En un cementerio encontraremos un espacio cargado de símbolos, en donde flores y plantas juegan un papel esencial. Cada una de las que allí veremos, ya sean vivas, o talladas en mausoleos o lápidas, contienen mensajes: muchos de ellos provenientes del origen de la humanidad. Símbolos que con sus formas, colores y olores sensibilizan el alma y nos conducen a reflexionar sobre la vida.

En su Crítica del Juicio, Emanuel Kant consideraba la jardinería como un “arte de la forma” incluido dentro de la pintura.

Rosario Assunto, en su ensayo sobre la ontología y la teleología del jardín, va más allá en su reflexión: el jardín funerario alcanza el más sublime grado artístico. Lo hace porque dispone de una ontología propia, basada en la relación entre la vida y la muerte. La primera, representada por la vegetación en constante renovación, y la segunda, entendiendo ese locus como el espacio que separa lo material y lo espiritual.

El jardín funerario alcanza ese grado artístico además porque dispone de una teleología. En las causas finales del jardín funerario, arte y naturaleza se integran en pos de un mensaje común: el eterno retorno. Así, los conceptos de sueño eterno y renovación de la vida han sentado las bases, en todas las culturas, del arte jardinístico funerario.

Sueño eterno, memoria y silencio

Tres ideas surgen alrededor del proceso de exhumación de los finados, desde su origen: el apacible sueño eterno, el recuerdo a través de la memorialización y el cumplido silencio.

El símbolo viático más antiguo que podemos encontrar tallado en mausoleos de nuestras necrópolis es el fruto de la adormidera, siempre usado en los rituales funerarios, incluso en las culturas prehistóricas ibéricas, como símbolo de un deseado dulce sueño eterno. Ese deseo es precisamente el origen del significado de la palabra cementerio. El origen etimológico es la palabra griega koimitirion, la habitación del sueño eterno .

La colocación de macetas con plantas vivas en recuerdo de los finados fue una tradición romana. Esta práctica se ha extendido hasta la actualidad, perdiendo su significado original, en los patios domésticos y por extensión en los patios cementeriales.

El silencio, como condición previa a la reflexión y a la paz del espíritu, y como forma de respeto a los finados para no molestarles en su eterno sueño, ha marcado de siempre las pompas funerarias. Los romanos ya veneraron a una deidad, Angeronia, que con el gesto de su dedo aproximándolo hacia su boca solicita sigilo. Ella era además la encargada de aliviar la angustia y el miedo. Esta deidad ha formado parte de la escultórica que antecede a algunos panteones, en donde además suele portar entre sus faldones conjuntos florales que evocan muchos de los mensajes de la botánica funeraria.

¿Por qué los cipreses?

Celestino Barrallat recogía en 1885, en su interesante opúsculo Principios de Botánica funeraria , buena parte de estas concepciones y tradiciones. Las sistematiza en dos grandes grupos de símbolos vegetales: los celestiales, como la palmera o la viña, vinculados a lo sagrado, a la luz y a la resurrección; y los infernales, como la yedra o la ruda, relacionados con lo luciferino, con la sombra y lo mefítico.

Desde la antigüedad, la vinculación entre enterramientos y árboles ha sido una constante, basada en la creencia de que la inmortalidad de los árboles servía de cobijo para el depósito de las almas. Éstas, a través del tránsito de la savia, se elevaban desde las profundas raíces de la oscuridad hacia las altas ramas en busca de la luz. El uso de las coníferas en las necrópolis se explica por ser árboles de porte erguido, longevos, de copas cónicas cuyos ápices apuntan al cielo, de intenso aroma resinífero y con un respetuoso verde oscuro.

Este uso de las coníferas para escoltar a los finados es una antigua tradición, como por ejemplo describe Cervantes varias veces a lo largo de El Quijote

“ (…) bajaban hasta veinte pastores, todos con pellicos de negra lana vestidos, y coronados con guirnaldas, cuál de tejo y cuál de ciprés. (Capítulo XIII, Primera Parte).

En esta línea, Barallat destaca el papel del ciprés en los cementerios, ya que imprime en el ánimo las ideas de severidad y de reposo, y señalando al cielo con su punta sirve de guía a las miradas para elevarse a la región de la luz en contraposición a la oscuridad de las tumbas.

La simbología cristológica

Buena parte de las concepciones renacentistas y barrocas vinculadas a conceptos religiosos han tenido su reflejo en esa botánica funeraria (cuya máxima exaltación la encontramos también en las manifestaciones de la Semana Santa). La interpretación apologética de Horigenes Adamantius sobre la simbología de las más de veinte plantas citadas en El Cantar de los cantares ha servido de inspiración en el arte funerario.

Así, el lirio, la azucena y la rosa adquieren el mayor protagonismo de la simbólica cristiana tan presente en la iconografía funeraria. La introducción en el siglo XIII en Europa de la flor de clavo o clavel tuvo un gran impacto, vinculándose por su forma, olor y color con una de las insignias de la crucifixión. Incluso se creó una leyenda que se vincula el surgimiento de esta flor a la caída a la tierra de la sangre de Cristo.

Durante el Renacimiento, muchos grandes pintores italianos dedicarían alguna obra a la Madonna dei garofani. La entrega por parte de la Virgen de un clavel al niño Jesús evoca el amor maternal a la vez que la presunción del destino final de la vida y de su resurrección. El clavel se ha convertido así en un elemento frecuente en las ofrendas florales a difuntos, cuya diversidad cromática es usada como base del lenguaje de la floriología. Desde el rojo oscuro, de aflicción por la muerte, hasta el amarillo de decepción.

Otras flores también han jugado un papel destacado en su vinculación a los cementerios. Desde la humilde malva, a la que la tradición ha hecho creer que crece a partir de lo que se corrompe bajo la tierra (“criar malvas”), hasta plantas de flores doradas como el crisantemo, vinculadas a la luz de la resurrección, y el eterno retorno; o las de color morado, como la violetas y pensamientos, dedicadas a la viudedad sufrida.

De las tumbas intramuros a los parques cementerios

Hasta el advenimiento de las grandes pandemias del XVIII, era costumbre realizar los enterramientos cerca de los domicilios de los seres queridos. Estas epidemias obligaron a localizar los enterramientos de forma ordenada extramuros de las ciudades. Bajo esta idea, en el siglo XIX se produjo un cambio importante en la consideración de las necrópolis en el contexto urbano, generalizándose en las grandes ciudades europeas los “parques cementerios”.

Existen extraordinarios diseños urbanísticos y arquitectónicos de estos equipamientos, basados en un racionalismo con el que dotar a un espacio, a priori ingrato, de suficiente esplendor artístico. Excelsos mausoleos de corte clásico, y de una relevante escultórica; panteones de personalidades ilustres o lápidas de gente sencilla enriquecerán la simbólica floral de estas necrópolis, que mantendrán buena parte del acervo secular en el caso de las plantaciones de vegetales vivos. Tan solo la necesidad de crear paseos arbolados, al estilo de los salones de la época, y de alguna flora exótica importada, ampliarán el patrimonio florístico, en algunos casos en detrimento de la simbólica funeraria.

Los jardines funerarios del futuro

El cambio de la cultura del enterramiento a la cremación ha obligado a un cambio en las costumbres funerarias. Esparcir las cenizas de un ser querido en la Naturaleza se ha convertido en un acto evocador, pero de consecuencias ambientales importantes, que ha llevado a su prohibición cuando es de forma incontrolada.

Nuevos equipamientos funerarios, como el Jardín del Recuerdo en Málaga, se conciben en primer lugar como áreas verdes urbanas que se integrarán en el futuro como parques para la ciudad. Las urnas de cenizas se disponen aquí en torno a árboles elegidos por las familias.

El diseño obedece a un compromiso con las medidas de mitigación de la crisis climática, mediante soluciones basadas en la naturaleza y adaptaciones basadas en los ecosistemas. Pero, por otra parte, el locus se diseña bajo criterios de uso cultural dentro del obligado respeto.

Ángel Enrique Salvo Tierra, Profesor de Botánica y Planificación y Ordenación Territorial, Universidad de Málaga

Este artículo fue publicado originalmente en The Conversation. Lea el original.

A Ernesto Boesche se le conoce por reproducir rostros, expresiones y momentos en una infinidad de lienzos en los últimos sesenta años. Además de las figuras humanas —que asegura como fuentes de inspiración de siempre— la naturaleza ocupa un lugar importante en el patrimonio creativo del maestro.

Más allá de esa faceta, se le ha conocido por su compromiso con la docencia, que afianzó desde su paso por la Escuela Normal y la de Artes Plásticas (Enap), donde fue maestro y director en varios períodos.

Su mundo artístico empezó a formarse tanto en la Escuela Normal como en la Enap y se perfiló en España, donde llegó por una beca y radicó durante dos años. Boesche, un niño de Salamá, Baja Verapaz, prefirió los dibujos a otra labor, transitó por decenas de aulas y con su predilecto lápiz grafito trascendió con su mirada realista hasta posicionarse en la actualidad como uno de los grandes maestros del arte nacional.

¿Qué recuerda de sus primeros pasos en el arte?

Como todos los niños, dibujaba en la primaria y parece que lo hacía más que el resto. Mientras mis compañeros dejaron sus libros de dibujitos, yo continué por la vocación que traía y por el ejemplo que me había dado mi papá. Aunque él no se dedicó al arte, pintaba y dibujaba. Hacía retratos de mi abuelo y otras pinturas que evocaban cuando era alcalde de Salamá.

¿Qué tiene esa realidad que ha plasmado durante su carrera?

Me gusta la figura humana. Recuerdo que cuando entré en 1950 a la Escuela Normal, como estudiante becado interno, me gustaba hacer retratos de los compañeros a crayón. También realizaba algunas ilustraciones. Había una máquina de litografía en la escuela y entonces, con el subdirector, hacíamos experimentos de plasmar dibujos con la misma.

¿Qué trascendencia considera que tiene la figura humana?

También la tiene la naturaleza que he retratado. Me gusta hacer paisajes y bodegones de elementos autóctonos. Mis primeras composiciones al óleo eran acompañadas de piedrecitas, palos y cosas que llevaba el río Motagua. Las recogía cuando me iba de Guatemala para Salamá. Armaba composiciones con esos elementos y les agregaba un poco de fantasía. Tengo un poco de todo, y, aun así, mi obra es poca porque me ha demandado más tiempo la docencia.

Después de tantos años, ¿tiene las mismas sensaciones a la hora de retratar?

Siempre hay una emoción de lo que uno va a hacer, así como la emoción que se transmitirá a otro cuando termine el retrato. Eso crea un ambiente muy satisfactorio. No pierdo la emoción con cada obra que hago. Muchas veces en el Festival del Centro Histórico la gente que pasa por donde estoy retratando se pone a observar. Eso es algo muy especial porque se trata de un arte que no está en la academia, sino en la calle.

¿En alguna ocasión se planteó ir a la calle a retratar personas?

Mis demostraciones solo han sido en el Festival del Centro Histórico. Constantemente hago algunas en escuelas municipales de arte, también en la Enap y en la Escuela Superior de Arte. En esos lugares realizo mi labor de divulgación artística.

Estuvo envuelto en la Enap por años, tanto en la dirección como en la docencia. En alguna ocasión mencionó que fue algo agridulce. ¿A qué se refería?

Eso hace referencia a mis últimos tiempos en la dirección de la escuela, que fue hasta mediados de 1994.

Se me hizo una especie de campaña negra porque me preocupaba porque todo caminara bien: que hubiera maestros, materiales para trabajar, que se consiguiera materiales, entre otros.

Diez años después del terremoto del 1976 ingresé como director. Me preocupé por las instalaciones, porque ninguno de los directores previos se preocupó por retocar los daños que había dejado el sismo. Empezaron a haber mejoras, pero los alumnos y algunos maestros querían que además de que funcionara hubiera “cosas nuevas” en la institución.

A mí ya no me quedaba para hacer cosas. Cubría la dirección artística y me quedaba hasta tarde viendo aspectos administrativos hasta casi la medianoche. Las personas no sabían qué querían exactamente y empezaron a hacer una campaña negra. Fue algo amargo.

¿Y la parte dulce?

Fue haber logrado metas como la creación del taller libre. Consistía en que los alumnos, maestros y hasta artistas invitados podían hacer demostraciones de dibujos para que distintas personas apreciaran. También se realizaron mejoras en la biblioteca y se creó el escalafón de los maestros de arte, porque no estábamos incluidos, solo los profesores del Ministerio de Educación.

¿Cómo recuerda la experiencia como maestro en la institución?

En ese sentido no tuve mayores sobresaltos. Me dedicaba a dar clases lo mejor que podía, con muestras en vivo. Me diferenciaba de algunos maestros.

Sigue practicando la docencia. ¿Siempre tuvo interés en dedicarse a esto?

Siempre me gustó enseñar y compartir lo que uno sabe con el resto de la gente. Si uno logró conseguir un desarrollo técnico y conceptual en ciertas áreas, en mi caso la del arte, uno piensa que otras personas quieren tener un dominio sobre ello.

A mí el Estado me ha patrocinado los estudios desde párvulos, hasta una beca para estar dos años en España. Tengo un deber moral de retribuir eso que me obsequiaron y verterlo a mis alumnos. Me gusta compartir lo sabido.

¿Qué es lo que más ha extraído de esa experiencia?

Diría en una forma algo egoísta que el reconocimiento de ser un maestro entregado a los alumnos, que no ha escatimado y que no se ha guardado nada para él. Me satisface que sea reconocido por la cantidad de generaciones de alumnos que he tenido desde el 1958 hasta la fecha.

Además del dibujo y la pintura también ha incursionado en la escritura. ¿Cómo se ha sentido en esta disciplina?

Hice un libro en 2015 que lleva por nombre Canto de nostalgia, con el que pretendo revivir el ancestro de aquellos personajes antiguos para que las nuevas generaciones los conozcan. Hablo desde mi experiencia en Salamá donde había personalidades simpáticas: una loquita que se la pasaba metida en los mercados o el limpiabotas que insultaba a todo el mundo. También busco que estas vivencias sirvan de gozo y de referencia histórica.

Y también esa intención la busca desde la pintura…

Todo lo que uno hace es para transmitir sentimientos; tanto lo que se escribe como lo que pinta o se musicaliza. Es para transmitir diferencias, y que otros puedan disfrutarlo.

¿Considera que ya alcanzó metas que se ha planteado desde el arte?

En temas de retrato considero que sí. Llegué a un pináculo donde en términos de expresión ya estoy cumplido. En otros aspectos tengo pendientes: en pintura sobre cuestiones tradicionales de Guatemala, especialmente las de antaño.

También tengo un libro de cuentos que quiero publicar cuando salgamos de estas carreras. Son historias inauditas. Una de ellas se llama Picasso del 10,907 D.C. y habla que después de cataclismos en el planeta y la humanidad se vivirá debajo de la superficie donde las personas que pasaron por distintas mutaciones tendrán caras como las figuras de Picasso.

Otra idea que tengo es la de crear un centro cultural en el Callejón del Fino, en la 10a. Av. A de la zona 1, que lleva ese nombre por el miniaturista Francisco Cabrera, conocido como El Fino, durante los tiempos de la Independencia. Se dedicaba a realizar retratos miniaturistas.

Sus planes se enfocan en el paso del tiempo y Guatemala. ¿Se considera nostálgico?

Totalmente. Para poder tener una personalidad, un sentimiento, una nacionalidad, se debe conocer el pasado.

Es habitual, cuando se le acaban las hojas al calendario, que nos lancemos a formular votos por la felicidad y la prosperidad durante el ciclo que viene. Abundan las buenas intenciones, las buenas resoluciones, los buenos ánimos para superar lo logrado en los últimos doce meses, dejar atrás lo que no ha salido como esperábamos y encarar nuevos retos. Solemos llenarnos el espíritu con una esperanza, más o menos difusa: las cosas van a cambiar.

Pero, ¿qué significa cambiar? Si nos auxiliamos de la filosofía, veremos que el cambio es propio de todo objeto y de todo fenómeno, y es la forma en que generalmente existe todo, tanto en cantidad como en calidad; es decir, en transformación constante. Incluso aquello que parece estable e inmutable no es sino el resultado de cambios y no representa más que un momento o un caso particular de cualquier cosa. Por lo tanto, si andamos esperando que las cosas cambien, estamos cayendo en una redundancia, pues eso ocurre todo el tiempo y ocurre independientemente de nuestros deseos y de nuestras acciones. Deviene ocioso predicar la permanencia y la perpetuidad de ciertas circunstancias o de ciertos entes —reales o imaginarios— para aferrarnos a ellos con tal de no caer en la desesperación. La noción de seres o situaciones con características definitivas e invariables es una ilusión.

Ante la constatación de lo anterior, podríamos dejarnos arrastrar por la comodidad. Podríamos concluir que si el cambio es incesante e inevitable, para qué vamos a preocuparnos de ello. Podríamos dejar que el mundo siga su curso; al fin, nuestra presencia es efímera y nuestro poder, limitado. Sin embargo, olvidaríamos así que cada quien también es agente de cambio. Vale decir, cada cual tiene capacidad de obrar y su actuación —o su falta de actuación— tiene efectos. Encima, hay tantos, tantísimos asuntos que están urgidos de renovación, de modificación, de evolución. Si estamos conscientes de esto, no nos asustará la metamorfosis. Antes bien, la abrazaremos y seremos elementos activos en ese proceso, en ese cambio de una cosa que se convierte en otra diferente. Esto implica aceptar lo que tenemos, aunque no nos hallemos a gusto con ello, porque no es posible pasar a otro estado que anhelamos si no partimos del actual.

En ese sentido, este espacio periodístico no pretende perderse en la disquisición abstracta, por un lado, ni puede escapar a la contradicción entre lo poco que es factible transformar en la realidad cuando se compara con lo mucho que falta hacer, por el otro. Simplemente buscaremos, como siempre, que se constituya en un aporte para construir una sociedad digna de llamarse humana. En ese sentido, igualmente, es que el arte de Guatemala —materia principal de esta columna— provee un paradigma excelente. En verdad, la cultura artística guatemalteca, aun desprovista de los sustentáculos que merece y plagada como está de tanta precariedad, es paradigmática de lo que es viable hacer para el desarrollo social y económico de la nación. Un paradigma, no sólo en su acepción como ejemplo, sino como el conjunto de las potencias con las que cuenta el arte y las numerosas variantes que de él se derivan.

Invito, pues, a quienes semana tras semana me favorecen con su lectura, y como en muchas otras ocasiones, a que apoyemos resueltamente toda manifestación artística nacional de alto nivel. Reclamemos, claro, que permanezca lo bueno. Exijamos, asimismo, que cambie para mejor lo que no es tan bueno. Sobre todo, no esperemos para ver qué sucede. Actuemos para que suceda.

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Escribir es viajar por el tiempo, el espacio, los sentimientos  y las personas, para luego trascender. Ese ha sido el destino del autor guatemalteco Eduardo Halfon, cuya trayectoria literaria fue reconocida este año con el Premio Nacional de Literatura Miguel Ángel Asturias, el  galardón más prestigioso para las letras en el país.

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“Este honor es de todas las madres, las abuelas, las tías, las esposas y las maestras. Un hombre es un hombre debido a las mujeres. Y un país es un país debido a las mujeres”, refirió el autor, durante la ceremonia de entrega. “Una sociedad que descuida a sus niñas no tiene pasado ni futuro”, señaló.

Reconocimientos

Este no ha sido el único premio con el que ha sido galardonado el  universo literario halfoniano. En el 2016, el autor, de origen judío, libanés y guatemalteco fue uno de los cinco finalistas para la tercera edición del Premio Hispanoamericano de Cuento Gabriel García Márquez, el más importante en su género en habla hispana, por su libro Signor Hoffman. Este logro   se añade a otros como el haber sido semifinalista del Premio Herralde de Novela (2004); ganador del XV Premio Literario Café Bretón & Bodegas Olarra (2008); Premio de Novela Corta José María de Pereda (2009), Premio Roger Caillois de Literatura Latinoamericana (2015) y el  Premio de Librerías Navarra (2018).

Es ingeniero industrial de profesión, pero ha destacado por ser un prolífico autor de obras como Biblioteca Bizarra (2018), Esto no es una pipa, Saturno (2017), Duelo (2017), Signor Hoffman, (2015), Elocuencias de un tartamudo (2012) y El boxeador polaco (2008).
En el 2007 fue elegido como uno de los  39 mejores escritores latinoamericanos menores de 39 años por el Hay Festival de Bogotá.

Luego de graduarse  en EE. UU. regresó a Guatemala,  donde enseñó Literatura en la universidad, hasta que se dedicó de lleno a escribir. “No he vuelto a la docencia desde el 2007, año en que me marché de Guatemala y decidí dedicarme únicamente a la escritura. Una decisión insensata y megalómana, por supuesto. Pero en esas sigo”, comparte el autor.
“Toda página que escribo surge del mismo lugar, y le pertenece a un mismo libro. Como si estuviera escribiendo un gran libro, y publicándolo por entregas. Ahí, en esas páginas, están mis temas, mis miedos, mis anhelos, mis inseguridades, quizá hasta mi sangre. No invento nada. Me siento a escribir y escribo la historia de mi vida, una y otra vez”, indica Halfon, quien debutó en las letras a los 30 años, con la novela   Esto no es una pipa, Saturno.

Pero, ¿cómo surge cada historia? “Siempre de una imagen. Empiezo a escribir sin plan ni expectativa, sin nada en mente más allá de una imagen rugosa, atractiva. Una jaula de bambú en Sipacate; por ejemplo, o un campo de concentración en Italia, o los últimos garabatos que me escribió mi abuelo polaco antes de morir. Quiero darle al lector esa imagen. No describírsela, pues la literatura no es un ejercicio de descripción, sino invitarlo a sentirla conmigo”, dice el laureado autor.

Por sus obras, que han sido reconocidas a escala nacional e internacional, Eduardo Halfon fue elegido por Prensa Libre como Personaje del Año 2018 en la categoría de Arte. 

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En la obscuridad las obras de Chaj Guinac lucen como un cuadro de acrílico con cinta adhesiva, pero al colocarlas frente a la luz se descubre la imagen, que puede ser un paisaje del Centro Histórico de Xela, una figura humana, entre otras.

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“Por coincidencia, casualidad, o lo que sea, compré esta cinta y la fui pegando en un vidrio, tuve que salir del lugar donde estaba, cuando regresé me di cuenta que entre todo ese pedacerío loco había una figura humana, entonces entendí que se podían hacer otras cosas y decidí hacer mi primera obra”, relató.

Su primer cuadro consistió en un paisaje de la ciudad que incluía el Puente de Piedra. Al contar con algunas obras, Chaj Guinac contactó al artista Josué Hernández, también quetzalteco, quien lo apoyó para que expusiera sus cuadros, la primera vez que lo hizo fue en Casa No´j.

“Siempre trabajo con un boceto para tener clara la idea, luego agarro la cinta y empiezo a pegar varias piezas, la cinta es la que comúnmente se utiliza para sellar cajas, la de color marrón, también utilizo una cuchilla, las piezas de la cinta las coloco sobre un acrílico y después uso más cinta dependiendo de la luz o la sombra que necesite”, indicó el artista.

Según Chaj, hay personas que piensan que la cinta no tiene valor, ven algo bonito pero que no merece ser comprado. “Normalmente los cuadros me los compran extranjeros”, comentó.

Para hacer uno de sus cuadros, Chaj necesita desde seis horas hasta un mes, el costo de estos varía de acuerco con el tamaño y la complejidad de la imagen, normalmente pueden costar entre Q400 y más de Q1 mil.

“Por el contexto del lugar donde nací el arte es una pérdida de tiempo, al inicio eso pensaba mi familia, mis padres y abuelos se han dedicado principalmente a la agricultura, pero después se dieron cuenta de lo que podía lograr, ahora me apoyan y motivan”, aseguró Chaj.

El tema económico ha sido uno de los obstáculos para el artista, por esta razón no ha podido dedicarse de tiempo completo a crear obras y ha sido inconstante, incluso dejó de producir obras durante dos años, y este año retomó su pasión.

El artista también estudia diseño grafico, además es maestro de serigrafía y sublimación, en el pasado fue maestro de las escuelas abiertas y para 2019 tiene planificado realizar sus obras en botellas de vidrio utilizando la cinta, proyecto que pretende realizar con el café donde expone sus cuadros.

Para Chaj, su hijo de 8 años se ha convertido en su inspiración y la razón por la que persiste en cumplir sus sueños, y a futuro le gustaría realizar “un cuadro enorme” del parque central de Xela.

Las obras de Chaj están enmarcadas e incluyen luces led que al encenderse permiten ver la imagen que el artista creó. En Quetzaltenango el artista no ha coincidido con alguien más que trabaje esta técnica y según lo que le han informado amigos artistas tampoco han observado en el país cuadros hechos de esta forma, pero por medio del internet ha descubierto que en otros países sí hay, pero asegura que “trabajan de forma distinta”.

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Las obras del quetzalteco se exponen en Joe´s Coffee, ubicado en la 5a avenida 6-28 zona 1 de Xela, de martes a sábado, de 16 a 22.30 horas.

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Con el objetivo de rendir un homenaje el talento nacional, especialmente a los artistas quetzaltecos y de la región se presentó el calendario La Fórmula Del Éxito 2019 que para esta edición llevará el nombre de Tu Talento en honor a los artistas. En total son 12 fotografías representadas en cada mes, con bandas musicales, cantantes, pintores y bailarines.

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Carlos Mérida, representante de la empresa, expresó que el objetivo del calendario es crear una plataforma en donde se pueda dar a conocer en el çambito nacional y difundir lo que hacen los artistas de la región, no solo en la música sino también en distintas artes como pintura y danza.

“Queremos que la población conozca a nuestros artistas, nuestros talentos y sobre todo para que los apoyen en el arte que les apasionada a cada uno. Son muchos artistas los que habían en propuesta pero lamentablemente solo había espacio para 12 que se eligieron luego de estudiar ciertas cualidades como trayectoria, integrantes e historial”, explicó Mérida.

Se mandaron a imprimir 10 mil ejemplares que se comenzarán a repartir sin ningún costo en todas las estaciones de Fórmula 1 de los departamentos de Quetzaltenango, Huehuetenango, Mazatenango y Retalhuleu.

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#TalentoNacional
Realizan la presentación de los artistas locales que aparecen en el calendario 2019, Tu Fórmula Del Éxito, un proyecto que busca promover a los artistas de la región. pic.twitter.com/UY2JnjLmA0

— elQuetzalteco (@elQuetzalteco) November 21, 2018

“Nos sentimos muy agradecidos por el proyecto que apoya al talento nacional y que es una gran oportunidad para darnos a conocer y que las personas sepan que hay talento acá y que no dejen morir al artista nacional”, dijo Luis López, conocido artísticamente como el Potrillo originario de San Pedro, Sacatepéquez, San Marcos.

Juan Daniel Policarpio Ramírez, conocido con Don Poli, es un rapero quetzalteco que ha utilizado las redes sociales como su plataforma de difusión. El talentoso cantante será quien abra el calendario pues estará posicionado en el mes de enero.
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“Estamos muy felices con esta iniciativa que apoya y reconoce el talento quetzalteco. Creo que este tipo de actividades son las que hacen falta para promover el arte porque es complicado abrirse paso en el mundo de la música cuando no se tiene el apoyo”, expresó Don Poli.

Se agregó que esta es la primera vez que se lanza el calendario con esta temática y la intención será seguir el proyecto para institucionalizarlo año con año.

Los artistas homenajeados

• Enero: Don Poli
• Febrero: Albany Pivaral
• Marzo: Los Socios
• Abril: Mariana Laparra
• Mayo: Luis Villagréz
• Junio: Agrupación Tatuana
• Julio: Luisfer López y Mimi (Potrillo y Paquita)
• Agosto: The Clippers
• Septiembre: Layla Roots
• Octubre: Joney Lemus
• Noviembre: Los Arvol
• Diciembre: Sacate Jag

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Esta semana nos ha otorgado el privilegio de interactuar con dos significativas exhibiciones de artes visuales. Las dos tienen en común el vínculo conceptual, el diálogo entre artistas, los sitios en que se verifican los montajes, la reciprocidad entre países. Carlos Mérida, la Ciudad de México, las culturas guatemalteca y mexicana.

Por una parte, la muestra Diálogo Interior, inaugurada el martes 13 en el Museo José Luis Cuevas, una institución que ha logrado poner a conversar a la arquitectura colonial de su edificio en el centro histórico mexicano, con su vocación actual como espacio para el arte moderno. Originada en la presentación que se llevó a cabo durante agosto y septiembre en la sala Carlos Mérida del Banco de Guatemala, esta exposición reúne obra de dos escultores, Pepo Toledo y Rodrigo Santa Cruz Anchissi, bajo la guía curatorial de Guillermo Monsanto. A gentil propuesta de ellos, me vi involucrado como músico en un performance en la que incluimos al coreógrafo y bailarín Josué Barrios para la inauguración de la muestra. De ello se desprendió la posibilidad de llevar el acontecimiento a una segunda fase en México, en el cual ha participado Aiira Mérida, bisnieto del gran maestro, como percusionista invitado. Todo un coloquio entre distintas disciplinas y corrientes de expresión. Esta nueva exhibición permanecerá abierta hasta el 4 de diciembre.

Por otro lado, la impresionante retrospectiva Retrato Escrito 1891-1984, que se inauguró el pasado jueves 15 en el Museo Nacional de Arte y llegará a marzo del 2019. Una colección de casi 300 cuadros y piezas alusivas al trabajo del visionario e incansable pintor quetzalteco, muralista, escultor, escenógrafo, diseñador de vestuario, ilustrador y docente, Carlos Mérida, a un siglo de haber radicado en el vecino país. Heredero del modernismo, del surrealismo y del cubismo, fue contemporáneo y colega de artistas de talla mundial y se decantó por un argumento visual geométrico en un estilo propio, reconocible, altamente personal. Su influencia alcanza a todo el arte del continente latinoamericano.

Es en tales circunstancias donde surge otro diálogo. Es el diálogo cuestionador de la extraordinaria capacidad que Guatemala posee para producir un arte de gran nivel, pero su total incapacidad para valorarlo y extenderlo a toda su sociedad. Un virtuoso creador que nunca renuncia a su nacionalidad ni a su legado cultural, pero cuya trascendencia pasa inadvertida para la mayoría de sus coterráneos y que se hubiera perdido si él no se exilia voluntariamente. El fenómeno se repite —y continúa planteándose como una realidad ineludible— a lo largo de los últimos cien años. Para los guatemaltecos y las guatemaltecas que buscan dejar una impronta como exponentes en literatura, plástica, música, cine y danza, México sigue siendo esa meca que no sólo atrae sino recibe generosamente a los artistas forasteros. Una nación grande, de alma grande.

Este diálogo, que comenzó introspectivo, que ahora es interior, y que más adelante podrá ser íntimo, hasta llegar a lo intrínseco, recupera las esencias de la estética. No obstante, para que eso llegue a todos, a todas, no puede sembrarse en la esterilidad de una tierra arrasada, en la que a cada momento se destinan más recursos a los fusiles y a las balas mientras se ahorca a la educación, al arte, a la ciencia y a la cultura. El enorme arquetipo que traza Carlos Mérida nos habrá de servir como inspiración para no conformarnos con la abulia y la desvergüenza que torpemente guían la codicia estatal y privada, tan obtusa a la hora de fomentar las manifestaciones humanas más nobles.

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Lo que conocemos del hombre prehistórico proviene de sus dibujos, grabados o esculturas plasmadas en la piedra de cavernas, farallones o barrancos que hacen referencia a su actividad; se le llama arte rupestre. Esa representación artística está relacionada con prácticas de carácter mágico-religiosas para propiciar la caza, y está presente en todos los continentes. Recién en este 2018, investigadores de la universidad de Witwatersrand encontraron en Sudáfrica una piedra con dibujos paleolíticos que superan los conocidos hasta ahora, estimados 73 mil  años atrás.

La historia empieza a registrase con la invención de la escritura, a partir de la que el conocimiento y actuar de la humanidad ha difundido con amplitud.

Es entonces a través del arte que el hombre ha dejado, deja y seguirá dejando constancia de su avance cultural, entendiendo por cultura toda actividad que le es propia, en su calidad de mamífero superior de la escala zoológica; superior porque es un ser pensante, que actúa según su razonamiento. La obra artística es el mejor testimonio de esa evolución.

En nuestro medio el 2018 tiene particular importancia, pues por un lado se conmemoran cien años del natalicio de Guillermo Grajeda Mena, uno de los grandes artistas de la generación del 40; y por otro, el Ministerio de Cultura y Deportes entregó el pasado martes 13 el Premio Nacional de las Artes Plásticas Carlos Mérida, a Luis Díaz Aldana, artista de la modernidad.

Grajeda Mena junto a Dagoberto Vásquez fue beneficiado por los cambios culturales que trajo la Revolución de Octubre del 44, luego del oscurantismo ubiquista, cuando el Estado les becó para estudiar en Chile; de ahí las coincidencias en su expresión artística.

Paralelismos semejantes hay en otros artistas, de otras disciplinas que por entonces tuvieron el privilegio de salir del país y estudiar, para convertirse en esa generación de artistas y profesionales de la arquitectura, música, literatura y teatro particularmente, que contribuyeron a que Guatemala entrara en la modernidad junto a sabias decisiones políticas. Ese conjunto de hechos propició aquel respiro político-económico-cultural denominado por la historia reciente, la Primavera Democrática (1944-54).

En el urbanismo y la arquitectura ese derrame cultural se prolongó algunos años más, al que se sumó la excelencia administrativa. Fue creada la primera Facultad de Arquitectura en Centro América, en la Universidad de San Carlos. Se planificó y construyó el Centro Cívico en donde Grajeda Mena dejó plasmada su más importante obra mural, en la fachada poniente del Palacio Municipal, que resume su vasto conocimiento histórico y arqueológico del país, además de su refinada abstracción de la figura humana, al igual que la técnica y uso del concreto fundido in situ.

Por su parte, Luis Díaz (1939), en su adolescencia conoció el trabajo de los grandes talleres de la Dirección General de Caminos, en donde aprendió a dar forma y producir piezas de mecánica. Tuvo contacto con materiales y herramientas que le abrieron un mundo de oportunidades técnicas, que más adelante supo combinar con su talento artístico y arquitectónico. Llegó a forjar un lenguaje expresivo, de carácter único y personal que lo hacen el más completo e importante artista contemporáneo, a quien el Estado reconoce y premia con el máximo galardón que lleva el nombre del insigne maestro Carlos Mérida.

La obra de ambos está plenamente registrada y documentada. La de Grajeda Mena por su nieto Gustavo Grajeda y la de Luis por él mismo en dos sustanciales libros: El Gucumatz en persona, y Luis Díaz Aldana en primera persona.

jmmaganajuarez@gmail.com

El Patronato para la Protección del Centro Histórico y la Fundación Rozas Botrán que apoyó el certamen, se mostraron satisfechos por haber concluido con éxito una edición más de tan importante concurso de arte.

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Ganadores del CAM 2018

• Primer lugar: Eduardo Escobar Monzón

Título: Música de Madera
Técnica: Acrílico sobre madera

 

• Segundo lugar: Edvin Andrés Mendoza Pérez

Título: Ixiim Ulew
Técnica: Óle sobre tela

 

• Tercer lugar: Luis Arturo Tobar

Título: Intento de paisaje IV
Técnica: Acrílico sobre tela

Arte en las Calles

Este año los organizadores del certamen decidieron cambiarle el nombre al evento Pintura Rápida por Arte en las Calles. La decisión fue porque en la anterior actividad los artistas contaban con un par de obras para pintar y entregar su obra.
Con la actividad Arte en las Calles se decidió promover la participación y que artistas tuvieran tres días para crear sus obras. Por esta razón, cientos de quetzaltecos se mostraron sorprendidos durante un fin de semana porque decena de pintores se tomaron las calles del Centro Histórico.

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Los ganadores del Artes en las Calles

• Primer lugar: Édgar Marroquín

Título: El Sueño

 

• Segundo lugar: Edvin Andrés Mendoza Pérez

Titulo: Sin nombre

• Tercer: lugar: Lerby Alessandro Guinea Vicente

Título: Guatemala tu nombre inmortal 

Arturo Martínez (1912-1956)

Nació en Cantel, Quetzaltenango. Se desempeñó como maestro rural empírico a la vez estudio en la Escuela de Arte y Oficios de Los Altos, donde egresó en 1934. Llegó a la capital en 1946 donde presenta sus primeras exposiciones personales.

Fue miembro del grupo de artistas y pintores Sakerti.

Fue becado a Europa en 1949, y del 7 al 21 de octubre,  fue presentado por la crítica María Traba, en la galería Mirador de la Plaza Vendome. Muere en un accidente aéreo en 1956.

Certamen Arturo Martínez

Fue instituido en 1970 por el Ministerio de Educación y la Municipalidad de Quetzaltenango por iniciativa del maestro Víctor Vásquez Késtler.

El objetivo de la actividad es rendirle honor al ilustre pintor de Cantel, estimular la creación artística en la región occidental y contribuir a conservar el prestigio cultural de la ciudad altense.

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El escultor, arquitecto y artista visual, nacido en la ciudad de Guatemala en 1939, tiene una trayectoria de más de cinco décadas y ha participado en bienales de Francia, Chile, Italia y Brasil.

La entrega del reconocimiento será el 13 de noviembre en el Palacio Nacional de la Cultura, según indicó el ministerio en un comunicado.

“Este galardón se concede a artistas que destacan por su trayectoria en las artes plásticas y está dotado de Q50 mil y un pergamino”, agregó.

El maestro Díaz ha trabajado en  pintura, escultura, diseño de muebles, y obras ambientales y arquitectónicas que ha expuesto en el país y en el extranjero.

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“Luis Díaz es una persona icónica dentro del arte moderno y contemporáneo de Guatemala. Uno de los artistas que incursionó desde la década de los sesenta con propuestas contemporáneas, además de una trayectoria especial”, dijo Rudy Cottón, Director del Museo Nacional de Arte Moderno “Carlos Mérida”.

Entre las distinciones que ha recibido destaca el Gran Premio Latinoamericano de la XI Bienal de Sao Paulo (Brasil), en 1971.

Fue cofundador de la Galería De Arte DS. Su participación como consultor artístico incluye el plan maestro del campus de la Universidad de San Carlos de Guatemala (USAC), Plaza del Sol, edificio Médico Obelisco, Universidad Rafael Landívar, edificio del Banco Industrial y Biblioteca Central de la USAC.

“Luis, con 78 años de edad, todavía se mantiene trabajando y con energía. Eso se reconoce. Es el mérito que tiene el maestro”, agregó Cottón.

En 2017 la artista Isabel Ruiz fue la galardonada con ese reconocimiento.

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Tras varias semanas de incredulidad y hondo desagrado debidos a la censura mal inspirada con la que el Congreso de la República se permitió coartar la libertad de expresión y de locomoción, al impedir el ingreso al país de unos músicos procedentes de Suecia, de pronto emite el decreto 22-2018. El mismo pasado jueves 11 —que debía ser la actuación—, aunque esta vez sin pasar encima de la Constitución, los legisladores acordaron declarar al compositor Joaquín Orellana como “guatemalteco ilustre, con honor público que le tributará el Estado de Guatemala, por su aporte extraordinario al legado musical de Guatemala”. La disposición contempla una pensión por Q7 mil mensuales.

Igual, surgen dudas, a la luz de acontecimientos tan encontrados. Ya de muchos años anteriores habían comenzado las acciones para lograr reconocimientos materiales a favor de Orellana, pero no fue sino hasta el mes de mayo de este año que se encaminó la iniciativa de ley, encabezada por los artistas Julio Serrano, Julio Santos, Jonathan van der Henst y Christian Escobar, para quienes va un elogio sincero. Sus esfuerzos fructificaron, por fin, como ordenanza legal. Sin embargo queda una serie de dudas sin despejar. ¿Habrá influido en los diputados la noticia de la presentación de Sinfonía desde el Tercer Mundo a fines de septiembre? Es evidente que no llegaron al concierto ni tienen intimidad con las obras de Orellana como para emitir un dictamen con conocimiento de causa. De ser así, hace rato que ellos mismos tendrían que haber apoyado la labor del creador de Evocación profunda y traslaciones de una marimba, Sacratávica –las voces de Río Negro, La tumba del Gran Lengua, todas estas y muchas más creadas antes de que cumpliera 65 años, una edad razonable para compensar de por vida al compositor más relevante de este país. A menos de un mes de cumplir 88, Joaquín agradece la pensión, pero empujado por su característico ingenio bromea que ahora será “muertelicia”, no vitalicia. Así, ¿estará a tiempo y en monto justo este reconocimiento como para sufragar la continuada labor de Orellana, preservar su obra y difundirla extensamente por el mundo?

Uno de los 12 congresistas que votaron en contra del decreto incluso se permitió cuestionar el otorgamiento porque, según él, muchos querrían ahora que se les otorgue una pensión similar. Aparte que ni dicho congresista ni tantos otros ostentan una mínima parte de los méritos de Orellana, lo que semejante aseveración demuestra es la ignorancia supina de lo que significa la producción simbólica de una nación, no solamente como un supuesto, sino como una contribución notable al desenvolvimiento de la economía y la sociedad. La previsión social de una vejez digna, saludable y segura no es un privilegio de quien pueda pagar; es un derecho fundamental de toda persona. Con mayor razón es el caso de quienes, dotados de una capacidad creativa sobresaliente, han dedicado toda su vida a compartir una producción brillante con los demás, sin egoísmo y con el afán de darle motivo de trascender a la existencia humana. ¡Bien por la mayoría del Legislativo, que supo identificar una de las razones de ser de dicho organismo y sancionó positivamente esta ayuda y este merecimiento para el maestro!

En el aire quedan, pues, mezcladas, la felicidad y la incertidumbre en cuanto al porvenir de nuestro compositor emblema. Tal y como lo reitera el final de una canción, aptamente encabezada Sin Título, compuesta en 2015 por Vinicio Molina, y en cuya grabación nos tomamos la libertad de incluir la voz de Orellana, grave y solemne, “la duda sigue, la duda sigue, la duda sigue”.

presto_non_troppo@yahoo.com

Walter Pérez como es conocido en el mundo artístico, tiene 22 años, los últimos cuatro han sido de auge en su carrera, le han dado la oportunidad de impregnar momentos especiales de la cultura guatemalteca y de darlos a conocer en diversas exposiciones.

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“Mi motivación son las comunidades indígenas, mi primer concurso fue en la escuela de la aldea Las Nubes, gané un concurso de pintura, desde allí decidí que me dedicaría a la pintura”, recuerda Walter.

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El artista se ha formado empíricamente y su trabajo le ha llamado la atención de los artistas reconocidos Mariano Chavajay de San Pedro La Luguna de Sololá; Rolando Aguilar y Eduardo Sac. De ellos ha aprendido varias técnicas, aunque mantiene un estilo propio que resaltan la cultura, el modo de vida de la población indígena guatemalteca y los paisajes.
Entre los principales temas en los que se inspira Walter Pérez está el maíz, jarros, personas y naturaleza.

Se considera un artista visual, porque plasma lo que observa entre una mezcla de colores.

Recientemente participó en una exposición realizada por el Colectivo Efraín Recinos y la galería Raíces en 2017. 

“Sueño como artista dar a conocer los principios de mi pueblo y llevarlos a diferentes partes del mundo, nuestro país debe pintarse de colores y no de violencia, hay que hacer un cambio porque es necesario, todos debemos alcanzar nuestros sueños”, refiere el artista quetzalteco.

Walter Pérez, le recomienda a los niños cumplir sus sueños para que alcancen sus metas y a las mujeres valorarse y luchar porque se respeten sus derechos.

La organización Xela AID le brindó una beca de estudios desde niños y le pagó seis meses de clases en San Pedro La Laguna con el maestro de la pintura Chavajay, quien es reconocido por su trabajo en el país y en extranjero. Ahora será patrocinado por la Organización Internacional de Embajadores del Arte compuesta por artistas famosos del mundo.

Exposición

El próximo viernes se inaugurará la exposición Color del Hilo del artista Walter Pérez, en el Centro Cultural Efraín Recinos. Se expondrán 35 obras con temas de las fiestas patronales, tejidos, ventas en los mercados y otros. 

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Una pintura de aerosol del esquivo artista callejero británico Banksy se destruyó después de ser vendida por US$1,3 millones.

La obra enmarcada “Girl With Balloon” (Niña con globo), una de las obras más conocidas del artista, fue subastada por la casa Sotheby's en Londres.

La pieza, que muestra a una niña tratando de alcanzar un globo con forma de corazón, era el trabajo final vendido en la subasta.

Sin embargo, momentos después de que el martillo marcara la venta, el lienzo pasó a través de una trituradora que estaba escondida dentro del marco.

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Al colgar una foto del momento en Instagram, Banksy escribió: “Desapareciendo, desapareciendo, desaparecida…”.

“Parece que acabamos de ser Banksy-zados”, dijo Alex Branczik, director senior y de arte contemporáneo en Europa de la casa de subastas.

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Going, going, gone…

Una publicación compartida de Banksy (@banksy) el 5 Oct, 2018 a las 6:45 PDT

Banksy se hizo famoso tras dibujar una serie de piezas de graffiti por todo Reino Unido.

Se cree que el enigmático artista creció en Bristol, pero su identidad ha permanecido en secreto a pesar de muchas especulaciones a lo largo de los años.

Entre sus trabajos recientes se encuentra la inauguración en 2015 de Dismaland, un parque temático al estilo de Disneylandia que él mismo describió como un “parque temático familiar no adecuado para niños”.

En 2017 “Girl With Balloon”, que apareció originalmente en una pared en Great Eastern Street, en Londres en 2006, fue votada como la obra de arte favorita del país.

La versión de la galería presentaba pintura en aerosol y acrílico sobre lienzo, montado sobre una tabla.

Sotheby's no ha revelado quién había comprado la pieza antes de que fuera triturada.

Por el momento no está claro si el contrato sigue vigente.

Branczik le dijo al Financial Times que la casa de subastas estaba tratando de “averiguar” qué significa la artimaña.

“No hemos experimentado esta situación en el pasado … donde una pintura se tritura de forma espontánea, al lograr un récord [prácticamente] para el artista”, aseguró.

“Estamos tratando de averiguar qué significa esto en el contexto de una subasta”.

¿Valdrá más ahora?

Las opiniones están divididas.

Algunos usuarios de las redes sociales han especulado que la broma podría haber hecho que la obra aumentesu valor.

Sin embargo, otros han cuestionado si el comprador todavía tendría que pagar por ella, o incluso si querría hacerlo.

¿Fue todo simplemente un engaño?

Ha habido algunas sugerencias de que Sotheby's pudo haber estado involucrada en el truco.

Sin embargo, la casa de subastas no lo ha confirmado.

En una declaración en su sitio web, describió el incidente como “inesperado” y dijo que se había convertido en “historia mundial del arte instantáneo”.

El misterio continúa.

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Estuardo Estupinián, vocero de esa institución, aseguró que la decisión fue tomada por la Dirección General de las Artes para “mejorar” la gestión del Teatro Nacional.

“Desde inicios de esta gestión se mantiene un plan permanente de evaluación del personal del ministerio”, explicó Estupinián, “y se tomó la decisión en aras de fortalecer el trabajo que se lleva a cabo en el CCMAA”.

El responsable de comunicación agregó que, por el momento, no se tiene información de quién le sustituirá en el cargo.

“Motivos políticos”

Según Roxana Ávila, que asumió ese rol en abril, se le dio a conocer la decisión esta tarde, la cual fue tomada por “motivos políticos”.

“La razón es política y están involucradas personas en cargos superiores [del Ministerio]”, comentó Ávila. “Es delicado el tema”.

Según la periodista, su gestión dentro del Teatro Nacional fue “significativa” pues se llevaron a cabo varios proyectos de remodelación, mientras que se estaban preparando trabajos de limpieza y restauración en diferentes áreas del centro, por lo que no cree que su trabajo haya sido el motivo para destituirla.

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“No fue nada que ver con mi gestión. Todas las personas que conocieron el Teatro como estaba antes notaron la diferencia. Lo que sí había era descontento por parte de los empleados que tenían años de laborar allí”, aseguró.

Ávila explicó que ya presentó denuncias legales en contra de algunos empleados y no descarga proceder legalmente en contra de su destitución. “No me presté a ciertas acciones con fines políticos e intereses por parte de las máximas autoridades del Ministerio”, declaró.

Se intentó conocer la postura del Ministerio sobre las declaraciones de Ávila, pero no hubo respuesta a las llamadas telefónicas.

Llegada polémica

Roxana Ávila se encargó de la administración del Teatro Nacional desde abril hasta octubre, después de que sustituyera a Álvaro Véliz en el puesto.

Ávila asumió el cargo mientras que un colectivo de artistas se oponía a esa asignación, al considerar que la labor de Véliz fue “una de las primeras gestiones importantes dentro de la institución”.

Los más de 40 artistas, incluidos el cineasta Jayro Bustamante y el músico Joaquín Orellana, también presentaron una carta dirigida al presidente Jimmy Morales y a José Luis Chea Urruela, ministro de Cultura y Deportes, para solicitar la restitución de Véliz.

Antes de llegar al CCMAA, Ávila trabajaba como periodista de investigación en el diario digital El Vigilante, y en abril, en declaraciones a ACAN-EFE, afirmó que no tenía vínculos con el presidente Morales ni con el hermano del mandatario, Sammy Morales.

Véliz, por su parte, estuvo más de dos años en el cargo de director.

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Fuertemente simbólico fue el momento en que una persona del público allegada al actual gobierno interrumpió con un reclamo el discurso de uno los patrocinadores de este concierto, acción que recibió unánime recriminación en redes sociales porque de alguna manera este suceso le dio un metafórico contraste entre la elocuente expresión de la obra y los lastres estructurales burocráticos que han mantenido a la deriva los indicadores de desarrollo humano, de los cuales el arte apenas plantea una visión distinta.

Por otra parte, el jueves último, otro artista visual de sólida trayectoria, Rudy Cotton, recibió por parte del gobierno de Francia, la Orden de las Artes y Letras en grado de oficial, por su amplia trayectoria como creador visual y promotor de la cultura. De orígenes humildes y nacido en San Marcos, Cotton es un pintor que reinventa sus temáticas con base en los grandes dramas históricos del país mediante un lenguaje siempre vanguardista.

El cineasta guatemalteco Julio Hernández Cordón fue seleccionado, por su más reciente película, Cómprame un revólver, dentro de las nominadas a los premios Fénix del cine Iberoamericano, otorgados en España, lo cual ya de por sí es una alta distinción porque se trata de un escrutinio exigente entre decenas de producciones de todo el continente, en las que Guatemala apenas empieza a incursionar.

Finaliza el mes de septiembre, el mes patrio con estas tres excelentes noticias: hechos creativos que honran a la nación con el fruto de perseverantes esfuerzos creativos que han vencido barreras y superado lastres como la falta de recursos o el poco énfasis que ponen las autoridades en apoyar las escuelas nacionales de arte, que sobreviven entre la falta de presupuesto y las deficiencias en sus instalaciones, en una auténtica lucha diaria de quijotes que lejos de encontrar eco a sus enormes aportes pueden encontrar a su vez muestras de intolerancia.

Si algo brindan los artistas a Guatemala, además de la elocuencia de sus obras es la noción de que otra realidad es posible, otras soluciones se pueden emprender, nuevos universos de ideas se encuentran latentes, siempre y cuando se tenga la debida capacidad de razonamiento crítico, la necesaria formación intelectual para contar con elementos de juicio y la elemental apertura al diálogo que constituyen una vacuna contra males como la intransigencia, las falacias y los discursos que socavan subrepticiamente el estado de Derecho y las más legítimas garantías hasta de las democracias más elementales.

Las distintas expresiones del arte abren la puerta al último resquicio de libertad, pero también elevan el orgullo nacional al plantear otras visiones sobre una realidad que la historia oficial pretende distorsionar.

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The Public Medal Award, la cual la eligió el público a través de una votación en la página web del evento, fue otorgada a los organizadores del proyecto.

La noticia la confirmó Diego Olivero, integrante del grupo encargado de la instalación, a través de sus redes sociales.

“Es un honor recibir The Public Medal Award de la Bienal de diseño de Londres“, dijo Olivero, “una instalación asombrosa que muestra de lo que estamos hechos los guatemaltecos”.

 

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Honored to receive The Public Medal Award at @london_design_biennale an amazing installation that shows what Guatemalans are really made of – I was fortunate enough to led the design efforts in collaboration with @sylvia_denburg and curator @cecilia_santamarina presented by @oliveroblandstudio which tells the story and impact of @pintandosantacatarinapalopo Much love and gratitude to amazing talents who have worked, created, developed and materialized an amazing exhibition. This award is to celebrate Guatemala , its culture, heritage, creativity and diversity. Visual Arts – @sade.designstudio Documentary – @chapinfilms – Photography @blahblahblahclick @mynorcaballeros Lighting Design @beam_ld – Assembly – @litestructures Logistics @jayhawkfineart @cpslogistics Special thanks to amazing team: @hwhitbeck @meliwhitbeck @smoreiragt @joannamatheu @juanoliverogt @gonzalo_pertile @blandthomas @claudiabosch @avelasquez_26 @krislhnh @lidiacumes @kmenocalc This installation is possible thanks to the support of: @cementos_progreso @armetgt @jaguarguatemala @dario.escobar @grupobuena @perenco @azasgua @cemaco @cpslogistics @tykespreschool @mesogoods @georgetennenbaum @karentennebaum @casapalopo @portahotelantigua @portahoteldellago – Ministerio de Economia – Ministerio de Relaciones Exteriores – Inguat #LDB18 Installation Photography @editphoto Medal Design @shimell_madden PR – @exposureuk #LDB18 #Guatemala #pintandoelcambio #palopo #designinstallation #artforchange #londondesignbiennale2018 #textiledesign

Una publicación compartida por Diego Olivero (@diegolivero) el 18 de Sep de 2018 a las 4:40 PDT

En el proyecto participaron 200 tejedoras guatemaltecas originarias de Santa Catarina Palopó, del departamento de Sololá, que mostró los colores, perspectivas e identidad de esa comunidad.

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Está inspirado, además, en el Lago de Atitlán y sus alrededores. Es, según los organizadores, una instalación interactiva que invita a los asistentes a la bienal a aprender del proyecto en Santa Catarina Palopó, desde una experiencia audiovisual y con miniaturas que interpretan los espacios de Santa Catarina Palopó.

Esa instalación se desprende del proyecto familiar promovido por Harris Whitbeck y su sobrina Melissa, quienes por medio de la pintura motivan un cambio en esa comunidad.

La London Design Biennale es una exhibición que reúne a 40 países, ciudades y terrotorios en un evento que se celebra en la Casa Somerset, en Londres, del 4 al 23 de septiembre.

El objetivo de la bienal es revelar cómo el diseño influencia nuestras emociones. Diseñadores, inventores y curadores se reúnen en la capital inglesa para conocer el impacto del diseño en cada uno de los aspectos de las vidas de las personas.

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Durante la actividad, se lanzará el segundo volumen de PRISMA, en el que se pueden apreciar obras de 40 fotógrafos nacionales emergentes. También habrá cine al aire libre, música en vivo, mapping, conversatorios y biblioteca móvil.

En el evento se presentará el Sistema de Orquestas de Guatemala, Kathy Palma, Ishto Juevez y Allonzo, entre otros.

De las aulas de La Fototeca se han formado  artistas reconocidos como Ana Werren, Margo Porres, Martín Wannam, Guillermo Gonzáles y Beatriz Zamora, cuyas obras se han expuesto en galerías nacionales e internacionales.

“Es una nueva generación de artistas contemporáneos que estamos viendo crecer en el país y lo estamos documentando a través de estas páginas y con el trabajo que ha realizado La Fototeca en estos últimos años”, indicó la directora Clara de Tezanos.

“Estamos hablando de temas más globales, más existenciales que nos embarcan en una  introspección que nos permite abordar conversaciones universales”, añade Tezanos.

Foto Prensa Libre: Sarah Caroline Müller / Cortesía La Fototeca

Foto Prensa Libre: Ligia García / Cortesía La Fototeca

Foto Prensa Libre: Kathy Bueso / Cortesía La Fototeca

Foto Prensa Libre: Adam Marroquín / Cortesía La Fototeca

Foto Prensa Libre: Carlos Montes / Cortesía La Fototeca

Foto Prensa Libre: Isabella Palomo / Cortesía La Fototeca

Foto Prensa Libre: Carlos Narciso / Cortesía La Fototeca

Foto Prensa Libre: Camila Juárez / Cortesía La Fototeca

Foto Prensa Libre: Andrea Osuna / Cortesía La Fototeca

¿Cómo asistir?

El evento será el sábado 15 de septiembre, de 11 a 23 horas, en el Museo de Arte Guatemala, 5a. Avenida Sur No. 40, Antigua Guatemala. La entrada es de Q100 e incluye una edición impresa del segundo volumen PRISMA. Se pueden adquirir en  La Fototeca, vía 6 3-56 zona 4, y en todoticket.com.

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En estos momentos y en este país, en que todo mundo se vuelve a agitar por la inveterada costumbre guatemalteca de hacer las cosas al revés, pareciera que no procede ocupar la atención con asuntos que no salgan en primera plana. Las cúpulas gobernantes, angustiadas con no perder su inmunidad. Los económicamente poderosos, llenos de ansiedad por no perder sus privilegios. Los sectores reaccionarios, asustados por el reconocimiento a la diversidad y la autodeterminación. Los que se escudan tras las armas, intimidados por la inteligencia y la razón. Los predicadores y los moralistas, atareados con disfrazar su perversión. Los desposeídos, siempre a punto de estallar sin lograrlo realmente. Mientras, florece la corrupción, abunda el “hay que hacer algo” y, desde su torre de marfil, cada cual no hace sino defender su precariedad, grande o pequeña.

Así, ¿qué tanto podría importar una efímera y torpe campaña publicitaria supuestamente diseñada para atraer a estudiantes universitarios? “Ya que no vas a volverte millonario cantando, #MejorEstudia en una de nuestras sedes y campus en todo el país”, decía el anuncio, infortunado y de semiótica extraviada. Pero todo tiene relación. En un entorno social conservador y pusilánime, no sorprende mucho que incluso un centro de formación superior acuda a clichés retrógrados de publicidad. Quizá sorprende un poco más que, en la cadena de mando de estos negocios, no haya habido uno que reflexionara lo suficiente para preguntarse lo obvio. ¿Quiénes son, en efecto, los millonarios? ¿Una mayoría de académicos, científicos y profesionales de la salud, de la educación, del derecho, de la construcción, de la tecnología? No precisamente. No son los que solían figurar en las páginas de color rosado en las antiguas guías telefónicas como licenciados, ingenieros y doctores. Son los que estaban —y siguen estando— en las páginas negras de la historia: políticos, mercaderes, explotadores y criminales, con uniforme y sin él. Allí es donde se conectan las dos cosas, cuando caemos en la cuenta que si las instituciones educativas no son capaces de dimensionar y valorar su propia razón de ser, ¿cómo va a hacerlo un grupo de improvisados, instalados en la administración pública por fuerzas oscuras y sanguinarias?

Por supuesto, la estrategia dio tan mal resultado desde el principio, que tuvieron que retirar la publicidad los mismos que la iniciaron. Probablemente, cuando se hable de recuerdos, ya fuera de contexto, aquello quedará como un resbalón sin mala fe y sin mayores consecuencias. Mas, si hablamos de este incidente como uno de las señales de una sociedad enferma –por leve que se antoje el síntoma–, empezaremos a comprender hacia dónde se dirige Guatemala y por qué. Desde esa óptica, el arte es entretenimiento nada más; permitir que los jóvenes se dediquen a él es fomentar la vagancia y la transgresión… En todo caso, para eso están los patéticos (digo: patrióticos) desfiles septembrinos en que los estudiantes desperdician (digo: invierten) buena parte del año escolar, en aras de una conciencia cínica (digo: cívica). Bajo esta lógica, en la universidad se deberán preparar para trabajar, devengar una paga y ganar dinero. Nada de pretender que se dediquen profesionalmente a la música, a la danza, a la pintura ni cuestión semejante, pues eventualmente encabezarán empresas y ocuparán cargos públicos. Pero, para entonces, el daño estará hecho.

Y es que, si ni siquiera estudiamos lo que decimos —y lo que decimos es la articulación de lo que pensamos (vale decir: ni siquiera pensamos antes de hablar), ¿a cuenta de qué le vamos a prescribir a alguien lo que debe estudiar o no estudiar?

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En este convergieron más de 350 educadores de todo el país para formarse con talleres artísticos e impartir las clases de Expresión artística estipuladas en el Currículo Nacional Base (CNB).

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Flor de María Armas, presidenta de la junta directiva de Clea Guatemala, expresó su satisfacción con el evento, en el que participaron artistas, maestros, y arte educadores de todo el territorio nacional, por ser un primer paso hacia la profesionalización de la educación artística.

“El departamento de Educación Artística del Ministerio de la Dirección General de Gestión de Calidad Educativa (Digecade) nos está apoyando con la convocatoria de docentes. La idea es que estos docentes regulares, que se encargan de impartir distintas artes y no tienen especialización, les estamos dando talleres de arte para darles herramientas artísticas”, explica Armas.

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Los talleres se impartieron por profesionales de cada rama, entre las cuales había dibujo, danza, música, pintura, expresión corporal, entre otras. La idea es que tanto profesores, como el público en general interesado, pueda tener un primer acercamiento al arte educación.

Además de eso, Clea, junto al Ministerio de Educación y de Cultura y la Organización de Estados Iberoamericanos, está implementando un plan piloto en 10 centros educativos donde se imparten tres sesiones de talleres de arte a la semana para docentes. En total participan 100 maestros.

“Este primer congreso viene a consolidar el programa. Aquí están recibiendo talleres complementarios. Además, se convocó a nivel nacional para que vinieran docentes de toda la república a capacitarse”, agrega Armas. Estos docentes que viajaron del interior del país fueron becados por el Mineduc.

Rina Flores, del Departamento de Educación Artística del Ministerio de Educación de la Dirección General de Calidad Educativa, explica que del término “Expresión Artística” se desprenden subáreas como: teatro, música, danza, movimiento creativo, medios audiovisuales, artes plásticas, fotografía y cine.

“Contamos a nivel nacional con maestros especializados en música, no tantos como requiere el sistema, pero sí se tienen. También tenemos algunos maestros que nos apoyan en las subáreas de teatro, danza y artes plásticas”, apunta Flores y agrega que para las materias como cine, donde no hay maestros especializados como lo requiere el CNB, se han implementado talleres y festivales de cine.

Flores asegura que hay dos grandes obstáculos para la arte educación: la falta de presupuesto y la resistencia de los participantes. El primero, explica Flores, lo han podido superar con colaboraciones con empresas privadas, organizaciones y entidades que trabajan por el arte. “La resistencia viene porque hay personas que ni siquiera saben qué es arte. Eso sí, una vez se les explica, esto se supera porque el arte encanta”, asegura.

Ante el reto de formar docentes especializados en cada una de las ramas de las artes, Flores asegura que el Ministerio de Educación tiene toda la disposición y coincide con Armas que Clea está gestionando las mesas de diálogo para implementar los bachilleratos en educación de arte, teatro y danza.

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Sara Curruchich y su éxito en Francia

Ixquiac (Quetzaltenango, 1947) estudió en la Escuela Nacional de Artes Plásticas Rafael Rodríguez Padilla, desde donde se especializó en el grabado y exploró el paisajismo.

Su primera exposición en Guatemala fue en 1976, pero su trabajo ya había alcanzado galerías y espacios en París, Francia.

“Era un artista excelente, de los más cotizados y de mejor calidad”, dijo Luis Pedro Solís, de la Galería El Túnel. “Fue una persona bastante culta”.

“Era muy dedicado con su trabajo. Respetaba muchísimo sus obras y el valor de ellas. Siempre priorizó la calidad y no la cantidad. Reflexionaba cada pieza y hasta que no estaba satisfecho, no las exponía. Nunca se cansaba de recorrer sus obras y explorar la estética”, agregó.

Dentro de las exposiciones destacadas de Ixquiac Xicará está Rata, que se presentó en 1980 y 1981, una analogía del sistema que tuvo el reto de representar a un animal despreciado con un aspecto estético y atractivo.

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Además también exploró África, la cultura negra y sus diferentes manifestaciones, lo que quedó plasmado, principalmente, en trabajos de acuarela.

“Se especializó en la acuarela y eso lo llevó a exponer en Costa Rica y El Salvador, además de varios países más”, comentó el artista Arnoldo Ramírez Amaya. “Eventualmente, nuestra profesión nos hizo amigos”.

Éxito internacional

En 1975, Rolando Ixquiac Xicará expuso en la casa de América Latina en París, Francia. Posteriormente llevó su trabajo a más ciudades de Europa y América.

Solís apunta que el artista guatemalteco tuvo una estancia importante en la Isla de Gorea, en Senegal, donde consolidó el interés hacia áfrica.

Entre sus premios están el entregado por el Salón Internacional Xerox, en Panamá y en el Festival Internacional de Cagnes-sur-Mer, en Francia, en 1979.

Sus últimas exposiciones estuvieron a la vista del público en 2014 y 2015, en la Galería El Túnel.

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