Diagnosticar a un paciente que lleva décadas muerto es una tarea complicada. Sin embargo, hay muchas teorías sobre qué enfermedades padecía Van Gogh.

Han circulado muchas teorías diferentes sobre el diagnóstico psiquiátrico exacto del artista en los años previos a su suicidio, pero una de las más convincentes es que Van Gogh tenía trastorno bipolar.

Esta teoría fue originalmente expuesta en un libro alemán de 1938, pero un estudio de 2020 realizado por académicos holandeses se propuso dilucidar esta especulación utilizando cientos de sus cartas como evidencia.

Antes del Día Mundial del Trastorno Bipolar, que se celebra cada año en su cumpleaños (30 de marzo), la BBC habló con uno de los autores del estudio.

“Tuvimos suerte de haber estudiado casi mil cartas que Van Gogh escribió a su hermano y a otros, y en las que basamos nuestras conclusiones”, dice el profesor jubilado de Psiquiatría Willem Nolen, de la Universidad de Groningen en los Países Bajos.

Nolen le dijo a la BBC que las cartas dieron a su equipo la oportunidad de examinar la evidencia de los síntomas con el objetivo de hacer un diagnóstico.

La intención de los autores era llevar a cabo una “amplia entrevista diagnóstica” de Van Gogh, el paciente, a través de sus cartas, para así analizar su situación psiquiátrica, aunque reconocen que el pintor no estaba escribiendo para un médico y es posible que no siempre haya sido completamente honesto en sus descripciones.

“Es posible que haya exagerado sus síntomas en sus cartas a su hermano porque necesitaba más dinero y más apoyo. Pero también cabe imaginar que cuando escribía una carta a otros miembros de la familia, incluida su madre, tal vez hacía que los síntomas sonaran menos graves”, señaló el profesor Nolen.

Qué es el trastorno bipolar

• Se trata de una enfermedad mental que afecta los estados de ánimo y se caracteriza por un cambio dramático de un extremo a otro.
• Es una condición relativamente común, que se estima afecta a alrededor de una de cada 100 personas.
• Hay diferentes tipos de trastorno bipolar. Aquellos con el tipo I experimentan períodos de altibajos maníacos y depresivos. Aquellos con el tipo II experimentan depresión severa y episodios maníacos leves, conocidos como hipomanía, que duran un período de tiempo más corto. Aquellos con ciclotimia experimentan cambios de humor menos severos, pero pueden durar más tiempo.
• Hombres y mujeres de todos los orígenes tienen la misma probabilidad de desarrollar trastorno bipolar, y aunque puede ocurrir a cualquier edad, las personas en su adolescencia tardía son particularmente vulnerables, ya que a menudo se desarrolla entre los 15 y 19 años.
• Cada episodio extremo de trastorno bipolar puede durar varias semanas (o incluso más).

Los tratamientos incluyen:

• Medicamentos a largo plazo conocidos como estabilizadores del estado de ánimo para prevenir el inicio de episodios de manía y depresión.
• Medicamentos para tratar los síntomas cuando ocurren.
• Tratamiento psicológico para ayudar a lidiar con la depresión.
• Consejos de estilo de vida, como hacer ejercicio regularmente, mejorar la dieta y dormir más.

Fuente: Servicio Nacional de Salud del Reino Unido (NHS del Reino Unido).

6 volúmenes de cartas

¿Cómo podemos estar seguros de que tenía este trastorno en lugar de sufrir otros como esquizofrenia, neurosífilis o envenenamiento? La respuesta radica en las pruebas que dejó.

El profesor Nolen revisó los seis volúmenes de cartas. Tres historiadores del arte diferentes del Museo Vincent van Gogh en los Países Bajos, todos expertos en la vida y obra del pintor, fueron entrevistados para el estudio.

La conclusión a la que llegó el estudio realizado por investigadores en la Revista Internacional de Trastorno Bipolar fue que Van Gogh había desarrollado trastorno bipolar, con rasgos de trastorno de personalidad límite, y que “probablemente empeoró debido al consumo de alcohol combinado con desnutrición”.

Durante su vida, Van Gogh mismo dio muestras de no entender completamente lo que le sucedía. Escribió sobre una “fiebre mental o nerviosa o locura”. “No sé exactamente qué decir o cómo nombrarla”, contó. Al principio, posiblemente para tranquilizar a su familia, describió su mal como “un simple ataque de locura de un artista”.

Pero los autores del estudio encontraron evidencia de que sufrió depresión durante la adolescencia, cumplió con los criterios para un trastorno de personalidad límite, bebió mucho y se autolesionó. Son las indicaciones de que pasó por fases distintas de depresión y manía las que apuntan más claramente a un trastorno bipolar.

“No está completamente claro qué forma de trastorno bipolar padeció, porque aunque sus episodios de depresión eran claramente muy graves no podemos determinar a partir de las cartas si sufrió el lado maníaco”, explicó el profesor Nolen.

Sabemos por su producción artística que hubo momentos en la vida de Van Gogh, especialmente hacia el final, en los que fue muy productivo, pintando retratos y autorretratos, campos y flores, y el asilo de Saint-Remy, donde estuvo durante más de un año.

El profesor Nolen dice que es posible que Van Gogh pintara más cuando estaba en un estado hipomaníaco, y esta fase del trastorno bipolar a veces se asocia con episodios de extrema creatividad.

Varios personajes famosos actuales han hablado abiertamente sobre sus propias experiencias con el trastorno, como Mariah Carey, Demi Lovato, Selena Gomez y Bebe Rexha, y una gran cantidad de músicos, actores y artistas, vivos y muertos, han descrito síntomas muy similares a los que cursan en el trastorno bipolar.

Hay igualmente indicios de la fase depresiva del trastorno en las cartas y en el arte de Van Gogh, dice el profesor Nolen.

Tuvo “al menos 10 episodios depresivos, si no más, y la cosa se volvió más grave a pesar de que estuvo hospitalizado en un hospital psiquiátrico durante más de un año”.

Según Van Nolen, drante los episodios graves y depresivos, Van Gogh no pintaba tanto; a veces ni siquiera lo hacía durante largos períodos o solo pintaba obras “muy tristes”.

Vincent van Gogh tuvo una vida dura y llena de lucha, tanto como artista (solo vendió una pintura en vida) como con su salud mental, pero el profesor Nolen cree que lsu historia probablemente hubiera sido diferente hoy día.

“Probablemente habría sido diagnosticado, se le habrían dado consejos para dejar beber y tal vez no caería en episodios depresivos y maníacos”.

“Si tendría o no un efecto en su calidad de pintor, es muy difícil decirlo, pero probablemente no se habría suicidado”.

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La famosa pintura del artista neerlandés, la cual es una de las más populares de la historia, se encuentra expuesta en la National Gallery de Londres y está valuada en una cifra que supera los US$80 millones.

El dramático gesto de protesta contra uno de los cuadros más icónicos de la historia fue grabado por los visitantes del museo ubicado en el Reino Unido y rápidamente se volvió viral en redes sociales.

Durante estos videos, se observa el momento exacto en el que dos activistas lanzan un bote de sopa de tomate a la obra de Van Gogh con el fin de destruirla por completo.

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Posteriormente, se escucha a una de las activistas cuestionar el valor de las autoridades y la sociedad ante su falta de intervención en la actual crisis ambiental.

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“¿Qué vale más? ¿El arte o la vida?, ¿Vale más el arte que la comida?, ¿Más que la justicia?, ¿Les preocupa más la protección de un cuadro o la protección de nuestro planeta y la población?”, grita ante la sorpresa de las personas presentes.

Después de este insólito incidente, la National Gallery de Londres aseguró que la obra “Los Girasoles” no sufrió ningún daño pese a ser cubierta con sopa de tomate.

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Los motivos por los que la pintura de Vincent Van Gogh se encuentra en perfectas condiciones se debe al sistema de seguridad que lleva incorporado para evitar este tipo de imprevistos.

Activists with @JustStop_Oil have thrown tomato soup on Van Gogh’s Sunflowers at the national Gallery and glued themselves to the wall. pic.twitter.com/M8YP1LPTOU

— Damien Gayle (@damiengayle) October 14, 2022

La actividad se realizará en El Bedford, lugar ubicado en Dinamia Cayalá, en zona 16.

Los precios para el espectáculo visual

Las entradas estarán a la venta a partir del 2 al 6 de septiembre para cuentahabientes de BAM.

Los boletos para todo público se podrán adquirir a partir del 7 de septiembre. Los precios van desde: Adultos Q200, niños Q100, adultos mayores Q175 y estudiantes con carné Q180. Además, está disponible el acceso en grupos de 4 bajo un costo de Q500, también está la opción que incluye una cena con la chef internacional Mirciny Moliviatis por Q780 por persona.

Las personas que adquieran sus entradas con las tarjetas BAM, tendrán 15 minutos extra dentro del museo durante el tiempo que dura la exposición. Van-Gogh-Sueño Inmersivo, es una experiencia audiovisual única, increíble, que ha recorrido varias ciudades del mundo y que será la primera vez que llega a Guatemala.

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Las entradas estarán a la venta en el sitio www.museovangogh.com y en la taquilla el día del evento.

La exposición, que dura una hora, presenta obras importantes como La Noche Estrellada, Los Girasoles, El Comedor de Patatas y El Trigal con Cuervos, entre otras.

La obra fue creada por el director creativo francocanadiense Mathieu St-Arnaud y su equipo del reconocido Normal Studio de Montreal.

La experiencia ha sumergido a más de 2 millones de invitados de muchos lugares del mundo.

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El autorretrato oculto estaba cubierto por capas de pegamento y cartón en el reverso de una obra llamada “Cabeza de mujer campesina”.

La conservadora principal de la galería, Lesley Stevenson, dijo que se quedó “estupefacta” al encontrar al artista “mirándonos”.

“Cuando vimos la radiografía por primera vez, por supuesto que nos emocionamos mucho”.

“Este es un descubrimiento significativo porque se suma a lo que ya sabemos sobre la vida de Van Gogh”, explicó.

El artista holandés a menudo reutilizaba lienzos para ahorrar dinero, dándoles la vuelta y luego trabajando en el otro lado.

Su obra no se vendió durante su vida y su fama llegó sólo después de su muerte, en 1890 cuando tenía 37 años.

Van Gogh se convirtió en una de las figuras más famosas e influyentes de la historia del arte occidental.

“Cabeza de una mujer campesina” ingresó a la colección de la Galería Nacional de Escocia (NGS) en 1960, como parte de un regalo que hizo un destacado abogado de Edimburgo.

Muestra a una mujer local del pueblo de Nuenen, en el sur de los Países Bajos, donde el artista vivió desde diciembre de 1883 hasta noviembre de 1885.

La historia del cuadro

Se cree que Van Gogh pintó el autorretrato del otro lado del lienzo más tarde y en un momento clave de su carrera, después de mudarse a París y estar expuesto a la obra de los impresionistas franceses.

Unos 15 años después de su muerte, “Cabeza de mujer campesina” fue prestada para una exposición en el Museo Stedelijk de Ámsterdam.

Se cree que fue entonces cuando se pegó el lienzo sobre un cartón antes de enmarcarlo.

Parece que “Cabeza de mujer campesina” se consideró más “terminada” que el autorretrato del otro lado.

La pintura cambió de manos varias veces y en 1923 fue adquirida por Evelyn St Croix Fleming, cuyo hijo, Ian, se convirtió en el creador de James Bond.

Y no fue hasta 1951 que llegó a Escocia, habiendo entrado en la colección de Alexander y Rosalind Maitland, quienes más tarde lo donaron a la NGS.

Los expertos de la galería dijeron que es posible descubrir el autorretrato oculto, pero que el proceso de quitar el pegamento y el cartón requerirá un delicado trabajo de conservación.

Se están realizando investigaciones para determinar cómo se puede hacer dicho proceso sin dañar la cabeza de una mujer campesina.

Sin embargo, los visitantes de una exposición en Edimburgo podrán ver la imagen de rayos X por primera vez a través de una caja de luz especialmente diseñada.

Muestra una cara barbuda con un sombrero de ala ancha y un pañuelo anudado al cuello sin apretar. Fija al espectador con una mirada intensa, el lado derecho de su cara en la sombra y su oreja izquierda claramente visible.

La profesora Frances Fowle, curadora principal de arte francés en las Galerías Nacionales de Escocia, describió el descubrimiento como “un regalo increíble para Escocia”.

“Momentos como este son increíblemente raros. Hemos descubierto una obra desconocida de Vincent Van Gogh, uno de los artistas más importantes y populares del mundo”, dijo.

Varios de estos autorretratos y otras obras se han encontrado previamente pintados en el reverso de lienzos anteriores del período Nuenen.

“Las fotos se marchitan mucho antes que nosotros, mientras que el retrato pintado es una cosa que se siente, se hace con amor o respeto por el ser humano que se retrata”.

Su inicial desdén hacia lo que en aquel tiempo era un reciente avance tecnológico (al final de su vida cambió de opinión: “¡Ah, qué obras podríamos hacer con la fotografía y la pintura!”), quizás explica por qué lo que ves al inicio de esta nota es el único retrato fotografiado que se conoce del gran pintor holandés del siglo XIX.

Su rostro, no obstante, nos es familiar gracias a que fue uno de los artistas que más autorretratos pintó (35), a pesar de que era un reto, según le dijo a su hermano Theo: “Es difícil conocerse a uno mismo, pero tampoco es fácil pintarse”.

“Entre los grandes predecesores de Vincent, solo su compatriota Rembrandt pintó más autorretratos más (40), pero fue durante una carrera cuatro veces más larga”, apunta en conversación con BBC Mundo Martin Bailey, autor de Van Gogh Finale: Auvers and the Artist’s Rise to Fame.

No sorprende entonces que muchos tengamos una imagen tan clara de ese hombre de ojos claros y barba roja al que reconoceríamos sin dudar en medio de una multitud.

¿O quizás no?

Este es Van Gogh

“Lo que más me sorprendió fue cuán distintos son”, le dijo a BBC Mundo la doctora en arte Karen Serres quien, por primera vez en la historia, reunió 16 autorretratos del pintor en la galería The Courtauld de Londres.

“Fue muy interesante porque había visto las obras por separado y pensé que, al colgarlos todos, me encontraría con una misma persona mirándome desde todas las paredes. Pero eran tan diferentes… más bien como miembros de una misma familia.

“Sencillamente me reconfortó, pues me recordó que era un artista increíblemente variado, no uno que siempre hacía lo mismo”.

Estas dos obras son una muestra de cuán versátil era:

¿Notaste que a duras penas pasó un año entre el primero y el segundo?

Van Gogh solo decidió que se iba a dedicar al arte cuando tenía 27 años, luego de trabajar como marchante de arte en La Haya y Londres, maestro de escuela en Inglaterra, librero en Dordrecht y predicador en Bélgica.

Cuando finalmente encontró su vocación, aunque tuvo un poco de instrucción formal, se fue desarrollando como pintor a través de la observación, la práctica y la búsqueda de su modo de expresión.

Fue esa búsqueda lo que, en parte, produjo retratos tan disimiles.

“El primero es tan hermoso y me encanta que tiene un poco de azul en su pañuelo, porque ya sabe que el azul contra su barba roja es un tipo de contraste de color realmente interesante”, señala Serres.

“El segundo es el que sus amigos llamaban ‘el rostro fogoso de Van Gogh’ y lo pintó después de experimentar con el puntillismo. Los puntos ya se han convertido en brochazos, que parecen irradiar del centro de su cara”.

“Autorretrato como pintor”, probablemente el último que completó durante su estadía de dos años en París, “muestra su asombroso progreso”, señala Bailey.

El artista escribió que había estado buscando “una semejanza más profunda que la del fotógrafo”, y la esposa de su hermano Theo, Jo Bonger, lo elogió como el autorretrato que era “más parecido a él”.

Razones y revelaciones

Van Gogh pintó los 35 retratos que se le conocen en los últimos tres años y medio de su vida.

En ellos aparece con o sin sombrero; con barba o afeitado; con el pelo corto, rapado o descuidado; con las mejillas hundidas (le sacaron 10 dientes en Amberes, lo que le hacía parecer mayor de los 30 años que tenía) o con su dentadura postiza de caucho vulcanizado; con vestimentas de pintor o trajes formales…

¿Proporcionan algún índice de su bienestar, autoimagen o estado psicológico?

“Yo creo que es casi inevitable pensar en su suicidio y su lucha con su enfermedad mental cuando miras su obra, pues desde que murió todo entró en la misma malla: su vida, su arte”, dice Serres.

“Pero precisamente una de las cosas que queríamos hacer era mostrar que él usaba los autorretratos por muchas razones distintas.

“La introspección era una pequeña parte de ellas, que solo aparece al final”.

Así como en ocasiones pintó autorretratos para probar diversas exploraciones técnicas, como contrastes de color o pinceladas, en otras lo hizo por falta de modelos, pues no tenía dinero para pagarlos y “parecía tener una aversión general a pintar a amigos cercanos y familiares”, como señala Bailey.

“Sin modelos, la forma más sencilla de desarrollarse como retratista es pintarse a sí mismo, ya que esto solo requiere el uso de un espejo”, subraya el destacado especialista en Van Gogh y escritor para The Art Newspaper.

El mismo Van Gogh le escribió a Theo en 1889: “Estoy trabajando en dos retratos de mí mismo en este momento, a falta de otro modelo, porque es más que hora de que haga un poco de trabajo de figuras”.

“De hecho, solo pintaba cuando se sentía bien -señala Serres-, o cuando está tratando de usar pintura para sentirse mejor. En sus cartas dice: ‘si me recupero será gracias a mi arte‘.

“A mí me parece tan valiente y tan ambicioso el que simplemente siga adelante y no se revuelque en su dolor”.

Además, agrega Bailey, “la mayoría de sus autorretratos fueron pintados antes de que su enfermedad se manifestara”.

Aparte de un puñado, “los demás autorretratos no la representan y yo creo que es muy arriesgado sacar conclusiones sobre su estado mental de ellos”.

“Es cierto que se ve muy serio en sus autorretratos, pero eso es algo que generalmente ocurre pues tienes que estar mirándote en un espejo y, a menos de que te obligues a poner una sonrisa cursi como a veces hacemos hoy en día, estás concentrándote y tratando de capturar tus rasgos”.

Recuerda también que pintarte toma mucho tiempo… “¡No puedes sonreír por 3 horas!”, enfatiza el experto.

Así que si en un autorretrato se ve triste, nunca sabremos si lo estaba cuando empezó a pintarlo o así quedó al final, y es maravilloso no porque nos deje ver su tristeza, sino porque pintó algo lleno de expresión.

Si los rostros de Van Gogh revelan algo, es su desarrollo estilístico, pero es difícil concluir algo más sobre su personalidad o incluso su apariencia, “aparte del color de su barba”, apunta Bailey.

No obstante…

A pesar de que “con la exposición queríamos un poco desafiar ese instinto que tenemos de buscar en sus obras lo que sabemos de su vida, por supuesto, no puedes evitar el asunto completamente”, confiesa Serres.

La primera gran crisis de salud mental de Van Gogh ocurrió el 23 de diciembre de 1888, cuando se cortó gran parte de la oreja izquierda, luego de una disputa con su amigo y colega artista Paul Gauguin.

“El ‘Autorretrato con la oreja vendada’ es muy interesante porque él deliberadamente se representó tres semanas después de mutilarse, así que es claramente una reflexión de su estado mental”, le dice a BBC Mundo Bailey.

A pesar de la frágil salud de Vincent, el “Autorretrato con la oreja vendada” es una imagen muy cuidadosamente compuesta, ciertamente no el trabajo impulsivo de un “loco”, resalta el experto.

Y está lleno de incógnitas, agrega.

“¿Por qué lo pintó? ¿Cuál es el mensaje?

“Uno puede leerlo como una determinación optimista de volver a pintar y desafiar sus problemas o como una llamada de auxilio, o ambas. Nunca sabremos qué estaba en su mente, pero como todo gran arte plantea interrogantes interesantes”.

Tras una serie de recaídas, el 8 de mayo de 1889, Van Gogh ingresó voluntariamente en el asilo de Saint-Paul-de-Mausole, ubicado en un antiguo monasterio cerca de Saint-Rémy, Francia. Permaneció allí durante un año, durante el cual su salud mental fluctuó significativamente.

Hacía el final de su estadía, pintó dos autorretratos con apenas una semana de diferencia: el primero, cuando aún estaba en medio de la grave crisis de salud mental que había sufrido a mediados de julio; el segundo, mientras se recuperaba.

Hasta la exposición de The Courtauld, nunca estuvieron colgados uno al lado del otro.

“Ver estas obras juntas es una experiencia increíblemente conmovedora, la encarnación de la resiliencia y el coraje de Van Gogh frente a la adversidad personal”, indica Serres.

“Muestran lo que la pintura significó para él y para su recuperación, y cómo fue capaz de crear, en las circunstancias más difíciles, obras que siguen siendo increíblemente poderosas más de un siglo después”

El primero “es un autorretrato muy perturbador y sí parece mostrar a alguien con problemas de salud mental”, le explica Bailey a BBC Mundo,.

“En poco más de una semana logró pasar de esa obra tan desgarradora y tan distinta a lo que usualmente hace -porque usa el cuchillo de la paleta para rascar la pintura-, a la optimista de unos días después”, apunta Serres.

“Para mí, el hecho de que en el segundo se hubiera retratado con la paleta -algo que solo hizo en tres de sus 35 autorretratos- es como si estuviera recuperando su sentido de identidad. Es una especie de reafirmación: hasta aparece con su maravilloso blusón de pintor azul”.

Bailey concuerda: “Ese autorretrato era un mensaje -a su médico, a sus compañeros de asilo, a su hermano Theo y, lo que es más importante, a sí mismo-: habiendo salido de otra crisis, estaba absolutamente decidido a seguir su vocación como artista”.

Y lo hizo con gran esfuerzo.

Pero su recuperación duró poco.

Menos de un año después, se pegó un tiro en el pecho en medio de un campo de trigo, regresó tambaleándose a su habitación en el Auberge Ravoux y murió el 29 de julio de 1890.

Su legado solo fue ampliamente reconocido póstumamente.

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En el barrio de los Museos, una camioneta se detuvo. Dos hombres descargaron una escalera y empacaron algunas herramientas en una bolsa.

Parecían dos trabajadores comunes.

Apoyaron su escalera contra una pared, se pusieron pasamontañas y procedieron a escalar uno de los edificios culturales más reconocibles de Ámsterdam, el Museo Van Gogh.

Ocultos tras una pared, usaron un par de mazos para romper un agujero en una de las ventanas de seguridad reforzadas de la galería, activando la primera de una serie de alarmas.

En el interior, miraron rápidamente las paredes y tomaron dos pinturas que estaban cerca del agujero por el que habían entrado, un paisaje marino y una imagen de una iglesia, ambas del período temprano de Vincent van Gogh.

Eso disparó dos alarmas más, mientras que el circuito cerrado de televisión los filmaba.

Una guardia de seguridad se puso en contacto con la policía, pero hasta que llegó, estuvo indefensa porque las regulaciones del museo no le permitían enfrentarse a los ladrones.

Finalmente, los asaltantes metieron las pinturas, todavía en sus marcos, en su bolsa de herramientas y escaparon, bajando por una cuerda que habían atado al comienzo del atraco a un asta de bandera en la parte delantera del edificio.

Cuando llegó la policía, retomaron su disfraz de trabajadores comunes y corrientes y escaparon.

Toda la operación duró apenas 3 minutos y 40 segundos.

¿Para qué robar obras del artista más famoso del mundo?

¿A quién podrían vendérselas, siendo bienes no comerciables? ¿Por qué motivo alguien las compraría, si las tendría que esconder?

¿Cómo se pueden salvar obras maestras antes de que se pierdan para siempre?

¿Cuál fue la verdadera historia detrás del robo de dos de las pinturas más personales y apreciadas de Van Gogh?

El más amado y más robado

Van Gogh es uno de los mejores entre los grandes artistas de la historia.

Sus pinturas, en todas sus formas, son populares entre el público generación tras generación.

Y un imán para los coleccionistas de arte millonarios.

El “Retrato del doctor Gachet”, por ejemplo, fue vendido por la casa de subastas Christie’s de Nueva York en 1990 por US$82,5 millones (unos US$164 millones de hoy).

Cuando las pinturas se venden por sumas como esa, no sorprende que en el mercado del arte abunden tramposos, comerciantes fraudulentos, falsificadores… y ladrones.

Y de todos los artistas cuya obra ha sido robada, Vincent van Gogh ocupa prácticamente el primer lugar.

Desde que los nazis en Alemania confiscaron por primera vez las pinturas de Van Gogh en 1937, más de 40 de sus obras maestras han sido robadas en al menos 15 atracos, de galerías de todo el mundo.

Muchas fueron finalmente recuperadas, pero algunas siguen desaparecidas.

El ladrón

En Ámsterdam en 2002, la carrera para rastrear las pinturas robadas del Museo Van Gogh antes de que desaparecieran para siempre estaba en marcha.

La policía neelandesa puso a uno de sus principales detectives en el caso: Bob Schagen.

Su instinto le decía que el atraco había sido obra de ladrones profesionales.

Pero habían cometido un error crucial.

Entre los restos de la ventana destrozada había una gorra, y abajo, junto a la cuerda, otra.

“En ellas había ADN”, señala Schagen.

El análisis del ADN condujo al principal sospechoso, Octave “Occy” Durham, un ladrón profesional.

“Se le conocía por ser muy buen ladrón. Sabíamos que se especializaba grandes robos, así que lo seguimos”, recuerda el detective.

Después de huir a España, Occy Durham fue finalmente arrestado en diciembre de 2003 y llevado de vuelta a Países Bajos.

No había duda de que él había sido uno de los ladrones de las pinturas, pero se negó a revelar dónde estaban.

Una de las pocas formas de rastrear las obras era indagar si los sospechosos repentinamente tenían mucho dinero en efectivo y, de ser así, averiguar de quién provenía.

“Teníamos escuchas telefónicas con indicios de que vendieron las pinturas rápido“, dijo el fiscal holandés Willem Nijkerk.

“Hay una intervención telefónica fechada en marzo de 2003, cuando se habla de una cantidad de 50.000 euros.

“Y eso era solo la mitad de lo que esperaban”.

Además, la policía descubrió que estaban comprando relojes, autos, hicieron viajes a Nueva York, a Disneyland París.

“Pinocho”

Hay una evidencia en una intervención telefónica de la policía hecha antes de que Occy D fuera arrestado, en la que describe el momento en que vendió las pinturas.

Recibió el dinero de un misterioso hombre llamado Pinocho en un notorio club en el centro del Viejo Ámsterdam.

Pero las autoridades no pudieron encontrar a nadie con el alias de “Pinocho”.

Occy Durham fue llevado a juicio en mayo de 2004.

El ADN y las escuchas telefónicas fueron suficientes para condenarlo a 4 años y medio de prisión y se le ordenó pagar 350.000 euros en compensación al Museo Van Gogh.

Sin embargo, seguía negándose a revelar quién tenía las obras. Alguien lo mantenía muy callado.

El juez describió su delito como un crimen contra el patrimonio cultural holandés, refiriéndose al arte como parte del alma de la nación.

Van Gogh

Pero, Van Gogh es parte del alma de muchos.

¿Por qué sigue cautivando a tanta gente de orígenes distintos en tantas partes del mundo?

Quizás es en parte porque trazó el ajetreo de su propia alma atribulada con tal brillantez, tal delicadeza, tal sensibilidad, que no puedes evitar que te afecte.

Aquí, está teniendo un buen día.

Hay otras pinturas mucho más sombrías.

Y el hecho de que sabemos que su vida terminó en desdicha es otra de las cosas que nos conmueven de él.

Podemos sentir su lucha contra la oscuridad en todo momento.

Esa sencillez, tragedia y belleza de su vida ha apasionado a la gente desde que fue descubierto después de su muerte.

Las pinturas robadas cuentan sus propias historias, y cada una tiene un significado especial en la vida y obra de Van Gogh.

Los ladrones probablemente no lo sabían, pero cuando robaron un pequeño paisaje marino ligeramente oscuro, se estaban llevando una parte realmente importante de la carrera de Van Gogh como artista, porque lo pintó en la segunda quincena de agosto de 1882.

Hasta ese momento, sólo había trabajado en acuarela y en lápiz, pero su hermano Theo lo había animado a pintar al óleo y, en esta ocasión, siguió el consejo.

Compró unos tubos de pintura, un nuevo invento que le permitía a los artistas salir del estudio, y se fue a la playa Scheveningen, en medio de un vendaval.

El viento soplaba tan fuerte que, cada vez que aplicaba pintura, se le incrustaba arena.

Tuvo que rasparla y comenzar de nuevo.

El resultado al final fue esta pequeña pero potente imagen.

Y como le dijo a su hermano…

“No puedo creer que no hubiera descubierto la pintura al óleo. Hay una especie de infinitud en ella.

“No puedo expresarlo con palabras. Siento que la pintura está en mi médula, en mis propios huesos“.

A partir de ese momento, Van Gogh supo que estaba destinado a ser pintor.

Es por eso que, aunque cuando fue robada algunos trataron de consolarse diciendo: “¡Al menos no es una de sus grandes obras maestras!”, es una pieza maravillosa: es la primera vez que lo vemos usando ese material, el óleo, con el que haría cosas tan mágicas.

La otra pintura robada también era de gran importancia personal tanto para Van Gogh como para su familia, y hubo alguien particularmente afectado por su desaparición.

“Vincent, no tuvo hijos. Pero su hermano Theo, fue la persona más importante en su vida. Theo es mi bisabuelo”, dice Willem van Gogh.

La obra “Congregación saliendo de la Iglesia Reformada en Nuenen” fue creada por el artista para su madre a principios de 1884.

Muestra la iglesia en la que su padre era pastor.

“Su padre falleció un año después y Van Gogh quiso hacerle un homenaje. Añadió todas esas figuras, pintadas de oscuro, como si estuvieran asistiendo a un funeral, simbólicamente al de su padre”, cuenta el bisnieto de Theo.

Mientras pasaba el tiempo sin encontrar las pinturas, Willem llegó a temer lo peor.

“Pensé: ‘Lo más posible es que nunca las vuelva a ver'”.

¿Qué hacer?

¿Cómo haces para recuperar pinturas robadas?

En 2005, en Hoorn, en el norte de Países Bajos, 24 obras maestras neerlandesas fueron tomadas en un solo atraco, arrancadas de sus marcos.

Desaparecieron durante una década. Pero algunas se recuperaron repentinamente en 2016.

Su historia ofrece una visión escalofriante e inquietante del turbio mundo del crimen artístico internacional.

“No hay ‘criminales del arte’, son simplemente criminales”, aclaró el director del Museo Westfries Ad Geerdink.

“No les importa lo que están robando. Trataron muy mal las pinturas. Las recuperamos en muy, muy, muy malas condiciones”.

Para ellos, dice, “los cuadros no son más que bienes para comerciar”.

Meros billetes

El arte robado fue comercializado varias veces y terminó en Ucrania, en manos de señores de la guerra, oficiales de inteligencia y altos funcionarios del gobierno.

“El mundo del arte y el mundo criminal están mucho más relacionados de lo que la mayoría de la gente piensa”, asegura Arthur Brand, investigador independiente de crímenes de arte, quien fue fundamental para recuperarlo.

Pero ¿cómo hace para encontrar lo que ha desaparecido?

“El inframundo criminal es muy pequeño. Y se la pasan chismorreando todo el día, así que eventualmente obtienes una pista.

“El arte robado va de mano en mano muy rápidamente. Las piezas se utilizan como billetes para el comercio de armas, drogas”.

¿Cuál es su valor en ese mundo?

“El estándar es del 10% del valor en el mercado abierto. Es decir, si robas una pintura con un valor de 10 millones, puedes usarla como un billete de un millón“.

Este uso de pinturas como moneda del mercado negro pone en gran riesgo el arte en sí.

“Estos tipos no tienen idea de cómo tratar las pinturas; las almacenan en algún lugar húmedo y, después de un par de años, algunas se desmoronan. Así que no puedes esperar 20 años porque el riesgo es cada vez mayor”.

Tic-toc

En Ámsterdam, pasaban los años sin que se supiera nada de las pinturas.

“Nunca dejamos de buscarlas. Mantuvimos la esperanza, por eso siempre investigamos cada dato sobre su paradero”, dijo Nijkerk.

A falta de nueva información, la investigación en Ámsterdam se estancó.

Pero en 2016 todo cambió, gracias a una investigación discreta pero persistente en una de las ciudades más bellas de Italia.

Sin embargo, hay otro lado más oscuro de Nápoles.

El crimen organizado ha plagado la ciudad durante años.

La Camorra “es una de las organizaciones criminales más antiguas y más grandes de Italia, formada por una serie de facciones a menudo ferozmente competidoras”, señaló Stefania Castaldi, una de las fiscales superiores de la región que lidera la lucha contra ella.

En gran parte erradicada bajo Mussolini, la Camorra volvió al poder durante la Segunda Guerra Mundial, cuando el ejército estadounidense hizo tratos secretos con los jefes del crimen para derrocar al dictador italiano.

Sus actividades incluyen hoy el tráfico de drogas, el vertido ilegal de desechos tóxicos, el lavado de dinero, la extorsión, la prostitución, el asesinato y los negocios ocasionales de arte robado.

Y solo unos meses después de que los Van Gogh fueran robados, estalló una guerra brutal en Nápoles entre diferentes facciones de la Camorra por el control del tráfico de drogas.

Al final de lo cual, alguien terminó victorioso… pero ¿quién?

Por medio de informantes, Castaldi determinó que Raffaele Imperiale, un napolitano que vivía en Ámsterdam, “era uno de los mayores traficantes de drogas del mundo”.

¿Pero, qué tenía que ver con los Van Gogh robados y vendidos a Pinocho en Ámsterdam más de 10 años antes?

El avance provino de una fuente inusual: el propio sospechoso.

Imperiale le reveló todo a los fiscales italianos en una extraordinaria confesión escrita, fechada el 29 de agosto de 2016.

“Io, sottoscritto Raffaele Imperiale…”

(“Yo, el abajo firmante Raffaele Imperiale, nacido en Castellammare di Stabia, declaro lo siguiente“).

Luego cuenta en gran detalle sobre cómo entró en el negocio de las drogas en Ámsterdam en la década de 1990, y sobre cuánto dinero ganaba.

“Migliaia di chili di cocaina…”

(“Se vendían miles de kilos de cocaína“).

¿Y qué hizo con ese dinero?

Pues, en lo que a esta historia respecta, la parte interesante viene al final del extenso documento: en el anexo uno, en la lista de Imperiale de sus posesiones personales que estaba dispuesto a entregarle al Estado.

“Due quadri di Vincent van Gogh“.

(“Dos pinturas de Vincent van Gogh“).

“Di valore inestimabile”

(“De valor incalculable, que compré en 2002, utilizando los recursos de la organización, por cinco millones de euros“).

Raffaele Imperiale era Pinocho.

Arte por libertad

Pero ¿por qué dijo que pagó cinco millones de euros por las pinturas cuando los neerlandeses estaban seguros de que solo 100.000 euros habían cambiado de manos?

¿Por qué habría querido las pinturas en primer lugar? ¿Y por qué confesó?

Las respuestas están en el propio sistema legal italiano, en una cláusula diseñada para alentar a los testigos a hablar en contra del crimen organizado.

Si proveen información hasta entonces desconocida, explicó Castaldi, pueden obtener una rebaja de condena.

Para Imperiale, algo tan valioso, no solo para Italia sino para el mundo, como un par de pinturas de Van Gogh, podía ser la ficha suprema de negociación en el ajuste de cuentas final: cuántos años iba a pasar tras las rejas.

Eso resuelve uno de los interrogantes con los que comenzamos; nos da el motivo.

Sin embargo, aún quedaba una pregunta: ¿dónde estaban las pinturas?

Aunque el padre de Imperiale nunca ha participado en las actividades criminales de su hijo, ni ha sido investigado, las buscaron en su residencia.

“Y allí las encontramos, escondidas bajo un piso falso, en la cocina, envueltas en limpiones“, cuenta el coronel Giovanni Salerno.

Después de casi 14 años, las pinturas perdidas de Van Gogh reaparecieron ante los ojos del mundo en el Museo Capodimonte de Nápoles.

“Simbolizan la historia de un milagro”, dijo Alex Ruger, director del Museo Van Gogh.

“Y también es una cuestión de orgullo local y nacional aquí en Italia. Es un golpe contra el crimen organizado. Es una celebración en muchos niveles, con una dimensión añadida, del bien contra el mal, y el bien ha ganado”.

Seis meses después, las pinturas finalmente regresaron a casa en el Museo Van Gogh de Ámsterdam.

“Puedes imaginar lo extremadamente felices que estábamos y muy, muy conmovidos de tenerlas de vuelta en su propia casa”, exclamó Willem van Gogh.

En el fondo, fue una historia sobre lo sagrado y lo profano.

Los vínculos entre el mundo criminal y el del gran arte no deben sorprendernos, porque los criminales no son estúpidos: ellos saben cuánto valoramos las obras de los grandes pintores.

Entienden que si las poseen, cuando llegue el momento de su juicio final, pueden usarlas para obtener unos años de libertad.

La naturaleza misma de la transacción significa que, en muchos casos, recuperaremos las pinturas.

Pero no es un proceso sencillo y siempre se necesita un pequeño golpe de suerte.

Si la fiscal Stefania Castaldi no hubiera investigado tan profundamente la Camorra, nunca habría llegado a Imperiale y a los Van Gogh.

“A veces, doblas una esquina y encuentras algo inesperado”, dice Castaldi.

“Es por eso que debes mantener la fe, y nunca darte por vencido.

“Debemos amar y cuidar nuestro patrimonio porque la belleza es algo que nos une a todos”.

* Este artículo es una adaptación del documental de la BBC “Stealing Van Gogh”

La pieza, un boceto que se exhibirá a partir de este viernes en la pinacoteca, muestra a un anciano trabajador, aparentemente cansado, vestido de traje de bombazina, con la espalda encorvada y sentado sobre una silla probablemente de madera, la cabeza agachada entre sus manos, y con ambos codos apoyados sobre las piernas.

Según explica a Efe Teio Meedendorp, investigador principal del museo, se trata de un “añadido” a la colección del artista neerlandés porque “sabemos que, durante ese periodo, hizo muchos modelos de estas pinturas”, pero este descubrimiento “da una idea particular de sus métodos de trabajo porque está estrechamente relacionado con otro dibujo”.

Este modelo aparece regularmente en los trabajos de Van Gogh y el artista lo retrató al menos cuarenta veces. En estos dibujos, el artista no solo mostró su simpatía por los socialmente desfavorecidos, sino que también llamó la atención sobre su situación, porque para él no eran inferiores a la burguesía acomodada, analiza el museo.

En una misiva a su hermano Theo y a su amigo Anthon van Rappard, el artista describió todos los detalles de cómo surgió el dibujo final, lo que hace que este descubrimiento, “que no es menos impresionante que el dibujo final”, ofrezca una visión excepcional del proceso de trabajo de Van Gogh en ese momento de su vida.

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Los residentes de una casa de beneficencia en La Haya posaron con prendas viejas y desgastadas, a cambio de una pequeña remuneración, para que Van Gogh los pueda retratar.

Apasionado de las figuras de la clase trabajadora, las pintó en decenas de ocasiones en diferentes dibujos que sobreviven como su herencia a día de hoy.

La familia propietaria de este dibujo, que prefiere permanecer en el anonimato, nunca quiso hacer público este trabajo, hasta que el año pasado, la pinacoteca hizo un llamamiento a coleccionistas privados para cooperar con una base de datos digital de Van Gogh.

Entonces solicitaron al museo que lo estudiara para determinar si, como ya imaginaban, se atribuía a Van Gogh. Meedendorp concluyó que, en términos artísticos, la obra “encaja perfectamente con los muchos estudios de figuras que conocemos de la época de Van Gogh en La Haya y la conexión con ‘Desgastado’ es obvia”.

El artista empezó dibujando una cuadrícula en el papel, “lo que nos dicen que trabajó con un marco en perspectiva para ayudarlo a capturar una figura rápidamente con las proporciones correctas” de su modelo. Después, siguiendo su carácter explosivo a la hora de dibujar, Van Gogh realizó trazos y contornos, con especial atención a los efectos de luces y sombras.

La huella del pintor también se refleja en los materiales usados por él en ese periodo: un lápiz de carpintero grueso como medio, y papel de acuarela grueso como soporte, lo que fija con una solución de agua y leche.

En esta obra también se aprecian rastros de daños en las esquinas de la parte posterior del dibujo, lo que se relaciona con la forma en la que Van Gogh solía colocar hojas de papel en su tablero de dibujo.

La directora del Museo, Emilie Gordenker, señaló que es “bastante raro que un nuevo trabajo se atribuya a Van Gogh” y subrayó que la pinacoteca está “orgullosa de poder compartir este dibujo preliminar y su historia” con los visitantes, que podrán admirar este nuevo descubrimiento hasta el 2 de enero como parte de otras obras del mismo periodo.

“Como centro de conocimientos especializados dedicado al trabajo de Vincent van Gogh y sus contemporáneos, estamos encantados con este descubrimiento y muy felices de haber hecho una contribución a nuestro campo de especialización”, agregó.

Para Meedendorp, exhibir esta obra, que está bautizada como “Study for ‘Worn out'” (“Boceto para ‘Desgastado'”), junto a otros trabajos del mismo periodo, “ofrece una visión especial del proceso” artístico de Van Gogh. “Es más, el estudio es un dibujo muy fino y poderoso, que se sostiene por sí solo”, concluye.

Pero famosamente así fue: esas pinturas icónicas sólo empezaron a ser reconocidas como la maravilla que son cuando el pintor neerlandés ya había perdido más que la esperanza.

Y mientras el mundo aprendía a valorlas, adornaban la casa del abuelo de Vincent van Gogh, no el artista, sino el bisnieto de su querido hermano Theo, y creció entre sus pinturas.

Comparte su nombre de pila pero, para evitar confusiones, usa el segundo nombre que ambos llevaban.

“Imagínate: si dijera que soy Vincent van Gogh se me complicaría la vida, así que es mejor llamarme Willem Van Gogh”, le dice a la BBC, en una de las pocas entrevista que ha concedido.

Willem es asesor del Museo Van Gogh de Ámsterdam.

“Mi abuelo nació en enero de 1890, y su tío, Vincent, falleció ese mismo año, el 29 de julio. Desafortunadamente su padre, Theo, murió unos cinco meses más tarde también, por lo que creció solo con su madre”.

Pero también creció con la obra de su más tarde famoso tío.

“Estaba rodeado de muchas pinturas, lo recuerdo muy bien, había muchas en su casa”.

Vincent van Gogh nunca supo la fama de la que gozarían sus pinturas. Vivió sin un centavo, y le dio muchas de las que hoy son algunas de las obras de arte más conocidas del mundo a su amado hermano menor, el abuelo de Willem.

“Los dos hermanos, Vincent y Theo, eran muy, muy cercanos. Theo era un marchante de arte en París y apoyó a su hermano, quien comenzó a convertirse en artista a la edad de 27 años, enviándole dinero.

“A cambio, Vincent le envió la mitad de las pinturas y dibujos que hizo a su hermano Theo para mostrarle lo que estaba haciendo y también con la esperanza de que Theo vendiera algunas de sus pinturas”.

“Pero eso nunca sucedió desafortunadamente, porque Vincent se adelantó a su tiempo. Era un artista muy innovador y a la gente no le gustaba tanto su trabajo cuando aún estaba vivo”.

Vincent van Gogh murió con heridas de bala autoinfligidas. Y cuando trágicamente el propio Theo murió unos meses más tarde, le dejó su tesoro de pinturas a su joven viuda, Johanna y su hijo pequeño.

Johanna dedicó su vida a lograr que Vincent Van Gogh fuera valorado como artista.

“Era una persona extraordinaria, y le tengo mucho respeto, porque imagínate: te acabas de casar, tu marido fallece y estás sola con tu hijo y necesitas encontrar algún ingreso.

“Ella concordaba con Theo en que Vincent era un artista muy importante y trazó una estrategia para hacer que Vincent fuera reconocido como artista contemporáneo, regalándole piezas a algunos de sus amigos -personas que hoy en día llamaríamos ‘influencers‘- intelectuales, políticos, escritores o artistas”.

“Y así empezó”.

Su estrategia eventualmente tuvo éxito.

Hoy en día esas pinturas tienen un lugar de honor en los grandes museos del mundo y se encuentran entre las obras de arte más valiosas de la Tierra.

Las mismas que colgaban en las paredes de la casa de los abuelos de Willem quien, cuando los visitaba, jugaba entre ellas.

“‘Los girasoles’ colgaban sobre el sofá en la sala de estar, y estaba el ‘El almendro en flor’ y ‘La cosecha’… eran parte de la familia”.

“A mí me gustaban desde pequeño, creo que por la misma razón par la que a mucha gente le gusta el arte de Vincent: por los colores vibrantes.

“Es muy accesible. Son temas cotidianos como un dormitorio, que es la pintura favorita de muchos niños que visitan nuestro museo”.

La favorita de Willem es “El almendro en flor”, con sus delicadas flores blancas contra el cielo turquesa, que Vincent van Gogh pintó para su abuelo apenas unos meses antes de morir.

“Creo que esa es una de las pinturas más hermosas jamás hechas, y recuerdo que iluminaba toda la habitación con ese hermoso color turquesa”.

Toda una joya que, como las otras que colgaban en las paredes de la casa de sus abuelos, sobrevivieron el trajín de la vida cotidiana.

“Hoy en día se venderían por millones de dólares, pero estamos hablando de los años 60, y en esa era otra época: cuando salían de la casa no cerraba la puerta con llave.

“Y ‘El almendro en flor’, por ejemplo, estuvo colgando en la habitación de los niños mientras crecían, ahí donde mi padre y sus dos hermanos hacían peleas de almohadas. Pero sobrevivió en condiciones prístinas. Nunca ha sido restaurada y está en perfectas condiciones en las paredes de nuestro museo en Ámsterdam”.

Willem tenía 10 años cuando se dio cuenta de que estas pinturas que fueron parte de su infancia eran famosas.

Fue en un hotel durante unas vacaciones familiares en Francia.

“En el dormitorio vimos una reproducción de ‘Los girasoles’, la misma pintura que conocía tan bien de la sala de estar de mis abuelos.

“Fue entonces cuando pensé: ‘Nuestro familiar debe ser muy muy famoso, porque está en este país donde la gente habla otro idioma, la comida sabe diferente, todo se ve diferente’. Ese fue el momento en que me di cuenta”.

También fue alrededor de este tiempo, en la década de 1960, que su abuelo comenzó a pensar en cómo asegurar el futuro de las pinturas.

Él y su madre, Johanna, siempre habían estado convencidos de que la colección no debía ser desguazada.

“No hay una colección comparable de un artista tan importante: 200 pinturas, 500 dibujos y casi todas sus cartas se habían mantenido juntas, y el privilegio era demasiado grande como para que lo tuviera una sola persona”.

“Es por eso que negoció con el gobierno para poner toda la colección completa -porque también poseía 200 pinturas de Paul Gaugin, Georges Seurat, Toulouse Lautrec, contemporáneos de Vincent- que estaba en manos de la familia en una Fundación Vincent van Gogh, para garantizar que la colección se mantendría intacta para todas las próximas generaciones, para siempre.

“Y a cambio, el gobierno prometió construir el Museo Van Gogh”.

El abuelo de Willem era conocido como “el ingeniero”, porque esa era su profesión y para distinguirlo de su famoso tío, con quien también compartía el nombre.

Y se puso a trabajar, ayudando a diseñar este museo.

“Se dio cuenta de que la mejor manera de mostrar las piezas era sobre un fondo más o menos gris, porque eso hacía que los colores fueran muy fuertes. Además, se enteró en EE.UU. que después de visitar el museo a muchas personas les daba ganas de pintar, así que proporcionó un estudio para que pudieran hacerlo.

“Eso es algo que mi abuelo introdujo por primera vez en el Museo Van Gogh”.

Pero, ¿cómo se sintió Willem al tener que renunciar a esas pinturas que habían sido parte de su vida durante tanto tiempo?

“Me pareció triste que todo esto sucediera. Pero cuando hablé con mi abuelo, él estaba muy feliz porque iba a hacer realidad su sueño de que todos pudieran ver las pinturas“.

El Museo Van Gogh abrió sus puertas en junio de 1973.

El abuelo de Willem lo visitó todos los días hasta su muerte.

“El abuelo iba a su oficina en el museo a diario, y almorzaba con los guardias.

“Me decía que lo hacía porque ellos lo sabían todo: si el museo iba bien, si había detalles que mejorar…”.

El ingeniero Vincent Willem Van Gogh murió en 1978.

El museo que se creó gracias a él es hoy en día uno de los más visitados del mundo.

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Las pinturas, tituladas respectivamente “Jardín rectoral en Nuenen en primavera” y “Dos jóvenes riendo con una jarra de cerveza”, no fueron halladas, declaró la policía en un comunicado.

El sospechoso, oriundo de Baarn, centro de Holanda, fue detenido este martes por la mañana en su domicilio, agregó la policía, que califica esta detención de “etapa importante” en la investigación.

“Durante meses, se han llevado a cabo investigaciones en profundidad sobre el robo de dos cuadros, bajo la dirección de la fiscalía”, explicó.

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“Jardín rectoral en Nuenen en primavera”, de 1884, fue robada el 30 de marzo de 2020 en el museo Singer Laren, situado a unos 30 km de Ámsterdam. El centro estaba cerrado debido a la pandemia de covid-19.

Casualidad o no, el robo se produjo exactamente el mismo día del nacimiento del maestro holandés posimpresionista, 167 años antes, el 30 de marzo de 1853.

El valor de la obra está estimado entre uno y seis millones de euros (US$1.2 y US$7.2 millones) según Arthur Brand, un experto de arte holandés.

Este especialista recibió, dos meses después del hurto, dos fotografías del cuadro, junto a una tapa fechada del diario New York Times, lo que probaba, según él, que la obra seguía existiendo.

El cuadro del maestro de la edad de oro de la pintura holandesa Frans Hals fue robado –por tercera vez– cinco meses más tarde, en el museo Hofje van Mevrouw van Aerden de Leerdam.

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La pintura, que representa a dos muchachos risueños con una cerveza, ya fue robada en este mismo museo en 2011 y 1988 y recuperada seis meses y tres años después respectivamente.

“Gran éxito”

“Los dos cuadros todavía no han sido hallados tras la detención. Continúa la búsqueda”, insistió la policía.

Arthur Brand, apodado el “Indiana Jones del mundo del arte” por sus investigaciones, se congratuló por la noticia.

“Otro gran éxito para la policía holandesa”, tuiteó.

No es la primera vez que las obras de Vincent Van Gogh están en el punto de mira de criminales en Holanda.

Dos de sus obras maestras fueron robadas en 2002 en el museo Van Gogh de Ámsterdam. “Vista del mar en Scheveningen” (1882) y “Salida de la iglesia protestante de Nuenen” (1884-1885), cuyo valor se estima en varios millones de euros, fueron finalmente localizados en Italia en 2016. Desde junio de 2019, vuelven a estar expuestos en el museo de Ámsterdam.

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En 1990, desaparecieron tres cuadros del pintor holandés del museo Noordbrabants. Fueron encontrados y restituidos.

Frans Hals era contemporáneo de Rembrandt y Vermeer, grandes maestros del siglo de oro holandés, el siglo XVII, marcado por el apogeo del país en el ámbito del comercio, las artes y la expansión colonial.

Es conocido por sus numerosos retratos, especialmente “El caballero sonriente”, en la Wallace Collection en Londres, o “La gitana”, en el Louvre en París.

La casa de subastas Sotheby’s estima que alcanzará los 8 millones de euros (US$9,73 millones) cuando se venda en una subasta el próximo mes.

Lucy Williamson, corresponsal en París de la BBC, sugirió que sería “una ganga” si llegara a venderse por ese precio.

“Podría haber sido pintado esta mañana”, dijo sobre el trabajo “absolutamente increíble”. “Los colores son muy brillantes”.

La obra se exhibirá en las casas de subastas Sotheby’s en París, Ámsterdam y Hong Kong antes de su venta.

Pertenece a una de una serie de obras que Van Gogh pintó mientras se hospedaba con su hermano Theo en la capital francesa en 1886 y 1887.

Montmartre todavía era semirrural en ese momento, como muestra el molino de viento que ocupa un lugar destacado en el cuadro, detrás de algunos lugareños que deambulan por la zona.

Según Sotheby’s, la pintura se ha visto en catálogos, pero nunca ha estado expuesta al público.

“La aparición en el mercado de una obra de este calibre, y de una serie tan icónica, es sin duda un acontecimiento importante“, dijo la casa de subastas fundada en Reino Unido.

La famosa iglesia del Sacré-Cœur que domina ahora Montmartre estaba en construcción en el momento de la visita del artista holandés a la “ciudad de la luz”,

Van Gogh dejó París en 1888 y se mudó al sur de Francia. Más tarde se suicidó con un disparo en el pecho cerca de París, en julio de 1890.

Algunos de estos cambios vienen dados por los procesos de reducción y oxidación que sufren los metales que forman parte de los pigmentos utilizados por los artistas. Por ejemplo, el albayalde (blanco de plomo) en presencia de azufre forma sulfuro de plomo, que es de color negro.

Los colores de Van Gogh

Entre los casos más característicos, tropezamos con la inconmensurable obra de Vincent van Gogh, pintor neerlandés y uno de los máximos exponentes del postimpresionismo. Las pinturas de Van Gogh son fantásticas, y los colores llamativos y vibrantes que exhiben tienen la capacidad de atraer a una audiencia variopinta y provocar el deleite de los admiradores. Sin embargo, muchos de los colores utilizados en sus obras han cambiado drásticamente con el tiempo. Principalmente debido a la exposición a la luz. Varias de las alteraciones pueden ser atribuidas al amarilleo sufrido por el barniz al envejecer. Otras, sin embargo, están claramente causadas por la degradación de los pigmentos.

La obra de Van Gogh es excelsa y extensa, pero quizás entre las pinturas más conocidas, se encuentran la serie de óleos de “Los girasoles”. Parece ser que los primeros cuadros de la serie fueron pintados para decorar el dormitorio de su amigo Paul Gauguin.

La creación de esta magnífica obra fue posible por el empleo de los nuevos pigmentos desarrollados durante el siglo XIX, en concreto del amarillo de cromo, que dotaba a los girasoles de un increíble amarillo luminoso.

No obstante, en la actualidad las pinturas no presentan ese amarillo intenso, sino más bien un tono ambiguo y delicioso a medio camino entre el amarillo y el marrón. La teoría más aceptada es que se han producido cambios químicos en el pigmento amarillo de cromo por la exposición a rayos ultravioleta.

El oscurecimiento de los pigmentos es causado por la reducción del cromo de Cr (VI) a Cr (III). Así, el oscurecimiento del amarillo de otras dos pinturas de Van Gogh, “Vista del Arlés con Lirios” (1888) y “Ribera del Sena” (1887), podrían ser explicadas por el mismo fenómeno.

La explicación científica a su predilección por el amarillo

De todas formas, parece evidente que Van Gogh sentía predilección por el color amarillo, manifestándolo en gran parte de su obra, incluidas pinturas como “La casa amarilla”, “Terraza de café por la noche” o “La avenida de los Alyscamps” entre otras.

La incuestionable predilección del pintor por el color amarillo ha sido relacionada con una intoxicación por digital (Digitalis purpurea), que era utilizada en medicina para tratar diversas patologías. En la época de Van Gogh, la digital era empleada para tratar las crisis maniacodepresivas. El pintor la consumía habitualmente en un intento de paliar los ataques que azoraban su cuerpo y mente, ya que se le atribuían propiedades sedantes y antiepilépticas.

Desafortunadamente, los pacientes que consumían un exceso de digital desarrollaban xantopsia, una patología que alteraba la percepción de los colores en los afectados, que tendían a ver los objetos con un tono amarillento. Vicent van Gogh veía el mundo a través de un filtro amarillo provocado por la medicina que consumía. De modo que el pintor tan solo trasladaba a los cuadros los tonos que observaba.

La digital se la suministraba a Van Gogh su médico personal, el Dr. Paul Gachet. De hecho, en el retrato que Van Gogh pinta del Dr. Gachet, el médico aparece con un ramo de digital sobre la mesa.

No obstante, el Dr. Gachet era muy consciente de los posibles efectos secundarios letales que podía ocasionar la digital. Y desaconsejaba enfáticamente el abuso de la droga, que podía producir síncope al disminuir los latidos del corazón y causar la parálisis del órgano.

Además, a pesar del predominio de los tonos amarillos en las obras de Van Gogh, hay que reconocer que el amarillo siempre está equilibrado con el uso del azul y / o del blanco, incluso si se aplica de manera muy sutil. Con la xantopsia aguda, los blancos y los amarillos habrían sido indistinguibles para el pintor y los azules le habrían parecido verdes. De lo que se deduce que seguramente padeció la enfermedad en un grado leve.

Otras hipótesis apuntan a que es posible que el pintor sufriera glaucoma de ángulo cerrado subagudo. Esta dolencia visual explicaría los “halos” que Van Gogh pintaba en algunas de sus obras y que son evidentes en varias pinturas como “El café de noche ” o “La noche estrellada”.

Precisamente, el color amarillo vuelve a ser significativo en “La noche estrellada”. Y tanto en esta obra como en “Camino con ciprés y estrella” y en “Campo de trigo con cuervos”, el pintor fue capaz de plasmar con inusual certeza la teoría de la turbulencia de los fluidos que el matemático ruso Andréi Nikoláyevich Kolmogórov describió en 1941. Es decir, cincuenta y dos años después de que Van Gogh pintara “La noche estrellada”.

Desde luego la obra de Van Gogh sigue guardando enigmas sin resolver y ostentando una belleza extraordinaria.

Raúl Rivas González, Profesor Titular de Microbiología, Universidad de Salamanca

Este artículo fue publicado originalmente en The Conversation. Lea el original.

Desde enero, la policía italiana le seguía la pista al jefe de una de las bandas de la mafia napolitana, Raffaele Imperiale, acusado de formar parte de la Camorra, quien huyó a Dubai, donde es propietario de una empresa de construcción.

“Con este hallazgo se confirma que las organizaciones criminales están interesadas tanto en invertir en obras de arte como en financiarse con ellas”, comentó el ministro de Cultura italiano Dario Franceschini.

Por su parte, el Museo Van Gogh manifestó su satisfacción tras constatar que los dos cuadros, pertenecientes a la primera fase del artista, son auténticos.

“¡Son originales!”, reza el comunicado del museo que alberga cientos de pinturas, dibujos y bocetos realizados por uno de los maestros de la historia de la pintura, quien se suicidó en 1890.

“Parecen estar en buenas condiciones. Pese a que presenta unos daños en los bordes del lienzo, tal vez por el transporte inapropiado”, precisó el museo.

“Muchas gracias a la policía financiera por haber recuperado las obras de Van Gogh. Estoy orgulloso de nuestras fuerzas de seguridad”, escribió en twitter el líder italiano, Matteo Renzi.

En una rueda de prensa, dirigentes de la policía italiana confirmaron que la banda de Imperiale contaba con numerosas ramificaciones internacionales y que trabajaba “como una verdadera multinacional, diversificando sus actividades gracias la dinero proveniente del tráfico cocaína”.

Tras ese famoso incidente, continuó experimentando esporádicos ataques que lo iban debilitando, dejándolo confundido e incoherente durante semanas.

¿Cómo podía pintar en ese estado?

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Locura y lucidez

Entre esas crisis nerviosas disfrutaba de momentos de cierta calma y lucidez que le permitían pintar.

De hecho, durante la temporada que vivió en Auvers, luego de dejar una institución psiquiátrica, fue la más prolífica de su carrera.

En 70 días, completó 75 pinturas y más de 100 dibujos y bocetos.

Pero a pesar de esa productividad, se sentía solo y ansioso. Comenzó a tener una idea cada vez más internalizada de que su vida era un fracaso.

Eventualmente se hizo de un pequeño revólver que pertenecía al dueño de la casa donde vivía en Auvers.
Con esa arma atentaría contra su vida en julio de ese año.

Pero era un revólver de bolsillo, así que cuando tomó decisión de terminar con su vida, lo accionó y la bala rebotó en una costilla, sin llegar a tocar el corazón.

Van Gogh colapsó y se desmayó. Como pudo regresó a la casa, a donde su hermano Theo y el doctor llegaron al día siguiente.

Al final no pudo hacerse nada y murió. Tenía 37 años.

“Sus últimas palabras fueron: 'Así es como quería morirme' (…) Encontró la paz que no había podido hallar en la tierra”, le escribió Theo a su esposa.

¿Qué le había robado la tranquilidad al artista?

Durante décadas se han sugerido diversas causas, como epilepsia, esquizofrenia, abuso del alcohol, psicopatía y desorden de personalidad, pero sin que ninguna se convierta en la concluyente.

¿Puede su último cuadro dar alguna pista sobre el origen de su locura?

Tres raíces

“Tres raíces” (1890) es el nombre de la obra en la que Van Gogh estaba trabajando durante la mañana de ese fatídico 27 de julio, apenas horas antes del intento de suicidio. Ahora se exhibe en una exposición en Ámsterdam.

A primera vista la pintura parece abstracta.

¿Cómo se pueden “interpretar” los gruesos trazos en azul, verde y amarillo? ¿Nos dice algo la fuerza con la cual fueron aplicados a ciertas partes del lienzo?

La imagen va revelándose progresivamente al espectador, mostrando un paisaje con raíces desnudas y la base de árboles que contrastan con el suelo arenoso coloreado en tonos claros.

En la esquina superior derecha se aprecia un pedazo de cielo.

Más allá de esto, el lienzo se enfoca en las retorcidas raíces, troncos, ramas y masiva vegetación.

Para Martin Bailey, historiador y autor del libro “Estudio del Sur: Van Gogh en Provenza”, el cuadro inconcluso tiene otros elementos a resaltar.

“La parte superior de los árboles está cortada formando una composición inusual, a diferencia de las que uno puede apreciar en las pinturas japonesas, de las cuales Van Gogh era gran admirador”, dice.

Su composición es innovadora, pues no hay un punto focal, y en cierta forma puede representar el inicio de algunas corrientes en el arte moderno, como el abstraccionismo.

A pesar de ello, es inevitable verla en retrospectiva, como un testigo mudo de las últimas horas del pintor.

¿Qué nos puede decir sobre su condición mental?

Adiós a todo

Para empezar, la pintura da la impresión de agitación, como cargada por una turbulencia emocional.

“Es una de esas obras en las que puedes sentir el estado mental que algunas veces torturaba a Van Gogh”, dice Bailey.

Además, las protagonistas del cuadro –las raíces- pueden tener un significado especial.

Años antes del incidente, Van Gogh se había dedicado a pintar raíces de los árboles para expresar -como lo explicó en una carta a su hermano Theo- los conflictos en la vida.

De hecho, poco tiempo antes de su muerte, en otra carta dirigida a Theo, el pintor comentó que su vida había sido “atacada justo en la raíz”.

¿Acaso puede interpretarse la pintura “Tres raíces” como una despedida del artista?

Al planteársele esta interrogante a Nienke Bakker, curadora responsable de la colección de pinturas en el Museo de Van Gogh, responde con cautela.

“Hay mucha agitación emocional en la obra que Van Gogh realizó en sus últimas semanas, como por ejemplo en 'Trigal con cuervos' y 'Trigal bajo nubarrones'”, explica Bakker.

“Es obvio que él estaba tratando de expresar las emociones de su estado mental. Sin embargo, cuando vemos 'Tres raíces' también podemos apreciar que hay mucho vigor y está lleno de vida. Es difícil creer que quien pintó esa obra en la mañana terminaría cometiendo suicidio en la tarde”, agrega.

“Sería osado decir que Van Gogh pintó intencionalmente ese cuadro como una despedida. Sería demasiado racional“.

Al final, Bekker se inclina más por pensar que la enfermedad no fue la causa de la grandeza de Van Gogh.

“Todas esas torturadas y retorcidas raíces hacen de ese cuadro una pintura emocional y muy frenética“, dice.

“Pero no es un cuadro hecho por una mente enloquecida. Él sabía muy bien lo que estaba haciendo. Hasta el último momento Van Gogh pintó a pesar de su enfermedad, no gracias a ella. Es importante tener eso en cuenta”.

• Lee la historia original en inglés

“Ninguna otra información será divulgada hasta la conferencia de prensa mundial que tendrá lugar en París a mediados de noviembre de 2016”, subrayó la nota.

La editorial se limitó a señalar que el libro será objeto de una “coedición mundial”, gracias a las filiales en EEUU y Alemania del grupo La Martinière, al que pertenece Le Seuil, y a acuerdos con editores asociados de otros países como Holanda y Japón.

Precisó, igualmente, que el libro saldrá a la venta al día siguiente de la rueda de prensa.

De otro lado, el especialista encargado de la publicación, Bernard Comment, declaró al semanario especializado “Livres Hebdo” que Le Seuil no se ha “comprometido a la ligera en este proyecto” y que la autenticidad de esos dibujos “está bien establecida por toda una serie de índices y de cotejos”.

El cuaderno, según añadió “Livres Hebdo” en su página web, es propiedad de un particular.