Muere Felipe de Jesús Ortega Iriarte, destacado compositor y experto en música coral de Guatemala

El compositor nació en 1936 y falleció a los 88 años el 22 de diciembre de 2024.

REDACCIÓN VIDA

22 de diciembre de 2024 | 18:18h

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El legado musical de Ortega quedó plasmado en instituciones culturales así como en coros del país. (Foto Prensa Libre: Facebook Ministerio de Cultura y Deportes)

La tarde del 22 de diciembre se confirmó el fallecimiento de Felipe de Jesús Ortega Iriarte, reconocido por su destacada trayectoria en la composición musical y la formación artística en Guatemala. La noticia fue difundida a través de plataformas oficiales como las del Ministerio de Cultura y Deportes (MCD) y la Asociación Filarmónica de Guatemala.

El MCD lamentó profundamente su partida, describiéndolo como un “ilustre guatemalteco, con una prolífica carrera profesional y musical”. Desde esta entidad, también se recordó que su incursión en la música comenzó a los cinco años, cuando aprendió a tocar el piano.

Tras este primer acercamiento al piano, Ortega Iriarte amplió su formación musical al estudiar instrumentos como la flauta, clarinete, saxofón, vibráfono, guitarra y contrabajo. Además, formó parte del coro del Colegio San Sebastián y del Conservatorio Nacional de Música, lo que marcó el inicio de una carrera fructífera.

Su formación técnica continuó en instituciones de prestigio como la Escuela de Educación Musical de Guatemala y el Conservatorio de Morelia, en México. Este sólido bagaje académico y artístico lo llevó a desempeñarse como flautista en la Orquesta Sinfónica Nacional.

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Aunque la música fue una vocación que despertó desde temprana edad, los planes académicos de Felipe de Jesús Ortega Iriarte lo llevaron también al campo de la salud. Ingresó a la Universidad de San Carlos de Guatemala (Usac), donde se graduó como médico y cirujano. Además, optó por ampliar su formación al convertirse en psicólogo.

Este amplio conocimiento contribuyó a consolidarlo como un guatemalteco excepcional, capaz de integrar diversas disciplinas para enriquecer su labor profesional y artística.

El MCD destacó que el impacto de Ortega Iriarte se evidenció especialmente en su labor como director de importantes coros, como el de la Catedral Metropolitana, el de la Universidad de San Carlos, el del Colegio Americano y el del Instituto Indígena de Señoritas.

Además, dirigió el Coro Nacional y la Orquesta Filarmónica Pop, y ocupó la Dirección General de Cultura y Bellas Artes en el Ministerio de Cultura y Deportes.

Entre las composiciones más destacadas de Felipe de Jesús Ortega Iriarte se encuentran Pequeña balada, Arabesco en Mib, Tango para piano, Habanera. Tango, Leyenda de un príncipe maya, Dos melodías para ti y Tres piezas breves y sencillas.

Ortega Iriarte también participó en el disco compilatorio Música de Guatemala a través de los tiempos, publicado en 1999. Este álbum reúne interpretaciones de piano de destacados compositores como Alma Rosa Gaytán, Joaquín Orellana, Igor de Gandarias, Jesús Castillo, Ricardo Castillo, Ignacio Cruz, Herculano Alvarado, Héctor Dávila, Enrique Anleu, Jorge Sarmientos y Enrique Solares.

Su estilo musical es recordado por su “virtuosismo teatral”, acompañado de formas contemporáneas del siglo XX, según recoge la antología histórica Música guatemalteca para piano: Siglos XIX-XXI. Entre sus obras más emblemáticas figuran marchas fúnebres como La Oración del Huerto, ¡Sed Tengo!, Padre Nuestro, La Sentencia, Señor Mío y Dios Mío y El Nazareno de los Milagros.

En mayo de 2017, el Ministerio de Cultura y Deportes lo distinguió como Mensajero de la Paz, un reconocimiento a su invaluable aporte cultural y social. En ese entonces, a los 81 años, Ortega Iriarte continuaba brindando atención médica gratuita a pacientes con recursos limitados, lo que resaltaba su generosidad y compromiso con la comunidad, según destacó un comunicado oficial de la institución.

Tras el fallecimiento de Felipe de Jesús Ortega Iriarte, figuras destacadas de la escena musical guatemalteca, así como diversas instituciones, manifestaron sus condolencias y resaltaron su legado.

La Asociación Filarmónica de Guatemala expresó a través de un comunicado en redes sociales que Ortega Iriarte “deja un legado que trascendió tanto en el ámbito profesional como en el corazón de quienes lo conocieron”. En la publicación, destacaron: “Su pasión por la música y la medicina dejó una huella profunda en todos los que compartieron su vida y trabajo”.

El Coro de la Universidad de San Carlos de Guatemala también se sumó a las condolencias, extendiendo un mensaje de solidaridad a la “familia coral universitaria”. Otras instituciones, como el Coro Nacional de Guatemala y el Sindicato de Artistas del Estado, lamentaron su partida y reconocieron su contribución al desarrollo artístico y cultural del país.

Músicos del gremio local, entre ellos los maestros Dieter Lehnhoff, Vinicio Quezada, Gabriela María Corleto Orantes, Ernesto Calderón, Carlos Galdámez y Roberto Pérez Chamalé, expresaron su pesar por el fallecimiento de Felipe de Jesús Ortega Iriarte a través de emotivos mensajes en redes sociales.

Por su parte, la familia del maestro lo recordó como un músico apasionado, esposo incondicional, padre ejemplar y abuelo amoroso. En un comunicado, destacaron: “Nos deja un inmenso legado de amor, de música y de recuerdos imborrables en quienes tuvimos el privilegio de tenerlo como parte de nuestras vidas. Su talento, su bondad y su sonrisa permanecerán eternamente en nuestros corazones”.

A sus recién cumplidos 93 años, Orellana se encuentra internado en el Hospital General de Enfermedades del Instituto Guatemalteco de Salud Social (IGSS). El ingreso se dio hace 17 días luego de que el artista presentara un intenso dolor abdominal, derivado de lo que oficialmente se ha detectado como una pancreatitis aguda por parte de los médicos del IGSS.

En una conferencia convocada este 29 de diciembre, Karla Orellana junto a su hermano, Joaquín Andrés, y la esposa del músico, Sheila Ramírez de Orellana, dieron a conocer que el compositor habría llegado a la pancreatitis aguda luego de haber desarrollado cálculos biliares.

Esto ha provocado que el músico también sufra una obstrucción en los conductos biliares, por lo que el siguiente paso supone realizarle una operación de vesícula y una endoscopia. Sin embargo, esto no puede proceder ya que el músico debe ser intervenido con un marcapasos.

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“Estábamos con la idea de que él se pudiera operar en lo privado. Hablamos con algunos médicos en el IGSS, se hicieron estudios y había salido bien de los exámenes, excepto el del Holter (dispositivo que mide la actividad cardíaca)”, agregó Karla Orellana.

La hija del multiinstrumentista galardonado señaló que la intervención del marcapasos estimada por la familia tendría un costo de entre Q.20 mil y Q.30 mil. Por otro lado, la operación de la vesícula costaría cerca de Q.20 mil en un centro hospitalario privado.

Para proceder con la operación de Orellana es necesario que el músico se someta a exámenes de resonancia para determinar el estado de sus vías y a una endoscopia. No obstante, en días recientes, mientras los familiares de Orellana esperaban retroalimentación de los médicos, el compositor recayó.

“El tratamiento por pancreatitis aguda es de cero alimentos y sueros intravenosos. Precisamente ayer lo pude ver y después de 17 días está totalmente débil. Entró caminando muy bien pero ahora no puede caminar. No ha comido. Ahora está con sueros y medicamentos. Aún no le han dado fecha para la operación“, explicó Karla Orellana durante la conferencia de prensa.

Solicitan apoyo

En la convocatoria de este 29 de diciembre también se hizo presente el maestro de música Julio Santos quien durante los últimos años ha fungido como mano derecha en la gestión de actividades culturales de Joaquín Orellana.

“Estamos luchando para que permanezca más tiempo con nosotros. Si no se logra ver mejoría pronto, el plan es llevarlo a un centro privado“, mencionó Santos quien además subrayó que este mismo día empezaría a circular en redes sociales una publicación con el número de cuenta bancaria y número de teléfono mediante el cual se puede ayudar a la familia Orellana.

El también músico indicó que durante el día también se estaría enviando una carta al ministro de Cultura y Deportes, Felipe Aguilar, para darle a conocer el cuadro del maestro Orellana. Según apunta Santos, la carta implica buscar posibles formas de ayuda por parte del ministerio.

“El pueblo de Guatemala le ha brindado apoyo al maestro, ha asistido a sus conciertos, le ha ovacionado de pie… Es necesario que sepa que no anda muy bien. No nos vayan a pedir cuentas después por qué no avisamos”, dijo Santos.

Asimismo, durante la conferencia el maestro aprovechó para aclarar que esta solicitud de apoyo a Guatemala “exonera” al IGSS por parte de él, allegados y familiares de Orellana.

Durante la conferencia de este 29 de diciembre, la hija del compositor comentó que, como familia, han logrado ingresar a las instalaciones del hospital donde se encuentra Orellana para visitarle dos veces por semana. No obstante, en la última visita le comentaron que la llamarían para avisarle cuando podía volver a visitar al músico.

“Sabemos que es una institución que maneja de una forma diferente. Simplemente, si no logramos una mejoría pronto, vemos de trasladarlo en el momento que algo no nos parezca”, comentó Julio Santos quien además subrayó que la situación económica de Orellana es compleja para atenderle en un centro hospitalario privado.

En octubre de 2018, Joaquín Orellana fue declarado por el Congreso como guatemalteco ilustre. A través del decreto 22-2018, fue beneficiado con una pensión vitalicia mensual de Q.7 mil por el legado musical que ha dejado al país.

Con el voto favorable de 82 diputados para la creación del beneficio vitalicio, la pensión ha sido entregada a Orellana hasta la fecha, según confirmó su hija.

De acuerdo con Karla Orellana, la salud de su papá habría decaído hace cinco meses, específicamente en la vesícula. Por otro lado, Sheila Ramírez, esposa del músico agregó: “Él estaba muy bien, con mucha energía. Caminaba tanto que no le creían su edad”.

En horas de la tarde del 29 de diciembre, a través del Departamento de Comunicación Social y Relaciones Públicas, el Instituto Guatemalteco de Salud Social dio a conocer que Joaquín Orellana ingresó por una pancreatitis biliar que ya estaba resuelta.

Asimismo, se dio a conocer que el compositor padece de colelitiasis y que el área de cirugía solicitó una Colangio resonancia para determinar si amerita cirugía.

“Se documentó, al estar ingresado, que tiene una arritmia. El área de Cardilogía indica que en el caso de ameritar una cirugía de emergencia, se coloque marcapaso temporal“, se explicó desde el departamento.

Asimismo, el IGSS indicó que Orellana se encuentra asintomático y estable, así como en proceso “de alta con tratamiento ambulatorio”.

Sobre el compositor

Joaquín Orellana es recordado por su amplia visión. Inventó los llamados “útiles sonoros”, esculturas hechas con objetos de distintas materialidades, que además de ensamblar orquestas, han logrado ser expuestos en el país, así como en otras latitudes como Grecia o Estados Unidos.

Sus piezas musicales han sido interpretadas por muchos. Además, ha logrado desarrollar 130 composiciones de distintos estilos. Más allá de la música, ha incursionado en la poesía y han sido editados cuatro libros suyos.

En julio de este año se publicó Sacratávica (Las Voces de Río Negro), una pequeña recopilación en disco de acetato de cuatro obras musicales que Orellana ha compuesto a largo de sus más de 40 años de carrera. Las canciones datan de entre 1983 y 2014.

Sobre sus composiciones y el lanzamiento de Sacratávica, Orellana habría dicho a este medio: “En el pasado lejano y aún en el inmediato fui muy criticado, incluso me rodearon detractores. Creo que lo que más he encontrado es la incomprensión y la indiferencia cultural. Se sufre eso, y al mismo tiempo se sufre el ser anónimo, porque nadie quiere reconocerlo y no se comprende porque cuando un mensaje es muy original, no está comulgando con la generalidad“.

Sobre su vínculo con la música, el intérprete argumenta: “Es un cultivo profundo hacia la trascendencia que se parece muchísimo a la búsqueda que tienen los místicos de ese ‘algo’ que se aparece a través de las sombras, y que, aunque no manifiesta su presencia de una manera tan clara, te jala, te empuja y te lleva a ese encuentro con el misterio“.

Durante los primeros días de noviembre de este año, Mejía estuvo de paso por China donde ofreció interpretaciones con su guitarra frente a un diverso público en las ciudades de Wuxi y Suzhou.

A lo largo de su reciente viaje por China, Mejía también dio algunas clases magistrales en Shangai. Sobre esta experiencia, asegura que no era la primera vez que llevaba a cabo una ponencia magistral, pero sí fue la primera oportunidad en la que se acercó a un público asiático con tan alto nivel de conocimiento técnico y artístico.

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Estas experiencias llevaron a que Joseaugusto Mejía reconociera nuevas ideas sobre la sociedad china y su involucramiento en el campo del conocimiento: “Fue un viaje muy sorprendente porque el nivel musical de los alumnos del Conservatorio de Shangai es altísimo. Como han dicho los analistas políticos y los sociólogos en los últimos años, sin duda el centro gravitacional de la civilización está trasladándose hacia Asia. Es maravilloso verlo de cerca”, cuenta el artista.

Tanto en las clases magistrales como en las presentaciones musicales, el guatemalteco también estuvo acompañado del guitarrista mexicano Oman Kaminsk, a quien había conocido durante la época en la que realizó una maestría en música en el Conservatorio Real de La Haya (Países Bajos). Además de ser colegas, Kaminsk y Mejía sostienen un vínculo amistoso desde hace años.

“Oman es un guitarrista excepcional, sin duda. Compartí con él cuando estuvimos en el escenario en La Haya. Tuvimos un pequeño proyecto juntos, fuimos un dúo y dimos conciertos durante algún tiempo y desde ese momento no habíamos tocado juntos. Ahora retomamos un poco el proyecto“, cuenta Mejía.

Para el intérprete guatemalteco, hablar de Kaminsk significa remitirse al tiempo de estudio en La Haya, entre 2007 y 2010. Aquel capítulo fue, en palabras de Joseaugusto , “el momento culminante de todo lo que había querido como guitarrista”. Fue durante aquella época que el guatemalteco también conoció a su maestro, el guitarrista croata Zoran Dukic.

“Sigue siendo la referencia principal en tanto a que delimitó una forma muy específica de encarar la música y definir también una personalidad profundamente propia para hacer la creación artística. Algo que se dice mucho en el los círculos relacionados con la espiritualidad es que el maestro no aparece hasta que el alumno está listo, y creo que eso fue lo que sucedió con Zoran Dukic”, confiesa.

El músico señala que los conocimientos logrados en La Haya gracias a Dukic también le llevaron a explorar nuevas sendas académicas como los estudios especializados que realizó en el Royal College of Music en LondresLondres (Inglaterra) o el doctorado cursado en la Universidad de Stony Brook, Nueva York (Estados Unidos).

Mejía se dedica a la ejecución plena de la música desde los 16 años. Cuenta que dos años después de haber empezado a acercarse a los instrumentos, logró dar un primer concierto luego de la recomendación por parte de uno de sus primeros formadores. “Estaba completamente muerto del miedo, pero dispuesto a expresar lo que podía hacer en ese momento con la guitarra”, cuenta.

Desde sus comienzos, el guatemalteco se ha orientado a la interpretación del género clásico por la claridad y seriedad del sonido, según apunta. No obstante, se ha visto apasionado por otras derivas sonoras como el jazz, el flamenco y la llamada Nueva canción latinoamericana.

“Soy un guitarrista clásico y mis primeros referentes tuvieron que ver con ese mundo. Recuerdo perfectamente el momento en el que escuché por primera vez a Julian Bream (guitarrista). Luego vinieron otros nombres como el pianista András Schiff o el violinista Venguérov“, relata Mejía desde Tailandia.

Luego de una intensa estadía por China donde se reunió con otros colegas y amigos del tiempo de La Haya, Joséagusto asegura que haber llevado su talento a nuevas latitudes como Asia ha significado una oportunidad para seguir pensando en la belleza: “Personalmente la busco a través de los sonidos, a través del refinamiento de las ideas musicales y de la práctica musical, que al final es una especie de disciplina espiritual y corporal“, comparte el intérprete.

En cuanto a su regreso a Guatemala, el músico aún no logra visualizar una fecha exacta para volver a interpretar. La última vez que tuvo un concierto en el país fue hace 1o años. El artista actualmente vive en México y en Guatemala residió de forma permanente hasta 2001.

Sobre la música a nivel guatemalteco, Mejía asegura que percibe una mayor apertura en el involucramiento de futuros artistas. No obstante, observa un reto en la formación: “No es tan fuerte y entonces quienes quieran lograr una integral tienen que salir. Parece que no ha cambiado casi para nada, y es una tarea que todavía tenemos pendiente”. 

Unos 30 artistas conforman la agenda de este festival que el 13 de julio tendrá como invitada Gaby Moreno, quien se presentará con Rubén Blades, que estará acompañado de Roberto Delgado Big Band en el Saswing Tour.

El sentimiento panamericano, la hermandad cultural entre los diferentes pueblos de la América Latina, está inmejorablemente encarnado en Rubén Blades y en Gaby Moreno, anota la página nochesdelbotanico.com

Él es para la salsa tan importante como lo fueron Bob Marley al reggae o Fela Kuti para el afrobeat. Un descomunal embajador del estilo, últimamente más interesado por el swing. Ella es una admirable asimiladora de estilos como el blues, jazz, soul, pero también de los sonidos fronterizos, boleros, joropos, calypso y tropicalismos, se lee en la página web.

Gaby Moreno lo publicó emocionada en sus redes sociales.

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¿Qué dice de Gaby Moreno?

La página del festival anota que la guatemalteca Gaby Moreno encarna como pocas artistas una idea global y panamericana de la música, que se alimenta de blues, jazz, soul o r’n’b, pero también de sonidos fronterizos, boleros, joropos, calypso, tropicalismo o canción de autor.

Menciona que ¡Spangled! (2019) es un disco extraordinario en el que, manejándose con soltura en inglés, castellano y portugués, y con la compañía del mítico arreglista y compositor Van Dyke Parks o del no menos mítico Jackson Browne, levanta todo un monumento a la riqueza musical latinoamericana.

Y del disco más reciente, Alegoría (2022),  explica que es el séptimo álbum de una carrera durante la que ha colaborado y girado con Tracy Chapman, Ani Difranco o Hugh Laurie, hermanando lo poético y lo popular.

“Siempre lo dije. Nunca los nervios me traicionan tanto como cuando el concierto es en mi tierra. Y es que los nervios saben que la emoción se multiplica con la sangre. Mi país”, publicó el cantante en su cuenta de Instagram un día antes de dar por iniciados los conciertos de la Gira Blanco y Negro en Guatemala. 

La primera cita ha sido este 12 de noviembre en la Explanada Cayalá en zona 16, y la segunda continuará el domingo 13 de noviembre.

Antes de la primera jornada, miles de seguidores del cantante comenzaron a enfilarse en los exteriores del centro de eventos. Personas de distintas partes del territorio nacional, así como de otros países fueron convocados a esta fiesta musical.

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El concierto dio inicio a las 20:30 horas con un perímetro repleto de fanáticos quienes no dejaron de ovacionar al guatemalteco.

Luego de su aparición con un atuendo compuesto por pantalón, chaleco y saco color negro, así como con una camisa blanca y tenis, Arjona se dirigió al público con un mensaje que celebraba la identidad nacional. “Desde cualquier sitio en el que esté, siempre el camino me lleva a a Guatemala”, dijo el intérprete.

Arjona no desaprovechó ningún segundo desde el inicio de su recital. Destacó su variada selección de piezas que abarcó un abanico de épocas y momentos cúspides de su carrera. Entre los más grandes éxitos que se escucharon estuvieron “Si yo fuera” lanzada en 1994, “Morir por vivir ” de 2020, “Ella” de 2017, “Acompáñame a estar solo” de 2005, “El problema” de 2002, y un decenar más.

Uno de los momentos más destacables de la primera hora del concierto Blanco y Negro fue cuando Arjona interpretó “Si el norte fuera el sur”, del disco con el mismo título que vio la luz en 1996.

Durante la segunda estrofa, el cantante modificó la letra en la parte que dice “Viva Wall Street y qué viva Donald Trump”. En su lugar cantó: “Viva Wall Street y al carajo Donald Trump”. De forma inmediata, muchos de los asistentes gritaron, silbaron y aplaudieron.

La escenografía del concierto destacó en Guatemala. Así como se ha visto en los más de 100 conciertos que Ricardo Arjona ha dado durante los últimos meses, en su versión local pudo verse una proyección virtual del famoso Condominio Blanco y Negro en una pantalla. Justo a los lados se levantaban distintos andamios donde se encontraban varios instrumentos y bocinas.

La tarima fue acompañada con dos grandes pantallas laterales que ampliaban la imagen de Ricardo Arjona.

El anuncio se habría dado en mayo de este año y se confirmó que la fiesta tomaría lugar en la Explanada Cardales de Cayalá. La gira arrancó en febrero de 2022 en España, y desde entonces Arjona ha dado más de cien conciertos entre Europa y América Latina.

En Guatemala, la emoción por el regreso del cantante se ha percibido desde antes del primer día de conciertos.

El pasado viernes 11 de noviembre, las calles de la ciudad de Guatemala fueron el escenario elegido por varios seguidores del artista quienes celebraron su regreso a tierras nacionales en una caravana que recorrió distintas zonas de la capital.

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Durante la caravana, que ha quedado registrada en vídeos compartidos desde el club de fans Arjona Vivo, varios vehículos con globos color blanco y negros hicieron una ruta que atravesó las zonas 4, 9, 10, 16, entre otras.

El tráfico del pasado viernes 11 de noviembre se vio acompañado gracias a esta caravana que además, presentaba en varios vehículos una imagen en cartón que replicaba a Ricardo Arjona.

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“Celebrando la llegada a tu país, nuestro país”, fue la frase con la que a través de Instagram, y también Twitter, los miembros del club de fans dieron la bienvenida a Arjona.

El gesto de la llamada “Caravana Arjoneana” provocó que el artista compartiera a través de su cuenta de Instagram, una historia que replicaba la acción grupal.

Previo a la caravana, y antes que se compartiera la recopilación de la misma en sus historias, el artista publicó en redes un vídeo con varias escenas con sitios turísticos de Guatemala. También se puede ver al cantante en algunas de las tomas.

“Qué belleza, qué belleza, Maestro!!! Es el Concierto que más espero de cada una de tus Giras. Ver tu emoción y la emoción y el cariño de tu gente es una postal de guardo en mi memoria cada vez que sucede!!! No des crédito a tus nervios @ricardoarjona que todo SALDRÁ BIEN, cómo SIEMPRE!!!” fue uno de los comentarios. 

Luego de haber incubado varias canciones desde esa hibridación, Barrios eligió compartirlas al mundo a través de su alter ego musical, LIFE2979光. Con ese nombre, el joven decidió registrarse como artista en Bandcamp, una plataforma de música virtual que nació en 2008 y que, desde entonces, ha funcionado como catapulta para creadores sonoros de al menos 183 países.

El sitio cuenta con más de 8 millones de canciones y permite que los creadores armen y personalicen una página donde se pueden escuchar sus discos y tracks individuales de forma gratuita.

De esa cuenta, Bandcamp puede destacarse frente al abanico de plataformas que en la actualidad permiten escuchar música en cualquier momento y lugar gracias a la conexión en Internet.

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Una de las principales metas de la plataforma consiste en el pago equitativo a los creadores. Mientras que servicios de transmisión musical como Spotify pagan a sus artistas luego de cierta cantidad de reproducciones, Bandcamp permite que los usuarios paguen por la cantidad que prefieran bajo la modalidad Name Your Price (Establece Tu Precio) o la tarifa acordada por el artista.

Entre el 10 y 15% de esos ingresos se dirigen a la operatividad de la plataforma y el 82% restante llega a los artistas quienes deben tener asociada una cuenta en la plataforma de transferencias bancarias PayPal.

“Estas formas de promover y ganar por la música son muy importantes. Especialmente en la modalidad Name Your Price ya que, en un país como Guatemala, gastarse 5 dólares puede ser complejo. Por eso es una buena opción decidir cuánto se puede y quiere pagar por música”, comparte Barrios quien además de músico, es locutor de radio y estudiante de Derecho, vecino de Sacapulas.

Marck señala que una de las grandes fortalezas de la tienda es Bandcamp Fridays. Mediante esta propuesta la plataforma cede a los artistas el 100% de los ingresos económicos que obtuvieron por concepto de compra en sus discos o en canciones individuales, cada primer viernes del mes.

La propuesta inició en marzo del 2020 y según información del medio Los Angeles Times, hasta septiembre de ese año, los usuarios habían pagado a los artistas de Bandcamp un total de casi 100 millones de dólares en esas fechas.

“No conozco otra plataforma de streaming que haga esto. He visto cómo muchos artistas esperan a publicar música el primer viernes del mes para que sea un buen día en términos de remuneración”, cuenta Barrios, quien continúa proponiendo nuevas formas de música experimental, ya sea a través de un proyecto electrónico como Xela Memories, o su disquera virtual Tujaal Sounds, la cual reúne música de jóvenes guatemaltecos de ciudad de Guatemala, Quetzaltenango, Escuintla y Quiché.

Bandcamp se traduciría al español como “campamento para bandas”. En esa metáfora que evoca la imagen de diversos proyectos reunidos en un mismo lugar, cabe la posibilidad de entender la plataforma como un refugio que promueve acercamientos más íntimos desde la música.

Así define Bandcamp Luis Pablo Pérez, diseñador gráfico de 26 años que forma parte de la agrupación Asimov, un proyecto musical que mezcla cuerdas, percusiones y voces ambientales al ritmo de géneros como el shoegaze, post-rock, y dream-pop.

“Cuando la gente compra la música en la página de los artistas se puede ver una sección en la que aparecen sus nombres de usuario y fotos de perfil. Para nosotros es algo especial e íntimo saber quiénes nos apoyan comprando y compartiendo la música. Se vuelve un proceso más personal”, dice Pérez quien además de cantar, toca guitarra eléctrica en Asimov.

Este tipo de herramientas en Bandcamp ayudan a que los artistas les den una mayor identidad a sus propuestas. En la plataforma también se puede promocionar mercadería como discos físicos, camisas, pines, publicaciones y más.

El sitio también procura que los usuarios tengan un contacto más directo con los artistas, por lo que tiene formas específicas de categorizar y organizar la comunicación que llega a través de mensajes directos.

Por otro lado, y en cuanto a los ingresos, Bandcamp envía mensualmente a los artistas un conglomerado que muestra las estadísticas del flujo económico.

“Distribuir música es caro, pero esta plataforma es muy justa. No hay cobros tan abusivos, y puede ayudar a artistas independientes que suelen estar casados con formatos digitales. Esto además puede convertir el proyecto en uno autosostenible”, comenta Luis Pablo Pérez a propósito de la experiencia que ha tenido la banda Asimov con Bandcamp desde 2019.

Desde entonces, la agrupación se ha posicionado en un radar de música internacional. Ha destacado en medios y plataformas musicales como la radio estadounidense KEXP que en 2021 realizó un concierto virtual con bandas de 10 países iberoamericanos, entre ellas Asimov.

Recomendaciones para artistas en Bandcamp

Tanto Luis Pablo Pérez como Marck Barrios coinciden que las personas con interés de compartir su música deben perder el miedo. “Muchos pueden experimentar la falta de confianza, pero Bandcamp es un espacio para aventurarse”, expresa Marck.

El productor musical y locutor agrega que para impulsar los discos y canciones resulta importante conocer otras personas que también se encuentren haciendo música para así aprender de sus procesos.

Por otro lado, Luis Pablo señala que resulta viable crear una galería en la página de cada artista que muestre varios lanzamientos. Para esto se pueden publicar las canciones individuales a manera de promoción de un disco, señala el músico y diseñador gráfico.

Pérez señala que uno de los detalles a considerar en el uso de Bandcamp tiene que ver con la forma en que llega el dinero a los artistas en Guatemala. Aunque se debe tener una cuenta de PayPal, este sistema no permite transferir el dinero virtual a cuentas bancarias del país.

“Puede ser una relación conflictiva, pero en nuestro caso hemos podido utilizar los fondos para pagar mezclas o masterizaciones fuera de Guatemala”, explica Luis Pablo.

Marck agrega que una forma sencilla de posicionar las producciones puede ser en la organización de etiquetas en Bandcamp. Resultará valioso colocarle el tag de Guatemala, así como los diversos géneros que se abordan, ya que será más fácil ubicar las propuestas.

Estos son varios proyectos musicales de Guatemala que pueden ubicarse en Bandcamp:

• Rebeca Lane
• Alex Hentze
• Mabe Fratti
• Di Laif
• Dina Ramírez
• Obbed
• Mazukamba
• Easy Easy
• Nublo Roboten
• Casta
• Terracota

Pensado como un grupo que integra violines eléctricos, la propuesta surgió durante la pandemia por covid-19 cuando los violinistas Rosario Vásquez y Luis Recinos comenzaron una nueva aventura experimental que se valía de la amplificación electroacústica de las cuerdas en sus instrumentos.

Rosario y Luis se conocen hace más de 15 años ya que sus oficios musicales los han hecho coincidir. Ambos han participado de grupos como la Orquesta Sinfónica Nacional de Guatemala (OSN), y han sido violinistas en proyectos de artistas como la cantante Gloria Cáceres.

Pero fue durante la pandemia que lograron reencontrarse creativamente. Desde sus hogares y a distancia durante el confinamiento, iniciaron un ejercicio en el que se reunían a improvisar con hits de artistas internacionales de varios géneros hasta transformarlos en canciones instrumentales.

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“Desde hace años teníamos la intención de hacer este proyecto, pero no habíamos logrado concretarlo. Nos dimos cuenta de que la virtualidad podía llevarnos a más personas para ofrecerles algo nuevo”, dice Luis Recinos, quien ha dedicado más de 17 años a la música de orquesta.

Entre las primeros resultados de esos encuentros musicales surgieron nuevas versiones de “Las Cuatro Estaciones” de Vivaldi o “Another One Bites the Dust” de Queen, las cuales destacaban por ciertos cambios rítmicos.

Rosario y Luis nombraron su proyecto experimental como Geigen Dúo, que resultó ser un espacio en el que podían aportar desde sus especialidades: Mientras que Luis ha propuesto las canciones y nuevos ritmos, Rosario ha complementado desde la producción, mezcla y estructura de las piezas.

Lejos de entenderse como la ruta para llegar un cover, las versiones del Geigen Dúo buscan dinamizar los sonidos originales con que fueron dados a conocer muchas canciones históricamente.

 

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“Intentamos no iniciar desde una partitura. Un arreglo nos puede tomar dos semanas hasta llegar a la versión final. En términos de producción nuestro proceso es un tanto complejo, pero buscamos potenciar las canciones para que se sienta como algo novedoso”, comparte Rosario.

Ese compromiso alimentado por la curiosidad y la innovación llevó a que la dupla compartiera sus propuestas en redes sociales durante la cuarentena y posteriormente en algunos conciertos íntimos dentro de bodas y eventos benéficos.

El repertorio de canciones de Geigen Dúo aumenta y con más de 60 canciones suele contemplar un abanico instrumental con versiones en clave de cuerdas electrónicas de música hecha por Adele, Maluma, Luis Fonsi y Natalia Lafourcade, entre otros.

La dupla también ha realizado colaboraciones con otros artistas locales y entre sus deseos se vislumbra la pronta grabación de un videoclip oficial.

Aunque aseguran que el proyecto se ha dado a conocer “de boca en boca”, estiman llevar a cabo un lanzamiento oficial en un espacio que, así como ellos, cambie con las formas tradicionales de comprender la música instrumental.

“Pensamos en un lugar abierto tomando en cuenta el tema de la pandemia. Podría ser alguna terraza, un espacio al aire libre; algo que sea disruptivo”, comparte Luis Recinos.

Romper moldes

El nombre Geigen Dúo toma como referencia un vocablo alemán que refiere a la expresión “varios violines sonando”. Tratándose de una apuesta al gozo y la disrupción, Vásquez y Recinos comenzaron este proyecto en dupla como si se tratara de una misión por borrar los límites entre el purismo orquestal y canciones de géneros como pop, rock y cumbia.

“Ambos tenemos una formación muy clásica, pero uno de nuestros objetivos es hacer música de todos los géneros con violines. Hacemos arreglos muy nuestros: los estudiamos, los repensamos y creamos distorsiones usando los pedales eléctricos”, cuenta Vásquez.

 

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Durante los últimos años, Rosario ha sido parte de ensambles como los de la Orquesta Sinfónica Nacional de Guatemala el grupo de rock nacional Alux Nahual y orquestas de Venezuela, Puerto Rico, Uruguay, Argentina y otros países.

Luis también ha transitado por un camino en el acervo orquestal. Hace 10 años ingresó a la OSN donde además de desempeñarse como interprete, lideró el consejo directivo. También ha participado en la Academic Orchestra of Zurich, Alumni Orchestra of Zurich, y la Jugend Sinfonie Orchester.

“Como violinistas de orquestas sinfónicas, abarcamos todo el repertorio y llegó un momento en el que queríamos experimentar con los violines eléctricos que dan una gama amplia de posibilidades”, cuenta Recinos acerca de la vitalidad del Geigen Dúo.

La capacidad de crear ha implicado un desafío en cuanto a la sincronización de tiempo para los violinistas, ya que no solo se dedican a este proyecto. En la cotidianidad son parte de grupos musicales y espacios de formación en ese ámbito.

Pero más allá de los retos, el ímpetu por crear de Rosario y Luis se mantienen en ebullición así como la apuesta por nuevas fórmulas musicales. “Al ser un proyecto muy nuestro en el que hay confianza, creo que no nos hemos preocupado por competir. Si llegan a surgir más duetos de esta naturaleza sería genial. La idea es pasarla bien”, comparte el violinista.

Para conocer más del proyecto puede seguirlo en Facebook e Instagram.

“Hemos sido testigos del gran talento que existe en nuestro país y esto abre un sinfín de oportunidades para los artistas que participaron en la primera edición de Tigo Sounds. Estamos muy orgullosos de cada uno de ellos y especialmente del gran ganador a quien felicitamos y deseamos grandes éxitos, llevando el nombre de Guatemala a todas partes”, comentó Jamie Moreno, directora de marketing de Tigo.

Después de meses de buscar a los artistas emergentes en toda Guatemala, los 200 mil fanáticos que disfrutaron de esta transmisión y  pudieron elegir a su artista favorito, saliendo vencedor Glass Collective, que ya se prepara para la grabación y producción de su primer EP (Extended Play), la producción de Tigo Sessions y otros beneficios son parte del gran premio que recibirán los ganadores.

“Tigo agradece a los más de 1,000 artistas que desde el inicio de Tigo Sounds se inscribieron, participaron y compartieron todo su talento con los guatemaltecos. Además, extiende un profundo agradecimiento a los artistas nacionales, internacionales y grandes figuras de la industria musical quienes participaron como padrinos y coaches durante todo el proceso. Muy pronto, más talento, nuevas caras y novedosos ritmos llegarán a Tigo Sounds”, finalizó Moreno.

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Inspirada en el arte de contar historias a través del cine y la música, busca trabajar en historias que necesiten ser escuchadas, explora la belleza del cine y transforma la experiencia con imágenes y sonido.

Su música se puede escuchar en Spotify y Apple Music. Conozca más de su trabajo en sophiekuba.com.

Sophie comentó que  su corto Escritor lo envió a distintos festivales y dice que “este en especial es el que ha dado este fruto”.

Escritor gana Premio Oriana por mejor banda sonora

Este mismo corto de Sophie, Escritor, fue seleccionado para participar en el X Festival Iberoamericano de Cortometrajes ABC.

El Festival Iberoamericano de Cortometrajes FIBABC es un festival de cine en línea. La primera edición se llevó a cabo en 2009. Por estar organizado por el grupo de comunicación ABC, se caracteriza por ser el certamen internacional de cortometrajes más mediático. Cuenta con tres secciones oficiales: el Festival de Cortometrajes, el Certamen de i-Cortos y el Concurso 60 segundos.

Kuba participa en la categoría de cortometrajes, cuya obra más votada ganará mil euros. Puede ver los videos participantes y apoyarla votando en fibabc.abc.es. Las votaciones finalizan el 26 de noviembre.

El corto

Escritor se realizó en Barcelona, la música fue grabada con la Orquesta Sinfónica de Bratislava.

“La idea del corto nace de pensar en lo que un escritor podría hacer si realmente lo que escribiera se hiciese realidad y como utilizaría este poder, de cómo la capacidad creativa es un proceso emocional que puede ser muy gratificante pero a la vez desgastante”, explica Sophie.

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El suceso ocurrió al despegar el avión de la pista cuando retornaban de Flores, Petén, en donde ofrecieron un concierto. Entre los artistas que murieron se encuentra Lily Andreu Spillari de Berger, Mario Lara, Manolo Rosales y Paco Pérez, autor de grandes melodías en marimba como Luna de Xelajú. También el locutor Germán Bayer Santa Coloma, el músico Salomón Argueta y los integrantes de su orquesta Juan León Cifuentes, entre otros.

Para conmemorar la vida de las víctimas del accidente, el 13 de octubre de 1981 el Congreso de la República emitió el decreto 39-759 mediante el cual declaró el 27 de octubre como el Día del Artista Nacional. Por ello, este día los bailarines, músicos, teatristas, poetas, escultores, pintores, entre otros, son homenajeados con diferentes actividades.

Por ejemplo, en el Premio Artista del Año, fundado por la periodista María Eugenia Gordillo nace con el afán de estimular y darle empuje a la expresión artística, al exponerla a los medios de comunicación y a los diferentes públicos.

Desde hace 40 años el premio ha resaltado y valorado la obra y trayectoria de varios artistas de diferentes ramas. Otorga un reconocimiento especial a aquellos maestros del arte que han alcanzado mayores logros en sus respectivos campos con la medalla Antonio Almorza en locución, Medalla Fabiola Perdomo en danza clásica y Medalla Ricardo Mata en fotografía artística.

Este año, debido a la pandemia del covid-19, los Premios Artista del Año se realizarán en línea y celebrarán sus “Bodas de Rubí”.

Cómo superar la crisis

La pandemia del covid-19 dejó una crisis cultural en el país, ya que los espacios culturales fueron de los primeros lugares en suspender actividades a inicios de marzo y son de los últimos en reabrir sus puertas.

De acuerdo con Ricardo Velásquez, director del grupo musical Esperanto y del coro de la Universidad del Istmo, entre los principales retos que deben enfrentarse los artistas ahora que se están volviendo a abrir poco a poco los espacios culturales es adecuarse al número de personas que es permitido ingresar.

Pasa, sobre todo, con las agrupaciones grandes como marimbas, mariachis o coros, quienes están integrados por más de tres personas. Para eventos privados o presentaciones en restaurantes no les permiten que toquen porque son muchos. Además, actualmente no todos los lugares están contratando músicos porque deben recuperarse de la crisis económica de los últimos meses.

Para el músico Ricardo del Carmen los últimos meses han sido difíciles para todos los artistas por no poderse presentar ante su público en vivo. Sin embargo, se abrió la posibilidad de hacer presentaciones en línea y estar siempre activos en la escena cultural. “Aunque no es lo mismo, porque no hay cosa más encantadora que estar cerca de la gente y recibir los aplausos del público en persona, debemos optar por los eventos virtuales para demostrar que en el gremio artístico no nos dejamos vencer”, opina.

Para Ana Carolina Villagrán, pintora, el que varios lugares culturales hayan cerrado sus puertas porque no resistieron los problemas económicos que provocó la pandemia del Covid-19 origina una crisis cultural en el país. “Poco a poco hemos ido educando a las personas a valorar el arte, en todas sus ramas, pero ahora cuando regresemos a las presentaciones en vivo no sé qué tantos lugares disponibles habrá. Por eso hay que continuar utilizando las redes sociales para dar a conocer nuestro trabajo y que el público lo consuma. Llegar a aquellas personas que antes pagaban por entrar a una exposición de arte o un concierto, que ahora puedan hacerlo por entrar a una conferencia de Zoom, por ejemplo. Esas son formas de ayudar a sus artistas”, comenta.

“Como en todas partes del mundo el gremio artístico ha sido afectado seriamente, en algunos países se han inyectado millonarias sumas de dinero, para ayudar a los artistas a través de ayudas estatales.  Nuestro país no es la excepción según tengo entendido, se ha destinado un presupuesto a través del Ministerio de Cultura y Deportes llamado Apoyarte, en donde al inicio se solicitaban 11 requisitos, que fueron reducidos únicamente a 4 para facilitar ayuda a proyectos, en estos difíciles momentos”, anuncia Rudy Cotton, artista y director del Museo Nacional de Arte Moderno.

Según el artista, la cultura ha estado relegada por otras inversiones mayores, pero sin importancia en comparación al aspecto de la dignidad del arte. Cualquier situación siempre tiene dos caras, el covid-19, abrió el espacio virtual, el cual permite comunicarse más rápido y más demanda de propuestas artísticas sin límites. “Esta es la oportunidad para utilizarlas y servirse de las redes sociales y cualquier medio informático para seguir creando y comunicando, ya que así será nuestra convivencia más adelante. No hay que esperar, hay que ver hacia el futuro”, resalta.

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El cancionista uruguayo, Embajador Iberoamericano de la Cultura, interpreta junto a un centenar de niñas, niños y jóvenes provenientes de 12 países iberoamericanos, incluido Guatemala, uno de sus éxitos más conocidos: “Al otro lado del río”.

La pieza ha sido elegida para mandar un mensaje de esperanza en el futuro ante un tiempo difícil, porque al otro lado hay una luz hecha de solidaridad y confianza mutua. La Orquesta Virtual Iberoamericana es un proyecto del programa Iberorquestas Juveniles.

Esta es la segunda actuación de “La Virtual”, una iniciativa de Iberorquestas Juveniles, conformada por 100 niños, niñas y jóvenes de entre 8 y 26 años procedentes de 12 países iberoamericanos:  Argentina, Chile, Costa Rica, Cuba, Ecuador, El Salvador, España, Guatemala, Honduras, México, Panamá y Uruguay, que cuenta con el apoyo de la Agencia Española de Cooperación Internacional para el Desarrollo (AECID).

Por Guatemala participaron los jóvenes músicos Ángela Rosario Jayes, Josué Villacinda, Gregory Castro, David de León, Byron Abisay Ordóñez y Carala Sacalxot.  Compartimos el video que resultó de esta iniciativa original.

Ángela y Josué compartieron vía telefónica que desde hace un par de meses comenzó el trabajo para este proyecto en específico con los jóvenes que eran parte del programa de Iberorquestas Juveniles.  Se enviaron vídeos tocando, también se compartió una videollamada por Zoom con el artista, en la que él les compartió el sentido de la canción y además fueron invitados a grabar un mensaje en el que compartieran qué esperaban ellos “al otro lado del río”, cuando terminará esta pandemia.

Ángela, de 24 años, quien toca el corno francés, expresa que este es un momento emocionante porque es un proyecto a nivel de región de Iberoamérica y una manera en que los músicos guatemaltecos den a conocer su talento.

Mientras Josué de 22 años, destaca que ha sido un privilegio acompañar a Drexler con su viola en una canción tan emblemática. Al otro lado del río fue ganadora de un premio Óscar en la categoría mejor canción original en 2005.  Creada para la película Diarios de motocicleta.  El fallecido Prince presentó la canción en esa oportunidad.

Para la violinista Gregory Castro, de 17 años, este ha sido una gran oportunidad y expresa que del otro lado del río ella solo espera seguir teniendo el apoyo de sus padres y amigos con quienes siempre esta agradecida porque le han enseñado a nunca rendirse.

Drexler además compartió este domingo una reflexión de cómo la pandemia nos ha ensimismado aún más en la realidad de nuestros propios países.  “Cada día vemos las estadísticas locales en nuestros noticieros y como las estrategias epidemiológicas son a nivel nacional, nuestra realidad cotidiana nos ha llevado de manera natural (y entendible) a preocuparnos más por nuestros seres queridos más cercanos y por nuestros compatriotas”, expresa.

También comenta de la invitación a este proyecto.  “Me pareció una oportunidad maravillosa de tender juntos un puente más allá de las fronteras nacionales, entre un grupo de jóvenes de 12 de los 22 países Iberoamericanos que la integran. Desde que el ser humano es una especie como tal, hacer música ha sido una manera inigualable que hemos tenido de empatizar, sincronizarnos y conectarnos entre individuos”, dice.

Explica que los jóvenes que participan y él (quien se considera un ex-joven) viven este momento en fases y estadíos diferentes de una misma realidad a veces preocupante y a veces esperanzadora.  “Pongámonos en fase haciendo música juntos. Y oyendo al otro recordemos que junto con el amor a la música nos unen una historia y un destino común”, expresa el cantautor.

El artista además invita a sus redes sociales a que todos expresemos nuestro sentir.   ¿Cuál es #TuLuzAlOtroLado durante los tiempos difíciles? cuestiona el famoso uruguayo.

Cuéntanos ¿cuál es #TuLuzAlOtroLado en momentos difíciles? Súmate al diálogo.#DiadeIberoamérica@SEGIBdigital @IBERORQUESTAS

— Jorge Drexler (@drexlerjorge) July 19, 2020

El primer Día de Iberoamérica

Este es un programa de cooperación que tiene como objetivo la formación artística y en valores para niños y jóvenes a través de la educación musical y la práctica orquestal.  Ahora se unen para celebrar la primera edición del Día de Iberoamérica.

En noviembre de 2019, los ministros y ministras de Relaciones Exteriores de los 22 países de la región aprobaron celebrarlo cada 19 de julio, fecha en la que se firmó la primera declaración de jefes de Estado de la región en Guadalajara, México en 1991 para unir a la región en sus afinidades históricas y culturales por medio del diálogo, la cooperación y la solidaridad.

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Con esta iniciativa, músicos emergentes han obtenido exposición en la industria, así como la oportunidad de producir su primer sencillo en un estudio profesional y contar con asesoría de músicos expertos, por lo que su trabajo podrá ser escuchado por miles de guatemaltecos.

De acuerdo con Jamie Moreno, directora de mercadeo de Tigo, más de 900 solistas y bandas provenientes de todos los rincones de nuestro territorio se inscribieron para participar en Tigo Sounds.

Luego de la masiva respuesta por parte de la comunidad de músicos guatemaltecos, un jurado calificador seleccionó 16 propuestas musicales para que lleguen a la semifinal de este certamen.

“Estamos realmente emocionados por tantos artistas que han confiado en Tigo Sounds y entregaron lo mejor de su música. Esto es una importante evidencia de que en Guatemala existe un enorme talento y está lista para convertirse en un país de grandes estrellas”, comenta Moreno.

La variedad es una de las características de la oferta musical de Tigo Sounds ya que entre los 16 semifinalistas se pueden encontrar propuestas  de Rap, Hip Hop, Género Urbano, Cumbia, Pop, Power Metal, Funk, Rock, Indie y R&B.

Conozca a los artistas

Los 16 semifinalistas ya cuentan con su primer video de Tigo Session, los cuales fueron grabados en estudios profesionales y sirven para dar a conocer los proyectos musicales con gran calidad audiovisual.

La cantante guatemalteca Dovella señala que el proceso para participar le resultó sencillo, ya que solamente tuvo que enviar una canción para ser tomada en cuenta.

“El proceso fue de lo más fácil, solo te tenías que inscribir con tu canción y ver qué pasaba, entonces aquí estoy. Me siento muy emocionada, nerviosa, feliz y bendecida porque la gente guatemalteca escuche mi talento y mi voz”, comentó la cantante.

“Estoy muy emocionada por esta gran oportunidad que se nos está dando a todos los artistas guatemaltecos y qué mejor que ser uno de los 16 semifinalistas entre tanto talento chapín y bueno, representando al girl power -el poder de las chicas-, nos vamos con todo” concluye Dovella, quien participa en Tigo Sounds con el tema Good Memories -buenos recuerdos-.

La cantante Van Chomali, señaló que esta iniciativa es importante porque valora el esfuerzo y el trabajo de los artistas.

“El proceso ha sido bastante amigable, Tigo se ha portado increíble con nosotros, nos encanta estar representados por una empresa que realmente valora el trabajo del artista guatemalteco y lo que invertimos en nuestra carrera”, refiere la cantante, autora de la canción CTV.

La artista agrega que este tipo de iniciativas permite a los artistas sentirse cómodos y tranquilos al momento de exponer su música.

Guían a los participantes

Este proyecto cuenta con el apoyo de músicos experimentados de gran trayectoria, quienes guían a los participantes para que tengan un buen desarrollo. Estos personajes son los padrinos y acompañaran a los artistas durante el concurso.

• Rodrigo “El Canche” Zarco, vocalista de Tijuana Love y El Clubo.
• Juan Carlos Barrios, guitarrista de Bohemia Suburbana.
• Ale Mendoza, artista urbano.
• Omar Méndez, vocalista de Viernes Verde.

¡A votar!

Ahora es el público quien decidirá quiénes son los cuatro artistas que pasarán a la gran final de Tigo Sounds.

Si usted desea conocer quiénes son los artistas que forman parte de este proyecto y apoyar a su favorito, ingresé a www.tigosounds.com.

En el sitio se desplegarán una serie de ventanas con los nombres de los artistas y usted podrá ver el video de su Tigo Session. La votación se cerrará el próximo 16 de marzo y solo cuatro propuestas musicales llegarán a la final.

Quien resulte ganador de Tigo Sounds recibirá la producción de un material discográfico de cinco canciones y tendrá un espacio en el Empire Music Festival 2020; además, grabará otro Tigo Sessions, que es la grabación de un concierto en vivo, acústico o electroacústico.

Los participantes compiten por el primer lugar y este será seleccionado por cuatro jueces de talla internacional y por los votos emitidos por el público.

Ellos son los artistas que esperan por su voto:

https://youtu.be/3HDkxbLBxSk

https://youtu.be/HE4nwbLlVV4

https://youtu.be/IxQmEEB3NVg

https://youtu.be/brAjzX_lYQ0

https://youtu.be/hhREWeMsu9M

https://youtu.be/hMt2_3jALP4

https://youtu.be/eNUfqCpCMBI

https://youtu.be/5VJemW47LGI

https://youtu.be/M93Yjmnm9LA

https://youtu.be/DcAvQHA6Swc

https://youtu.be/8E6-ollsLBA

https://youtu.be/JjcyS0p_Mho

https://youtu.be/soGQ8ntv7-I

https://youtu.be/SaneUOkgL9Q

https://youtu.be/6zvw5uJB5b4

https://youtu.be/BHZgjJiN0Kg

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Uno de sus últimos viajes del músico fue en Vilnius, Lituania, donde un internauta lo grabó mientras ejecutaba la melodía Luna de Xelajú.

“Él- Abdul- no olvida sus raíces ni a su natal Xela, Guatemala”, escribió en Twitter @ELECTRICHAIR.

Medina recordó que cuando tenía 16 años comenzó su pasión por el violín y su primer maestro fue Harol Guerra, quien le enseñó a ejecutar varias melodías.

Pero su deseo de superar en la música llevó a que Medina se graduara de un profesorado y Licenciatura en Música egresado de la Universidad del Valle de Guatemala.

Luego de sus estudios, con un grupo de amigos viajó a otro país en el 2016 y fue cuando se percató de que por medio de la música podría viajar por el mundo.

Ha viajado por unas 220 ciudades de África, Europa y Asia, donde con trajes regionales de Guatemala ejecuta el violín en calles y plazas.

Tengo la fortuna de viajar a países lejanos y en este viaje tuve el honor de encontrarme a un compatriota que es un maestro del violín en Vilnius, Lituania. El no olvida sus raíces ni a su natal #Xela #Guatemala @Ronald_MacKay @TeVeoGeek hagámoslo viral. (Ig: @eljuglardelviolin) pic.twitter.com/2JuooRUkJq

— Mr. Blonde (@ELECTRICHAIR) November 18, 2019

Las personas se acercan a él y les asombra el arte con la que ejecuta el violín, lo que amerita que lo inviten a amenizar eventos como bodas y otros.

Su primer violín lo compró con sus ahorros y sus viajes los patrocina con sus ingresos por medio de la música.

Pero todo requiere de disciplina, ya que a diario practica dos horas y en todo el mundo ha ejecutado melodías como  Luna de Xelajú, Noche de luna entre ruinas, Soy de Zacapa y Juventud Antigüeña.

También ejecuta música celta, irlandesa, escocesa y de Galicia.

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Sus últimos viajes han sido a Ucrania, Rumanía, Moldavia y Bulgaria, este lunes su viaje continuaba a Latvia.

En sus recorridos ha aprendido a hablar el alemán, turco y albanés.

Medina resaltó: “A mí me gusta la reacción de la gente cuando digo que soy de Guatemala, algunos no saben dónde queda y se sorprenden, luego preguntan ¿Qué haces tan lejos?”

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El tiempo pasa… corre… vuela.

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Afirma que los momentos de nostalgia no faltan por estar lejos de su país, pero los sobrepasa al ejecutar melodías en distintos lugares.

Medina reconoce que ha recibido apoyo su mamá Carla Ortega y del resto de su familia para salir adelante en el mundo de la música.

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“A los jóvenes yo siempre les digo, esto no es un sueño -la música- es una oportunidad, si te gusta algo y te apasiona no hay que tener miedo a la adversidad”, externó el músico, quien también aprendió a ejecutar piano y guitarra.

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Silencio azul Foto por: @ron_kolath

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I remember their faces…

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Campo fue honrado con el “Orchestra Award” en la competencia internacional de dirección de la Orquesta de la Radio y Televisión de Albania, en la que hubo alrededor de 300 aplicaciones y 75 jóvenes directores fueron los seleccionados para audicionar. De ellos, cuatro fueron los ganadores.

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El premio que recibió el guatemalteco se otorga al director que los músicos de la orquesta eligen. Según Campo el premio incluye varios conciertos en las próximas temporadas oficiales de la orquesta y nuevas oportunidades de expansión en la región europea.

“Es realmente un honor y una felicidad inmensa, escuchar a 70 u 80 músicos de una orquesta de tan alto nivel musical confirmando mi propuesta artística, emocionados comunicando que esa es la forma en la que quieren hacer música y trabajar.  No hay honor más grande que el reconocimiento de los mismos músicos”, comenta el guatemalteco.

“Para mí es el premio con mayor honor porque estamos en tiempos nuevos, en donde las formas de liderazgo están cambiando y el hecho que sean los músicos de la orquesta unánimemente quienes escogen a su cabeza artística representa para mí una confirmación inmensa de la filosofía artística, del análisis profundo de las obras, y de los estudios en que he trabajado duro para consolidar en los últimos años en Europa”, agrega Campo.

Campo comenta que es el primer guatemalteco en haber obtenido ese premio de la Orquesta de la Radio Albanesa, pero apunta que existen otros directores de nuestro país, a quien admira, que han sido honrados con importantes reconocimientos como Ricardo Del Carmen quien ganó el Premio “Dimitri Mitropolus” en Nueva York y el Maestro Igor Sarmientos quien obtuvo un premio similar en Sao Paulo.

El artista considera que su interés y la importancia de exponer los éxitos de los guatemaltecos es el de motivar a las personas, especialmente a los jóvenes, para que alcancen sus sueños. “Me interesa inspirar a Guatemala”, refiere el artista.

“Sé que no se cambia a Guatemala de fondo con un premio de director de orquesta internacional, pero los éxitos de un guatemalteco sirven para inspirar a muchos jóvenes a alcanzar sus sueños y volar alto. Considero que eso ayuda a mejorar Guatemala en el colectivo”, señala Campo.

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“Siento una satisfacción profunda de estar desarrollándome a estas alturas de la música clásica. Muchas veces me encuentro siendo el único latinoamericano en ciertos círculos”, señala Campo.

Trayectoria

El guatemalteco comenta que desde los 14 años se definió su vida como director cuando la Fundación Música y Juventud liderada por Isabel Ciudad-Real, junto a un grupo de maestros venezolanos, le dieron la oportunidad de dirigir una pequeña parte del concierto de la recién funda “Orquesta Nacional Juvenil de Guatemala” que luego se convirtió en la orquesta “Jesús Castillo”, liderada por el Maestro Igor Sarmientos.

“En 2006 la Municipalidad de Guatemala me apoyó en la idea de fundar la Escuela Municipal de Música que alcanzó a unos 2 mil 500 jóvenes y niños hasta el 2012”, cuenta Campo, quien a mediados de ese año decidió profundizar su formación como director de orquesta y se mudó a Austria.

En ese país estudió en la Universidad de las Artes de Graz, bajo el legado del Maestro Nicolaus Harnoncourt y paralelamente recibió clases magistrales en Siena, Italia, con Gianluigi Gelmetti y Daniele Gatti; además se formó con David Zinman, conductor honorario de la Orquesta de la Tonhalle de Zurich, Suiza y recientemente en Budapest con el Maestro Peter Eötvös, especialista en música contemporánea.

“Ha hecho un trabajo excepcional con la Orquesta. Bruno es un músico muy inteligente y talentoso que se muestra muy prometedor en su futura carrera como director de orquesta”, refirió Zinman .

En septiembre último obtuvo resultados positivos en la competencia “Svetlanov”, en Paris, con la Orquesta de la Radio France y en 2017 dirigió frente a la Reina de Dinamarca y el cuerpo diplomático Europeo durante  el concierto de inauguración de “Aarhus, capital Europea de la Cultura 2017”.

“A partir de eso mi carrera como director se ha expandido mucho en la región”, afirma el guatemalteco, quien actualmente reside en Múnich, Alemania.

“Campo es un joven y talentoso director de orquesta que muestra una gran promesa. Estaba bien preparado y su trabajo fue notable”, Daniele Gatti, ex director de orquesta de la Royal Concertgebouw Orchestra, de Ámsterdam.

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Indudablemente, lo más sonado fue la emisión del decreto 22-2018, el 11 de octubre, con el cual el Congreso de la República declaraba a Orellana como “guatemalteco ilustre por su aporte extraordinario” a esta nación y le otorgaba una pensión por Q7 mil mensuales. Eso sí, al momento de redactar esta nota, aún no ha recibido nada de lo ofrecido… tal vez, para febrero, dicen…

Una quincena antes, el estreno guatemalteco de su Sinfonía desde el Tercer Mundo lograba acaparar la atención de suficientes personas como para llenar la Gran Sala del Centro Cultural y suscitar nuevas muestras de entusiasmo por su obra. Las de sus amigos incondicionales, genuinas, constantes, concretas. Las de sus admiradores de ocasión… lejanas, eventuales.

Por su parte, en abril de este año, el doctor en artes y maestro costarricense Gerardo Meza Sandoval publicaba Del Paisaje Sonoro a la Marimba Fantástica, un libro importante para examinar y valorar el trabajo de Orellana desde una perspectiva estética, sociológica y política. No es el primero en el que el doctor Meza se ocupa de este autor guatemalteco. Pero, ¿podría ser el primero que se conociera como es debido si se le diera difusión como es debido…?

Este 2018 comenzó bien, tras el nombramiento como Personaje del Año que Prensa Libre le adjudicara justo el último día del año pasado. Queremos pensar que un augurio igual de positivo se cristalice en actos tangibles este año que viene, porque los motivos para ello sobran. De la labor archivística que ha realizado el licenciado Jonathan van der Henst, por ejemplo, se ha desprendido el redescubrimiento de dos piezas de música de cámara que se daban por perdidas: el Cuarteto I (1957) y el Trío de Cuerdas (1962). Ahora, recién transcritas y digitalizadas por primera vez, contamos con una demostración de la capacidad del maestro como polifonista en una etapa relativamente temprana de su creación. Igualmente, se ha puesto al día una obra aún anterior, el Exorcismo Scherzante (de 1955), que aguarda la interpretación de ejecutantes dispuestos a explorar una alternativa al mismo repertorio de siempre para piano.

Encima, a partir de este diciembre y gracias a un aporte del Ministerio de Cultura y Deportes, contamos con un novísimo disco de música para cuarteto de cuerdas, cuyo lanzamiento oficial está programado para 2019. En esta producción figuran siete obras, pertenecientes a distintas etapas en la tarea creativa de Joaquín, que ponen en evidencia al maestro como una fuente inagotable de ideas y propuestas artísticas. Si a esto aunamos el permanente impulso que le lleva a continuar componiendo —en este mismo momento que Ustedes, apreciados amigos y amigas, le dan lectura a esta columna—, aparte de un nuevo proyecto de catalogación de la obra que ya tiene anotada, así como el reestreno de otras piezas que habían quedado relegadas… es incuestionable que Joaquín Orellana sigue viendo al futuro.

Nuestros mejores deseos en esta navidad, queridas amigas, queridos amigos.

presto_non_troppo@yahoo.com

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Orquesta Sonidos de Esperanza deleita en Antigua Guatemala

Además, Tubac dijo que la rusa elogió su forma de tocar, pero que necesitaba trabajar más para desarrollarse como pianista profesional. La menor también expresó su gusto por el país europeo y dijo que espera algún día formarse allí como artista.
“Me emocioné cuando me invitaron a recibir la clase porque siempre he querido ir a Rusia. Es un país bonito y allí podría aprender más”, comentó la joven artista.
“Cuando el conservatorio supo que vendría al país a ofrecer dos conciertos, me pidieron que le diera una clase a Yahaira porque es una niña talentosa y se sabe que tiene mucho futuro en la música. Me pidieron que la escuchara y le diera consejos, lo hice con gusto porque me gusta ayudar”, explicó Belotserkosvkaia.
Durante la clase, que duró cerca de dos horas, ambas crearon un vínculo por medio de la música y con paciencia la pianista originaria de Rusia se encargó de instruir a su joven estudiante.

Belotserkosvkaia le muestra a Tubac la posición en la que debe colocar las manos sobre el teclado. (Foto Prensa Libre: Pablo Juárez Andrino)
“Inmediatamente se escucha que tiene talento. Durante la clase arreglé algunas cosas de su postura, específicamente la forma en cómo se sienta, cómo se acerca a las teclas y cómo coloca sus manos. Esas cosas son básicas porque deben aprenderse bien si se quiere desarrollar como profesional”, dijo la artista rusa.
Aunque pudo percatarse del talento de Tubac, la rusa se mostró preocupada ante el método con el que Yahaira ha aprendido a tocar, porque asegura que la talentosa guatemalteca necesita estudios con más profundidad.
“Es una chica con talento, pero necesita trabajar mucho; además, ella ha aprendido con el método Suzuki, el cual está bien para quien ven a la música como un pasatiempo, pero no es el apropiado para niños con talento. Yahaira necesita estudios mucho más serios y más profundos. Ella debe prepararse para tocar repertorios más complicados”, refirió Belotserkosvkaia.

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Apoyo familiar

Para Pedro Tubac, padre de Yahaira, es un orgullo y a la vez es un reto el que su hija tenga tanto talento porque detrás de sus impresionantes interpretaciones en el piano hay mucho trabajo.
“El nivel que ha alcanzado es el resultado de mucha disciplina. Su talento nos reta a seguir trabajando y para mí representa una gran felicidad que digan que tiene potencial y que ven un futuro en ella”, explica el padre de la pianista
Tubac -padre- afirma que aspiran a que su hija obtenga una beca para estudiar en un conservatorio del exterior, pero también están conscientes de que para que esa oportunidad se presente deben trabajar mucho para desarrollar el talento de Yahaira.
“Queremos que ella se profesionalice y sabemos que debemos seguir trabajando y en el camino alguien verá su potencial”, expresa el orgulloso padre de familia, quien durante la clase que impartió Belotserkosvkaia, también estuvo muy atento.
“Ella -Yahaira- estuvo muy aplicada. Atenderemos a todo lo que la maestra nos dijo. Tomé videos y notas porque mi trabajo es apoyarla en casa para llevar a cabo lo que aprendimos hoy”, concluye.
Actualmente Yahaira practica tres horas diarias en casa y los sábados en el Centro de Desarrollo Artístico Integral, de San Juan Sacatepéquez; además forma parte de la orquesta Sonidos de Esperanza y eventualmente ofrece presentaciones musicales.

Durante la clase Belotserkosvkaia y Tubac hicieron ejercicios de flexibilidad. (Foto Prensa Libre: Pablo Juárez Andrino)

Sobre Belotserkosvkaia

La pianista rusa Larissa Belotserkosvkaia ofreció dos conciertos recientemente en el país, el martes último deleitó con su música al cuerpo diplomático de Rusia en la residencia del embajador, ubicada en zona 14; y el jueves se presentó en el Conservatorio Nacional de Música, donde también ofreció un taller de piano.
Belotserkosvkaia nació en Odessa y a temprana edad se mudó a Moscú donde completó  sus estudios en la Academia Musical “Gnesin”.
Se graduó de Pianista, Profesora de Piano, Concertista y Solista de Cámara. Luego llevó a cabo estudios de postgrado en el mundialmente reconocido Conservatorio Tchaikovski. Actualmente es integrante de la Sociedad de Músicos de Moscú.
Como solista, ha organizado importantes conciertos con participación de artistas invitados del Teatro Bolshoi, y la Orquesta Sinfónica Nacional del Perú, país donde actualmente reside junto a su esposo e imparte clases a jóvenes del conservatorio.
Larissa ha realizado con éxito conciertos en Chile, Ecuador, Sur de Francia, Italia, Cerdeña, Perú, Moscú.

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Luis Galich nos contó su forma sorprendente de ver la vida

Álvaro Aguilar, vocalista de la banda Alux Nahual, le dedico las siguientes palabras a su maestro y amigo: “Debemos valorar al artista nacional… Adiós Luis, muchas gracias por todo lo que le diste a Guatemala”.
Amigos del artista interpretaron el tema Vuestros pies, Mi chuchito  bebé y Mis ancestros en honor a su amigo. Como parte del homenaje colocaron una bandera de Guatemala sobre el féretro del artista.

Interpretan el tema "Vuestros pies" en honor al fallecido Luis Galich. pic.twitter.com/KV1fX1pUrk

— Pablo Juárez (@pjuarez_pl) May 14, 2018

“Nos deja tanta música que me es difícil pensar que está muerto, creo que está en una vida más gloriosa”, expresó Jorge Estrada, presidente de la Asociación de compositores de Guatemala.

El hijo del cantautor, Juan Salvador Galich, le dedicó la canción Paz y dijo: “sé que tocó el alma de muchas personas. Gracias en nombre de mi papito”.

Juan Salvador Galich dedica la canción “Paz" a su padre Luis Galich. pic.twitter.com/7rLqDwH5Qs

— Pablo Juárez (@pjuarez_pl) May 14, 2018

Galich, de 66 años, murió el pasado domingo a causa de un paro cardiorespiratorio en el Hospital Roosevelt. El músico era hijo de Manuel Galich (1913-1984), reconocido escritor y dramaturgo guatemalteco.
Tuvo una trayectoria musical de más de cuatro décadas.En 1979 participó en el Festival Oti de la Canción con la melodía La mitad de mi naranja, uno de sus temas más famosos.
Galich en 1980 se mudó a Canadá, allí vivió aproximadamente 15 años. Regresó al país para continuar con su carrera artística y para compartir su talento con otros artistas.
Los restos de Galich fueron enterrados en el cementerio privado La villa de Guadalupe.

Honras fúnebres a Luis Galich concluyen con un minuto de aplausos. pic.twitter.com/8vkZ4IU7AQ

— Pablo Juárez (@pjuarez_pl) May 14, 2018

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Así es el videoclip de la canción Anyway

La colaboración entre los artistas se generó a partir de que los marimbistas enviaron a Dávila un video en el que se les veía interpretando la música del DJ en el instrumento nacional.
“Para mí fue emotivo recibir un video en el que interpretaban mi música en marimba con gran calidad. Causó una gran impresión en mí y me conmovieron. A partir de ahí decidí contactarlos para que se presentarán conmigo en la feria de Amatitlán”, comenta Dávila.

El DJ y productor guatemalteco también se mostró agradecido: “Es un honor, porque te das cuenta que tu música ha tenido grandes alcances. Que alguien se tome la molestia de adaptar mi  música al instrumento nacional es un orgullo muy grande y me causa una sensación extraña con mis raíces y mis pasiones”, comenta.
“Fue algo que tocó vibras muy sensibles en mí porque la marimba es un instrumento muy dulce y noble que activa partes muy emotivas de nosotros los guatemaltecos y me generó una conexión espiritual con mis raíces. Lo disfruté mucho, me siento agradecido con Evoluson y los admiro porque tienen mucho talento”, agregó el DJ.
Dávila también dijo que fue una experiencia positiva porque estas situaciones permiten que artistas emergentes puedan darse a conocer.
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“Guatemala está llena de talento, pero a veces es difícil descubrirlo. Y esta fue una oportunidad para que ellos pudieran mostrar sus habilidades. Los integrantes de Evoluson están felices porque el video se está compartiendo mucho y hay bastante gente comentando al respecto”, señaló el productor y DJ.
Aunque fue una buena experiencia, Dávila comentó que tiene interés en hacer algo más elaborado junto a los marimbistas.

Sobre el grupo

Evoluson es un trío de marimbistas que se formó en febrero de este año y está integrado por Erick Suárez y los hermanos Cristian y Marvin Rodríguez.
Suárez contó a Prensa Libre que es seguidor de la música de Francis Dávila y uno de sus temas favoritos es Rise, a partir de ahí surgió la idea de adaptar la música del DJ a la marimba.
“Me interesa abrir espacios para la marimba, por eso tuve la intención de enviar el video a Francis. Es impactante cuando logras conmover a un músico de su categoría al mostrarle cómo suena su música en otro instrumento”, señala Suárez.
El marimbista dice que fue agradable para él ver a tanta gente emocionarse cuando escucharon el sonido de su instrumento.
“Es impresionante y me llena mucho porque entiendo que el trabajo y las propuestas dan resultados. La idea es generar identidad y amor por lo propio, no solo con música electrónica, hay que abarcar todos los segmentos musicales”, refiere Suarez.

Evoluson es un proyecto nuevo que actualmente solo cuenta con tres integrantes, pero tienen la idea de expandirse.
“Esperamos crecer para ser un grupo formal de marimba, la idea es acercar a la gente joven y contagiarlos con el amor por el instrumento nacional”, señala el músico.
Actualmente no hay presentaciones programadas para Evoluson, pero sus integrantes trabajan por adaptar más temas al instrumento nacional, así como hacer arreglos en temas tradicionales de la marimba.

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Ellos son los artistas que se unieron para ayuda a Luis Galich

Lamentamos el fallecimiento del gran artista Luis Galich. Nuestras condolencias a toda su familia.

— Bohemia Suburbana (@bohemiasub) May 13, 2018

“Él fue mi maestro, mi hermano, mi amigo.  Fue pionero, gracias a él tenemos a grandes músicos. Era un gran compositor, maestro de guitarra y de piano. Lo que más le gustaba era componer; deja un gran legado”, cuenta Eduardo Cofiño, artista que conoció a Galich hace 40 años. Juntos participaron en varios conciertos. 

“Fuimos muy amigos, él fue alumno de mi papá -Jorge Sarmientos-. Era un gran compositor, creó miles de canciones y se le ocurrían en el momento. Él es una leyenda. A pesar de que teníamos años de no vernos y de compartir, duele mucho su partida”, expresó la cantante Mónica Sarmientos. 

Otra vez que se me rompe el corazón este año.
Que en paz descanse uno de los grandes, Luis Galich, se te va a recordar con todo nuestro cariño.
¡Un besote al cielo!

— Anneliese Magermans (@anne2m) May 13, 2018

Carrera destacada

Luis Galich cuenta con una trayectoria musical de más de 40 años, en la que se destacó con éxitos como Vuestros pies (1973) y La mitad de mi naranja (1979).

Galich, de 66 años, tiene más de cuatro décadas de trayectoria musical. En 1979 participó en el Festival Oti de la Canción con la melodía La mitad de mi naranja, uno de sus temas más recordados.

Su primer acercamiento con la música ocurrió cuando tenía 10 años, al escuchar por primera vez la voz del tenor estadounidense Mario Lanza.

“En ese momento algo pasó en mi vida, y me di cuenta que quería hacer música”, dijo Galich durante una entrevista con Prensa Libre, en 2016.

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El músico es hijo de Manuel Galich (1913-1984), reconocido escritor y dramaturgo guatemalteco.
En la década de 1980, Galich se mudó a Canadá, donde vivió por 15 años. Su conocimiento  artístico se amplió durante esos años. Volvió al país para continuar con su carrera sobre el escenario, pero también para compartir su talento con otros artistas  y con las nuevas generaciones.

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