banda en 1994, después de que Nirvana se disolvió tras el suicidio del cantante Kurt Cobain.

Grohl, un aclamado baterista, asumió la voz principal y la guitarra en Foo Fighters.

El presentador de BBC Radio 6 y exbaterista Matt Everitt dice que Hawkins “tuvo que ser bastante bueno” para ser el hombre de las percusiones de Foo Fighters.

“Dave Grohl es un baterista legendario, pero Taylor no era menos”, opina Everitt.

“Para empezar, no lo habrían tenido en la banda si no tuviera las habilidades necesarias. Estuvo hombro con hombro con Dave Grohl. Fue brillante”.

Everitt, quien entrevistó a Hawkins varias veces durante presentaciones en Reino Unido, lo describe como alguien que tenía una gran pasión al tocar y un gran gusto.

“Él se ponía al servicio de las canciones”, continúa. “Eso es lo que hacen todos los mejores bateristas, entienden que no se trata solo de cuán grandiosa es tu parte, sino de cuán grandiosa es toda la canción y saber cuándo dar soporte a la música”.

Antes de estar con Foo Fighters, Hawkins tocó la batería para Alanis Morissette.

El nacido en Texas se inició en la música gracias a su hermano y comenzó tocando la guitarra. Pero, inspirado por Roger Taylor de la banda Queen y Stewart Copeland, de The Police, pronto adoptó la batería.

Se inspiró en artistas de Reino Unido y en casi todos los conciertos de Foo Fighters emergía de detrás de la batería para cantar una canción de su banda favorita, Queen.

El músico británico Brian May, de Queen, describió a Hawkins como su “hijo amado”. Escribió en Instagram: “Taylor, eras familia para nosotros”.

“Le encantaba Londres. Muchas de las bandas que realmente amaba venían de Reino Unido”, dice Everitt.

Cuando estaba en la capital británica, acudía a los Trident Studios en Soho, donde Davie Bowie y Queen grabaron.

Pero durante la visita de 2001 a Londres, Hawkins pasó dos semanas en coma después de tomar una sobredosis de heroína.

Hablando sobre esa experiencia, en 2018 dijo que fue “un verdadero punto de cambio” para su vida.

Hawkins y su esposa, Alison, se casaron en 2005. Tuvieron tres hijos.

En 2011, Foo Fighters respondió a una protesta de una iglesia cristiana fundamentalista realizando una tocada especial para ellos.

Eran los miembros de la iglesia bautista de Westboro que estaban protestando frente al Sprint Center, Kansas (EE.UU.), donde la banda debía actuar un viernes por la noche.

El grupo se vistió y llegó en un camión de plataforma e interpretaron el tema “You Should be Dancin'” (“Deberìan estar bailando”), de los Bee Gees.

Mientras los Foo Fighters estaban en un receso en 2013, Hawkins formó una banda llamada Chevy Metal que hacía covers.

En 2021, Foo Fighters fue incluido en el Salón de la Fama del Rock and Roll.

Según Everitt, los músicos “no se apoyaban en glorias pasadas” sino que seguían produciendo.

“No se quedaron quietos”, añade. “Foo Fighters tenía más que decir, lo que hace que la tragedia sea aún más insoportable”.

Foo Fighters se encontraba de gira en América del Sur al momento de la muerte de Hawkins.

La última actuación fue en el festival Lollapalooza de Santiago de Chile.

La banda debía presentarse el viernes por la noche en el festival Estéreo Picnic, en Bogotá, Colombia, antes de que se anunciara la trágica noticia.

Todas las imágenes tienen derecho de autor.

Autor de canciones históricas como “Demoliendo hoteles”, “Rezo por vos” y “Nos siguen pegando abajo”, el músico porteño lleva casi dos años alejado de los escenarios por su mal estado de salud, una circunstancia que nunca perturbó su amor visceral por la música.

“Yo si no hay música, aunque sea la televisión… Es como que soy un pescado. La música es mi oxígeno”, reconoció hace unos años sobre un arte, el de componer canciones, necesario para mantenerse a flote.

UN MES DE HOMENAJES

Sin Charly García resulta imposible comprender el último medio siglo argentino: opositor acérrimo a la última dictadura cívico-militar (1976-1983), consolidó su popularidad como solista en los años 80 y 90, antes de sufrir los peores efectos de la drogadicción y copar las portadas de los diarios por sus salidas de tono.

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Por la trascendencia histórica de su figura, que hoy aparece más o menos depurada de todo detalle escabroso, la ciudad de Buenos Aires puso en marcha durante el último mes diversas actividades para honrar sus 70 años, como exposiciones fotográficas, encuentros literarios y recitales.

El broche de oro será este mismo sábado con un “megaconcierto” de homenaje en el Auditorio Nacional, que contará con la presencia de más de cien artistas y una transmisión por streaming al mundo entero.

ESTILO MUSICAL

Dueño de un “oído absoluto”, esto es, la capacidad de identificar notas musicales sin partitura alguna, Charly cuenta con casi treinta álbumes de estudio a sus espaldas, entre ellos piezas fundamentales del rock latinoamericano como ‘Clics modernos’ (1983) y ‘Say No More’ (1996).

Ahora bien, ¿cómo es realmente Charly como músico? En opinión del musicólogo Diego Madoery, que analizó su etapa más prolífica como compositor (1972-1996), la mayor particularidad de Charly es la conjunción que hace entre la “armonía clásico-romántica”, derivada de sus primeros estudios de piano, y el rock.

“La capacidad de mezclar estos lenguajes generó una parte de su estilo muy importante, y que por lo menos en Argentina él es el que lo ha llevado con más personalidad”, subraya a Efe por videoconferencia el experto, que compara en este aspecto a Charly con los Beatles.

Como otros artistas de larga trayectoria, Charly evolucionó al compás de su carrera musical: si bien en sus primeros años arrecian las composiciones “bailables”, como solista ideó canciones mucho “más austeras”.

CONTRADICCIONES COMO ARTISTA

En ese sentido, las siete décadas de vida de Charly están atravesadas por una enorme contradicción, en apariencia irresoluble: ¿cómo ser un músico de masas, capaz de llenar estadios y cosechar los más altos galardones, sin perder un ápice de genialidad?

Esa “tensión” marcó gran parte de su producción artística, según manifestó Diego Madoery en su libro ‘Charly y la máquina de hacer música’ (Gourmet Musical, 2021).

“Me parece que es un rasgo que lo tiene como diferente, bastante análogo a lo que puede ser un Spinetta, un Cerati o un Páez”, afirma el experto.

Esa disputa interna de Charly le causó innumerables conflictos con la prensa especializada y con sus propios seguidores, hasta el punto de condicionar su creación musical: tras la publicación de discos criticados por su “alta exploración estilística”, siempre venían otros más “rockeros” para levantar el vuelo.

Una búsqueda que está íntimamente relacionada con el “espíritu romántico” de Charly, entendido no solo como una dirección artística, sino también como una “vida en conflicto”.

“Creo que Charly es un artista bien romántico, en el sentido de tener muchas ganas de avanzar y autotitularse como la vanguardia y, por otro lado, tener una cierta melancolía de que lo nuevo que viene no es lo que le gusta a él”, asevera Madoery.

EL LEGADO DE CHARLY

Catapultado a la categoría de mito nacional, tanto por sus luces como, sobre todo, por sus sombras, Charly García es venerado por varias generaciones de argentinos.

“Cuando uno acude a los recitales de Charly, en esta última etapa, ve gente muy joven. Esos mismos chicos que por ahí están escuchando algún trapero, también gustan de Charly”, observa Madoery.

De hecho, a sus 70 años Charly “ha desbordado” la categoría del rock nacional, con artistas procedentes del tango y del folklore que lo reconocen “plenamente”.

“Hoy me animaría a decir que es reconocido casi como un Piazzola, músicos que estando dentro de una escena particular la desbordaron con su música”, concluye el musicólogo.

Además, la parte demandante también alegó que Elden nunca había recibido ninguna compensación por aparecer en esa imagen y pidió 150.000 dólares por daños y perjuicios a cada uno de los 15 acusados, incluidos los exmiembros aún vivos de la banda, Dave Grohl y Krist Novoselic, así como sobre los bienes del difunto cantante Kurt Cobain y el fotógrafo Kirk Weddle.

Según la demanda presentada en California, la portada del álbum “expuso la parte íntima del cuerpo de Spencer y mostró lascivamente los genitales de Spencer desde que era un bebé hasta el día de hoy”.

Se consideró que Elden había sufrido “angustia emocional extrema y permanente”, así como “pérdida de por vida de la capacidad de generar ingresos”, entre otras consecuencias.

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El álbum, uno de los más célebres de la década de 1990, vendió 30 millones de copias de la mano de canciones de alta difusión como “Smells Like Teen Spirit” que se convirtieron en icónicas de la cultura popular estadounidense.

Los representantes de Nirvana o las discográficas de los miembros aún no han reaccionado a la demanda.

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Elden reprodujo la portada del álbum varias veces, incluso para su cumpleaños número 25. Weddle, el fotógrafo de la imagen original, era amigo de su padre, según le dijo la familia a la radio pública NPR en 2008.

Organizaron una fiesta en el jardín junto a la piscina durante la cual el bebé fue fotografiado para el disco de la entonces desconocida banda. Sus padres recibieron 200 dólares por la imagen.

Escrita en realidad en 2001, la canción nació bajo el título de “Silkworms” durante las jornadas de preparación de su sexto disco de estudio, “Chinese Democracy” (2008), que es de momento el último álbum con cortes propios y nuevos ofrecidos por la banda.

“Absurd”, que ya puede escucharse en plataformas digitales, es una pieza de rock contundente y riffs fulgurantes, con Axl Rose ofreciendo entre medias una buena ración de sus míticos agudos.

Fue presentada por primera vez durante una actuación en Boston que forma parte de su largamente postergarda y por fin retomada gira por estadios de Norteamérica, la cual arrancó el pasado 31 de julio en la ciudad de Pennsylvania y ante 30.000 personas.

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Recientemente, la banda estadounidense anunciaba que se veía obligada a posponer al verano de 2022 su esperada gira europea, un nuevo aplazamiento por el coronavirus de los conciertos que debieran haber tenido lugar originalmente el año pasado.

“Desafortunadamente tenemos que apelar a vuestra paciencia una vez más”, pidió el grupo en un comunicado en el que informaban que el “tour” recalará el 4 de junio de 2022 en Lisboa y continuará en Sevilla el 7 de ese mes en el Estadio Benito Villamarín.

Fue en 2016 cuando los miembros fundadores Axl Rose, Duff McKagan y Slash volvieron a reunirse después de 23 años separados en la gira “Not in this Lifetime”, cosechando un éxito en taquilla sin precedentes. De hecho, con más de 563 millones de dólares (510 millones de euros), figura en el tercer puesto de las más recaudadoras de la historia.

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“México, estamos de vuelta”, apuntó la banda en sus redes sociales y mostró un cartel con la fechas de los conciertos. Además, en la imagen se advierte que los eventos cumplirán con los protocolos sanitarios y que respetarán las normativas en la ciudad en torno al semáforo epidémico referente la pandemia de covid-19.

Los tres conciertos son parte de la gira México “We’re F’N’ Back” (Estamos de vuelta), con los que las promotoras musicales buscan la reactivación económica de un sector que ha sido de los más golpeados por la pandemia.

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En Guadalajara, en el concierto que abre la gira, la banda se presentará en el Estadio Akron; en Mérida, estarán en la explanada de la Feria Xmatkuil y en Monterrey tocarán en el estadio de béisbol de los Sultanes.

Formada en 1985, la banda, liderada por Axl Rose, aprovechará su paso por México para presentar éxitos como “Sweet Child O’ Mine”, “Welcome to the jungle” y “November Rain”, entre otras.

Mexico, we're Fn back!! Merida, Guadalajara & Monterrey, see you in October!
Nightrain pre-sale July 7 for Guadalajara & Merida | July 12 for Monterrey
Public on sale July 9 for Guadalajara & Merida | July 15 for Monterrey pic.twitter.com/G2b73p4h5v

— Guns N' Roses (@gunsnroses) July 5, 2021

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El último concierto ofrecido por la banda en México ocurrió el 15 de marzo de 2020, cuando se presentaron como el grupo estelar de la primera jornada del Festival Vive Latino, ante unos 60 mil asistentes, previo al confinamiento al que obligó el coronavirus.

Así se vivió:

A comienzos de abril, la banda estadounidense anunció el aplazamiento para el 2022, de su esperada gira europea.

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Sax padecía insuficiencia renal y tenía un condición delicada publicó el diario Millenial. Y debido al covid-19, desde hacía meses no trabajaba.

El músico era muy querido, fue uno de los fundadores, junto con Pato, de la Maldita Vecindad y los Hijos del Quinto Patio, la banda que inició en 1985 en Ciudad de México.

La Maldita Vecindad está conformada también por Roco, Aldo, Tiki y Lobito. La banda se ha caracterizado por fusionar ritmos como el rock, ska, reggae, punk y otros ritmos como el danzón y el boleto.

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El saxofonista también formó parte de la banda Malditos Cocodrilos y colaboró con Caifanes, Víctimas del Dr. Cerebro Show,  Tex Tex y Kotardo.

Cervantes era originario de San Luis Potosí. Comenzó su carrera artística a los 11 años y destacó en su interpretación del saxofón y clarinete en la secundaria y formó parte de la Orquesta Juvenil.

En Kumbala, destaca Sax, cuya melodía de la banda forma parte de la lista de los 100 mejores discos iberoamericanos de Sony Entertainment Music, México.

Para seguirlo escuchando y rendirle homenaje…

Este martes 23 de febrero, la banda nacional publicó un comunicado en sus diferentes cuentas en redes sociales y notificó que el guitarrista Francisco “Toky” Marroquín, abandona las filas de la agrupación.

“Saludos almas verdes. Por este medio queremos compartirles que nuestro querido guitarrista Francisco “Toky” Marroquín nos ha informado su deseo de retirarse del proyecto verde”, fueron las primeras líneas que incluyó el grupo guatemalteco en su comunicado.

De acuerdo con la información publicada, la banda agradeció el tiempo que “Toky” permaneció y compartió escenario con los demás integrantes y le desearon éxitos en su nuevo camino.

“Hemos de reconocer que esta decisión nos tomó por sorpresa, pero respetamos su decisión, y comprendemos perfectamente bien su anhelo de canalizar sus esfuerzos y vida hacia otros proyectos. Reiteramos, respetamos su decisión tal y como lo hemos hecho en el pasado en situaciones similares con otros integrantes”, agregó Viernes Verde al referirse a salidas de exintegrantes como Alejandro Gillot “Guille” (Baterista 1993-2012), Mario Villanueva (Guitarrista 1993-2001), Estuardo Castro (Bajista 1993-2000), Jorge Baldetti (Guitarrista 1998-2001), Jorge Espaderos (Bajista 2000-2001), y Pepe Mejia (Guitarrista 2001).

“Te deseamos muchos éxitos Toky y no olvides que nuestra amistad estará siempre allí vara vos. Abrazos sinceros”, agregó la banda en el comunicado firmado por Omar Méndez (voz), Carlos Méndez Chingui (bajo), Roger Marroquín (batería) y Edgar Lara “Whiskey” (manager).

“Guille”, uno de los exintegrantes de la Banda, se pronunció y envió los mejores deseos para todos.

Cuáles son los planes de la banda

En la información que hizo pública la banda, se confirma están dispuestos a continuar con su historia por el bien de la música que se crea en Guatemala.

“En Viernes Verde continuamos con nuestros sueños de seguir haciendo música y pronto estaremos compartiendo proyectos nuevos que nos tiene ilusionados”, dijeron los integrantes activos de la banda que se fundó el 15 de mayo de 1993 y que ha dejado huella en el rock nacional.

Viernes Verde ha recorrido múltiples escenarios, ha acumulado experiencia y ha representado a Guatemala durante más de dos décadas. Además, adelantaron que el próximo 5 de marzo tienen preparada una sorpresa para sus admiradores e instaron que sigan atentos de sus cuentas en redes sociales.

Discos de estudio de Viernes Verde

• En 1994  lanzaron Cenizas bajo tus pies.
• Oscuro lo publicaron en 1998.
• En 2001  llegó Remedios para el alma.
• En 2004  se lanzó Con Piedras, palos y flores.
• Fantasía Funesta  se presentó en 2009.
• En 2013 salió Namasté.
• P.M. lo  lanzaron en 2017.
• En 2018 publicaron La Ruta.
• Trinidad se lanzó en 2019.

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El legendario músico británico, conocido también como “El Duque Blanco”, pionero del “glam rock” y referencia de legiones de artistas, moría el 10 de enero de 2016 a los 69 años (dos días después de su cumpleaños) en Nueva York, a causa de un cáncer de hígado que padecía desde hacía 18 meses.

La noticia de su muerte dejó en shock a miles de personas, ya que tres días antes había publicado su último álbum: Blackstar.

Blackstar fue su vigésimo quinto álbum de estudio, que visto, con retrospectiva, contiene lo que, según sus estudiosos, parecen referencias a su propia muerte. ¿Un presagio o la última gamberrada del artista sabedor de su suerte?

Bowie se llevó la respuesta a su tumba, pero la letra del primer sencillo del álbum, Lazarus, no deja lugar a la duda: “Mira aquí arriba, estoy en el cielo, tengo cicatrices que no se ven, tengo drama, no puede robarse, todo el mundo me conoce ahora”.

Además, el videoclip de este tema, de unos cuatro minutos, muestra a un Bowie pálido y con los ojos vendados, levitando en la cama de un hospital.

Con solo siete canciones y unos 45 minutos de duración, el disco póstumo es el único trabajo que no presenta una imagen del músico en la portada. En su lugar aparece una estrella negra, que si se pone a la luz del sol se transforma en un campo de estrellas brillantes, y si se pone bajo rayos UV, se ilumina como si fuera una galaxia con estrellas de color azul.

Poco tiempo después de su lanzamiento, el álbum fue recibido con buenas reseñas tanto de la prensa musical como del público, llegándose a situar en el primer puesto de listas musicales de numerosos países.

El disco, que llegó a vender 146 mil copias en su primera semana en el Reino Unido y más de 181.000 en los Estados Unidos, alcanzó el primer puesto en la lista de descargas de iTunes en 25 países, y se convirtió en el primer álbum de Bowie en llegar a la primera posición de la lista estadounidense Billboard.

Pero la fama ya había sonreído a David Bowie más de cuatro décadas antes, en 1972, cuando publicó su quinto álbum de estudio The Rise and Fall of Ziggy Stardust and the Spiders from Mars, lleno de letras misteriosas y electrizantes, y acompañadas por su imagen, tan espectacular como ambigua.

Sus grandes éxitos, convertidos en clásicos de la música y referencias de culto, incluyen títulos como Let’s Dance, Heroes, Under Pressure, Rebel, Rebel, Life on Mars, Suffragette City o Space Oddity, y que le supuso el premio Ivor Novello por su originalidad.

Bowie tenía una vocación artística innata que lo llevó a tentar la pintura, el diseño y la escritura, y a alternar la música con el cine.

Más allá del triunfo que supuso la película juvenil Laberinto (Jim Henson, 1986), donde compartió reparto con una debutante Jennifer Connelly, el artista británico participó también en La última tentación de Cristo (1988) de Martin Scorsese, donde interpretaba a Poncio Pilatos.

El hombre que vino de las estrellas (1976) de Nicolas Roeg, Feliz Navidad, Mr. Lawrence (1983) del japonés Nagisa Ôshima, ambientada en la Segunda Guerra Mundial y con música del reconocido compositor Ryuichi Sakamoto o la muy popular en el género de terror El ansia (1983), de Tony Scott, figuran asimismo en su currículo.

También actuó en el papel de Nikola Tesla, junto con Christian Bale y Hugh Jackman en la cinta de Christopher Nolan, El truco final (2006) basada en la novela epistolar de Christopher Priest que trata sobre la rivalidad de dos magos de principios del siglo XX. Toda una paradoja para el considerado mago de la música pop de las décadas de los años ochenta y noventa de ese mismo siglo.

Cinco años de su muerte, la magia de David Bowie sigue viva entre sus fans. Un encanto ganado a pulso con su trabajo. Desde 2002 figura en la lista de los 100 británicos más importantes de la historia y en 2004 la revista Rolling Stone y le situó también entre los cien artistas más importantes de todos los tiempos y en su lista de los mejores cantantes.

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“Rompan Todo” es un verdadero paseo por la historia del rock que estará disponible a partir del 16 de diciembre.

“¿Sentían que a este año le faltó rock? Rompan todo, estreno 16 de diciembre”, publicó la compañía en las redes sociales.

De acuerdo con el sitio www.indierocks.mx, aún no se sabe el contenido específico de la producción, “pero sugiere ser un deleite emocionante de la huella que ha marcado el rock en más de 50 años de historia”.

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Por este estreno desfilarán bandas como Maná, Soda Stereo, Café Tacvba, Molotov, Aterciopelados, los Fabulosos Cadillacs o Maldita Vecindad, entre otras.

También Charly García, El Tri, Fito Páez, Andrés Calamaro, Mon Laferte, Juanes y otros más. 

Se informó que aún faltan artistas por confirmar.  

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Las bandas tocarán en vivo en distintos escenarios, algunos de ellos tan emblemáticos como el Gran Rex de Buenos Aires, en los que se cumplirán estrictos protocolos para evitar la propagación del covid-19, que serán aplicables a los músicos y a los técnicos encargados de que la señal llegue correctamente a los seguidores, quienes desde sus casas tendrán una experiencia que busca ser lo más cercana posible a un festival tradicional.

El evento se divide en cuatro escenarios virtuales, cada cual con un cartel diferente, en los que habrá actuaciones en simultáneo, que los asistentes podrán alternar y, en algunos casos, disfrutar con la posibilidad de realidad virtual de 360 grados.

Además de las actuaciones el festival incluye “meet and greet” (encuentros) con las bandas, charlas, talleres, patio de comidas para encargos a domicilio, salas y foros para socializar, una muestra de los 20 años del festival y un homenaje especial a la agrupación mexicana Salario Mínimo, cuyo vocalista falleció por covid-19.

Esta edición arranca a partir de las 17, hora local (20.00 GMT) de este sábado, una primera jornada en la que actuarán, entre otros la mexicana Julieta Venegas, los españoles Izal y Reincidentes, los uruguayos Agarrate Catalina, la banda cubana Toques del Río, y una gran cantidad de artistas argentinos como Vicentico -vocalista de Los fabulosos Cadillacs-, Sara Hebe, Miss Bolivia, Los Caligaris y Ciro y los Persas.

El domingo será el turno, entre otros, de Rata Blanca, Damas Gratis, Él mató a un policía motorizado, Los Cafres, los colombianos Monsieur Perine, los chilenos Cami, los peruanos Gaia y los mexicanos Molotov.

El festival nació en 2001 en la ciudad cordobesa de Cosquín y creció hasta convertirse en uno de los más grandes del continente, con ediciones en México, Perú, Colombia, Paraguay, Uruguay y Estados Unidos.

La llegada de la pandemia obligó a los organizadores a reinventarse, y originó el nacimiento de una plataforma digital que está pensada para convivir con el retorno de las ediciones presenciales, albergando actividades exclusivas y permitiendo la asistencia a seguidores de lugares remotos.  Los tickets tienen un costo entre 10 y 15 dólares.

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En abril de 1970 el cantante de la banda de rock Smile abandonó el grupo que formaba junto a Brian May y Roger Taylor. Un joven estudiante de arte y diseño gráfico le sustituyó, cambió el nombre del grupo y comenzó la leyenda: cinco años más tarde Queen era ya la banda más influyente del rock de la época y Freddie Mercury llegaría a convertirse en uno de los mayores íconos de la historia de la música.

Casi tres décadas después del fallecimiento de Freddie Mercury, el legado de Queen permanece vigente. Buena prueba de ello es el éxito del musical We Will Rock You, en escena desde 2002, o el de la película Bohemian Rhapsody, estrenada a finales de octubre de 2018 siendo la cinta biográfica más taquillero de la historia, con una recaudación superior a los US$ 900 millones.

Queen acaba de recibir un honor sin precedentes en el Reino Unido: es la primera banda de rock en contar con su propia moneda, la primera de la colección Music Legends, con la que el Royal Mint quiere destacar la música británica como “una de las mayores contribuciones del país a la cultura mundial”, y de la que el grupo es sin duda uno de los principales representantes.

Con la moneda se rinde homenaje a Queen por ser una de las bandas más influyentes de su generación y porque sus clásicos atemporales siguen siendo disfrutados por millones de seguidores en todo el mundo.

Un reconocimiento inimaginable para el guitarrista Brian May: “cuando empezamos como Queen, incluso el primer peldaño de la escalera hacia el reconocimiento parecía remoto e inalcanzable”.

Queen dio un nuevo impulso al rock y, a finales de los años 70, eran ya la banda más influyente del género. Posición que reforzarían durante la siguiente década, ya convertidos en auténticos mitos, gracias a un buen número de canciones que se habían alzado como himnos y con una espectacular puesta en escena, gracias al carismático Freddie Mercury.

“Me di cuenta de que mi interés era la música, todo lo que quería hacer era música, así que me dije: tengo que intentarlo como cantante”, explicaba Freddie Mercury, que poco después de su llegada a Londres desde Zanzíbar, Tanzania, comenzó a estudiar arte y diseño gráfico en el Ealing College of Art.

En aquella escuela de arte de Londres está el origen de Queen: Mercury conoció allí al cantante Tim Staffel, quien junto al guitarrista Brian May y el batería Roger Taylor, formaban la banda Smile; un grupo de hard rock psicodélico del que Mercury era gran seguidor y del que acabaría siendo su vocalista cuando Staffel abandonó la formación en abril de 1970.

Una majestuosa trayectoria

Por aquel entonces, Freddie, aún no usaba el apellido con el que se haría célebre y seguía siendo Bulsara, algo que cambió poco después, durante los primeros conciertos de la formación – que pasó a llamarse Queen a propuesta de Mercury – en el City Hall de la localidad de Truro el 27 de junio de 1970 y el 18 de julio en el Imperial College londinense, donde la banda ensayaba habitualmente.

Durante los primeros meses, por la agrupación pasaron varios bajistas, hasta que finalmente John Deacon completó la formación definitiva de Queen en marzo de 1971.

Elegido el nombre de la banda, fue el propio Mercury quien diseñó el logotipo de Queen, que tiene cierta similitud en su composición con el del Reino Unido, especialmente por los leones, que en la insignia de la banda representan en el signo del zodiaco de John Deacon y de Roger Taylor.

Mercury incorporó los signos del zodiaco de los cuatro integrantes de la banda, y así aparecen también un cangrejo por Bryan May, y dos hadas para él mismo; en el centro del diseño, una corona rodeada por la letra “Q” y, sobre todo el conjunto, un gran ave fénix.

La impronta de Mercury está presente desde la propia concepción del grupo y de su imagen, aunque no sólo el carismático líder de Queen tiene responsabilidad en su éxito: los cuatro fueron músicos excelentes y todos compusieron alguno de las grandes canciones con las que hicieron historia.

Su debut discográfico fue el álbum “Queen”, lanzado en julio de 1973, un disco con clara influencia del heavy metal y del rock progresivo y que recibió buenas críticas con el que consiguieron llamar la atención del público.

Meses más tarde lanzarían “Queen II”, en marzo de 1974, con el que consiguieron llegar al número 5 de las listas británicas, y ”Sheer Heart Attack”, en noviembre de 1974, precedido por el sencillo Killer Queen, primera canción del grupo en entrar en las listas de éxitos estadounidenses y número 2 en las británicas, igual que el álbum.

Después del éxito logrado, Queen desarrolló en 1975 su gran obra maestra, “A Night at the Opera”, que fue lanzado en Reino Unido el 21 noviembre de ese año y dos semanas más tarde en Estados Unidos. De entre todas sus canciones destaca Bohemian Rhapsody, el primer sencillo de Queen en alcanzar el número 1 y una de las mejores canciones de la historia de la música.

Para darle nombre al que por entonces fue el álbum más costoso jamás producido, y su primer número 1 en Reino Unido, tomaron el título de una película de los hermanos Marx, como harían para el siguiente, “A Day at the Races”, publicado un año más tarde.

Leyendas del rock

Las ventas millonarias y los números 1 continuaron: “News of the World” (1977), “Jazz” (1978) y “The Game” (1980) consolidaron a Queen como la gran banda de rock de la época, en la que dejaron canciones como We Will Rock You, We Are the Champions, Don’t Stop Me Now o Another One Bites the Dust.

No hay un álbum de Queen que no contenga al menos una canción que se haya convertido en un clásico, como el Under Pressure que grabaron junto a David Bowie para “Hot Space” (1982) o Radio Ga Ga y I Want to Break Free, del álbum “The Works”, de 1984.

Para entonces, Queen llenaban recintos para decenas de miles de personas en sus conciertos y habían publicado su primer recopilatorio, “Greatest Hits” (1981), el más vendido de la historia en el Reino Unido.

Aunque en abril de 1985 Freddie Mercury publicó su primer disco en solitario, “Mr. Bad Guy”, y circularon rumores de la separación del grupo, Queen volvió a eclipsar al mundo con sus 17 minutos de actuación en el macroconcierto benéfico Live Aid, celebrado en el estadio de Wembley el 13 de julio de aquel año ante 72 mil espectadores, y en el que participaron las mayores estrellas musicales del momento.

Entre 1.500 y 1.900 millones de personas vieron aquel concierto por televisión en todo el mundo y aquella breve actuación de Queen está considerada la mejor de la historia, y sin duda encumbró de nuevo a la banda.

“Era el escenario perfecto para Freddie: el mundo entero”, afirmó el impulsor del concierto, Bob Geldof, en el libro ‘Freddie Mercury: the definitive biography’.

La imagen de Mercury en aquel concierto quedó para la posteridad, como la que lució apenas un año después en el mismo escenario, esta vez en el marco de la gira ‘Magic Tour’ para presentar el álbum “A Kind of Magic”, con la que Queen llenó dos noches consecutivas, el 11 y el 12 de julio de 1986, el estadio de Wembley.

Fue la última gira de Queen con Freddie Mercury, que en 1987 fue diagnosticado de sida, aunque la continuó con su discografía, primero con “The Miracle” (1989) y después con “Innuendo” (1991), último álbum de estudio de Queen antes del fallecimiento de Mercury, el 24 de noviembre de 1991.

‘Made in Heaven’, lanzado en 1995, fue el último disco de Queen, para el que se emplearon grabaciones de piano y voz que habían sido realizadas por Freddie Mercury en sus últimos meses de vida.

Aunque el show de Queen ha continuado años después con otros vocalistas para mantener viva la memoria de la banda, el legado y la figura de Freddie Mercury permanecen imborrables.