Último concierto de la Orquesta Sinfónica Nacional en su presente ciclo, el pasado jueves 29. El auditorio del Conservatorio Nacional, con una buena asistencia de público. El público, ávido de escuchar un repertorio innovador e interesante. El repertorio, valioso; ciertamente justifica la denominación “temporada extraordinaria” cuando nuestra principal orquesta sinfónica brinda lo que se debe calificar como su cometido fundamental: la difusión de la música de Guatemala. Una música muy bienvenida, aunque todavía pendiente de un estudio a profundidad, de una ejecución frecuente y de una asimilación y divulgación mucho más amplias.

Entre los comentarios del folleto de mano apuntó el joven compositor Xavier Beteta que el programa de la noche trataba de reencontrarnos con Ricardo Castillo y Manuel Martínez Sobral y, de cierta forma, entablar un proceso de recuperación de su música. Fue así como durante la función se escucharon piezas de estos tres autores. A modo de obertura, “Guatemala I” de Castillo, para concluir con “Acuarelas chapinas” de Martínez Sobral. En la parte central y en estreno absoluto, el “Concierto N° 1 para piano y orquesta” de Beteta. El propio autor fue el solista. Como director de orquesta actuó el maestro Ernesto Calderón.

Es evidente que cuando procuran retratar lo guatemalteco, siempre se trasluce y resulta determinante la admiración que Castillo y Martínez Sobral sienten por los compositores europeos que inspiran su manejo musical de motivos y estímulos locales, tanto en lo conceptual como en lo técnico. Acertadamente indica el maestro Rodrigo Asturias –actor clave para el conocimiento y la puesta en valor de estos dos autores guatemaltecos– que ambas piezas, de 1934 y 1907 respectivamente, buscan trasladar lo visual a lo auditivo. De este modo es que los dos hacen alusión a los ambientes que formarían parte de sus vivencias y, a su vez, observan y reflejan el desfase histórico de una Guatemala que permanece en pugna con siglos de inmovilidad social. En franco contraste, la obra de Beteta también se vincula en cuanto a lo visual, desde su título “Tomás de Merlo” y los encabezados de sus movimientos, pero se libera en cuanto a su deuda artística. Este concierto para piano se refiere a tres de los seis cuadros del célebre pintor del siglo XVIII, que fueron sospechosa e impunemente sustraídas del Calvario de Antigua hace casi siete años (confróntese el artículo que a la sazón publicamos en este mismo medio, el 9 de febrero de 2014). Su lenguaje musical, empero, es personal: la construcción textural antes que melódica, ciertos tonos que funcionan como ejes alrededor de los cuales ocurren las intervenciones de la orquesta, el piano que repetidamente deviene un elemento obligado antes que protagonista y, en general, una solidez contenida, vigilante, alejada del malabarismo, que no es facilista pero tampoco se extralimita.

Felicitaciones a la Sinfónica Nacional y un saludo muy efusivo a Xavier, por habernos compartido la primera exposición pública de esta composición, no solo como autor, sino como ejecutante al piano, instrumento que domina de manera muy completa. Igualmente va un reconocimiento para Ernesto, al frente de la orquesta, cuyo desafío primordial sigue siendo la falta de costumbre para abordar música nueva. Esto se tradujo en interpretaciones que fueron adecuadas a las obras, pero cuya falta de soltura y de transparencia únicamente podrán superarse cuando esta clase de repertorio se convierta en parte habitual de la programación. Ya vendrá el momento en que su ejecución se acometa con naturalidad y un entusiasmo comprometido con el arte contemporáneo.

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Plantado en el medio del escenario, frente a los cientos de personas que repletaban el aforo del salón, me dispuse a tocar las tres piezas, bastante cortas, que habíamos preparado para la ocasión. El grupo musical con el que iba a actuar tenía dos integrantes nada más, si es que se le podía llamar “grupo” a ese dueto de violonchelo y piano. Asustado por lo nutrido de la concurrencia, alcé más de lo normal el atril con mis partituras y lo coloqué muy cerca, con tal de no divisar a los espectadores. Al concluir la breve intervención, apenas saludé de prisa y con apremio me retiré hacia la parte posterior del tablado. Recuerdo la amable ovación; pero, presa de los nervios, ni siquiera volteé a ver al auditorio.

Hará 50 años de aquel momento. Carajillo de jugar carritos y trocitos, fue la primera vez que experimenté la indescriptible emoción de comunicarme con tanta gente a un mismo tiempo, por intermedio de un metalenguaje –si se me permite la apropiación de este término– que es parte integral de la humanidad desde sus albores, la música. Era una velada artística del colegio en el que cursaba el primer año de la escuela primaria y el público consistía, naturalmente, en familiares y amistades de los alumnos, a más del cuerpo docente de ese centro escolar. Sin embargo, ninguno de mis padres se encontraba entre ellos. Por una parte, mi papá, a 9 mil kilómetros de distancia, estudiaba una maestría en administración educativa gracias a una beca otorgada por el gobierno del Reino Unido; él ya había hecho su parte para asegurar mi participación, cuando había empezado, hacía unos meses, a instruirme en la ejecución del instrumento que se ha vuelto inseparable compañero de vida desde hace medio siglo. Por la otra parte, mi mamá, a un par de metros de distancia, sobre el escenario; ella fue mi pianista acompañante en ese rito de iniciación y mi “maestra en jefe” durante la ausencia de su esposo, mientras él completaba sus estudios de posgrado.

La inversión familiar tuvo su rendimiento. Al año siguiente regresaba mi padre. Viéndose obligado a renunciar al establecimiento donde no se apreciaba su trabajo como profesor de música, fundó la Sinfónica Juvenil de Guatemala en 1970, anticipado a iniciativas en todo el resto de América Latina. En el transcurso de una década y sin apoyo institucional, con esta orquesta de jóvenes nos presentamos en todo nuestra nación, en Centroamérica, en México y en dos giras a los Estados Unidos, cuando el sueño de sinfónicas juveniles guatemaltecas no era más que eso: un sueño. Ya en la secundaria, con dos compañeros del colegio sentaríamos las bases para la banda de rock con la que recién cumplimos 39 años de crear música y actuar en esos mismos países que he mencionado. Simultáneamente, durante la década de 1980, con mi señora madre y con un entrañable amigo de universidad pasaríamos a formar un trío de violín, violonchelo y piano, que preparó el camino para fundar un cuarteto de cuerdas. Son más de 26 años de labor sin interrupción orientados a poner en valor la música de Guatemala, con el Cuarteto Contemporáneo.

El sendero ha estado repleto de aventuras, satisfactoria la abrumadora mayoría de ellas. Sería tedioso para el amable lector e imposible de condensar en este espacio, la extraordinaria variedad y cualidad de tantos acontecimientos relacionados con la composición, la producción, la investigación y la interpretación musical a lo largo de diez lustros; en escena y… fuera de ella; con todos los recursos deseables… o sin más que lo estrictamente imprescindible. Y todo esto, desde una lejana tarde que hoy me tomo la libertad de evocar, como una memoria mínima.

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La Sinfonía “Júpiter”, número 41 de Wolfgang Amadeus Mozart (austriaco, 1756-1791), permanecerá por siempre como uno de esos referentes de la música occidental: la culminación de la creación para orquesta sinfónica de este inigualable compositor. En ese momento contaba apenas con 32 años de edad. Tres años después, yacía muerto. ¿Qué hubiera creado si hubiera vivido el doble del tiempo y hubiera escrito el doble de sinfonías?

Como complemento, el “Concierto para Clarinete y Orquesta” de John Corigliano (norteamericano, nacido en 1938), que compuso a sus 39 años. Una obra notoriamente referencial de las influencias europeas del autor y, a la vez, un magnífico ejemplo de la atribulada expresión estética de nuestro tiempo. Un excelente solista al clarinete, Sergio Reyes Sagastume, guatemalteco; un excelente trabajo, también, del director invitado, el venezolano César Iván Lara.

Está claro que, a todas luces, fue un recital extraordinario de la Sinfónica Nacional de Guatemala, verificado el pasado jueves 27 en el auditorio del Conservatorio. Una muestra de la primera escuela vienesa (el “Clasicismo”), que ponen a estudiar a cualquier aspirante a músico, pero que pocos comprenden en su esplendor cabal. Luego, una pieza que impresionó hasta a los más espantados por la música de las últimas décadas, con recurso a las tesituras instrumentales extremas de una orquesta y la distribución espacial de algunos intérpretes en el área del auditorio (que en nuestro país también hemos usado anteriormente, pero que pocos recuerdan, por ser propuestas nacionales). Un genuino festín auditivo que conmovió al público por lo bien logrado del concierto. Muy bien, maestros y maestras. ¡Esto debiera ser lo regular y reglamentario de todas las presentaciones de la orquesta!

Gran parte del mérito hay que atribuirlo a la recia actitud y pericia del maestro Sergio Reyes, quien sigue luciendo como el mejor clarinetista que ha nacido en Guatemala. Recordando a mi tío-abuelo José Gatica Coronado, acreditado como uno de los grandes exponentes chapines de este instrumento, estoy seguro que él se hubiera enorgullecido de la perfección con la que se desempeña Sergio. No en balde es uno de los clarinetistas preferidos de todo un continente. Al mismo tiempo, recuerdo mi encuentro con John Corigliano, con quien tuve el honor de compartir mi música hace una veintena de años en Bloomington, Indiana. Un hombre afable, accesible, quien se dignó escuchar la propuesta musical que yo hacía en esa época. Sus consejos fueron oportunos y bien aprovechados. Un compositor de una inteligencia y consumación poco frecuentes.

El otro mérito es del maestro Lara, quien –en palabras de una integrante de la orquesta– les puso a experimentar en serio los conceptos del arte contemporáneo. Por una parte, un Mozart que sigue brillantemente vigente (en todos los registros posibles de la música de su era); por la otra, un Corigliano (que muy pocos y muy pocas imaginaban). Me alegra haber saludado a algunos artistas presentes como oyentes en el concierto, dispuestos a vencer las excusas y los pretextos de siempre. Me contrista darme cuenta que, a los demás, les importa poco estos descomunales y soberbios momentos del arte. No pueden alejarse un momento de sus televisores, sus smartphones y las constantes trivialidades de los noticieros, para acercarse a una presentación musical de gran calibre.

Como sea, la música continúa. Siguiendo lo que me decía un premio nacional de literatura, la música en vivo nunca desaparecerá. Ver a un virtuoso que, en tiempo real (no en un aparato con audífonos) puede hacer lo que hizo Sergio Reyes y lo que dirigió César Iván Lara, con la Sinfónica Nacional… esta es la esencia del arte.

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Las bandas de las Fuerzas Marítimas de Autodefensa del Japón y la Sinfónica Marcial de Guatemala presentaron, la semana pasada, el ensamble Sonidos armoniosos del mar, en el Teatro Efraín Recinos, del Centro Cultural Miguel Ángel Asturias, de la capital.

Los uniformes blancos nipones se mezclaron con los azules guatemaltecos, para tocar piezas representativas de ambos países. También se presentó el grupo Shozui de tambores japoneses del Escuadrón de Entrenamiento del Japón.

El embajador japonés en Guatemala, Eiichi Kawahara, dijo que las Fuerzas Marítimas de su país organizan cada año cruceros de buena voluntad en el extranjero. En este contexto tres buques japoneses visitaron nuestro país, como parte de la conmemoración, en el 2015, de los 80 años de relaciones diplomáticas entre Japón y Guatemala.

Vea fotogalería del concierto Sonidos armoniosos del mar